war ein japanischer Filmregisseur, Drehbuchautor, Erzeuger und Redakteur. Betrachtet als einer der wichtigsten und einflussreichen Filmemacher in der Geschichte des Kinos hat Kurosawa 30 Filme in einer Karriere geleitet, die 57 Jahre abmisst.

Kurosawa ist in die japanische Filmindustrie 1936 im Anschluss an eine kurze Einschränkung als ein Maler eingegangen. Nach Jahren des Arbeitens auf zahlreichen Filmen als ein Helfer-Direktor und Drehbuchautor hat er sein Debüt als ein Direktor 1943, während des Zweiten Weltkriegs mit dem populären Handlungsfilm Sanshiro Sugata gemacht (a.k.a. Judo-Saga). Nach dem Krieg hat der kritisch mit Jubel begrüßte Betrunkene Engel (1948), in dem Kurosawa dann unbekannten Schauspieler Toshirō Mifune in einer die Hauptrolle spielenden Rolle geworfen hat, den Ruf des Direktors als einer der wichtigsten jungen Filmemacher in Japan zementiert. Die zwei Männer würden fortsetzen, an weiteren 15 Filmen zusammenzuarbeiten.

Rashomon, welcher premiered in Tokio im August 1950, und der auch Mifune in der Hauptrolle gezeigt hat, am 10. September 1951, der Überraschungssieger des Goldenen Löwen an den Venediger Filmfestspielen geworden ist und nachher in Europa und Nordamerika veröffentlicht wurde. Der kommerzielle und kritische Erfolg dieses Films hat Westfilmmärkte zum ersten Mal zu den Produkten der japanischen Filmindustrie geöffnet, die der Reihe nach zu internationaler Anerkennung für andere japanische Filmemacher geführt hat. Im Laufe der 1950er Jahre und Anfang der 1960er Jahre hat Kurosawa ungefähr einen Film pro Jahr, einschließlich mehrerer hoch angesehener Filme wie Ikiru (1952), Sieben Samurais (1954) und Yojimbo (1961) geleitet. Nach der Mitte der 1960er Jahre ist er viel weniger fruchtbar geworden, aber seine spätere Arbeit — einschließlich seiner zwei Endepen, Kagemusha (1980) und ist (1985) Gelaufen — hat fortgesetzt, Preise, einschließlich des Palme d'Or für Kagemusha, obwohl öfter auswärts zu gewinnen, als in Japan.

1990 hat er den Oscar für das Lebenszu-Stande-Bringen akzeptiert. Postum wurde er "Asiaten des Jahrhunderts" in den "Künsten genannt, Literatur und Kultur" Kategorie durch die Zeitschrift AsianWeek und CNN, haben als "einer [fünf] Leute zitiert, die am meisten zur Verbesserung Asiens in den letzten 100 Jahren beigetragen haben".

Leben und Karriere

Kindheit und Jugend (1910-1935)

Kurosawa ist am 23. März 1910 in Ōimachi im Ōmori Bezirk Tokio geboren gewesen. Sein Vater Isamu, ein Mitglied einer ehemaligen Samurai-Familie von der Akita Präfektur, hat als der Direktor der niedrigeren Höheren Schule des Instituts der Leibeserziehung der Armee gearbeitet, während seine Mutter Shima aus einer Familie eines Großhändlers gekommen ist, die in Osaka lebt. Akira war das achte und jüngste Kind der gemäßigt wohlhabenden Familie mit zwei seiner Geschwister, die bereits zur Zeit seiner Geburt und eines Verstorbenen aufgewachsen sind, Kurosawa verlassend, um mit drei Schwestern und einem Bruder aufzuwachsen.

Zusätzlich zur Förderung der physischen Übung war Isamu Kurosawa für Westtraditionen offen und hat gedacht, dass Theater und Filme Bildungsverdienst hatte. Er hat seine Kinder dazu ermuntert, Filme zu beobachten; junger Akira hat sein erstes Kino im Alter von sechs Jahren angesehen. Ein wichtiger formender Einfluss war sein Grundschule-Lehrer Herr Tachikawa, dessen progressive Bildungsmethoden in seinem jungen Schüler zuerst eine Liebe der Zeichnung und dann eines Interesses an der Ausbildung im Allgemeinen entzündet haben. Während dieser Zeit hat der Junge auch Kalligrafie und Fechtkunst von Kendo studiert.

Ein anderer Hauptkindheitseinfluss war Heigo Kurosawa, der ältere Bruder von Akira um vier Jahre. Nach dem Großen Kantō Erdbeben von 1923, der Tokio verwüstet hat, hat Heigo den 13-jährigen Akira gebracht, um die Verwüstung anzusehen. Als der jüngere Bruder weg von den menschlichen Leichnamen und Tierrümpfen gestreut überall hat schauen wollen, hat Heigo ihm verboten, so, stattdessen ermutigender Akira zu tun, um seinen Ängsten gegenüberzustehen, indem er ihnen direkt gegenübergestanden hat. Einige Kommentatoren haben vorgeschlagen, dass dieses Ereignis die spätere künstlerische Karriere von Kurosawa beeinflussen würde, weil der Direktor selten zögernd war, um unangenehmen Wahrheiten in seiner Arbeit gegenüberzustehen.

Heigo war akademisch begabt, aber bald nach dem Scheitern, einen Platz in Tokios erster Höherer Schule zu sichern, hat er begonnen, sich vom Rest der Familie loszumachen, es vorziehend, sich auf sein Interesse an der Auslandsliteratur zu konzentrieren. Gegen Ende der 1920er Jahre ist Heigo ein benshi (stiller Filmerzähler) für Theater von Tokio geworden, Auslandsfilme zeigend, und hat schnell einen Namen für sich gemacht. Akira, der an diesem Punkt geplant hat, ein Maler zu werden, der in mit ihm und den zwei Brüdern bewegt ist, ist untrennbar geworden. Durch Heigo hat Akira nicht nur Filme sondern auch Theater und Zirkus-Leistungen verschlungen, während er seine Bilder ausgestellt hat und für die Liga der Linksproletarierkünstler gearbeitet hat. Jedoch ist er im Stande gewesen, ein Leben mit seiner Kunst nie zu machen, und, als er begonnen hat, den grössten Teil der Proletarierbewegung als "das Stellen unerfüllter politischer Ideale direkt auf die Leinwand wahrzunehmen," hat er seine Begeisterung für die Malerei verloren.

Mit der zunehmenden Produktion der Unterhaltung von Bildern am Anfang der 1930er Jahre haben Filmerzähler wie Heigo begonnen, Arbeit zu verlieren, und Akira ist in mit seinen Eltern zurückgekehrt. Im Juli 1933 hat Heigo Selbstmord begangen. Kurosawa hat sich über den anhaltenden Sinn des Verlustes geäußert, den er am Tod seines Bruders und dem Kapitel seiner Autobiografie gefühlt hat, die es — geschrieben fast ein halbes Jahrhundert beschreibt, nachdem das Ereignis — betitelt wird, "Eine Geschichte will ich nicht Erzählen." Nur vier Monate später ist der älteste Bruder von Kurosawa auch gestorben, Akira, mit 23, den einzigen der Brüder von Kurosawa verlassend, die noch zusammen mit seinen drei überlebenden Schwestern leben.

Direktor in der Ausbildung (1935-1941)

1935, das neue Filmstudio-Foto Chemische Laboratorien, bekannt als P.C.L. (der später das Hauptstudio, Toho geworden ist), angekündigt für Helfer-Direktoren. Obwohl er kein vorheriges Interesse am Film als ein Beruf demonstriert hatte, hat Kurosawa den erforderlichen Aufsatz vorgelegt, der Bewerber gebeten hat, die grundsätzlichen Mängel an japanischen Filmen zu besprechen und Weisen zu finden, sie zu überwinden. Seine halbspottende Ansicht bestand darin, dass, wenn die Mängel grundsätzlich waren, es keine Weise gab, sie zu korrigieren. Der Aufsatz von Kurosawa hat ihn ein Anruf verdient, die Anschlußprüfungen und den Direktor Kajirō abzulegen, Yamamoto, der unter den Prüfern war, hat eine Zuneigung Kurosawa gebracht und hat darauf bestanden, dass das Studio ihn anstellt. Der 25-jährige Kurosawa hat sich P.C.L. im Februar 1936 angeschlossen.

Während seiner fünf Jahre als ein Helfer-Direktor hat Kurosawa unter zahlreichen Direktoren gearbeitet, aber bei weitem war die wichtigste Zahl in seiner Entwicklung Kajiro Yamamoto. Seiner 24 Filme als n. Chr. hat er an 17 unter Yamamoto, vielen von ihnen Komödien gearbeitet, die den populären Schauspieler Kenichi Enomoto, bekannt als "Enoken" zeigen. Yamamoto hat das Talent von Kurosawa ernährt, ihn direkt vom dritten Helfer-Direktor dem Haupthelfer-Direktor nach einem Jahr fördernd. Die Verantwortungen von Kurosawa haben zugenommen, und er hat an Aufgaben im Intervall vom Bühne-Aufbau und der Filmentwicklung zum Positionskundschaften, dem Schrift-Polieren, den Proben, der Beleuchtung, der Nachsynchronisation, dem Redigieren und der Richtung der zweiten Einheit gearbeitet. Im letzten von den Filmen von Kurosawa als ein Helfer-Direktor, Pferd (Uma, 1941), hat Kurosawa den grössten Teil der Produktion übernommen, weil Yamamoto mit dem Schießen eines anderen Films besetzt wurde.

Ein wichtiger Ratschlag, den Yamamoto Kurosawa gegeben hat, war, dass ein guter Direktor screenwriting meistern musste. Kurosawa hat bald begriffen, dass der potenzielle Ertrag aus seinen Schriften viel höher war als, wofür er als ein Helfer-Direktor bezahlt wurde. Kurosawa würde später schreiben oder co-write alle seine eigenen Filme. Er hat auch oft Drehbuch für andere Direktoren geschrieben. Diese Außenseite scriptwriting würde Kurosawa als eine lukrative Nebenbeschäftigung dienen, die gut in die 1960er Jahre dauert, lange nachdem er weltberühmt geworden ist.

Kriegsfilme und Ehe (1942-1945)

In den zwei Jahren im Anschluss an die Ausgabe des Pferdes 1941 hat Kurosawa nach einer Geschichte gesucht, die er verwenden konnte, um seine Richtung der Karriere zu starten. Zum Ende von 1942, ungefähr ein Jahr nach dem Anfang von Japans Krieg mit den Vereinigten Staaten, hat Romanschriftsteller Tsuneo Tomita begeisterten Judo-Roman seines Musashi Miyamotos, Sanshiro Sugata, die Anzeigen veröffentlicht, für die Kurosawa gefesselt hat. Er hat das Buch an seinem Veröffentlichungstag gekauft, hat es in einem Sitzen verschlungen, und hat sofort Toho gebeten, die Filmrechte zu sichern. Der anfängliche Instinkt von Kurosawa hat sich richtig als innerhalb von ein paar Tagen erwiesen, drei anderes japanisches Hauptstudio hat sich auch bereit erklärt, die Rechte zu kaufen. Toho hat vorgeherrscht, und Kurosawa hat Vorproduktion auf seiner Debüt-Arbeit als Direktor begonnen.

Das Schießen von Sanshiro Sugata hat auf der Position in Yokohama im Dezember 1942 begonnen. Produktion ist glatt weitergegangen, aber das Bekommen des vollendeten Films vorbei an den Zensoren war eine völlig verschiedene Sache. Die Zensur hat die Arbeit als "zu britisch-amerikanisch" (eine Beschuldigung gleichbedeutend, damals, zu einer Anklage des Verrates) betrachtet, und es war nur durch das Eingreifen von Direktor Yasujiro Ozu, der den Film verfochten hat, dass Sanshiro Sugata schließlich für die Ausgabe am 25. März 1943 akzeptiert wurde. (Kurosawa hatte sich gerade 33 gedreht.) Der Film ist sowohl ein kritischer als auch kommerzieller Erfolg geworden. Dennoch würde sich das Zensur-Büro später dafür entscheiden, ungefähr 18 Minuten der Gesamtlänge auszuschneiden, von der viel jetzt verloren betrachtet wird.

Er hat sich als nächstes dem Thema von weiblichen Kriegsfabrikarbeitern im Schönsten, ein Propaganda-Film zugewandt, den er in einem Halbdokumentarstil Anfang 1944 gedreht hat. Um realistische Leistungen von seinen Schauspielerinnen zu schmeicheln, ließ der Direktor sie in einer echten Fabrik während des Schusses leben, das Fabrikessen essen und einander durch ihre Charakter-Namen nennen. Er würde ähnliche Methoden mit seinen Darstellern während seiner Karriere verwenden.

Während der Produktion wurde die Schauspielerin, die den Führer der Fabrikarbeiter, Yōko Yaguchis spielt, von ihren Kollegen gewählt, um ihre Anforderungen dem Direktor zu präsentieren. Sie und Kurosawa haben ständig in den Haaren gelogen, und es war durch diese Argumente, dass die zwei paradoxerweise nah geworden sind. Sie haben sich am 21. Mai 1945, mit Yaguchi zwei Monate schwanger verheiratet (sie hat nie ihre stellvertretende Karriere fortgesetzt), und das Paar würde zusammen bis zu ihrem Tod 1985 bleiben. Sie würden zwei Kinder haben: Ein Sohn, Hisao, geboren am 20. Dezember 1945, wer als Erzeuger auf einigen von den letzten Projekten seines Vaters und Kazuko, geboren am 29. April 1954 dienen würde, wer ein Kostüm-Entwerfer werden würde.

Kurz vor seiner Ehe wurde Kurosawa vom Studio gegen seinen Willen unter Druck gesetzt, eine Fortsetzung zu seinem Debüt-Film zu leiten. Der häufig offensichtlich propagandistische Sanshiro Sugata zweite Teil, der premiered im Mai 1945, wird allgemein als eines seiner sehr schwächsten Bilder betrachtet.

Kurosawa hat sich dafür entschieden, die Schrift für einen Film zu schreiben, der sowohl mit dem Zensor freundlich als auch weniger teuer sein würde, um zu erzeugen. Die Männer, Die auf den Schwanz des Tigers Treten, der auf Kabuki gestützt ist, spielen Kanjinchō und das Besternen des Komikers Enoken, mit dem Kurosawa häufig während seines Helfer-Direktors Tage gearbeitet hatte, wurde im September 1945 vollendet. Zu diesem Zeitpunkt hatte sich Japan ergeben, und der Beruf Japans hatte begonnen. Die neuen amerikanischen Zensoren haben die Werte interpretiert, die angeblich im Bild als gefördert sind, "allzu Feudal-" und haben die Arbeit verboten. (Es würde bis 1952, das Jahr nicht veröffentlicht ein anderer Film von Kurosawa, Ikiru, wurde auch veröffentlicht.) Komischerweise, während in der Produktion der Film bereits von japanischen Kriegszensoren als zu Westlich und "demokratisch" angefallen worden war (haben sie besonders den komischen Gepäckträger nicht gemocht, der von Enoken gespielt ist), so hätte der Film am wahrscheinlichsten nicht das Licht der Welt erblickt, selbst wenn der Krieg außer seiner Vollziehung weitergegangen hätte.

