Das Haben einer Geschichte, die mehr als 100 Jahre abmisst. Japan hat eine der ältesten und größten Filmindustrien in der Welt - bezüglich 2009 das vierte größte durch die Zahl von erzeugten Hauptfilmen. 2011 hat Japan 411 Hauptfilme erzeugt, die 54.9 % einer von US$ 2.338 Milliarden ganzen Kasse verdient haben. Kino ist in Japan seit 1897 erzeugt worden, als die ersten ausländischen Kameramänner angekommen sind. In einer Rangordnung der besten Filme, die in Asien durch den Anblick & Ton erzeugt sind, hat Japan acht der zwölf erst mit Tokios aufgereihter Nummer ein der Geschichte zusammengesetzt. Japan hat den Oscar für den Besten fremdsprachigen Film viermal wieder mehr gewonnen als jedes andere Land in Asien. Einige bemerkenswerte japanische Filme sind Geschichte von Tokio, Sieben Samurais, Ugetsu, Tampopo, Im Bereich der Sinne und Godzilla.

Geschichte

Stilles Zeitalter

Der kinetoscope, zuerst gezeigt gewerblich von Thomas Edison in den Vereinigten Staaten 1894, wurde zuerst in Japan im November 1896 gezeigt. Der Vitascope und der Kinematograph von Lumière Brothers wurden zuerst in Japan im März 1897 präsentiert, und Kameramänner von Lumière waren erst, um Filme in Japan zu drehen. Bewegende Bilder waren jedoch nicht eine völlig neue Erfahrung für die Japaner wegen ihrer reichen Tradition von vorfilmischen Geräten wie gentō (utsushi-e) oder die magische Laterne. Der erste erfolgreiche japanische Film gegen Ende 1897 hat Sehenswürdigkeiten in Tokio gezeigt.

1898 wurden einige Geisterfilme gemacht, die Shirō Asano Shorts Backen Jizo (Jizo der Spuk / ) und Shinin kein sosei (Wiederaufleben eines Leichnams). Der erste Dokumentarfilm, die kurze Geisha kein teodori (), wurde im Juni 1899 gemacht. Tsunekichi Shibata hat mehrere frühe Filme, einschließlich Momijigari, einer 1899-Aufzeichnung von zwei berühmten Schauspielern gemacht, die eine Szene von einem wohl bekannten Kabuki-Spiel durchführen. Frühe Filme waren unter Einfluss des traditionellen Theaters - zum Beispiel, kabuki und bunraku.

1908, Shōzō Makino, hat den Pionierdirektor des japanischen Films gedacht, hat seine einflussreiche Karriere mit Honnōji gassen (), erzeugt für Yokota Shōkai begonnen. Shōzō hat Matsunosuke Onoe, einen ehemaligen kabuki Schauspieler rekrutiert, um in seiner Produktion die Hauptrolle zu spielen. Onoe ist Japans erster Filmstar geworden, in mehr als 1,000 Filmen, größtenteils Shorts, zwischen 1909 und 1926 erscheinend. Das Paar hat für das jidaigeki Genre den Weg gebahnt. Tokihiko Okada war eine populäre romantische Leitung desselben Zeitalters.

Der erste weibliche japanische Darsteller, um in einem Film zu erscheinen, war beruflich der Tänzer/Schauspielerin Tokuko Nagai Takagi, der in vier Shorts für amerikanische Thanhouser Company zwischen 1911 und 1914 erschienen ist.

Frühste japanische Kino-Theater haben benshi, Erzähler verwendet, deren dramatische Lesungen den Film und seine Musikkerbe begleitet haben. Als im Westen wurde die Kerbe häufig lebend durchgeführt.

Unter Intellektuellen sind Kritiken des japanischen Kinos in den 1910er Jahren gewachsen und haben sich schließlich in eine Bewegung entwickelt, die japanischen Film umgestaltet hat. Filmkritik hat mit frühen Filmzeitschriften wie Katsudō shashinkai (begonnen 1909) und ein lebensgroßes Buch begonnen, das von Yasunosuke Gonda 1914 geschrieben ist, aber viele frühe Filmkritiker haben sich häufig darauf darauf konzentriert, die Arbeit des Studios wie Nikkatsu und Tenkatsu dafür zu züchtigen, zu theatralisch (das Verwenden, zum Beispiel, die Elemente von kabuki und shinpa wie onnagata) zu sein und um nicht zu verwerten, was als mehr filmische Techniken betrachtet wurde, um Geschichten zu erzählen, stattdessen sich auf benshi verlassend. Worin später die Reine Filmbewegung genannt wurde, haben Schriftsteller in Zeitschriften wie Kinema-Aufzeichnung nach einem breiteren Gebrauch solcher filmischen Techniken verlangt. Einige dieser Kritiker, wie Norimasa Kaeriyama, haben fortgesetzt, ihre Ideen in die Praxis umzusetzen, indem sie solche Filme wie Das Glühen des Lebens (1918) geleitet haben. Es gab parallele Anstrengungen anderswohin in der Filmindustrie. Filmen Sie seinen 1917 die Tochter des Kapitäns, Masao Inoue hat angefangen, Techniken zu verwenden, die dem stillen Filmzeitalter wie die Nahaufnahme neu sind, und hat gestutzt. Die Reine Filmbewegung war in der Entwicklung des gendaigeki und scriptwriting zentral. Neues Studio gegründet 1920, wie Shochiku und Taikatsu, hat dem Grund zu Reform geholfen. An Taikatsu hat Thomas Kurihara Filme scripted durch den Romanschriftsteller Junichiro Tanizaki geleitet, der ein starker Verfechter der Filmreform war. Sogar Nikkatsu hat reformistische Filme unter der Richtung von Eizō Tanaka erzeugt. Durch die Mitte der 1920er Jahre hatten Schauspielerinnen onnagata ersetzt, und Filme haben mehr von den von Inoue den Weg gebahnten Geräten verwendet. Einige der am meisten besprochenen stillen Filme von Japan sind diejenigen von Kenji Mizoguchi, dessen spätere Arbeiten (z.B, Das Leben von Oharu) noch hoch angesehen sind.

Japanische Filme haben Beliebtheit Mitte der 1920er Jahre gegen Auslandsfilme gewonnen, die teilweise durch die Beliebtheit von Filmstars und einen neuen Stil von jidaigeki angetrieben sind. Direktoren wie Daisuke Itō und Masahiro Makino haben Samurai-Filme wie Ein Tagebuch von Travels von Chuji und Roningai gemacht, der rebellische Antihelden in schnell geschnittenen Kampf-Szenen zeigt, die sowohl kritisch mit Jubel begrüßt wurden und kommerzielle Erfolge. Einige Sterne, wie Tsumasaburo Bando, Kanjūrō Arashi, Chiezō Kataoka, Takako Irie und Utaemon Ichikawa, wurden durch Makino Filmproduktionen begeistert und haben ihre eigenen unabhängigen Produktionsgesellschaften gebildet, wo Direktoren wie Hiroshi Inagaki, Mansaku Itami und Sadao Yamanaka ihre Sachkenntnisse gehont haben. Direktor Teinosuke Kinugasa hat eine Produktionsgesellschaft geschaffen, um das experimentelle Meisterwerk Eine Seite des Wahnsinn zu erzeugen, Masao Inoue 1926 in der Hauptrolle zeigend. Viele dieser Gesellschaften, während sie während des stillen Zeitalters gegen das Hauptstudio wie Nikkatsu, Shochiku, Teikine, und Toa Studio überlebt haben, konnten die Kosten nicht überleben, die am Umwandeln zum Ton beteiligt sind.

Mit dem Anstieg von politischen Linksbewegungen und Gewerkschaften am Ende der 1920er Jahre ist so genannte Tendenz-Filme mit Links"Tendenzen" mit prominenten Beispielen entstanden, die durch Kenji Mizoguchi, Daisuke Itō, Shigeyoshi Suzuki und Tomu Uchida leiten werden. Im Vergleich mit diesen gewerblich erzeugten 35-Mm-Filmen hat die Marxistische Proletarierfilmliga Japans (Prokino) Arbeiten unabhängig in kleineren Maßen (wie 9.5 Mm und 16 Mm) mit radikaleren Absichten gemacht. Tendenz-Filme haben unter der strengen Zensur gelitten, die in die 1930er Jahre geht, und Mitglieder von Prokino wurden angehalten, und die Bewegung effektiv zerquetscht. Solche Bewegungen durch die Regierung hatten tiefe Effekten auf den Ausdruck der politischen Meinungsverschiedenheit im Kino der 1930er Jahre.

Eine spätere Version der Tochter des Kapitäns war einer der ersten Tonfilm-Filme. Es hat das System von Mina Talkie verwendet. Die japanische Filmindustrie hat sich später in zwei Gruppen aufgespalten; man hat das System von Mina Talkie behalten, während anderes verwendetes das System von Iisutofyon Talkie gepflegt hat, die Filme von Tojo Masaki zu machen.

Das 1923-Erdbeben, die Bombardierung Tokios während des Zweiten Weltkriegs und die natürlichen Effekten der Zeit und Japans Feuchtigkeit auf dem leicht entzündlichen und nicht stabilen Nitrat-Film sind auf einen großen Mangel an überlebenden Filmen von dieser Periode hinausgelaufen.