Zuerst Nachkriegsarbeiten (1946-1950)

Der Krieg hat jetzt geendet, Kurosawa, die demokratischen Ideale des Berufs absorbierend, hat sich bemüht, Filme zu machen, die eine neue Rücksicht zur Person und selbst gründen würden. Der erste derartige Film, Keine Reue für Unsere Jugend (1946), begeistert sowohl durch das 1933-Ereignis von Takigawa als auch durch den Kriegsspion-Fall von Hotsumi Ozaki, hat Japans Vorkriegsregime für seine politische Beklemmung kritisiert. Atypisch für den Direktor ist der heroische Hauptcharakter eine Frau, Yukie (Setsuko Hara), der in den Vorzug des oberen Mittelstands geboren ist, wer kommt, um ihre Werte in einer Zeit der politischen Krise infrage zu stellen. Die ursprüngliche Schrift musste umfassend umgeschrieben werden und wegen seines umstrittenen Themas (und weil die Hauptfigur eine Frau war), hat die vollendete Arbeit Kritiker geteilt, aber es hat dennoch geschafft, die Billigung von Zuschauern zu gewinnen, die Schwankungen auf dem Titel des Films ("Keine Reue für...") in etwas eines Nachkriegsslogans gedreht haben.

Sein folgender Film, Ein Wunderbarer Sonntag premiered im Juli 1947 zu Mischrezensionen. Es ist eine relativ unkomplizierte und sentimentale Liebesgeschichte, die sich mit einem verarmten Nachkriegspaar befasst, das versucht, innerhalb der Verwüstung des Nachkriegstokios, ihr einer wöchentlicher arbeitsfreier Tag zu genießen. Der Film trägt den Einfluss von Frank Capra, D. W. Griffith und F. W. Murnau. Ein anderer Film veröffentlicht 1947 mit der Beteiligung von Kurosawa war der Handlungsabenteuer-Thriller, die Schnee-Spur, die von Senkichi Taniguchi vom Drehbuch von Kurosawa geleitet ist. Es hat das Debüt des intensiven jungen Schauspielers Toshirō Mifune gekennzeichnet. Es war Kurosawa, der, mit seinem Mentor Yamamoto, dazwischengelegen hatte, um Toho zu überzeugen, Mifune während eines Hörvermögens zu unterzeichnen, in dem der junge Mann außerordentlich Kurosawa, aber geführt beeindruckt hat, um die meisten anderen Richter zu entfremden.

Betrunkener Engel wird häufig als die erste Hauptarbeit des Direktors betrachtet. Obwohl die Schrift, wie alle Arbeiten des Beruf-Zeitalters von Kurosawa, gezwungen durchgehen musste, schreibt wegen der amerikanischen Zensur um, Kurosawa hat gefunden, dass das der erste Film war, in dem er im Stande gewesen ist, sich frei zu äußern. Eine kiesig realistische Geschichte eines Arztes, der versucht, einen Gangster (yakuza) mit Tuberkulose zu retten, war es auch der erste Film des Direktors mit Toshirō Mifune, wer fortfahren würde, entweder die Hauptsache oder einen Major Charaktere in allen außer einem (Ikiru) der folgenden 16 Filme des Direktors zu spielen. Während Mifune als die Hauptfigur im Betrunkenen Engel, seine explosive Leistung nicht geworfen wurde, weil der Gangster so das Drama beherrscht, dass er den Fokus vom Titelcharakter, der alkoholische Arzt ausgewechselt hat, der von Takashi Shimura gespielt ist, der bereits in mehrerem Kino von Kurosawa erschienen war. Jedoch hat Kurosawa die riesige Lebenskraft des jungen Schauspielers nicht ersticken wollen, und der rebellische Charakter von Mifune hat Zuschauer auf viel die Weise elektrisiert, wie die aufsässige Positur von Marlon Brando amerikanische Filmzuschauer ein paar Jahre später erschrecken würde. Der Film premiered in Tokio im April 1948, um Rezensionen zu irrereden, und wurde durch die renommierte Kritiker-Wahl von Kinema Junpo als der beste Film seines Jahres, das erste von drei so zu beachtendem Kino von Kurosawa gewählt.

Kurosawa, mit dem Erzeuger Sōjirō Motoki und Mitdirektoren und Freunde Kajiro Yamamoto, Mikio Naruse und Senkichi Taniguchi, hat eine neue unabhängige Produktionseinheit genannt die Filmkunstvereinigung (Eiga Geijutsu Kyōkai) gebildet. Für die Debüt-Arbeit dieser Organisation und den ersten Film für das Studio von Daiei hat sich Kurosawa einem zeitgenössischen Spiel durch Kazuo Kikuta und zusammen mit Taniguchi zugewandt, hat es an den Schirm angepasst. Das Ruhige Duell hat Toshirō Mifune als ein idealistischer junger Arzt besternt, der mit Syphilis, einem absichtlichen Versuch durch Kurosawa kämpft, den Schauspieler weg davon zu brechen, als Gangster festgelegt zu werden. Veröffentlicht im März 1949 war es ein Kasse-Erfolg, aber wird allgemein als eines der kleineren Ergebnisse des Direktors betrachtet.

Sein zweiter Film von 1949, der auch von der Filmkunstvereinigung erzeugt ist und durch Shintōhō veröffentlicht ist, war Streuhund. Die berühmteste von den Arbeiten von Kurosawa von dieser Periode ist es ein Detektivfilm (vielleicht der erste wichtige japanische Film in diesem Genre), der die Stimmung Japans während seiner schmerzhaften Nachkriegswiederherstellung durch die Geschichte eines jungen Detektivs erforscht, der von Mifune und seiner Obsession über seine Pistole gespielt ist, die von einem mittellosen jungen Mann gestohlen ist, der fortfährt, es zu verwenden, um auszurauben und zu ermorden. Angepasst aus einem unveröffentlichten Roman von Kurosawa im Stil eines Lieblingsschriftstellers von seinem, Georges Simenons, war es die erste Kollaboration des Direktors mit dem Drehbuchautor Ryuzo Kikushima, der später zur Schrift acht anderen Filmen von Kurosawa helfen würde. Eine berühmte, eigentlich wortlose Folge, mehr als acht Minuten dauernd, zeigt sich dem Detektiv, der als ein verarmter Veteran verkleidet ist, die Straßen auf der Suche nach dem Pistole-Dieb wandernd; es hat wirkliche Dokumentargesamtlänge der kriegsverwüsteten Nachbarschaft von Tokio verwendet, die vom Freund von Kurosawa, Ishirō Honda, dem zukünftigen Direktor von Gojira (auch bekannt als, Godzilla) geschossen ist. Der Film wird als ein Vorgänger zur zeitgenössischen Polizei verfahrensrechtlich und Freund-Polizist-Filmgenres betrachtet.

Skandal, der von Shochiku im April 1950 veröffentlicht ist, wurde durch die persönlichen Erfahrungen des Direktors mit, und Wut zu, japanischer gelber Journalismus begeistert. Die Arbeit ist eine ehrgeizige Mischung des Gerichtssaal-Dramas und sozialen Problem-Films über die Redefreiheit und persönliche Verantwortung, aber sogar Kurosawa hat das Endprodukt als drastisch unkoordiniert und unbefriedigend betrachtet, und fast alle Kritiker stimmen zu.

Jedoch würde es der zweite Film von Kurosawa von 1950, Rashomon sein, der ihn ein ganzes neues Publikum schließlich gewinnen würde.

Internationale Anerkennung (1950-1958)

Nach dem Zielskandal wurde Kurosawa vom Studio von Daiei genähert, das den Direktor gebeten hat, einen anderen Film für sie zu machen. Kurosawa hat eine Schrift von einem strebenden jungen Drehbuchautor, Shinobu Hashimoto aufgepickt. (Sie würden schließlich neun Filme zusammen schreiben.) Hat es auf der experimentellen Novelle von Ryūnosuke Akutagawa In einem Wäldchen basiert, das den Mord an einem Samurai und die Vergewaltigung seiner Frau aus verschiedenen verschiedenen und widerstreitenden Gesichtspunkten nachzählt. Kurosawa hat Potenzial in der Schrift, und mit der Hilfe von Hashimoto, poliert gesehen und hat es ausgebreitet und hat es dann zu Daiei aufgestellt, die glücklich waren, das Projekt wegen seines niedrigen Budgets zu akzeptieren.

Das Schießen von Rashomon hat am 7. Juli 1950 und, nach der umfassenden Positionsarbeit im Urwald von Nara, gewickelt am 17. August begonnen. Gerade wurde eine Woche in der eiligen Postproduktion ausgegeben, die durch ein Studio-Feuer und den beendeten Film premiered an Tokios Reichstheater am 25. August behindert ist, sich landesweit am nächsten Tag ausbreitend. Der Film wurde durch lauwarme Rezensionen mit vielen Kritikern entsprochen, die durch sein einzigartiges Thema und Behandlung verwirrt sind, aber es war dennoch ein gemäßigter Finanzerfolg für Daiei.

Der folgende Film von Kurosawa, für Shochiku, war Der Idiot, eine Anpassung des Romans vom Lieblingsschriftsteller des Direktors, Fyodor Dostoyevsky. Der Filmemacher hat die Geschichte von Russland zu Hokkaido umgesiedelt, aber es ist dem Original, eine Tatsache sonst sehr treu, die von vielen Kritikern als gesehen ist, schädlich für die Arbeit. Ein Studio-beauftragter editiert hat es von der ursprünglichen Kürzung von Kurosawa von 265 Minuten (fast viereinhalb Stunden) zu gerade 166 Minuten verkürzt, den resultierenden Bericht außerordentlich schwierig machend, zu folgen. Wie man weit betrachtet, ist es heute eine der am wenigsten erfolgreichen Arbeiten des Direktors. Zeitgenössische Rezensionen waren sehr negativ, aber der Film war ein gemäßigter Erfolg an der Kasse, größtenteils wegen der Beliebtheit von einem seiner Sterne, Setsuko Haras.

Inzwischen, unbekannt Kurosawa, war in Rashomon in den renommierten Venediger Filmfestspielen, wegen der Anstrengungen von Giuliana Stramigioli, einem mit Sitz in Japan Vertreter einer italienischen Filmgesellschaft eingegangen worden, der gesehen und den Film bewundert und Daiei überzeugt hatte, es vorzulegen. Am 10. September 1951 wurde Rashomon dem höchsten Preis des Festes, dem Goldenen Löwen zuerkannt, nicht nur Daiei, aber die internationale Filmwelt erschütternd, die zurzeit größtenteils Japans mit den Jahrzehnten alte filmische Tradition nicht gewusst hat.

Nachdem Daiei sehr kurz einen untertitelten Druck des Films in Los Angeles ausgestellt hat, hat RKO Vertriebsrechte auf Rashomon in den Vereinigten Staaten gekauft. Die Gesellschaft nahm ein beträchtliches Glücksspiel. Es hatte nur einen vorherigen untertitelten Film auf dem amerikanischen Markt ausgestellt, und der einzige vorherige japanische in New York gewerblich veröffentlichte Tonfilm war die Komödie von Mikio Naruse, Frau gewesen! Seien Sie einem Erheben 1937 ähnlich: ein kritischer Misserfolg und Kassenmisserfolg. Jedoch war der kommerzielle Lauf von Rashomon, der außerordentlich durch starke Rezensionen von Kritikern und sogar dem Kolumnisten Ed Sullivan geholfen ist, sehr erfolgreich. (Es hat 35,000 $ in seinen ersten drei Wochen an einem einzelnen New Yorker Theater, eine fast unerhörte Summe zurzeit verdient.) Dieser Erfolg hat der Reihe nach zu einer Mode in Amerika für das japanische Kino im Laufe der 1950er Jahre geführt, die Begeisterung für das italienische neorealist Kino ersetzend. (Der Film wurde auch, von anderen Verteilern, in Frankreich, der Bundesrepublik Deutschland, Dänemark, Schweden und Finnland veröffentlicht.) Unter den japanischen Filmemachern, deren Arbeit infolgedessen begonnen hat, Festpreise und kommerzielle Ausgabe im Westen zu gewinnen, waren Kenji Mizoguchi (Das Leben von Oharu, Ugetsu, Sansho der Gerichtsvollzieher) und, etwas später, Yasujiro Ozu (Geschichte von Tokio, Ein Herbstnachmittag) — Künstler, die hoch in Japan, aber vor dieser Periode respektiert sind, die fast im Westen völlig unbekannt ist. Spätere Generationen von japanischen Filmemachern, die Beifall außerhalb Japans — von Nagisa Oshima und Shohei Imamura zu Juzo Itami, Takeshi Kitano und Takashi Miike finden würden — sind im Stande gewesen, die Tür durchzuführen, die Kurosawa allererst war, um zu öffnen.

Seine Karriere, die durch seine plötzliche internationale Berühmtheit, Kurosawa erhöht ist, hat sich jetzt mit seinem ursprünglichen Filmstudio, Toho wieder vereinigt (der fortsetzen würde, seine folgenden 11 Filme zu erzeugen), machen Sie sich auf seinem folgenden Projekt, Ikiru an die Arbeit. Die Filmstars Takashi Shimura als ein Krebs-gerittener Bürokrat von Tokio, Watanabe, auf einer Endsuche danach, vor seinem Tod zu bedeuten. Für das Drehbuch hat Kurosawa in Hashimoto sowie Schriftsteller Hideo Oguni gebracht, der zu co-write 12 Filme von Kurosawa weitergehen würde. Trotz des grimmigen Gegenstands der Arbeit haben die Drehbuchautoren eine satirische Annäherung genommen, die einige im Vergleich zur Arbeit von Brecht, sowohl zur bürokratischen Welt seines Helden als auch zur amerikanischen kulturellen Kolonisation Japans haben. (Amerikanische Schlager erscheinen prominent im Film.) Wegen dieser Strategie wird den Filmemachern gewöhnlich das Sparen des Bildes von der Art der Empfindsamkeit zugeschrieben, die für Dramen über Charaktere mit Endkrankheiten üblich ist. Ikiru hat sich im Oktober 1952 geöffnet, um Rezensionen zu irrereden — er hat Kurosawa sein zweiter Kinema Junpo "Bester Film" Preis — und enormer Kasse-Erfolg gewonnen. Es bleibt der am meisten mit Jubel begrüßte vom Filmsatz ganzen Künstlers im modernen Zeitalter.

Im Dezember 1952 hat Kurosawa seine Drehbuchautoren von Ikiru, Shinobu Hashimoto und Hideo Oguni für einen fünfundvierzigtägigen einsamen Wohnsitz an einem Gasthof genommen, um das Drehbuch für seinen folgenden Film, Sieben Samurais zu schaffen. Die Ensemble-Arbeit war der erste richtige Samurai-Film von Kurosawa, das Genre, wegen dessen er am berühmtesten werden würde. Die einfache Geschichte, über ein schlechtes Landwirtschaft-Dorf in der Periode von Sengoku Japan, das eine Gruppe des Samurais anstellt, um es gegen einen drohenden Angriff durch Banditen zu verteidigen, wurde eine volle epische Behandlung, mit einem riesigen Wurf gegeben (größtenteils aus Veteran der vorherigen Produktion von Kurosawa bestehend) und peinlich genau ausführliche Handlung, zu fast dreieinhalb Stunden der Schirm-Zeit ausstreckend.