Die 1930er Jahre

Unterschiedlich in den Westlichen, stillen Filmen wurden noch in Japan gut in die 1930er Jahre erzeugt. Einige japanische gesunde Shorts wurden in den 1920er Jahren und 1930er Jahren gemacht, aber Japans erster abendfüllender Tonfilm war Fujiwara Yoshie kein furusato (1930), der das System von Mina Talkie verwendet hat. Bemerkenswerte Tonfilme dieser Periode schließen die Frau von Mikio Naruse ein, A Rose Ähnlich sein! (Tsuma Yo Bara No Yoni, 1935), der einer der ersten japanischen Filme war, um eine Theaterausgabe in den Vereinigten Staaten zu gewinnen; Yasujiro Ozu Ein Gasthof in Tokio, betrachtet als ein Vorgänger zum neorealism Genre; die Schwestern von Kenji Mizoguchi von Gion (Gion kein shimai, 1936); Elegie von Osaka (1936); die Menschheits- und Papierballons von Sadao Yamanaka (1937); und Die Geschichte der Letzten Chrysanthemen (1939).

Die 1930er Jahre haben auch vergrößerte Regierungsbeteiligung am Kino gesehen, das durch den Übergang des Filmgesetzes symbolisiert wurde, das dem Staat mehr Autorität über die Filmindustrie 1939 gegeben hat. Die Regierung hat einige Formen des Kinos gefördert, Propaganda-Filme erzeugend und Dokumentarfilme fördernd (hat auch bunka eiga oder "Kulturfilme" genannt), mit wichtigen Dokumentarfilmen, die durch Direktoren wie Fumio Kamei machen werden. Realismus war begünstigt; Filmtheoretiker wie Taihei Imamura haben für den Dokumentarfilm verteidigt, während Direktoren wie Hiroshi Shimizu und Tomotaka Tasaka Fiktionsfilme erzeugt haben, die im Stil stark realistisch waren.

Die 1940er Jahre

Wegen des Zweiten Weltkriegs und der schwachen Wirtschaft ist Arbeitslosigkeit weit verbreitet in Japan geworden. Die Schwäche der Wirtschaft hatte auch eine sehr schädliche Wirkung auf die Kino-Industrie.

Während dieser Periode, als Japan sein wachsendes Reich ausbreitete, hat die japanische Regierung Kino als ein Propaganda-Werkzeug gesehen, um den Ruhm und die Unbezwinglichkeit des Reiches Japan zu zeigen. So zeichnen viele Filme von dieser Periode patriotische und militaristische Themen. 1942 haben die Hawai Filmstute von Kajiro Yamamoto oki kaisen oder "Der Krieg auf See von den Hawaiiinseln zu Malaiisch" den Angriff auf den Perle-Hafen porträtiert, der mit einem Miniaturskala-Modell unter anderen speziellen Effekten wieder hervorgebracht ist, für die Eiji Tsuburaya (ein spezieller Effekten-Direktor) die Verantwortung getragen hat.

Akira Kurosawa hat sein Hauptfilm-Debüt mit Sugata Sanshiro 1943 gemacht. Die ersten Kollaborationen zwischen Kurosawa und Schauspieler Toshiro Mifune waren Betrunkener Engel 1948 und Streuhund 1949. Yasujiro Ozu hat kritisch und gewerblich erfolgreich späten Frühling 1949 befohlen.

Der Mainichi Filmpreis wurde 1946 geschaffen.

Mit dem SCAP Beruf im Anschluss an das Ende von WWII wurde Japan zu Wert des mehr als eines Jahrzehnts des amerikanischen Zeichentrickfilms ausgestellt, der unter der Kriegsregierung verboten worden war.

Die 1950er Jahre

Die 1950er Jahre waren das Goldene Zeitalter des japanischen Kinos. Drei japanische Filme von diesem Jahrzehnt (Rashomon, Sieben Geschichte von Samurai und Tokio) haben den Anblick & die 2002 Kritiker des Tons und Direktoren Poll für die besten Filme aller Zeiten gemacht. Die Periode nach dem amerikanischen Beruf hat zu einem Anstieg der Ungleichheit im Filmvertrieb dank der vergrößerten Produktion und Beliebtheit des Filmstudios von Toho, Daiei, Shochiku, Nikkatsu und Toei geführt.

Das Jahrzehnt hat mit dem Rashomon von Akira Kurosawa (1950) angefangen, der den Oscar für den Besten fremdsprachigen Film und den Goldenen Löwen an den Venediger Filmfestspielen gewonnen hat und den Eingang des japanischen Kinos auf die Weltbühne gekennzeichnet hat. Es war auch die Ausbruch-Rolle für den legendären Stern Toshirō Mifune. 1953 war Entotsu kein mieru basho durch Heinosuke Gosho in der Konkurrenz am 3. Berlin Internationale Filmfestspiele.

Der erste japanische Film in der Farbe war Carmen Kommt geleitet von Keisuke Kinoshita und veröffentlicht 1951 Nach Hause. Es gab auch eine Schwarzweißversion dieses verfügbaren Films. Das Tor der Hölle, eines 1953-Films durch Teinosuke Kinugasa, war der erste Film, der das Verwenden Film von Eastmancolor gefilmt hat, war das Tor der Hölle sowohl der erste Farbenfilm von Daiei als auch der erste japanische außerhalb Japans zu veröffentlichende Farbenfilm, einen Oskar 1954 für das Beste Kostüm-Design von Sanzo Wada und einem Ehrenpreis für den Besten fremdsprachigen Film empfangend. Es hat auch den Palme d'Or an den Cannes Filmfestspielen, der erste japanische Film gewonnen, um diese Ehre zu erreichen.

Das Jahr 1954 hat zwei von Japans einflussreichsten veröffentlichten Filmen gesehen. Das erste war das Epos von Kurosawa Sieben Samurais über ein Band der angestellten Samurais, die ein hilfloses Dorf vor einer habgierigen Bande von Dieben schützen. Dasselbe Jahr hat Ishirō Honda den Anti-Atomhorrorfilm Gojira veröffentlicht, der im Westen als Godzilla übersetzt wurde. Obwohl es für seine Westausgabe streng editiert wurde, ist Godzilla eine internationale Ikone Japans geworden und hat eine komplette Industrie von Filmen von Kaiju erzeugt. Auch 1954 waren sowohl ein anderer Film von Kurosawa, Ikiru als auch die Geschichte von Tokio von Yasujiro Ozu in der Konkurrenz am 4. Berlin Internationale Filmfestspiele.

1955 hat Hiroshi Inagaki einen Oscar für den Besten fremdsprachigen Film für von seiner Samurai-Trilogie gewonnen und 1958 hat den Goldenen Löwen an den Venediger Filmfestspielen für den Rikscha-Mann gewonnen. Kon Ichikawa hat zwei Antikriegsdramen geleitet: Die birmanische Harfe (1956), der für den Besten fremdsprachigen Film an den Oscars und die Feuer Auf Der Ebene (1959), zusammen mit Enjo (1958) berufen wurde, der vom neuartigen Tempel von Yukio Mishima Des Goldenen Pavillons angepasst wurde. Masaki Kobayashi hat zwei der drei Filme gemacht, die bekannt als Die Menschliche Bedingungstrilogie insgesamt werden würden: Keine Größere Liebe (1958), und Die Straße zur Ewigkeit (1959). Die Trilogie wurde 1961 mit einem Gebet eines Soldaten vollendet.

Kenji Mizoguchi hat Das Leben von Oharu (1952), Ugetsu (1953) und Sansho der Gerichtsvollzieher (1954) geleitet. Er hat den Silberbären an den Venediger Filmfestspielen für Ugetsu gewonnen. Mikio Naruse hat Mahlzeit (1950), Späte Chrysanthemen (1954), Der Ton des Bergs (1954) und Schwimmwolken (1955) gemacht. Yasujiro Ozu hat Guten Morgen (1959) und Schwimmunkraut (1958) befohlen, der von seinem früheren stillen Eine Geschichte des Schwimmunkrauts (1934) angepasst wurde, und durch Rashomon/Sansho der Gerichtsvollzieher-Kameramann Kazuo Miyagawa geschossen wurde.

Die Blauen Zierband-Preise wurden 1950 gegründet. Der erste Sieger für den Besten Film war, Bis Wir Uns Wieder durch Tadashi Imai Treffen.

Die 1960er Jahre

Die Zahl von Filmen erzeugt, und das Kino-Publikum hat eine Spitze in den 1960er Jahren erreicht. Die meisten Filme wurden in doppelten Rechnungen mit einer Hälfte der Rechnung gezeigt, die ein "Programm-Bild" oder B-Film ist. Ein typisches Programm-Bild wurde in vier Wochen geschossen. Die Nachfrage nach diesen Programm-Bildern in der Menge hat das Wachstum der Filmreihe wie Hoodlum Soldier oder Akumyo bedeutet.