Drei Monate wurden in der Vorproduktion und ein Monat in Proben ausgegeben. Das Schießen hat 148 Tage ausgebreitet fast ein Jahr aufgenommen, das durch die Produktion und finanzierenden Schwierigkeiten und die Gesundheitsprobleme von Kurosawa unterbrochen ist. Der Film hat sich schließlich im April 1954, ein halbes Jahr hinter seinem ursprünglichen Ausgabe-Datum und ungefähr dreimal über das Budget geöffnet, es zurzeit den teuersten japanischen jemals gemachten Film machend. (Jedoch, nach Standards von Hollywood, war es eine ganz bescheiden vorgesehene Produktion, sogar für diese Zeit). Der Film hat positive kritische Reaktion erhalten und ist ein großer Erfolg geworden, schnell zurück das Geld investiert darin machend und das Studio mit einem Produkt versorgend, dass sie gekonnt haben, und, Markt international getan haben — obwohl mit dem umfassenden editiert. Mit der Zeit — und mit den Theater- und Hausvideoausgaben der ungeschnittenen Version — ist sein Ruf fest gewachsen. Es wird jetzt von einigen Kommentatoren als der größte japanische Film jemals gemacht, und 1979 betrachtet, eine Wahl von japanischen Filmkritikern hat es auch zum besten japanischen jemals gemachten Film gewählt.

1954 verursachten Kerntests im Pazifik radioaktives stürmisches Regenwetter in Japan (das einzige Land jemals, um das Opfer einer Atombombardierung gewesen zu sein), und ein besonderes Ereignis hatte im März ein japanisches Fischerboot zum radioaktiven Kernniederschlag mit unglückseligen Ergebnissen ausgestellt. Es ist in dieser besorgten Atmosphäre, dass der folgende Film von Kurosawa, Aufzeichnung eines Wesens, konzipiert wurde. Die Geschichte hat einen ältlichen Fabrikeigentümer der Aussicht eines Kernangriffs so erschreckter (Toshirō Mifune) betroffen, dass er entschlossen wird, seine komplette Großfamilie (sowohl gesetzlich als auch außerehelich) dazu zu bewegen, was er sich vorstellt, ist die Sicherheit einer Farm in Brasilien. Produktion ist viel glatter gegangen als der vorherige Film des Direktors, aber ein paar Tage vor dem beendeten Schießen sind der Komponist von Kurosawa, Mitarbeiter und enger Freund Fumio Hayasaka (Tuberkulose) im Alter von nur 41 vergangen. Die Kerbe des Films wurde vom Studenten von Hayasaka, Masaru Satō beendet, der fortsetzen würde, alle folgenden acht Filme von Kurosawa einzukerben. Die Aufzeichnung eines Wesens hat sich im November 1955 zu Mischrezensionen und gedämpfter Publikum-Reaktion geöffnet, der erste Film von Kurosawa werdend, um Geld während seines ursprünglichen Theaterlaufs zu verlieren. Heute, wie man betrachtet, ist es von vielen unter den feinsten Filmen, die sich mit den psychologischen Effekten des globalen Kernpatts befassen.

Das folgende Projekt von Kurosawa, Thron des Bluts, eine großzügig erzeugte Anpassung von Macbeth von William Shakespeare — Satz, wie Sieben Samurais, im Sengoku Zeitalter — haben eine ehrgeizige Umstellung der englischen Arbeit in einen asiatischen Zusammenhang vertreten. Kurosawa hat seine Hauptschauspielerin, Isuzu Yamada beauftragt, die Arbeit zu betrachten, als ob es eine filmische Version eines Japaners aber nicht eines europäischen literarischen Klassikers war. Passend zieht das Handeln der Spieler, besonders Yamadas, schwer die stilisierten Techniken des Theaters von Noh an. Es wurde 1956 gefilmt und im Januar 1957 zu einer ein bisschen weniger negativen Innenantwort veröffentlicht, als mit dem vorherigen Film des Direktors der Fall gewesen war. Auswärts hat der Thron des Bluts, unabhängig von den Freiheiten, die es mit seinem Quellmaterial nimmt, schnell einen Platz unter den berühmtesten Anpassungen von Shakespeare verdient.

Eine andere Anpassung einer klassischen europäischen Theaterarbeit ist fast sofort mit der Produktion Der Niedrigeren Tiefen gefolgt, die auf einem Spiel durch Maxim Gorky gestützt sind, im Mai und Juni 1957 stattfindend. Im Gegensatz zum riesigen Spielraum und Kehren des Throns des Bluts, Je Niedrigere Tiefen auf nur zwei beschränkten Sätzen geschossen wurden, desto man besser die eingeschränkte Natur der Leben der Charaktere betont. Obwohl treu, dem Spiel wurde diese Anpassung des russischen Materials zu einer völlig japanischen Einstellung — in diesem Fall, die späte Periode von Edo — verschieden von seinem früher Der Idiot, als künstlerisch erfolgreich betrachtet. Der Film premiered im September 1957, eine Mischantwort erhaltend, die diesem des Throns des Bluts ähnlich ist. Jedoch reihen einige Kritiker es unter den am meisten unterschätzten Arbeiten des Direktors auf.

Das drei Konsekutivkino von Kurosawa nach Sieben Samurais hatte nicht geschafft, japanische Zuschauer in der Weise festzunehmen, wie dieser Film hatte. Die Stimmung der Arbeit des Direktors war immer pessimistischer und dunkel, mit der Möglichkeit der Tilgung durch die persönliche Verantwortung jetzt sehr viel infrage gestellt, besonders im Thron des Bluts und Der Niedrigeren Tiefen gewachsen. Er hat das anerkannt, und hat absichtlich auf einen fröhlicheren und unterhaltenden Film auf seine folgende Produktion gezielt, während er auf das neue Widescreen-Format umgeschaltet hat, das Beliebtheit in Japan gewonnen hatte. Der resultierende Film, Die Verborgene Festung, ist ein Handlungsabenteuer-Lustspiel über eine mittelalterliche Prinzessin, ihren loyalen General und zwei Bauern, die das ganze Bedürfnis, durch feindliche Linien zu reisen, um ihr Hausgebiet zu erreichen. Veröffentlicht im Dezember 1958 ist Die Verborgene Festung ein enormer Kasse-Erfolg in Japan geworden und wurde von Kritikern warm erhalten. Heute wird der Film als eine der leichtesten Anstrengungen von Kurosawa betrachtet, obwohl es populär nicht zuletzt bleibt, weil es einer von mehreren Haupteinflüssen ist (weil George Lucas selbst zugegeben hat) auf der ungeheuer populären 1977-Raumoper von Lucas.

Geburt einer Gesellschaft und das Ende eines Zeitalters (1959-1965)

Mit Rashomon anfangend, war die Produktion von Kurosawa immer größer im Spielraum geworden und hatte so die Budgets des Direktors. Toho, der über diese Entwicklung betroffen ist, hat vorgeschlagen, dass er helfen könnte, seine eigenen Arbeiten zu finanzieren, deshalb die potenziellen Verluste des Studios kleiner machend, während er der Reihe nach sich künstlerischere Freiheit als Co-Erzeuger erlaubt hat. Kurosawa hat zugestimmt, und Kurosawa Production Company wurde im April 1959 mit Toho als Mehrheitsaktionär gegründet.

Trotz jetzt des Riskierens seines eigenen Geldes hat Kurosawa eine Geschichte gewählt, die gegenüber den japanischen politischen und Geschäftseliten mehr direkt kritisch ist als einige seiner vorherigen Arbeiten. Der Schlechte Schlaf So, der auf einer Schrift vom Neffen von Kurosawa Mike Inoue gestützt ist, ist ein Rache-Drama über einen jungen Mann, der die Hierarchie einer korrupten japanischen Gesellschaft mit der Absicht besteigt, die für den Tod seines Vaters verantwortlichen Männer auszustellen. Sein Thema hat sich aktuell erwiesen: Während der Film serienmäßig hergestellt wurde, Massendemonstrationen dem neuen Sicherheitsvertrag der Vereinigten-Staaten-Japans vorgeworfen wurden, der von vielen Japanern, besonders dem Jungen, als das Bedrohen der Demokratie des Landes durch das Geben von zu viel Macht zu Vereinigungen und Politikern gesehen wurde. Der Film hat sich im September 1960 zur positiven kritischen Reaktion und dem bescheidenen Kasse-Erfolg geöffnet. Die 25-minutige öffnende Folge, einen korporativen Hochzeitsempfang zeichnend, der von Reportern und Polizei unterbrochen ist (die einen Manager wegen der Bestechung anhalten), wird als eines der am geschicktesten durchgeführten Satz-Stücke von Kurosawa weit betrachtet, aber der Rest des Films wird häufig als enttäuschend vergleichsweise wahrgenommen. Der Film ist auch dafür kritisiert worden, den herkömmlichen Helden von Kurosawan anzustellen, um ein soziales Übel zu bekämpfen, das durch die Handlungen von Personen nicht aufgelöst, jedoch mutig oder schlau werden kann.

Yojimbo (Der Leibwächter), Kurosawas zweiter Film der Produktion, Zentren auf einem masterless Samurai, Sanjuro, der in eine Stadt des 19. Jahrhunderts schlendert, die von zwei gegenüberliegenden gewaltsamen Splittergruppen geherrscht ist, und sie ins Zerstören von einander provoziert. Der Direktor hat diese Arbeit verwendet, um mit vieler Genre-Vereinbarung, besonders das Westliche zu spielen, während er sich zur gleichen Zeit beispiellos (für den japanischen Schirm) grafische Beschreibung der Gewalt geboten hat. Einige Kommentatoren haben den Charakter von Sanjuro in diesem Film als eine Fantasie-Zahl gesehen, die magisch den historischen Triumph der korrupten Handelsklasse über die Samurai-Klasse umkehrt. Als er Tatsuya Nakadai in seiner ersten Hauptrolle in einem Film von Kurosawa, und mit der innovativen Fotografie durch Kazuo Miyagawa gezeigt hat (wer Rashomon geschossen hat) und Takao Saito, war der Film premiered im April 1961 und ein riesiger Erfolg an der Kasse, mehr verdienend, als jeder vorherige Film von Kurosawa. Kritische Reaktion war ebenso positiv, und der Film hat einen Haupteinfluss auf sein Genre in Japan bewiesen, in einem neuen Zeitalter von ultragewaltsamen Samurai-Filmen hineinführend, die als "grausame Filme" (zankoku eiga) bekannt sind. Der Film und sein schwarzer komischer Ton wurden auch auswärts — Sergio Leone weit imitiert Eine Hand voll Dollars war ein virtuelles (unerlaubtes) Szene-für-Szene-Remake — aber die meisten geben zu, dass das Original von Kurosawa als die Imitationen höher war.

Im Anschluss an den Erfolg von Yojimbo hat sich Kurosawa gefunden, dass unter dem Druck von Toho eine Fortsetzung geschaffen hat. Kurosawa hat sich einer Schrift zugewandt, die er vor Yojimbo geschrieben hatte, es nacharbeitend, um den Helden seines vorherigen Films einzuschließen. Sanjuro war von drei Filmen von Kurosawa erst, die von der Arbeit des Schriftstellers Shūgorō Yamamoto anzupassen sind (andere würden Red Beard und Dodeskaden sein). Es ist im Ton leichter und an einem herkömmlichen Periode-Film näher als Yojimbo, obwohl seine Geschichte eines Machtkampfs innerhalb eines Samurai-Clans mit stark komischen gedämpften Tönen porträtiert wird. Der Film hat sich am 1. Januar 1962 geöffnet, schnell den Kasse-Erfolg von Yojimbo übertreffend und positive Rezensionen speichernd.

Kurosawa hatte inzwischen Toho beauftragt, die Filmrechte auf das Lösegeld des Königs, einen Roman über ein Kidnapping zu kaufen, das vom amerikanischen Autor und Drehbuchautor Evan Hunter unter seinem Pseudonym von Ed McBain als eine seiner 87. Umgebungsreihen von Verbrechen-Büchern geschrieben ist. Der Direktor hat vorgehabt, ein Arbeitsverurteilen-Kidnapping zu schaffen, das er als eines der sehr schlechtesten Verbrechen gedacht hat. Der Spannungsfilm, betitelt Hoch und Niedrig, wurde während der letzten Hälfte von 1962 gedreht und im März 1963 veröffentlicht. Es hat die Kasse-Aufzeichnung von Kurosawa (der dritte Film hintereinander gebrochen, um so zu tun), ist der höchste brutto verdienende japanische Film des Jahres geworden und hat glühende Rezensionen gewonnen. Jedoch wurde sein Triumph etwas getrübt, als, ironisch, der Film für eine Welle von Kidnappings verantwortlich gemacht wurde, die in Japan ungefähr um diese Zeit vorgekommen sind (er selbst hat Kidnapping von Drohungen erhalten, die an seiner jungen Tochter, Kazuko geleitet sind). Obwohl nicht sehr gut bekannt heute, Hoch und dennoch Niedrig von vielen Kommentatoren betrachtet wird, unter den stärksten Arbeiten des Direktors zu sein.

Kurosawa ist schnell zu seinem folgenden Projekt, Rotem Bart weitergegangen. Gestützt auf einer Novelle-Sammlung durch Shūgorō Yamamoto und sich vereinigende Elemente aus dem Roman von Dostoyevsky Das Beleidigte und Verletzte ist es ein Periode-Film, der in einer Klinik der Mitte des 19. Jahrhunderts für die Armen gesetzt ist, in denen die humanistischen Themen von Kurosawa vielleicht ihre vollste Behauptung erhalten. Ein eingebildeter und materialistischer, auslandserzogener junger Arzt, Yasumoto, wird gezwungen, ein Internierter an der Klinik unter dem strengen Unterricht von Arzt Niide, bekannt als "Akahige" ("Roter Bart") zu werden, von Mifune gespielt. Obwohl er Rotem Bart am Anfang widersteht, kommt Yasumoto, um seinen Verstand und Mut zu bewundern, und die Patienten an der Klinik wahrzunehmen, die er zuerst, als würdig des Mitfühlens und der Dignität verachtet hat.

Yūzō Kayama, wer Yasumoto spielt, war ein äußerst populärer Film- und Musik-Stern zurzeit, besonders für seinen "Young Guy" (Wakadaishō) die Reihe von musikalischen Komödien, so ihn unterzeichnend, um im Film zu erscheinen, hat eigentlich Kurosawa starke Kasse versichert. Der Schuss, der Filmemacher am längsten jemals, hat gut mehr als ein Jahr (nach fünf Monaten der Vorproduktion) gedauert, und hat sich im Frühling 1965 eingehüllt, den Direktor verlassend, seine Mannschaft und seine Schauspieler haben ausgeströmt. Roter Bart premiered im April 1965, die im höchsten Maße brutto verdienende japanische Produktion des Jahres und das dritte (und letzt) Film von Kurosawa werdend, um renommierten Kinema Jumpo jährliche Kritiker zu übersteigen, stimmt ab. Es bleibt eine von den am besten bekannten und am meisten geliebten Arbeiten von Kurosawa in seinem Vaterland. Außerhalb Japans sind Kritiker viel mehr geteilt worden. Die meisten Kommentatoren geben seine technischen Verdienste und etwas Lob es als unter am besten Kurosawa zu, während andere darauf bestehen, dass es an Kompliziertheit und echter Bericht-Macht, mit noch anderen Mangel hat, die behaupten, dass es einen Rückzug vom vorherigen Engagement des Künstlers bis soziale und politische Änderung vertritt.

Der Film hat etwas eines Endes eines Zeitalters für seinen Schöpfer gekennzeichnet. Der Direktor selbst hat das zur Zeit seiner Ausgabe anerkannt, Kritiker Donald Richie erzählend, dass ein Zyklus von einer Art gerade abgelaufen war, und dass seine zukünftigen Filme und Produktionsmethoden verschieden sein würden. Seine Vorhersage hat sich ziemlich genau erwiesen. Gegen Ende der 1950er Jahre beginnend, hat Fernsehen zunehmend begonnen, die Freizeit des früher großen und loyalen japanischen Kino-Publikums zu beherrschen. Und als Filmfirmeneinnahmen, so ihr Appetit auf die Gefahr — besonders die durch die kostspieligen Produktionsmethoden von Kurosawa vertretene Gefahr gefallen sind.