Das riesige Niveau der Tätigkeit des japanischen Kinos der 1960er Jahre ist auch auf viele Klassiker hinausgelaufen. Akira Kurosawa hat den 1961-Klassiker Yojimbo geleitet. Yasujiro Ozu hat seinen Endfilm, Ein Herbstnachmittag 1962 gemacht. Mikio Naruse hat das Breitwandmelodrama geleitet, Wenn eine Frau die Stufen 1960 Ersteigt; sein Endfilm war die Gestreuten Wolken von 1967.

Kon Ichikawa hat die Wasserscheide 1964 Olympische Spiele in seiner dreistündigen Dokumentarolympiade von Tokio (1965) gewonnen. Seijun Suzuki wurde von Nikkatsu entlassen, um Filme "zu machen, die keinen Sinn haben und kein Geld" nach seinem Surrealisten yakuza leichter Schlag machen, der gebrandmarkt ist (um 1967) Zu töten.

Die 1960er Jahre waren die Maximaljahre der japanischen Neuen Welle-Bewegung, die in den 1950er Jahren begonnen hat und im Laufe des Anfangs der 1970er Jahre weitergegangen hat. Nagisa Oshima, Kaneto Shindo, Masahiro Shinoda, Susumu Hani und Shohei Imamura sind als Hauptfilmemacher während des Jahrzehnts erschienen. Die grausame Geschichte von Oshima der Jugend, Nacht und Nebel in Japan und Tod Durch das Hängen, zusammen mit dem Onibaba von Shindo, dem Kanojo von Hani zu kare und Imamura Die Kerbtier-Frau, ist einige der besser bekannten Beispiele der japanischen Neuen Welle-Filmherstellung geworden. Dokumentarfilm hat eine entscheidende Rolle in der Neuen Welle, als Direktoren wie Hani, Kazuo Kuroki, Toshio Matsumoto und Hiroshi Teshigahara gespielt, der vom Dokumentarfilm in den Fiktionsfilm, während Eigenschaft-Filmemacher wie Oshima und Imamura auch gemachte Dokumentarfilme bewegt ist. Shinsuke Ogawa und Noriaki Tsuchimoto sind der wichtigste documentarists geworden: "zwei Zahlen [dass] Turm über die Landschaft des japanischen Dokumentarfilms."

Die Frau von Teshigahara in den Dünen (1964) hat den Speziellen Jury-Preis an den Cannes Filmfestspielen gewonnen, und wurde für den Besten Direktor und Besten fremdsprachigen Film Oskars berufen. Der Kwaidan von Masaki Kobayashi (1965) hat auch den Speziellen Jury-Preis an Cannes aufgenommen und hat eine Nominierung für den Besten fremdsprachigen Film an den Oscars erhalten. Bushido, die Samurai-Saga durch Tadashi Imai hat den Goldenen Bären am 13. Berlin Internationale Filmfestspiele gewonnen. Die unsterbliche Liebe durch Keisuke Kinoshita und Zwillingsschwestern von Kyoto und Portrait von Chieko, beiden durch Noboru Nakamura, hat auch Nominierungen für den Besten fremdsprachigen Film an den Oscars erhalten. Verlorener Frühling, auch durch Nakamura, war in der Konkurrenz für den Goldenen Bären am 17. Berlin Internationale Filmfestspiele.

Die 1970er Jahre

Die 1970er Jahre haben das Kino-Publikum gesehen wegen der Ausbreitung des Fernsehens fallen. Gesamtpublikum hat sich von 1.2 Milliarden 1960 zu 0.2 Milliarden 1980 geneigt.

Filmgesellschaften haben sich auf verschiedene Weisen, wie die größeren preisgünstigen Filme von Kadokawa Pictures, oder einschließlich des immer sexuelleren oder gewaltsamen Inhalts zur Wehr gesetzt, der im Fernsehen nicht gezeigt werden konnte. Die resultierende rosa Filmindustrie ist das Sprungbrett für viele junge unabhängige Filmemacher geworden. Die siebziger Jahre haben auch den Anfang des "Idols eiga", Filme gesehen, die junge "Idole" in der Hauptrolle zeigen, die in Zuschauern wegen ihrer Berühmtheit und Beliebtheit bringen würden.

Toshiya Fujita hat die Rache-Filmdame Snowblood 1973 gemacht. In demselben Jahr hat Yoshishige Yoshida den Film Coup, ein Bildnis von Ikki Kita, dem Führer des japanischen Staatsstreichs des Februars 1936 gemacht. Seine experimentelle Kinematographie und mise-en-scène, sowie seine avantgardistische Kerbe durch Ichiyanagi Sei, haben es breiter kritischer Beifall innerhalb Japans gespeichert.

1976 wurde der Hochi Filmpreis geschaffen. Der erste Sieger für den Besten Film war Der Inugamis durch Kon Ichikawa. Nagisa Oshima hat Im Bereich der Sinne (1976), ein Film befohlen, der über ein Verbrechen der Leidenschaft ausführlich berichtet, die Satz von Sada Abe in den 1930er Jahren einschließt. Umstritten für seinen ausführlichen sexuellen Inhalt ist es unzensiert in Japan nie gesehen worden.

Kinji Fukasaku hat die epischen Kämpfe Ohne Ehre- und Menschheitsreihe von yakuza Filmen vollendet. Yoji Yamada hat die gewerblich erfolgreiche Tora-San Reihe eingeführt, während er auch andere Filme, namentlich das populäre Das Gelbe Taschentuch geleitet hat, das den ersten Akademie-Preis von Japan für den Besten Film 1978 gewonnen hat. Neue Welle-Filmemacher Susumu Hani und Shohei Imamura haben sich zur Dokumentararbeit zurückgezogen, obwohl Imamura eine dramatische Rückkehr gemacht hat, um Filmherstellung mit der Rache zu zeigen, Ist Meiniger (1979).

Der Dodes'ka-Bastelraum durch Akira Kurosawa und Sandakan Nr. 8 durch Kei Kumai wurde zum Oscar für den Besten fremdsprachigen Film berufen.

Die 1980er Jahre

Die 1980er Jahre haben den Niedergang des japanischen Hauptfilmstudios und ihre verbundenen Ketten von Kinos, mit dem Hauptstudio Toho und Toei gesehen, der kaum im Geschäft, Shochiku unterstützt fast allein vom Otoko wa tsurai Filme und Nikkatsu bleibt, der sich noch weiter neigt.

Der älteren Generation von Direktoren hat Akira Kurosawa Kagemusha (1980) geleitet, der den Palme d'Or an den Cannes 1980-Filmfestspielen gewonnen hat, und (1985) Gelaufen ist. Seijun Suzuki hat ein Come-Back gemacht, das mit Zigeunerweisen 1980 beginnt. Shohei Imamura hat den Palme d'Or an den Cannes Filmfestspielen für Die Ballade von Narayama (1983) gewonnen. Yoshishige Yoshida hat Eine Versprechung (1986), sein erster Film seit dem Coup von 1973 gemacht.

Neue Direktoren, die in den 80er Jahren erschienen sind, schließen Schauspieler Juzo Itami ein, der seinen ersten Film, Das Begräbnis 1984 geleitet hat, und kritisch und Kasse-Erfolg mit Tampopo 1985 erreicht hat. Kiyoshi Kurosawa, der internationale Aufmerksamkeit erzeugen würde, die Mitte der 1990er Jahre beginnt, hat sein anfängliches Debüt mit rosa Filmen und Genre-Entsetzen gemacht.

Während der 1980er Jahre hat anime an der Beliebtheit, mit dem neuen belebten Kino veröffentlicht jeden Sommer und Winter, häufig gestützt auf dem populären Fernsehen anime gewonnen. Mamoru Oshii hat das Ei seines merklichen Engels 1983 veröffentlicht. Hayao Miyazaki hat seine manga Reihe Nausicaä des Tales des Winds in einen Hauptfilm desselben Namens 1984 angepasst. Katsuhiro Otomo ist Klage mit Akira 1988 gefolgt.

Hausvideo hat möglich die Entwicklung einer Filmindustrie unmittelbar zum Video gemacht.

Die 1990er Jahre

Wegen Wirtschaftszurücktreten hatte die Zahl von Filmtheatern in Japan seit den 1960er Jahren fest abgenommen. Die 1990er Jahre haben die Umkehrung dieser Tendenz und die Einführung des Mehrfach-in Japan gesehen.

Takeshi Kitano ist als ein bedeutender Filmemacher mit Arbeiten wie Sonatine (1993), Kinderrückkehr (1996) und Hana-bi (1997) erschienen, der der Goldene Löwe an den Venediger Filmfestspielen gegeben wurde. Shohei Imamura hat wieder die Goldene Palme (geteilt mit dem iranischen Direktor Abbas Kiarostami), dieses Mal für Den Aal (1997) gewonnen. Er ist der vierte zweimalige Empfänger geworden, sich Alf Sjöberg, Francis Ford Coppola und Bille August anschließend.

Kiyoshi Kurosawa hat internationale Anerkennung im Anschluss an die Ausgabe von Kyua (1997) gewonnen. Takashi Miike hat eine fruchtbare Karriere mit Titeln wie Hörvermögen (1999), Tot oder Lebendig (1999) und Die Vogel-Leute in China (1998) gestartet. Ehemaliger dokumentarischer Filmemacher Hirokazu Koreeda hat eine mit Jubel begrüßte Eigenschaft-Karriere mit Maborosi (1996) und Nach dem Leben (1999) gestartet.