Roter Bart hat auch auf halbem Wege Punkt chronologisch in der Karriere des Künstlers gekennzeichnet. Während seiner vorherigen neunundzwanzig Jahre in der Filmindustrie (der seine fünf Jahre als Helfer-Direktor einschließt) hatte er dreiundzwanzig Filme geleitet, während während der restlichen achtundzwanzig Jahre, für viele und komplizierte Gründe, er noch nur sieben vollenden würde. Außerdem aus Gründen nie entsprechend würde erklärter, Roter Bart sein Endfilm sein, der Toshirō Mifune besternt. Yu Fujiki, ein Schauspieler, der an Den Niedrigeren Tiefen, beobachtet bezüglich der Nähe der zwei Männer auf dem Satz gearbeitet hat, "war das Herz von Herrn Kurosawa im Körper von Herrn Mifune." Donald Richie hat die enge Beziehung zwischen ihnen als eine einzigartige "Symbiose" beschrieben. Eigentlich geben alle Kritiker zu, dass die stärkste Periode der Karriere von Kurosawa diejenige zwischen 1950 und 1965 — bookended durch Rashomon und Red Beard war — und dass es nicht ein Zufall ist, dass diese Phase fast genau zur Zeit entspricht, dass er und Mifune zusammengearbeitet haben.

Umweg von Hollywood (1966-1968)

Als der exklusive Vertrag von Kurosawa mit Toho 1966 abgelaufen ist, dachte der 56-jährige Direktor über Änderung ernstlich nach. Als sie den beunruhigten Staat der Innenfilmindustrie beobachtet hat, und bereits Dutzende von Angeboten aus dem Ausland erhalten hatte, hat die Idee, außerhalb Japans zu arbeiten, an ihn als nie vorher appelliert.

Für sein erstes Auslandsprojekt hat Kurosawa eine auf einem Zeitschrift-Artikel Life gestützte Geschichte gewählt. Der Handlungsthriller von Embassy Pictures, um in Englisch gefilmt und einfach Flüchtigen Zug genannt zu werden, wäre sein erstes in der Farbe gewesen. Aber die Sprachbarriere hat ein Hauptproblem bewiesen, und die englische Version des Drehbuches wurde nicht sogar beendet, als das Filmen im Herbst 1966 beginnen sollte. Der Schuss, der Schnee verlangt hat, wurde zum Herbst 1967 bewegt, hat dann 1968 annulliert. Fast zwanzig Jahre später würde ein anderer Ausländer, der in Hollywood, Andrei Konchalovsky arbeitet, schließlich Flüchtigen Zug, obwohl aus einer von Kurosawa völlig verschiedenen Schrift machen.

Der Direktor war inzwischen beteiligt an einem viel ehrgeizigeren Projekt von Hollywood geworden. Tora! Tora! Tora!, erzeugt durch 20th Century Fox und Produktion von Kurosawa, würde eine Beschreibung des japanischen Angriffs auf den Perle-Hafen sowohl vom Amerikaner als auch von den japanischen Gesichtspunkten, mit Kurosawa helming die japanische Hälfte und ein englisch sprechender Filmemacher sein, der die amerikanische Hälfte leitet. Er hat mehrere Monate ausgegeben, an der Schrift mit Ryuzo Kikushima und Hideo Oguni arbeitend, aber sehr bald hat das Projekt begonnen aufzugehen. Der Direktor, der gewählt ist, um die amerikanischen Folgen zu filmen, hat sich erwiesen, der renommierte englische Filmemacher David Lean nicht zu sein, weil die Erzeuger Kurosawa dazu gebracht hatten zu glauben, aber der viel weniger berühmte spezielle Effekten-Experte, Richard Fleischer. Das Budget wurde auch geschnitten, und die für das japanische Segment zugeteilte Schirm-Zeit würde jetzt nicht mehr sein als 90 Minuten — ein Hauptproblem, denkend, dass die Schrift von Kurosawa vier Stunden durchgegangen hat. Nach zahlreichen Revisionen war ein mehr oder weniger beendetes Kürzungsdrehbuch im Mai 1968 vereinbart. Das Schießen hat Anfang Dezember begonnen, aber Kurosawa würde nur etwas mehr als drei Wochen als Direktor dauern. Er hat sich angestrengt, mit einer fremden Mannschaft und den Voraussetzungen einer Produktion von Hollywood zu arbeiten, während seine Arbeitsmethoden seine amerikanischen Erzeuger verwirrt haben, die schließlich beschlossen haben, dass der Direktor geisteskrank sein muss. Am Weihnachtsabend 1968 haben die Amerikaner bekannt gegeben, dass Kurosawa die Produktion wegen "Erschöpfung" verlassen hatte, effektiv ihn entlassend. (Er, wurde für die japanischen Folgen des Films, mit zwei Direktoren, Kinji Fukasaku und Toshio Masuda schließlich ersetzt.)

Tora! Tora! Tora!, schließlich veröffentlicht zu Rezensionen ohne Begeisterung im September 1970, war, wie Donald Richie, eine "fast ungemilderte Tragödie" in der Karriere von Kurosawa gesagt hat. Er hatte Jahre seines Lebens auf einem logistisch grauenhaften Projekt ausgegeben, zu dem er schließlich keinen Fuß des Filmschusses allein beigetragen hat. (Er hat seinen Namen von den Krediten entfernen lassen, obwohl die für die japanische Hälfte verwendete Schrift noch sein und seine Co-Schriftsteller war.) Ist er getrennt lebend von seinem langfristigen Mitarbeiter, Schriftsteller Ryuzo Kikushima geworden, und hat nie mit ihm wieder gearbeitet. Das Projekt hatte Bestechung in seiner eigenen Produktionsgesellschaft (eine Situation unachtsam ausgestellt, die an seinen eigenen Film, Der Schlechte Schlaf Gut erinnernd ist). Seine wirkliche Vernunft war in Zweifel gezogen worden. Am schlechtesten von allen, der japanischen Filmindustrie — und vielleicht hat der Mann selbst — begonnen zu vermuten, dass er einen anderen Film nie machen würde.

Ein schwieriges Jahrzehnt (1969-1977)

Das Wissen, dass sein Ruf im Anschluss an viel veröffentlichten Tora auf dem Spiel gestanden ist! Tora! Tora! Katastrophe, Kurosawa hat sich schnell zu einem neuen Projekt bewegt zu beweisen, dass er noch lebensfähig war. Zu seiner Hilfe ist Freunde und berühmte Direktoren Keisuke Kinoshita gekommen, Masaki Kobayashi und Kon Ichikawa, der zusammen mit Kurosawa im Juli 1969 eine Produktionsgesellschaft eingesetzt hat, haben den Klub der Vier Ritter (Yonki kein kai) genannt. Obwohl der Plan für die vier Direktoren war, um einen Film jeder zu schaffen, ist es darauf hingewiesen worden, dass die echte Motivation für die anderen drei Direktoren es leichter für Kurosawa machen sollte, einen Film erfolgreich zu vollenden, und deshalb seinen Weg zurück ins Geschäft zu finden.

Das erste Projekt hat vorgehabt und hat daran gearbeitet war ein Periode-Film, der Dora-Heita zu nennen ist, aber als das zu teuer, Aufmerksamkeit gehalten wurde, die zu Dodesukaden, einer Anpassung noch einer anderen Shūgorō Arbeit von Yamamoto wieder über die Armen ausgewechselt ist und mittellos ist. Der Film wurde schnell (durch die Standards von Kurosawa) in ungefähr neun Wochen mit Kurosawa gedreht, der beschlossen ist zu zeigen, dass er noch zum Arbeiten schnell und effizient innerhalb eines beschränkten Budgets fähig war. Für seine erste Arbeit in der Farbe haben das dynamische Redigieren und die komplizierten Zusammensetzungen seiner früheren Bilder mit dem Künstler beiseite gestellt, der sich auf die Entwicklung einer kühnen, fast surrealen Palette von primären Farben konzentriert, um die toxische Umgebung zu offenbaren, in der die Charaktere leben. Es wurde in Japan im Oktober 1970 veröffentlicht, aber obwohl ein geringer kritischer Erfolg, es mit der Publikum-Teilnahmslosigkeit gegrüßt wurde. Das Bild hat Geld verloren und hat den Klub der Vier Ritter veranlasst sich aufzulösen. Anfänglicher Empfang auswärts war etwas günstiger, aber Dodesukaden ist normalerweise als ein interessantes mit der besten Arbeit des Direktors nicht vergleichbares Experiment seitdem betrachtet worden.

Unfähig, Finanzierung für die weitere Arbeit und angeblich das Leiden von Gesundheitsproblemen zu sichern, hat Kurosawa anscheinend den kritischen Punkt erreicht: Am 22. Dezember 1971 hat er seine Handgelenke und Hals mehrmals aufgeschlitzt. Der Selbstmordversuch hat sich erfolglos und die Gesundheit des Direktors wieder erlangt ziemlich schnell mit Kurosawa erwiesen, der jetzt im Innenleben, unsicher Zuflucht nimmt, wenn er jemals einen anderen Film leiten würde.

Anfang 1973 das sowjetische Studio hat sich Mosfilm dem Filmemacher genähert, um zu fragen, ob er sich für das Arbeiten mit ihnen interessieren würde. Kurosawa hat eine Anpassung der autobiografischen Arbeit des russischen Forschers Vladimir Arsenyev Dersu Uzala vorgeschlagen. Das Buch, über einen Jäger von Goldi, der in der Harmonie mit der Natur, bis zerstört, durch die vordringende Zivilisation lebt, war dasjenige, das er seit den 1930er Jahren hatte machen wollen. Im Dezember 1973 ist der 63-jährige Kurosawa nach der Sowjetunion mit vier seiner nächsten Helfer abgefahren, das Beginnen einundeinhalb Jahre bleibt im Land. Das Schießen hat im Mai 1974 in Sibirien mit dem Filmen in außerordentlich harten natürlichen Bedingungen begonnen, die sich sehr schwierig und anspruchsvoll erweisen. Das Bild hat sich im April 1975 mit einem völlig erschöpften und heimwehkranken Kurosawa eingehüllt, der nach Japan und seiner Familie im Juni zurückkehrt. Dersu Uzala hatte seine Weltpremiere in Japan am 2. August 1975, und ist an der Kasse gesund gewesen. Während der kritische Empfang in Japan gedämpft wurde, wurde der Film auswärts besser nachgeprüft, Moskau der Goldene Preis der internationalen Filmfestspiele, sowie ein Oscar für den Besten fremdsprachigen Film gewinnend. Heute bleiben Kritiker geteilt über den Film: Einige sehen es als ein Beispiel des angeblichen künstlerischen Niedergangs von Kurosawa, während andere es unter seinen feinsten Arbeiten aufzählen.

Obwohl Vorschläge für Fernsehprojekte zu ihm vorgelegt wurden, hatte er kein Interesse am Arbeiten außerhalb der Filmwelt. Dennoch ist der hart trinkende Direktor wirklich bereit gewesen, in einer Reihe von Fernsehanzeigen für Whisky von Suntory zu erscheinen, der 1976 gelüftet hat. Während er gefürchtet hat, dass er nie im Stande sein könnte, einen anderen Film zu machen, hat der Direktor dennoch fortgesetzt, an verschiedenen Projekten zu arbeiten, Schriften schreibend und ausführlich berichtete Illustrationen schaffend, vorhabend, eine Sehaufzeichnung seiner Pläne zurückzulassen, im Falle dass er nie im Stande sein würde, seine Geschichten zu filmen.

Zwei Epen (1978-1986)

1977 hatte der amerikanische Direktor George Lucas, ein wild erfolgreicher Sciencefictionsfilm unter Einfluss Kurosawas Die Verborgene Festung unter anderen Arbeiten veröffentlicht. Lucas, wie viele andere Neue Direktoren von Hollywood, hat Kurosawa verehrt und hat ihn als ein Vorbild betrachtet und wurde erschüttert zu entdecken, dass der japanische Filmemacher unfähig war, Finanzierung für jede neue Arbeit zu sichern. Die zwei haben sich in San Francisco im Juli 1978 getroffen, um das Projekt Kurosawa überlegt am meisten finanziell lebensfähig zu besprechen: Kagemusha, die epische Geschichte eines Diebs hat als der doppelte von einem mittelalterlichen Japaner Herr eines großen Clans gemietet. Lucas, der durch das Drehbuch und die Illustrationen von Kurosawa bezaubert ist, hat seinen Einfluss über 20th Century Fox gestärkt, um das Studio zu zwingen, das Kurosawa gerade zehn Jahre früher entlassen hatte, um Kagemusha, dann rekrutierter Mitanhänger Francis Ford Coppola als Co-Erzeuger zu erzeugen.

Produktion hat im nächsten April mit Kurosawa in der Hochstimmung begonnen. Das Schießen hat vom Juni 1979 bis März 1980 gedauert und wurde mit Problemen, nicht geplagt, von dem meist die Zündung des ursprünglichen Leitungsschauspielers, Shintaro Katsu — Schöpfers des sehr populären Charakters von Zatoichi — wegen eines Ereignisses war, in dem der Schauspieler gegen die Wünsche des Direktors bestanden hat, seine eigene Leistung aufnehmend. (Er wurde von Tatsuya Nakadai in seiner ersten von zwei Konsekutivhauptrollen in einem Film von Kurosawa ersetzt.) Der Film wurde nur ein paar Wochen hinter der Liste vollendet und hat sich in Tokio im April 1980 geöffnet. Es ist schnell ein massiver Erfolg in Japan geworden. Der Film war auch ein kritischer Erfolg und Kasse-Erfolg auswärts, den begehrten Palme d'Or an den Cannes 1980-Filmfestspielen im Mai gewinnend, obwohl einige Kritiker, dann und jetzt, faulted der Film für seine angebliche Kälte haben. Kurosawa hat viel vom Rest des Jahres in der Förderung von Europa und Amerika Kagemusha, dem Sammeln von Preisen und Ritterschlägen und dem Ausstellen so Kunst-die Zeichnungen ausgegeben, die er gemacht hatte, um zu dienen, wie storyboards für den Film.

Der internationale Erfolg von Kagemusha hat Kurosawa erlaubt, mit seinem folgenden Projekt fortzufahren, ist ein anderes Epos in einer ähnlichen Ader Gelaufen. Die Schrift, die teilweise auf König von William Shakespeare Lear gestützt ist, hat einen unbarmherzigen, blutdürstigen daimyo (Kriegsherr) gezeichnet, der von Tatsuya Nakadai gespielt ist, der, nach dem dummen Verbannen seines loyaler Sohn, sein Königreich seinen anderen zwei Söhnen übergibt, die ihn dann verraten, so das komplette Königreich in den Krieg tauchend. Da sich japanisches Studio noch vorsichtig über das Produzieren eines anderen Films gefühlt hat, der sich unter dem im Land jemals gemachten teuersten aufreihen würde, war internationale Hilfe wieder erforderlich. Dieses Mal ist es aus dem französischen Erzeuger Serge Silberman gekommen, der das Endkino von Luis Buñuel erzeugt hatte. Das Filmen hat bis Dezember 1983 nicht begonnen und hat mehr als ein Jahr gedauert.