Hayao Miyazaki hat zwei riesengrosse Kasse und kritische Erfolge, Porco Rosso (1992) geleitet - die E.T schlagen. (1982) als der im höchsten Maße brutto verdienende Film in Japan - und Prinzessin Mononoke (1997), der auch den Spitzenkasse-Punkt bis Titanisch (1997) gefordert hat.

Mehrere neue anime Direktoren haben sich zur weit verbreiteten Anerkennung erhoben, mit ihnen Begriffe von anime als nicht nur Unterhaltung, aber moderne Kunst bringend. Mamoru Oshii hat den international mit Jubel begrüßten philosophischen Sciencefictionshandlungsfilmgeist in Shell 1996 befreit. Satoshi Kon hat den preisgekrönten psychologischen Thriller Vollkommenes Blau geleitet. Hideaki Anno hat auch beträchtliche Anerkennung mit Dem Ende von Evangelion 1997 gewonnen.

Die 2000er Jahre

Die Zahl des Kinos, das in Japan fest wird zeigt, hat mit ungefähr 821 2006 veröffentlichten Filmen zugenommen. Auf der japanischen Fernsehreihe gestütztes Kino war während dieser Periode besonders populär. Filme von Anime sind jetzt für 60 Prozent der japanischen Filmproduktion verantwortlich gewesen. Wie man betrachtet, sind die 1990er Jahre und die 2000er Jahre "das Zweite Goldene Zeitalter des japanischen Kinos", wegen der riesigen Beliebtheit von anime sowohl innerhalb Japans als auch in Übersee.

Takeshi Kitano ist im Kampf Royale erschienen und hat befohlen und hat in Dolls und Zatoichi die Hauptrolle gespielt. Mehrere Horrorfilme, Kairo, Dunkles Wasser, Yogen, die Groll-Reihe und der Ein Verpasste Anruf haben sich mit dem kommerziellen Erfolg getroffen. 2004, geleitet von Ryuhei Kitamura, wurde veröffentlicht, um den 50. Jahrestag von Godzilla zu feiern. 2005 hat Direktor Seijun Suzuki seinen 56. Film, Prinzessin Raccoon gemacht. Hirokazu Koreeda hat Filmfestspiele-Preise um die Welt mit zwei seiner Filme Entfernung gefordert, und Niemand Weiß. Yoji Yamada, Direktor des Otokos wa Reihe von Tsurai yo, hat eine Trilogie von mit Jubel begrüßten Revisionist-Samurai-Filmen, dem Zwielicht-Samurai von 2002 gemacht, der von Der Verborgenen Klinge 2004 und Liebe und Honor 2006 gefolgt ist.

In anime hat Hayao Miyazaki Temperamentvoll Weg 2001 befohlen, japanische Kasse-Aufzeichnungen brechend und mehrere Preise gewinnend, die vom Bewegenden Schloss des Heulens und Ponyo 2004 und 2008 beziehungsweise gefolgt sind. 2004 hat Mamoru Oshii den anime Film veröffentlicht, der kritisches Lob um die Welt erhalten hat. Sein 2008 lässt sich verfilmen Die Himmel-Kettenfahrzeuge wurde mit dem ähnlich positiven internationalen Empfang entsprochen. Satoshi Kon hat auch drei ruhigere, aber dennoch hoch erfolgreiche Filme veröffentlicht: Millennium-Schauspielerin, Paten von Tokio und Paprika. Katsuhiro Otomo hat Steamboy, sein erstes belebtes Projekt seit 1995 kurze Filmkompilationserinnerungen 2004 befreit. In der Kollaboration mit dem Studio 4C hat der amerikanische Direktor Michael Arias Tekkon Kinkreet 2008 zum internationalen Beifall befreit. Nach mehreren Jahren der Richtung in erster Linie von Filmen der lebenden Handlung des niedrigeren Schlüssels hat Hideaki Anno sein eigenes Produktionsstudio gebildet und hat seine noch populäre Lizenz von Evangelion damit wieder besucht, von Evangelion tetralogy, einer neuen Reihe von Filmen Wieder aufzubauen, die zur Verfügung stellen der ursprünglichen Geschichte abwechselnd nochmals zu erzählen.

Im Februar 2000 wurde der Filmkommissionspromotionsrat von Japan gegründet. Am 16. November 2001, das japanische Fundament für die Promotion der Kunstgesetze wurden dem Repräsentantenhaus präsentiert. Diese Gesetze waren beabsichtigt, um die Produktion von Mediakünsten einschließlich der Filmlandschaft zu fördern und festzusetzen, dass die Regierung - sowohl auf den nationalen als auch auf lokalen Niveaus - Hilfe leihen muss, um Filmmedien zu bewahren. Die Gesetze wurden am 30. November passiert und sind am 7. Dezember in Kraft getreten. 2003, bei einem Sammeln für die Agentur von Kulturellen Angelegenheiten, wurden zwölf Policen in einem schriftlichen Bericht vorgeschlagen, Publikum-gemachten Filmen zu erlauben, gefördert und am Filmzentrum des Nationalen Museums der Modernen Kunst gezeigt zu werden.

Die 2010er Jahre

Drei Filme haben so weit internationale Anerkennung erhalten, indem sie ausgewählt wird, um sich in Hauptfilmfestspielen zu bewerben: Die Raupe durch Kōji Wakamatsu war in der Konkurrenz für den Goldenen Bären am 60. Berlin Internationale Filmfestspiele und hat den Silberbären für die Beste Schauspielerin gewonnen, das Verbrechen durch Takeshi Kitano war in der Konkurrenz für den Palme d'Or an 2010-Cannes Film Festival, und Himizu, durch Sion Sono war in der Konkurrenz für den Goldenen Löwen am 68. Venedig Internationale Filmfestspiele.

Genres

Die folgenden Genres von japanischen Filmen sind gegeben worden:

• Jidaigeki: Periode-Stück-Satz während der Periode von Edo (1603-1868) oder früher.
• Samurai-Kino, ein Subgenre von jidaigeki, auch bekannt als chambara (Onomatopöie, die den Ton des Schwert-Aneinanderstoßens beschreibt).
• J-Entsetzen: Horrorfilme wie Ring
• Kaiju: Ungeheuer-Filme, wie Godzilla
• Rosa Filme: pornografische Softfilme.
• Filme von Yakuza: Filme über Gangster von Yakuza.
• Gendaigeki: Das Gegenteil von "jidaigeki", Filme gehen am heutigen Tag unter.
• Shomingeki: realistische Filme über allgemeine Arbeiter
• Anime: Zeichentrickfilm. Anime bezieht sich auf den "japanischen Zeichentrickfilm" in Englisch.

Siehe auch

Kino der Welt Geschichte des Kinos

• Akademie-Preis von Japan
• Liste von japanischen Schauspielern
• Liste von japanischen Schauspielerinnen
• Liste von japanischen Filmregisseuren
• Liste von japanischen Filmen
• Genres:
• Liste von jidaigeki
• Samurai-Kino
• Tokusatsu
• Liste von japanischen Sprachfilmen
• Liste des japanischen Filmstudios
• Nuberu bagu (Die japanische Neue Welle)
• Seiyū
• Liste von japanischen Vorlagen für den Oscar für den Besten fremdsprachigen Film
• Fernsehen in Japan

Referenzen

Bibliografie

• Verfügbar online am Zentrum für japanische Studien, Universität Michigans

Verfügbar online am Zentrum für japanische Studien, Universität Michigans

• (Rezension)

Links

• Toki Akihiro & Mizuguchi Kaoru (1996) eine Geschichte des frühen Kinos in Kyoto, Japan (1896-1912). Cinematographe und Inabata Katsutaro.
• Kato Mikiro (1996) eine Geschichte von Filmtheatern und Zuschauern in Nachkriegskyoto, der Hauptstadt des japanischen Kinos.
• Japanische Kino-Datenbank, die von der Agentur für Kulturelle Angelegenheiten (Filme nach 1896, in Japanisch) aufrechterhalten ist
• Japanische Filmdatenbank, die von UniJapan (in Englisch, Filme nach 2002) aufrechterhalten ist
• Kinema Junpo Datenbank, die von Kinema Junpo (Filme nach 1945, in Japanisch) aufrechterhalten ist
• Nationale Filmzentrum-Datenbank (Filme in der nationalen Archiv-Sammlung, in Japanisch)
• Die Film-Produktionsvereinigung Japans (schließt Filmdatenbank, Kasse-Statistik ein)
• Japanische Filmdatenbank (in Japanisch)
• Kinema Klub
• Mitternachtauge
• Mittel für die Studie des japanischen Kinos an der Universität der Iowa Bibliothek
• Japanische Nachschlagewerke, um japanisches Kino an der Yale Universität durch Aaron Gerow zu studieren
• Japanisches Kino bis 1960 durch Gregg Rickman
• Japanische Filmfestspiele (Singapur) - Ein jährliches curated Filmprogramm, das sich auf klassisches japanisches Kino und neue Ströme, mit regelmäßigen Gast-Direktoren und Schauspielern konzentriert.