Im Januar 1985 ist Produktion dessen Gelaufen wurde gehalten, weil die 64-jährige Frau von Kurosawa Yōko krank geworden ist. Sie ist am 1. Februar gestorben. Kurosawa ist zurückgekehrt, um seinen Film zu beenden, und hat premiered an den Filmfestspielen von Tokio am 31. Mai mit einer breiten Ausgabe am nächsten Tag Geführt. Der Film war ein gemäßigter Finanzerfolg in Japan, aber ein größerer auswärts und, weil er mit Kagemusha, Kurosawa getan hatte, hat eine Reise nach Europa und Amerika unternommen, wo er den Premieren des Films im September und Oktober beigewohnt hat.

gewonnen mehrere Preise in Japan gelaufen, aber wurde ganz so dort nicht beachtet wie viele der besten Filme des Direktors der 1950er Jahre, und die 1960er Jahre waren gewesen. Die Filmwelt wurde jedoch erschüttert, als Japan den Film für einen anderen als sein offizieller Zugang übertragen hat, um sich um eine Nominierung von Oskar in der Besten Auslandsfilmkategorie zu bewerben. Sowohl der Erzeuger als auch Kurosawa selbst haben das einem Missverständnis zugeschrieben: Wegen der geheimnisvollen Regeln der Akademie war keiner überzeugt, ob qualifiziert als ein japanischer Film, ein französischer Film (wegen seiner Finanzierung), oder beide Gelaufen ist, so wurde es überhaupt nicht vorgelegt. Als Antwort worauf mindestens geschienen ist, eine offensichtliche Brüskierung durch seine eigenen Landsmänner zu sein, hat der Direktor Sidney Lumet eine erfolgreiche Kampagne geführt, Kurosawa eine Nominierung von Oskar für den Besten Direktor in diesem Jahr erhalten zu lassen (Sydney Pollack hat schließlich den Preis gewonnen, um Aus Afrika zu befehlen). Der Kostüm-Entwerfer von Ran, Emi Wada, hat den einzigen Oskar des Films gewonnen.

häufig betrachtet, sind Kagemusha und Ran, besonders die Letzteren, unter den feinsten Arbeiten von Kurosawa. Nach der Ausgabe von Ran würde Kurosawa dazu als sein bester Film, eine Hauptänderung der Einstellung für den Direktor hinweisen, der, wenn gefragt, welche von seinen Arbeiten sein bestes war, immer vorher "auf meinen folgenden geantwortet hatte."

Endarbeiten und letzte Jahre (1987-1998)

Für seinen folgenden Film hat Kurosawa ein von irgendwelchem sehr verschiedenes Thema gewählt, dass er sich jemals vorher verfilmen lassen hatte. Während einige seiner vorherigen Bilder (zum Beispiel, Drunken Angel und Kagemusha) kurze Traumfolgen eingeschlossen hatten, Träume sollte völlig auf die eigenen Träume des Direktors basieren. Bedeutsam, zum ersten Mal in mehr als vierzig Jahren, hat Kurosawa, für dieses tief persönliche Projekt, das Drehbuch allein geschrieben. Obwohl sein geschätztes Budget niedriger war als die Filme, die ihm sofort vorangehen, war japanisches Studio noch widerwillig, eine seiner Produktion zu unterstützen, so hat sich Kurosawa einem anderen berühmten amerikanischen Anhänger, Steven Spielberg zugewandt, der Warner Bros. überzeugt hat, die internationalen Rechte auf den vollendeten Film zu kaufen. Das hat es leichter für den Sohn von Kurosawa, Hisao, als Co-Erzeuger und zukünftiger Leiter der Produktion von Kurosawa gemacht, um ein Darlehen in Japan zu verhandeln, das die Produktionskosten des Films bedecken würde. Das Schießen hat mehr als acht Monate genommen, um, und Träume premiered an Cannes im Mai 1990 zu einem höflichen, aber gedämpften Empfang zu vollenden, der der Reaktion ähnlich ist, die das Bild anderswohin in der Welt erzeugen würde.

Kurosawa hat sich jetzt einer herkömmlicheren Geschichte mit der Rhapsodie im August — dem ersten Film des Direktors zugewandt, der völlig in Japan seit Dodeskaden mehr als zwanzig Jahre vorher erzeugt ist —, der die Narben der Kernbombardierung erforscht hat, die Nagasaki am wirklichen Ende des Zweiten Weltkriegs zerstört hat. Es wurde aus einem Roman von Kiyoko Murata angepasst, aber die Verweisungen des Films auf die Nagasaki Bombardierung sind aus dem Direktor aber nicht aus dem Buch gekommen. Das war sein einziger Film, um eine Rolle für einen amerikanischen Filmstar einzuschließen: Richard Gere, der eine kleine Rolle als der Neffe der ältlichen Heldin spielt. Das Schießen hat Anfang 1991 mit dem Film stattgefunden, der sich am 25. Mai in diesem Jahr zu einer größtenteils negativen kritischen Reaktion besonders in den Vereinigten Staaten öffnet, wo der Direktor wegen des Veröffentlichens naiv antiamerikanischer Gefühle angeklagt wurde.

Kurosawa hat keine Zeit vergeudet, auf sein folgendes Projekt übergehend: Madadayo, oder Noch nicht. Gestützt auf autobiografischen Aufsätzen von Hyakken Uchida folgt der Film dem Leben eines japanischen Professors des Deutsch durch den Zweiten Weltkrieg und darüber hinaus. Die Bericht-Zentren auf jährlichen Geburtstag-Feiern mit seinen ehemaligen Studenten, während deren die Hauptfigur seine Abgeneigtheit erklärt, bisher — ein Thema zu sterben, das immer mehr wichtig für den 81-jährigen Schöpfer des Films wurde. Das Filmen hat im Februar 1992 begonnen und hat sich am Ende des Septembers eingehüllt. Seine Ausgabe am 17. April 1993, wurde durch eine noch mehr enttäuschte Reaktion gegrüßt, als mit seinen zwei vorhergehenden Arbeiten der Fall gewesen war.

Kurosawa hat dennoch fortgesetzt zu arbeiten. Er hat das ursprüngliche Drehbuch geschrieben, das Das Meer 1993 und Nach dem Regen 1995 Beobachtet. Während er letzte Schliffe auf die letzte Arbeit 1995 gestellt hat, hat Kurosawa gleiten lassen und hat die Basis seines Stachels gebrochen. Im Anschluss an den Unfall würde er einen Rollstuhl für den Rest seines Lebens verwenden, mit irgendwelchen Hoffnungen auf ihn Schluss machend, einen anderen Film leitend. Sein langfristiger Wunsch — um auf dem Satz zu sterben, während man einen Film gedreht hat — sollte nie erfüllt werden.

Tod und postume Arbeiten

Im Anschluss an seinen Unfall 1995 hat die Gesundheit von Kurosawa begonnen sich zu verschlechtern. Während seine Meinung scharf und lebhaft geblieben ist, gab sein Körper, und seit der letzten Hälfte des Jahres seines Lebens auf, der Direktor war größtenteils bettlägerig, Musik zuhörend und Fernsehen zuhause beobachtend. Am 6. September 1998 ist Kurosawa an einem Schlag in Setagaya, Tokio im Alter von 88 Jahren gestorben.

Der Tod von folgendem Kurosawa, mehrere postume auf seinem ungefilmten Drehbuch gestützte Arbeiten ist erzeugt worden. Nachdem der Regen, der von Takashi Koizumi geleitet ist, 1998 veröffentlicht wurde, und Das Meer, geleitet von Kei Kumai, premiered 2002 Zusieht. Eine Schrift, die von Yonki kein Kai ("Klub der Vier Ritter") (Kurosawa, Keisuke Kinoshita, Masaki Kobayashi, und Kon Ichikawa) um die Zeit geschaffen ist, dass Dodeskaden gemacht wurde, wurde schließlich gefilmt und (2000) als Dora-Heita, vom einzigen überlebenden Gründungsmitglied des Klubs, Kon Ichikawa veröffentlicht.

Arbeitsmethoden, Stil und Themen

Arbeitsmethoden

Alle biografischen Quellen, sowie die eigenen Anmerkungen des Filmemachers, bestätigen, dass Kurosawa ein "völlig spielerischer" Direktor war, der leidenschaftlich an jedem Aspekt des Filmherstellungsprozesses beteiligt ist. Da ein Interviewer zusammengefasst hat, "schreibt er (co-) seine Schriften, beaufsichtigt das Design, probt die Schauspieler, stellt alle Schüsse auf und tut dann das Redigieren." Seine aktive Teilnahme hat sich vom anfänglichen Konzept bis das Redigieren und Zählen des Endproduktes ausgestreckt.

Schrift

Kurosawa hat immer wieder betont, dass das Drehbuch das absolute Fundament eines erfolgreichen Films war, und dass, obwohl ein mittelmäßiger Direktor manchmal einen passierbaren Film aus einer guten Schrift sogar machen kann, ein ausgezeichneter Direktor einen guten Film aus einer schlechten Schrift nie machen kann. Während der Nachkriegsperiode hat er die Praxis des Zusammenarbeitens mit einer rotierenden Gruppe von fünf Drehbuchautoren begonnen: Eijirō Hisaita, Ryuzo Kikushima, Shinobu Hashimoto, Hideo Oguni und Masato Ide. Welch auch immer sich Mitglieder dieser Gruppe, die zufällig ist, um an einem besonderen Film zu arbeiten, um einen Tisch häufig an einem Thermalquelle-Ferienort versammeln würden, wo sie vor der Außenwelt nicht wahnsinnig sein würden. (Sieben Samurais wurden zum Beispiel auf diese Mode geschrieben.) Häufig würden sie alle (außer Oguni, der als "Schiedsrichter" gehandelt hat) auf genau denselben Seiten der Schrift arbeiten, und Kurosawa würde die am besten geschriebene Version aus den verschiedenen Entwürfen jeder besonderen Szene wählen. Diese Methode wurde angenommen, "so dass jeder Mitwirkende als eine Art Folie fungieren könnte, die Überlegenheit des Gesichtspunkts irgendwelcher Person überprüfend."

Zusätzlich zur wirklichen Schrift hat Kurosawa in dieser Bühne häufig umfassende, fantastisch ausführliche Zeichen erzeugt, um seine Vision sorgfältig auszuarbeiten. Zum Beispiel, für Sieben Samurais, hat er sechs Notizbücher geschaffen, in denen er (unter vielen anderen Dingen) ausführlich berichtete Lebensbeschreibungen des Samurais, einschließlich geschaffen hat, was sie getragen haben und gegessen haben, wie sie spazieren gegangen sind, gesprochen haben und sich wenn gegrüßt, und sogar benommen haben, wie jeder seine Schuhe gebunden hat. Für die 101 Bauer-Charaktere im Film hat er eine Registrierung geschaffen, die aus 23 Familien besteht, und hat die Darsteller beauftragt, die diese Rollen spielen, zu leben und als diese "Familien" für die Dauer des Schießens zu arbeiten.

Das Schießen

Für seine frühen Filme, obwohl sie durchweg gut fotografiert wurden, hat Kurosawa allgemein Standardlinsen und Fotografie des tiefen Fokus verwendet. Mit Sieben Samurais (1954), jedoch beginnend, hat sich die filmische Technik von Kurosawa drastisch, durch seinen umfassenden Gebrauch in diesem Film der langen Linse und vielfachen Kameras geändert. Der Direktor hat behauptet, dass er diese Linsen und mehrere Kameras verwendet hat, die sofort rollen, um den Schauspielern — das Erlauben von sie zu helfen, in einer Entfernung von der Linse, und ohne irgendwelche Kenntnisse fotografiert zu werden, von denen das Image der besonderen Kamera in der Endkürzung — das Bilden ihrer viel natürlicheren Leistungen verwertet würde. (Tatsächlich hat Tatsuya Nakadai zugegeben, dass die vielfachen Kameras außerordentlich seinen Leistungen mit dem Direktor geholfen haben.), Aber diese Änderungen hatten eine starke Wirkung ebenso auf den Blick der Handlungsszenen in diesem Film, besonders der Endkampf im Regen. Sagt Prinz von Stephen:" Er kann die Fernaufnahmelinsen verwenden, um unter den Pferden zwischen ihren Hufen zu kommen, uns in die Verwirrung dieses Kampfs auf eine Sehweise zu tauchen, die, sowohl in der eigenen Arbeit von Kurosawa als auch im Samurai-Genre als Ganzes wirklich ziemlich beispiellos ist."

Mit Der Verborgenen Festung hat Kurosawa begonnen, den widescreen (anamorphic) Prozess zum ersten Mal in seiner Arbeit zu verwerten. Diese drei Techniken — lange Linsen, vielfache Kameras und widescreen — waren in späteren Arbeiten völlig ausgenutzt, sogar in Folgen mit wenig oder keiner offenen Handlung, wie die frühen Szenen von Hohen und Niedrigen, die im Haus des Hauptcharakters stattfinden, in dem sie angestellt werden, um Spannungen und Macht-Beziehungen zwischen den Charakteren innerhalb eines hoch beschränkten Raums zu dramatisieren.

Für alle seine Filme, aber besonders für seinen jidaigeki, hat Kurosawa auf absoluter Echtheit von Sätzen, Kostümen und Stützen beharrt. Zahlreiche Beispiele seiner fanatischen Hingabe zum Detail sind registriert worden, von denen der folgende nur einige Beispiele sind.

Für den Thron des Bluts in der Szene, wo Washizu (Mifune) mit Pfeilen von seinen eigenen Männern angegriffen wird, hatte der Direktor echte Pfeile des Schusses von Bogenschützen, ausgehöhlt und entlang Leitungen zu Toshirō Mifune von einer Entfernung von ungefähr zehn Fuß mit dem Schauspieler sorgfältig im Anschluss an Kreide-Zeichen auf dem Boden laufend, um zu vermeiden, geschlagen zu werden. (Einige der Pfeile haben ihn durch einen Zoll vermisst; der Schauspieler, der zugegeben hat, dass er erschreckt im Film nicht bloß handelte, hat Albträume später ertragen).

Für den Roten Bart, um das Tor für den Klinik-Satz zu bauen, ließ Kurosawa seine Helfer faules Holz von alten Sätzen demontieren und dann die Stütze von Kratzer mit diesem alten Holz schaffen, so würde das Tor richtig verwüstet durch die Zeit aussehen. Für denselben Film für Teetassen, die im Film erschienen sind, hat er seiner Mannschaft befohlen, den Wert von fünfzig Jahren des Tees in die Tassen zu gießen, so würden sie passend befleckt scheinen.

Dafür, ist der Kunstdirektor Gelaufen Yoshirō Muraki, das "dritte Schloss" Satz unter der Aufsicht des Direktors bauend, hat die "Steine" dieses Schlosses geschaffen, indem er Fotographien wirklicher Steine von einem berühmten Schloss dann nehmen lassen worden ist, Styropor-Blöcke malend, um jenen Steinen genau zu ähneln und sie an das Schloss "Wand" durch einen als das "Anhäufen des rauen Steins bekannten Prozess," klebend, der Monate der Arbeit verlangt hat. Später vor dem Schießen der berühmten Szene, in der das Schloss angegriffen und in Brand gesteckt wird, um das Styropor "Steine" daran zu verhindern, in der Hitze zu schmelzen, hat die Kunstabteilung die Oberfläche mit vier Schichten von Zement angestrichen, hat dann die Farben der alten Steine auf den Zement gemalt.

Das Redigieren

Kurosawa sowohl geleitet als auch editiert die meisten seiner Filme, die fast unter prominenten Filmemachern einzigartig sind. Kurosawa hat häufig bemerkt, dass er einen Film einfach gedreht hat, um Material zu haben, um zu editieren, weil das Redigieren eines Bildes der wichtigste und kreativ interessante Teil des Prozesses für ihn war. Die kreative Mannschaft von Kurosawa hat geglaubt, dass die Sachkenntnis des Direktors mit dem Redigieren sein größtes Talent war. Said Hiroshi Nezu, ein langfristiger Produktionsoberaufseher auf seinen Filmen, "Unter uns, denken wir, dass er der beste Direktor von Toho ist, dass er Japans bester Drehbuchautor ist, und dass er der beste Redakteur in der Welt ist. Er ist am meisten mit der fließenden Qualität beschäftigt, die ein Film haben muss... Der Film von Kurosawa fließt über die Kürzung, wie es war."

Das häufige Besatzungsmitglied des Direktors Teruyo Nogami bestätigt diese Ansicht. "Das Redigieren von Akira Kurosawa, war die unnachahmliche Arbeit eines Genies außergewöhnlich... Keiner war ein Match für ihn." Sie hat behauptet, dass Kurosawa in seinem Kopf die ganze Information über alle Schüsse gefilmt getragen hat, und wenn, im Redigieren-Zimmer, er um ein Stück des Films bäte und sie ihm den falschen gereicht hat, würde er den Fehler sofort anerkennen, obwohl sie ausführlich berichtete Zeichen auf jedem Schuss genommen hatte und er nicht hatte. Sie hat seine Meinung mit einem Computer verglichen, der mit editierten Segmenten des Films tun konnte, was Computer heute tun.

Die gewohnheitsmäßige Methode von Kurosawa war, einen Film täglich stückweise während der Produktion zu editieren. Das hat besonders geholfen, als er angefangen hat, vielfache Kameras zu verwenden, die auf einen großen Betrag des Films hinausgelaufen sind, um sich zu versammeln. "Ich editiere immer am Abend, wenn wir einen schönen Betrag der Gesamtlänge in der Dose haben. Nach der Beobachtung der Stürme gehe ich gewöhnlich zum Redigieren-Zimmer und der Arbeit." Wegen dieser Praxis des Redigierens, als er vorwärts gegangen ist, konnte die Postproduktionsperiode für einen Film von Kurosawa aufschreckend kurz sein: Yojimbo hatte seine japanische Premiere am 20. April 1961 vier Tage nach dem am 16. April geschlossenen Schießen.

Der "Kurosawa-Gumi"

Während seiner Karriere hat Kurosawa ständig mit Leuten gearbeitet, die von derselben Lache von kreativen Technikern, Besatzungsmitgliedern und Schauspielern populär angezogen sind, bekannt als der "Kurosawa-Gumi" (Gruppe von Kurosawa). Der folgende ist eine teilweise Liste dieser Gruppe, die durch den Beruf geteilt ist. Diese Information wird aus den IMDB Seiten für die Filme von Kurosawa und den filmography von IV von Stuart Galbraith abgeleitet:

Komponisten: Fumio Hayasaka (Betrunkener Engel, Streuhund, Skandal, Rashomon, Der Idiot, Ikiru, die Sieben Samurais, die Aufzeichnung eines Wesens); Masaru Satō (Thron des Bluts, Der Niedrigeren Tiefen, Der Verborgenen Festung, Des Schlechten Schlafes So, Yojimbo, Sanjuro, Hohen und Niedrigen, Roten Barts); Tōru Takemitsu (Dodeskaden, ist Gelaufen); Schienbein-ichirō Ikebe (Kagemusha, Träume, Rhapsodie im August, Madadayo).

Kameramänner: Asakazu Nakai (Keine Reue für Unsere Jugend, Ein Wunderbarer Sonntag, Streuhund, Ikiru, Sieben Samurais, Aufzeichnung eines Wesens, Thron des Bluts, ist Hoher und Niedriger, Roter Bart, Dersu Uzala, Gelaufen); Kazuo Miyagawa (Rashomon, Yojimbo); Takao Saitō (Sanjuro, Hoher und Niedriger, Roter Bart, ist Dodeskaden, Kagemusha, Träume, Rhapsodie im August, Madadayo Gelaufen).

Kunstabteilung: Yoshirō Muraki hat entweder als der Helfer-Kunstdirektor, der Kunstdirektor oder als Produktionsentwerfer für Filme ganzen Kurosawas (abgesehen von Dersu Uzala) vom Betrunkenen Engel bis zum Ende der Karriere des Direktors gedient.

Produktionsmannschaft: Teruyo Nogami hat als Schrift-Oberaufseher, Herstellungsleiter, stellvertretender Direktor oder Helfer dem Erzeuger auf Filmen ganzen Kurosawas von Rashomon bis das Ende der Karriere des Direktors gedient. Hiroshi Nezu war Produktionsoberaufseher oder Einzelfertigungsbetriebsleiter auf allen Filmen von Sieben Samurais zu Dodeskaden außer Sanjuro. Nach dem Abtreten als ein Direktor, Ishirō Honda zurückgegeben mehr als 30 Jahre später, um wieder für seinen Freund und ehemaligen Mentor zu arbeiten, als ein directorial Berater, Produktionskoordinator und kreativer Berater auf den letzten fünf Filmen von Kurosawa (Kagemusha, Träume, Rhapsodie im August und Madadayo Gelaufen ist). Angeblich wurde ein Segment von Träumen wirklich von Honda im Anschluss an Kurosawa geleitet hat über storyboards ausführlich berichtet.

Schauspieler: Hauptschauspieler: Takashi Shimura (21 Filme); Toshirō Mifune (16 Filme), Susumu Fujita (8 Filme), Tatsuya Nakadai (6 Filme) und Masayuki Mori (5 Filme).

Das Unterstützen von Darstellern (in alphabetischer Reihenfolge): Minoru Chiaki, Kamatari Fujiwara, Bokuzen Hidari, Fumiko Homma, Hisashi Igawa, Yunosuke Ito, Kyoko Kagawa, Daisuke Kato, Isao Kimura, Kokuten Kodo, Akitake Kono, Yoshio Kosugi, Koji Mitsui, Seiji Miyaguchi, Eiko Miyoshi, Nobuo Nakamura, Akemi Negishi, Denjiro Okochi, Noriko Sengoku, Information Shimizu, Ichiro Sugai, Haruo Tanaka, Akira Terao, Eijiro Tono, Yoshio Tsuchiya, Kichijiro Ueda, Atsushi Watanabe, Isuzu Yamada, Tsutomu Yamazaki und Yoshitaka Zushi.

Stil

Eigentlich haben alle Kommentatoren den kühnen, dynamischen Stil von Kurosawa bemerkt, den viele im Vergleich zum traditionellen Stil von Hollywood des Berichts moviemaking, derjenige haben, der, in den Wörtern eines solchen Gelehrten, "das chronologische, kausale, geradlinige und historische Denken betont." Aber es ist auch gefordert worden, dass, aus seinem allerersten Film, der Direktor eine vom nahtlosen Stil klassischen Hollywoods ziemlich verschiedene Technik gezeigt hat. Diese Technik ist mit einem störenden Bild des Schirm-Raums durch den Gebrauch von zahlreichen unwiederholten Kameraeinstellungen, einer Missachtung für die traditionelle 180-Grade-Achse der Handlung verbunden gewesen, um die Szenen von Hollywood gewöhnlich, und eine Annäherung gebaut worden sind, in der "Bericht-Zeit spatialized," mit der flüssigen Kamerabewegung wird, die häufig das herkömmliche Redigieren ersetzt. Der folgende ist einige idiosynkratische Aspekte des Stils des Künstlers.

Die axiale Kürzung

In seinen Filmen der 1940er Jahre und der 1950er Jahre verwendet Kurosawa oft die "axiale Kürzung,", in dem die Kamera, oder weiter weg von, das Thema näher rückt, nicht durch den Gebrauch, Schüsse zu verfolgen, oder sich auflöst, aber durch eine Reihe von verglichenen Sprung-Kürzungen. Zum Beispiel, in Sanshiro Sugata II, nimmt der Held von der Frau Abschied, die er liebt, aber dann, nach dem Weggehen einer kurzen Entfernung, Umdrehungen und Bögen zu ihr, und dann, nach dem Wandern weiter, den Umdrehungen und den Bögen noch einmal. Diese Folge von Schüssen wird auf Filmblog des Gelehrten David Bordwell illustriert. Die drei Schüsse werden im Film durch Kamerabewegungen nicht verbunden, oder löst sich auf, aber durch eine Reihe von zwei Sprung-Kürzungen. Die Wirkung ist, die Dauer der Abfahrt von Sanshiro zu betonen.

In der öffnenden Folge von Sieben Samurais im Bauer-Dorf wird die axiale Kürzung zweimal verwendet. Wenn die Dorfbewohner frei, in einem Kreis gesammelt sind, weinend und die nahe bevorstehende Ankunft der Banditen bejammernd, werden sie von oben in der äußersten riskanten Wette dann kurz gesehen, nachdem die Kürzung, in einem viel näheren Schuss, dann in einem noch näheren nach Boden-Niveau geschossen hat, weil der Dialog beginnt. Ein paar Minuten später, wenn die Dorfbewohner zur Mühle gehen, um den Rat des Dorfälteren zu fragen, gibt es eine riskante Wette der Mühle, mit einem langsam drehenden Rad im Fluss, dann ein näherer Schuss dieses Rades, und dann ein noch näherer Schuss davon. (Da die Mühle ist, wo der Ältere lebt, schmieden diese Schüsse eine geistige Vereinigung in der Meinung des Zuschauers zwischen diesem Charakter und der Mühle.)

Ausschnitt auf der Bewegung

Mehrere Gelehrte haben auf die Tendenz von Kurosawa hingewiesen, auf der Bewegung "zu schneiden": D. h. um eine Folge eines Charakters oder Charaktere in der Bewegung zu editieren, so dass eine Handlung in zwei oder mehr getrennten Schüssen, aber nicht einem ununterbrochenem Schuss gezeichnet wird. Ein Gelehrter, als ein Beispiel, beschreibt eine angespannte Szene in Sieben Samurais in der der Samurai Shichirôji ist der Stehen, Wünsche, den Bauern Manzo zu trösten, der auf dem Boden sitzt, und er auf einem Knie herunterkommt, um mit ihm zu sprechen. Kurosawa beschließt, diese einfache Handlung in zwei Schüssen aber nicht einem zu filmen (zwischen den zwei nur schneidend, nachdem die Handlung des Kniens begonnen hat), die Demut von Shichirôji völlig zu befördern. Viele andere Beispiele dieses Geräts sind im Film offensichtlich. "Kurosawa zerbricht [oft] die Handlung, bricht sie, um eine emotionale Wirkung zu schaffen."

Das Wischen

Eine Form der filmischen mit Kurosawa sehr stark identifizierten Zeichensetzung ist das Wischen. Das ist eine Wirkung, die durch einen optischen Drucker geschaffen ist, in dem wenn eine Szene endet, scheinen eine Linie oder Bar, den Schirm zu bewältigen, weg das Image "wischend", während sie gleichzeitig das erste Image der nachfolgenden Szene offenbaren. Als ein Übergangsgerät wird es als ein Ersatz für die gerade Kürzung oder das Auflösen (obwohl Kurosawa, natürlich, häufig verwendet beide jener Geräte ebenso) verwendet. In seiner reifen Arbeit hat Kurosawa das Wischen so oft verwendet, dass es eine Art Unterschrift geworden ist. Zum Beispiel hat ein blogger nicht weniger als 12 Beispiele des Wischens im Betrunkenen Engel aufgezählt.

Es gibt mehrere Theorien bezüglich des Zwecks dieses Geräts, das, wie James Goodwin bemerkt, im stillen Kino üblich war, aber beträchtlich seltener im "realistischeren" gesunden Kino geworden ist. Goodwin behauptet, dass das Wischen in Rashomon zum Beispiel einen von drei Zwecken erfüllt: Das Hervorheben winkt in reisenden Schüssen, Markierung des Berichts bewegt sich in den Hof-Szenen und der Markierung zeitlicher Ellipsen zwischen Handlungen (z.B, zwischen dem Ende des Zeugnisses eines Charakters und der Anfang eines Anderen). Er weist auch darauf hin, dass in Den Niedrigeren Tiefen, in denen Kurosawa völlig vermieden hat, der Gebrauch wischt, hat der Direktor klug Leute und Stützen manipuliert, "um neue Sehimages in und aus der Ansicht viel gleiten zu lassen, wie eine wischen Kürzung tut."

Ein Beispiel des als ein satirisches Gerät verwendeten Wischens kann in Ikiru gesehen werden. Eine Gruppe von Frauen besucht das Kommunalverwaltungsbüro, um die Bürokraten zu ersuchen, ein überflüssiges Gebiet in einen Kinderspielplatz zu verwandeln. Dem Zuschauer wird dann eine Reihe von Gesichtspunkt-Schüssen von verschiedenen Bürokraten gezeigt, verbunden dadurch wischen Übergänge, von denen jeder die Gruppe auf eine andere Abteilung verweist. Nora Tennessen kommentiert in ihrem blog (der ein Beispiel zeigt), dass "die wischen Technik [die Folge] komischer macht — werden Images von Bürokraten wie Karten, jeder aufgeschobert, der pedantischer ist als das letzte."

Bildgesunder Kontrapunkt

Kurosawa durch alle Rechnungen hat immer große Aufmerksamkeit auf die Soundtracks seiner Filme gelenkt (die Biografie von Teruyo Nogami führt viele solche Beispiele an). Gegen Ende der 1940er Jahre hat er begonnen, Musik dafür zu verwenden, was er "Kontrapunkt" zum emotionalen Inhalt einer Szene genannt hat, anstatt das Gefühl bloß zu verstärken, wie Hollywood traditionell getan hat (und noch tut). Die Inspiration für diese Neuerung ist aus einer Familientragödie gekommen. Als Nachrichten Kurosawa von Tod seines Vaters 1948 erreicht haben, ist er ziellos durch die Straßen Tokios gewandert. Sein Kummer wurde vergrößert aber nicht hat sich vermindert, als er plötzlich das fröhliche, schale Lied "Der blöde Walzer" gehört hat, und er schnell befördert hat, dieser "schrecklichen Musik zu entfliehen." Er hat dann seinem Komponisten, Fumio Hayasaka erzählt, mit dem er am Betrunkenen Engel arbeitete, um "Den blöden Walzer" als ironische Begleitung zur Szene zu verwenden, in der der sterbende Gangster, Matsunaga, zu seinem niedrigsten Punkt im Bericht sinkt.

Diese ironische Annäherung an die Musik kann auch im Streuhund gefunden werden, ein Film hat ein Jahr nach dem Betrunkenen Engel veröffentlicht. In der Höheszene kämpft der Detektiv Murakami wütend mit dem Mörder Yusa in einem schlammigen Feld. Der Ton eines Stückes von Mozart wird plötzlich gehört, auf dem Klavier von einer Frau in einem nahe gelegenen Haus gespielt. Wie ein Kommentator bemerkt, "Im Gegensatz zu dieser Szene der primitiven Gewalt ist die Gelassenheit des Mozarts, wörtlich, weltfremd" und "die Macht dieser elementaren Begegnung durch die Musik erhöht wird." Noch war "der ironische" Gebrauch von Kurosawa des auf die Musik beschränkten Soundtracks. Ein Kritiker bemerkt, dass, in Sieben Samurais, "Während Episoden des Mords und der Körperverletzung zirpen Vögel im Vordergrund, wie sie in der ersten Szene tun, wenn die Bauern ihr anscheinend hoffnungsloses Schicksal bejammern."

Wiederkehrende Themen

Die Beziehung des Masters-Apostels

Viele Kommentatoren haben das häufige Ereignis in der Arbeit von Kurosawa der komplizierten Beziehung zwischen einem älteren und einem jüngeren Mann bemerkt, die einander als Master und Apostel beziehungsweise dienen. Dieses Thema war klar ein Ausdruck der Lebenserfahrung des Direktors. "Kurosawa hat seine Lehrer, in besonderem Kajiro Yamamoto, seinen Mentor an Toho," gemäß Joan Mellen verehrt. "Das gesunde Image einer älteren Person, die den Jungen informiert, ruft immer in den Filmen von Kurosawa hohe Momente des Pathos herbei." Der Kritiker Tadao Sato denkt, dass der wiederkehrende Charakter des "Masters" ein Typ des Stellvertreter-Vaters ist, dessen Rolle er das moralische Wachstum der jungen Hauptfigur bezeugen und es genehmigen soll.

In seinem allerersten Film, Sanshiro Sugata, nachdem wird der Judo-Master Yano der Titelcharakter-Lehrer und geistige Führer, "der Bericht wird in der Form einer Chronik geworfen, die die Stufen der wachsenden Beherrschung und Reife des Helden studiert." Die Beziehung des Masters-Schülers in den Filmen des Nachkriegszeitalters — so gezeichnet in solchen Arbeiten wie Betrunkener Engel, Streuhund, Sieben Samurais, Red Beard und Dersu Uzala — schließt sehr wenig direkte Instruktion, aber viel Lernen durch die Erfahrung und das Beispiel ein; Prinz von Stephen verbindet diese Tendenz mit der privaten und nichtwörtlichen Natur des Konzepts der Zen-Erläuterung.

Zurzeit Kagemusha, jedoch, gemäß dem Prinzen, hat sich die Bedeutung dieser Beziehung geändert. Ein Dieb, der gewählt ist, um als der doppelte von einem großen Herrn zu handeln, setzt seine Verkörperung sogar nach dem Tod seines Masters fort: "Die Beziehung ist geisterhaft geworden und wird von jenseits des Grabes mit dem Master erzeugt, der eine geisterhafte Anwesenheit aufrechterhält. Sein Ende ist Tod, nicht die Erneuerung des Engagements zum Leben, das für sein Ergebnis in früheren Filmen typisch gewesen ist." Jedoch, gemäß dem Biografen des Direktors, in seinem Endfilm, Madadayo — der sich mit einem Lehrer und seiner Beziehung mit einer kompletten Gruppe von Ex-Schülern befasst — erscheint eine sonnigere Vision des Themas. "Die Studenten halten eine jährliche Partei für ihren Professor, der durch Dutzende von ehemaligen Studenten, jetzt Erwachsenen des unterschiedlichen Alters aufgewartet ist... Diese verlängerte Folge drückt... aus, wie nur Kurosawa, die einfache Heiterkeit von Studentenlehrer-Beziehungen der Blutsverwandtschaft kann, lebendig zu sein."

Der heroische Meister

Kurosawa ist ein heroisches Kino, eine Reihe von Dramen, die (größtenteils) mit den Akten und Schicksalen von als Leben größeren Helden betroffen sind. Prinz von Stephen hat das Erscheinen der einzigartigen Hauptfigur von Kurosawa mit der unmittelbaren Periode des postzweiten Weltkriegs identifiziert. Die Absicht des amerikanischen Berufs, japanischen Feudalismus durch den Individualismus zu ersetzen, ist mit der künstlerischen und sozialen Tagesordnung des Direktors zusammengefallen: "Kurosawa hat das geänderte politische Klima begrüßt und hat sich bemüht, seine eigene reife filmische Stimme zu formen." Der japanische Kritiker Tadao Sato trifft zusammen: "Mit dem Misserfolg im Zweiten Weltkrieg wurden viele Japaner... verblüfft, um zu finden, dass die Regierung zu ihnen gelogen hatte und weder gerade noch zuverlässig war. Während dieser unsicheren Zeit hat Akira Kurosawa, in einer Reihe von erstklassigen Filmen, die Leute durch seine konsequente Behauptung gestützt, dass die Bedeutung des Lebens von der Nation, aber etwas nicht diktiert wird, was jede Person für sich durch das Leiden entdecken sollte." Der Filmemacher selbst hat bemerkt, dass, während dieser Periode, "Habe ich gefunden, dass ohne die Errichtung selbst weil ein positiver Wert dort keine Freiheit und keine Demokratie sein konnte."

Der erste derartige Nachkriegsheld, war atypisch für den Künstler, eine Heldin — Yukie, der von Setsuko Hara in Keiner Reue für Unsere Jugend gespielt ist. Gemäß dem Prinzen ist ihr "Verlassen der Familie und des Klassenhintergrunds, um einem schlechten Dorf, ihrem Durchhaltevermögen angesichts enormer Hindernisse, ihrer Annahme der Verantwortung für ihr eigenes Leben und für das Wohlbehagen von anderen und ihre existenzielle Einsamkeit zu helfen... für das Heldentum von Kurosawan notwendig und macht Yukie das erste zusammenhängende... Beispiel." Diese "existenzielle Einsamkeit" wird auch von Dr Sanada (Takashi Shimura) im Betrunkenen Engel veranschaulicht: "Kurosawa besteht darauf, dass seine Helden ihren Zeugestand, allein, gegen die Tradition und den Kampf um eine bessere Welt, selbst wenn der Pfad betreten, dort ist nicht klar. Die Trennung von einem korrupten sozialen System, um das menschliche Leiden zu erleichtern, weil tut Sanada, ist der einzige ehrenhafte Kurs."

Viele Kommentatoren betrachten Sieben Samurais als der äußerste Ausdruck des heroischen Ideales des Künstlers. Die Anmerkungen von Joan Mellen sind für diese Ansicht typisch: "Sieben Samurais sind vor allem eine Huldigung zur Samurai-Klasse an seinem edelsten... Samurais für Kurosawa vertreten die beste von der japanischen Tradition und Integrität." Komischerweise ist es wegen, nicht trotz, die chaotischen Zeiten des im Film gezeichneten Bürgerkriegs, dass sich die sieben zur Größe erheben. "Kurosawa macht die unerwarteten Vorteile nicht weniger ausfindig als die Tragödie dieses historischen Moments. Die Erhebung zwingt Samurai, den Altruismus ihres Kredos des loyalen Dienstes ins Arbeiten für Bauern zu leiten." Jedoch ist dieses Heldentum sinnlos, weil sich "dort bereits... eine Handelsklasse erhob, die die Krieger-Aristokratie verdrängen würde." So werden der Mut und die höchste Sachkenntnis der Hauptcharaktere die äußerste Zerstörung von sich oder ihrer Klasse nicht verhindern.

Als die Karriere von Kurosawa fortgeschritten ist, ist er geschienen, es immer schwieriger zu finden, das heroische Ideal zu stützen. Wie Prinz bemerkt, "ist Kurosawa eine im Wesentlichen tragische Vision des Lebens, und dieses Feingefühl... seine Anstrengungen behindert, eine sozial begangene Weise der Filmherstellung zu begreifen." Außerdem wird das Ideal des Direktors des Heldentums durch die Geschichte selbst gestürzt: "Wenn Geschichte artikuliert wird, wie es im Thron des Bluts als eine blinde Kraft ist..., hört Heldentum auf, ein Problem oder eine Wirklichkeit zu sein." Gemäß dem Prinzen ist die Vision des Filmemachers schließlich so düster geworden, dass er kommen würde, um Geschichte bloß so ewig wiederkehrende Muster der Gewalt anzusehen, innerhalb deren die Person gezeichnet wird wie nicht nur unheroisch, aber äußerst hilflos (sieh "Zyklen der Gewalt" unten).

Natur und Wetter

Natur ist ein entscheidendes Element in den Filmen von Kurosawa. Gemäß dem Prinzen von Stephen, "ist das Feingefühl von Kurosawa, wie das von vielen japanischen Künstlern, zur Subtilität und den Schönheiten der Jahreszeit und Landschaft scharf empfindlich." Er hat nie gezögert, Klima und Wetter als Anschlag-Elemente zum Punkt auszunutzen, wo sie "energische Teilnehmer im Drama werden... Die bedrückende Hitze im Streuhund und der Aufzeichnung eines Wesens ist allgegenwärtig und wird thematized als ein signifier einer Welt, die durch den Wirtschaftszusammenbruch und die Atomdrohung auseinander genommen ist." Der Direktor selbst hat einmal gesagt, "Ich mag heiße Sommer, kalte Winter, starke Regen und Schnee, und ich denke, dass die meisten meiner Bilder das zeigen. Ich mag Extreme, weil ich sie am lebendigsten finde."

Wind ist auch ein starkes Symbol: "Die beharrliche Metapher der Arbeit von Kurosawa ist die des Winds, der Winde der Änderung, des Glückes und Unglücks." "Der visuell extravagante [endgültige] Kampf [Yojimbo] findet in der Hauptstraße als riesige Wolken des Staub-Strudels um die Kämpfer statt... Die Winde, die den Staub rühren haben..., Schusswaffen zur Stadt zusammen mit der Kultur des Westens gebracht, der die Krieger-Tradition beenden wird."

Es ist auch schwierig, die Wichtigkeit vom Regen Kurosawa nicht zu bemerken: "Der Regen in den Filmen von Kurosawa wird neutral nie behandelt. Wenn es vorkommt..., dass es nie ein Sprühregen oder ein leichter Nebel, aber immer ein wahnsinniger Platzregen, ein Fahrsturm ist." "Der Endkampf [in Sieben Samurais] ist ein höchster geistiger und physischer Kampf, und damit wird in einem stürmischen Blenden-Regenwetter gekämpft, das Kurosawa ermöglicht, sich eine äußerste Fusion von sozialen Gruppen zu vergegenwärtigen..., aber diese Höhevision der Klassenloskeit, mit der typischen Ambivalenz von Kurosawan, ist eine Vision des Entsetzens geworden. Der Kampf ist ein Wirbelwind des wirbelnden Regens und Schlamms... Die äußerste Fusion der sozialen Identität erscheint als ein Ausdruck der höllischen Verwirrung."

Zyklen der Gewalt

Mit dem Thron des Bluts (1957) beginnend, erscheint eine Obsession mit historischen Zyklen der unerbittlichen wilden Gewalt — was Prinz von Stephen "die Gegentradition zur begangenen, heroischen Weise des Kinos von Kurosawa" — zuerst nennt. Gemäß Donald Richie, innerhalb der Welt dieses Films, "Ist Ursache und Wirkung das einzige Gesetz. Freiheit besteht nicht." und Prinz behauptet, dass seine Ereignisse "in einem Zyklus der Zeit eingeschrieben werden, dass sich ungeheuer wiederholt." (Verwendet er als Beweise die Tatsache, dass der Herr von Washizu, verschieden vom freundlichen König Duncan von Spiel von Shakespeare, seinen eigenen Herrn wenige Jahre vorher ermordet hatte, um Macht zu greifen, und dann der Reihe nach von Washizu (der Charakter von Macbeth) aus demselben Grund ermordet wird.) "Die vom Schicksal bestimmte Qualität zur Handlung von Macbeth wurde... von Kurosawa mit einer geschärften Betonung nach der vorher bestimmten Handlung und dem Zerknittern der menschlichen Freiheit unter den Gesetzen des Karmas umgestellt."

Prinz behauptet, dass die letzten Epen von Kurosawa, Kagemusha und ist besonders Gelaufen, einen Hauptwendepunkt in der Vision des Direktors der Welt kennzeichnen. In Kagemusha "wo einmal [in der Welt seiner Filme] die Person [Held] Ereignisse dicht ergreifen und fordern konnte, dass sie sich seinen oder ihren Impulsen, jetzt selbst anpassen, ist nur der epiphenomenon eines unbarmherzigen und blutigen zeitlichen Prozesses, Boden, um unter dem Gewicht und der Kraft der Geschichte abzustauben." Das folgende Epos, ist Gelaufen, ist "eine unbarmherzige Chronik der Grundlust nach Macht, Verrat des Vaters durch seine Söhne, und durchdringenden Kriegen und Morden." Die historische Einstellung des Films wird als "ein Kommentar dazu verwendet, was Kurosawa jetzt als die Zeitlosigkeit von menschlichen Impulsen zur Gewalt und Selbstzerstörung wahrnimmt." "Geschichte hat zu einer Wahrnehmung des Lebens als ein Rad des endlosen Leidens, jemals Drehens, jemals Wiederholens nachgegeben," der in vielen Beispielen im Drehbuch mit der Hölle verglichen wird." Kurosawa hat gefunden, dass Hölle sowohl das unvermeidliche Ergebnis des menschlichen Verhaltens als auch die passende Vergegenwärtigung seiner eigenen Bitterkeit und Enttäuschung ist."

Kritiken

Trotz des außergewöhnlichen Beifalls, den die Arbeit von Kurosawa in Japan und auswärts erhalten hat, sind seine Filme, sowie Kurosawa als eine Person, auch der beträchtlichen Kritik, viel davon hart unterworfen gewesen. Unten werden einige der allgemeineren Kritiken des Direktors, sowohl diejenigen zusammengefasst, die allgemein als auch diejenigen gemacht sind, die in erster Linie in Japan geäußert werden.

Im Allgemeinen

Im frühen zur Mitte der 1950er Jahre haben mehrere Kritiker, die der französischen Neuen Welle gehören, die Filme des älteren japanischen Masters, Kenji Mizoguchis auf Kosten der Arbeit von Kurosawa verfochten. Neuer Welle-Kritiker-Filmemacher Jacques Rivette, hat gesagt: "Sie können nur vergleichen, was vergleichbar ist und das, was hoch genug zielt... [Mizoguchi] scheint, der einzige japanische Direktor zu sein, der völlig Japaner ist und noch auch der einzige ist, der eine wahre Allgemeinheit, diese einer Person erreicht." Gemäß solchen französischen Kommentatoren ist Mizoguchi, der zwei Künstler, mehr authentisch japanisch geschienen. Aber mindestens ein Filmgelehrter hat die Gültigkeit dieser Zweiteilung zwischen "japanischem" Mizoguchi und "Westlichem" Kurosawa infrage gestellt, indem er darauf hinweist, dass "Mizo" als unter Einfluss des Westkinos und der Westkultur im Allgemeinen als Kurosawa gewesen war, und dass das in seiner Arbeit widerspiegelt wird.

Eine an den Filmen von Kurosawa oft geleitete Kritik besteht darin, dass die Hauptbeschäftigung des Direktors mit ethischen und moralischen Themen ihn zuweilen dazu gebracht hat zu schaffen, was einige Kommentatoren als sentimentale oder naive Arbeit betrachten. Von der "Nachkriegsscheibe des Lebens" Drama Ein Wunderbarer Sonntag, zum Beispiel, Filmgelehrter (und zukünftiger Politiker) sprechend, hat Audie Bock behauptet, dass nicht sogar die berühmte Heldentat von Kurosawa als ein Redakteur eine besondere Szene vom Allgemeinplatz sparen konnte: "Die letzte Folge ist... qualvolle zwölf Minuten des Jungen, der ein imaginäres Orchester in einem leeren Amphitheater führt, während seine Freundin direkt an die Kamera für den Zuschauer appelliert, um sich anzuschließen. Winkel und im Brennpunkt stehende Länge-Änderung, Details von Blättern, die sich im Wind zerstreuen, werden zwischengeschnitten, aber nichts lässt die Szene etwas schneller gehen."

Eine Meinungsverschiedenheit besteht über das Ausmaß, in dem die Filme von Kurosawa der Zweiten Weltkrieg-Periode als faschistische Propaganda betrachtet werden konnten. Der kulturelle Historiker Peter B. High sieht das Kriegskino von Kurosawa als ein Teil der propagandistischen Tendenz Japans am Krieg und als ein Beispiel von vielen von dieser Kriegsvereinbarung. High bezieht sich auf seinen zweiten Film, Das Schönste, als eine "dunkle und düstere Interpretation der Standardformeln [Hausvorderseite] Genre." Eine andere Meinungsverschiedenheit Zentren auf seiner angeblichen Verweigerung, Japans Kriegsschuld anzuerkennen. In einem der letzten Filme von Kurosawa, Rhapsodie im August, wird ein ältlicher Überlebender des Atomangriffs auf Nagasaki von ihrem halbjapanischen, halbamerikanischen Neffen, Clark (Richard Gere) besucht, der (mindestens einigen Zuschauern) scheint, sich als ein Amerikaner für die Kriegszerstörung der Stadt zu entschuldigen. Der Kritiker der New York Times Vincent Canby hat über diesen Film geschrieben:" Viele Leute an Cannes wurden empört, dass der Film keine Erwähnung des Perle-Hafens und Japans Gräueltaten in China macht... Wenn sich Clark dafür entschuldigen kann, Nagasaki zu bombardieren, warum kann sich Oma nicht für den Überfall auf dem Perle-Hafen entschuldigen?"

Mehrere Kritiker haben negativ auf die Frauengestalten im Kino von Kurosawa reagiert. Joan Mellen, in ihrer Überprüfung dieses Themas, hat behauptet, dass, zurzeit des Roten Barts (1965), "sind Frauen in Kurosawa nicht nur unwirklich und unfähig der Güte, aber völlig beraubt der Autonomie, ob physisch, intellektuell, oder emotional geworden... Frauen an ihrem besten können nur die Wahrheitsmänner imitieren entdecken." Prinz des Gelehrten von Kurosawa Stephen trifft mit der Ansicht von Mellen, obwohl weniger kritisch zusammen: "Verschieden von einem von den Männern orientierten Direktor wie Sam Peckinpah ist Kurosawa gegen Frauen nicht feindlich, aber sein allgemeiner Mangel von Interesse in ihnen sollte als eine Hauptbeschränkung seiner Arbeit betrachtet werden."

In Japan

In Japan haben beide Kritiker und andere Filmemacher manchmal seine Arbeit des elitären Denkens, wegen seines Fokus auf außergewöhnlichen, heroischen Personen und Gruppen von Männern angeklagt. In ihrem Kommentar zur Luxus-DVD-Ausgabe von Sieben Samurais behauptet Joan Mellen, dass bestimmte Schüsse der Samurai-Charaktere Kambei und Kyuzo, welch zu ihr Kurosawa offenbaren, der diese Samurais "privilegiert", "unterstützen das von mehreren japanischen Kritikern geäußerte Argument, dass Kurosawa ein elitärer war... Kurosawa war kaum ein progressiver Direktor, sie haben gestritten, seitdem seine Bauern unter ihren eigenen Reihe-Führern nicht entdecken konnten, die das Dorf retten könnten. Statt dessen die ungerechte Klassenstruktur ihrer Gesellschaft und unserer rechtfertigend, müssen sich die Bauern auf die Aristokratie, die obere Klasse, und im besonderen Samurai verlassen, um ihr Überleben zu sichern... Kurosawa hat sich gegen diese Anklage in seinem Interview mit mir verteidigt. 'Ich habe sagen wollen, dass nach allem die Bauern das stärkere waren, nah sich an der Erde festhaltend... Es waren die Samurais, die schwach waren, weil sie durch die Winde der Zeit geblasen wurden.'"

Wegen der Beliebtheit von Kurosawa mit europäischen und amerikanischen Zuschauern vom Anfang der 1950er Jahre vorwärts ist er der Anklage nicht entkommen, absichtlich die Geschmäcke von Westländern zu befriedigen, um diese Beliebtheit zu erreichen oder aufrechtzuerhalten. Joan Mellen, die gewaltsam negative Reaktion (in den 1970er Jahren) des linksgerichteten Direktors Nagisa Oshima Kurosawa und seiner Arbeit, Staaten registrierend: "Dieser Kurosawa hatte japanischen Film zu einem Westpublikum beabsichtigt [Oshima] gebracht, dass er Westwerten und Politik kuppeln muss." Kurosawa hat immer stark bestritten, Westgeschmäcken zu kuppeln: "Er hat ein ausländisches Publikum nie befriedigt" schreibt Audie Bock, "und hat diejenigen verurteilt, die tun."

Kurosawa wurde häufig von seinen Landsmännern für das wahrgenommene "arrogante" Verhalten kritisiert. Es war in Japan, dass der (am Anfang) verächtliche Spitzname "Kurosawa Tennō" — "Der Kaiser Kurosawa" — ins Leben gerufen wurde. "Wie tennō," hat Yoshimoto gefordert, ", wie man sagt, steckt Kurosawa sich in seiner eigenen kleinen Welt in ein Kloster, die von der täglichen Wirklichkeit der Mehrheit des Japanisch völlig abgeschnitten wird. Der Spitzname tennō wird in diesem Sinn verwendet, ein Image von Kurosawa als ein Direktor zu schaffen, der seine Macht allein zum Zweck der Zügellosigkeit missbraucht."

Welteinfluss

Ruf unter Filmemachern

Viele haben gefeiert Direktoren sind unter Einfluss Kurosawas gewesen und/oder haben Bewunderung für seine Arbeit ausgedrückt. Die Filmemacher haben unten zitiert werden gemäß drei Kategorien gruppiert: a) diejenigen die, wie Kurosawa selbst, feststehende internationale kritische Rufe in den 1950er Jahren und Anfang der 1960er Jahre; b) so genanntes "Neues Hollywood" Direktoren, d. h. amerikanische Filmemacher, die größtenteils ihre Rufe im frühen zur Mitte der 1970er Jahre eingesetzt haben; und c) andere asiatische Direktoren.

Ingmar Bergman hat seinen eigenen Film Den Reinen Frühling "touristisch, eine verlauste Imitation von Kurosawa," genannt und hat beigetragen, "Damals war meine Bewunderung für das japanische Kino an seiner Höhe. Ich war fast ein Samurai selbst!" Federico Fellini in einem Interview hat den Direktor "das größte lebende Beispiel von allem erklärt, was ein Autor des Kinos" — trotz des Zugebens sein sollte, nur einen seiner Filme, Sieben Samurais gesehen zu haben. Roman Polanski 1965 hat Kurosawa als einer seiner drei Lieblingsfilmemacher (mit Fellini und Orson Welles) zitiert, Sieben Samurais, Thron des Bluts und Der Verborgenen Festung für das Lob aussuchend. Bernardo Bertolucci hat gedacht, dass der Einfluss des japanischen Masters zukunftsträchtig war: "Das Kino von Kurosawa und La Dolce Vita von Fellini sind die Dinge, die mich gestoßen haben, hat mich darin gesaugt, ein Filmregisseur zu sein."

"Neues Hollywood von Kurosawa" Bewunderer hat Robert Altman, Francis Ford Coppola, Steven Spielberg, Martin Scorsese, George Lucas und John Milius eingeschlossen. Robert Altman, als er zuerst Rashomon gesehen hat (während der Periode, als er regelmäßig im Fernsehen aber nicht den Hauptfilmen gearbeitet hat), war durch das Zu-Stande-Bringen seines Kameramannes so beeindruckt, mehrere Schüsse mit der Kamera gerichtet direkt auf die Sonne zu schießen — angeblich war es der erste Film, in dem das erfolgreich getan wurde — dass er behauptet, dass er sehr am nächsten Tag begeistert wurde, um zu beginnen, Schüsse der Sonne in seine Fernseharbeit zu vereinigen. Es war Coppola, der von Kurosawa gesagt hat, "Besteht ein Ding, das [er] unterscheidet, darin, dass er ein Meisterwerk oder zwei Meisterwerke nicht gemacht hat. Er, hat Sie wissen, acht Meisterwerke gemacht." Sowohl Spielberg als auch Scorsese haben die Rolle des älteren Mannes als Lehrer und Vorbild — als ein sensei gelobt, um den japanischen Begriff zu gebrauchen. Spielberg hat erklärt, "Ich habe mehr von ihm erfahren als von fast jedem anderen Filmemacher auf dem Gesicht der Erde", während sich Scorsese geäußert hat, "Lassen Sie ich es einfach sagen: Akira Kurosawa war mein Master, und... der Master von so vielen anderen Filmemachern im Laufe der Jahre." Wie bereits bemerkt, oben waren mehrere dieser Filmemacher auch im Helfen Kurosawa instrumental, Finanzierung für seine späten Filme zu erhalten: Lucas und Coppola haben als Co-Erzeuger auf Kagemusha gedient, während der Name von Spielberg, der zur 1990-Produktion, Träumen geliehen ist, geholfen hat, dieses Bild zur Verwirklichung zu bringen.

Als der erste asiatische Filmemacher, um internationale Bekanntheit zu erreichen, hat Kurosawa als eine Inspiration für anderen asiatischen auteurs natürlich gedient. Rashomons hat der berühmteste Direktor Indiens, Satyajit Ray, gesagt: "Die Wirkung des Films auf mir [nach dem ersten Sehen davon in Kalkutta 1952] war elektrisch. Ich habe es dreimal in Konsekutivtagen gesehen, und habe mich jedes Mal gefragt, wenn es einen anderen Film irgendwo gab, der solchen anhaltenden und glänzenden Beweis eines Befehls eines Direktors über jeden Aspekt des Filmbildens gegeben hat." Andere asiatische Bewunderer schließen den japanischen Schauspieler und Direktor Takeshi Kitano, den Filmemacher von Hongkong John Woo und das Festland der chinesische Direktor Zhang Yimou ein, der Kurosawa "den wesentlichen asiatischen Direktor genannt hat."

Remakes

Preise und besondere Auszeichnungen

Vermächtnis

Kurosawa Production Co., gegründet 1959, setzt fort, viel Vermächtnis von Kurosawa zu beaufsichtigen. Der Sohn des Direktors, Hisao Kurosawa, ist der aktuelle Leiter der Gesellschaft. Seine amerikanische Tochtergesellschaft, Unternehmen von Kurosawa, wird in Los Angeles gelegen. Rechte auf die Arbeiten von Kurosawa werden durch die Produktion von Kurosawa und das Filmstudio gehalten, unter dem er, am meisten namentlich Toho gearbeitet hat. Produktion von Kurosawa arbeitet nah mit dem Fundament von Akira Kurosawa, gegründet im Dezember 2003 und auch geführt von Hisao Kurosawa. Das Fundament organisiert eine jährliche kurze Filmkonkurrenz und führt Kurosawa-zusammenhängende Projekte einschließlich eines kürzlich eingestellten an, um ein Gedächtnismuseum für den Direktor zu bauen.

1981 wurde das Filmstudio von Kurosawa in Yokohama geöffnet; zwei zusätzliche Positionen sind in Japan seitdem gestartet worden. Eine große Sammlung des Archiv-Materials, einschließlich des gescannten Drehbuches, Fotos und Nachrichtenartikel, ist durch den Akira Kurosawa Digitalarchiv, eine japanische Website bereitgestellt worden, die vom Ryukoku Universitätsdigitalarchiv-Forschungszentrum in der Kollaboration mit der Produktion von Kurosawa aufrechterhalten ist. Anaheim Universität Schule von Akira Kurosawa des Films] wurde im Frühling 2009 mit der Unterstützung der Produktion von Kurosawa gestartet. Es bietet Online-Programme im Digitalfilmbilden, mit dem Hauptquartier in Anaheim und einem Lernzentrum in Tokio an.

Zwei Filmpreise sind auch in der Ehre von Kurosawa genannt worden. Der Preis von Akira Kurosawa für das Lebenszu-Stande-Bringen im Film, der Befiehlt, wird während San Franciscos Internationalen Filmfestspielen zuerkannt, während der Preis von Akira Kurosawa während Tokios Internationale Filmfestspiele gegeben wird. Im Gedenken des 100. Jahrestages der Geburt von Kurosawa 2010 wurde ein Projekt genannt AK100 2008 gestartet. Das AK100-Projekt hat zum Ziel, junge Leute "auszustellen, die die Vertreter der folgenden Generation und alle Leute überall, zum Licht und Geist von Akira Kurosawa und der wunderbaren Welt sind, die er geschaffen hat."

Filmography

Auf dem Hausvideo

Alle dreißig von Kurosawa geleiteten Filme sind auf der DVD weltweit, den meisten von ihnen von mehr als einem Verteiler und in mehr als einem Gebiet-Code verfügbar. Seine Filme haben begonnen, auf dem Blu-Strahl veröffentlicht zu werden.

Siehe auch

• Gendai-geki
• Liste von japanischen Schauspielern
• Liste von japanischen Schauspielerinnen
• Liste von japanischen Filmregisseuren
• Samurai-Kino

Referenzen

Zitate

Quellen

Weiterführende Literatur

• Buchanan, Judith (2005). Shakespeare auf dem Film. Pearson Longman. Internationale Standardbuchnummer 0582437164.
• Burch, Nöel (1979). Dem Entfernten Beobachter: Form und Bedeutung im japanischen Kino. Universität der Presse von Kalifornien. Internationale Standardbuchnummer 0520036050. Verfügbar online am Zentrum für japanische Studien, Universität Michigans
• Cowie, Peter (2010). Akira Kurosawa: Master des Kinos. Rizzoli Veröffentlichungen. Internationale Standardbuchnummer 0847833194.
• Davies, Anthony (1990). Das Filmen der Spiele von Shakespeare: Die Anpassungen von Laurence Olivier, Orson Welles, Peter Brook und Akira Kurosawa. Universität von Cambridge Presse. Internationale Standardbuchnummer 0521399130.
• Desser, David (1983). Samurai Films von Akira Kurosawa (Studien im Kino Nr. 23). UMI Forschungspresse. Internationale Standardbuchnummer 0835719243.
• Kurosawa, Akira (1999). Ganze Zeichnungen (japanischer Text). Shogakukan. Internationale Standardbuchnummer 4096996114.
• Leonard, Kendra Preston (2009). Shakespeare, Wahnsinn und Musik: Das Zählen des Wahnsinns in Filmischen Anpassungen. Plymouth: Die Vogelscheuche-Presse. Internationale Standardbuchnummer 0810869462.
• Sorensen, Lars-Martin (2009). Zensur von Japanese Films Während des amerikanischen Berufs Japans: Die Fälle von Yasujiro Ozu und Akira Kurosawa. Edwin Mellen Press. Internationale Standardbuchnummer 0773446737.

Links

• Akira Kurosawa bei der Kriterium-Sammlung
• Akira Kurosawa: Nachrichten, Information und Diskussion
• Sinne des Kinos: Große Direktoren kritische Datenbank
• Große Leistungen: Kurosawa (PBS)
• CineFiles: Kunstmuseum von Berkeley und Pazifisches Filmarchiv (Suche von Kurosawa)
• Akira Kurosawa am Grab der japanischen Berühmtheit führt
• Mehrere Trailer