Die Geschichte der Malerei reicht zurück rechtzeitig bis Kunsterzeugnisse von vorgeschichtlichen Menschen, und misst alle Kulturen ab. Es vertritt einen dauernden, obwohl regelmäßig gestörte Tradition von der Altertümlichkeit. Über Kulturen und Überspannen-Kontinente und Millennien ist die Geschichte der Malerei ein andauernder Fluss der Kreativität, die ins 21. Jahrhundert weitergeht. Bis zum Anfang des 20. Jahrhunderts hat es sich in erster Linie auf klassische und religiöse Vertretungsmotive verlassen, nach der Zeit mehr rein abstrakte und begriffliche Annäherungen Bevorzugung gewonnen haben.

Entwicklungen in der Ostmalerei passen historisch denjenigen in der Westmalerei im Allgemeinen ein paar Jahrhunderte früher an. Afrikanische islamische Kunstkunst, Indianerkunst, chinesische Kunst und japanische Kunst hatte jeder bedeutenden Einfluss auf die Westkunst, und schließlich umgekehrt.

Am Anfang dienender Nützlichkeitszweck, der von der kaiserlichen, privaten, städtischen und religiösen Schirmherrschaft gefolgt ist, hat Ost- und Westmalerei später Zuschauer in der Aristokratie und dem Mittelstand gefunden. Vom Modernen Zeitalter hat das Mittlere Alter durch die Renaissancemaler für die Kirche und eine wohlhabende Aristokratie gearbeitet. Der Anfang mit den Barocken Zeitalter-Künstlern hat private Kommissionen von einem mehr gebildeten und wohlhabenden Mittelstand empfangen. Schließlich im Westen hat die Idee von der "Kunst für den sake der Kunst" begonnen, Ausdruck in der Arbeit der Romantischen Maler wie Francisco de Goya, Polizist von John, und J.M.W. Turner zu finden. Während des 19. Jahrhunderts hat der Anstieg der Werbegrafik-Galerie Schirmherrschaft im 20. Jahrhundert zur Verfügung gestellt.

Empfohlene Artikel: Das 20. Jahrhundert Westmalerei, Westmalerei, Malerei, Umriss der Malerei der Geschichte, Landschaft-Kunst.

Vorgeschichte

Die ältesten bekannten Bilder sind an Grotte Chauvet in Frankreich, das von einigen Historikern behauptet ist, ungefähr 32,000 Jahre alt zu sein. Sie werden eingraviert und haben verwendenden roten Ocker und schwarzes Pigment gemalt, und zeigen Sie Pferde, Nashorn, Löwen, Büffel, Mammut oder Menschen, die häufig jagen. Es gibt Beispiele von Höhlenmalereien überall auf der Welt — in Frankreich, Indien, Spanien, Portugal, China, Australien usw. Verschiedene Vermutungen sind betreffs des Meinens gemacht worden, dass diese Bilder den Leuten hatten, die sie gemacht haben. Vorgeschichtliche Männer können Tiere gemalt haben, um ihre Seele oder Geist "zu fangen", um sie leichter zu jagen oder die Bilder eine animistic Vision und Huldigung zur Umgebungsnatur vertreten können, oder sie das Ergebnis eines grundlegenden Bedürfnisses nach dem Ausdruck sein können, der Menschen angeboren ist, oder sie für die Übertragung der praktischen Information gewesen sein könnten.

Image:Bhimbetka. JPG|Rock Schutz von Bhimbetka, Felsen-Malerei, Steinzeit, Indien

Image:lascaux2.jpg|Lascaux, Pferd

Image:San Malerei, Ukalamba Drakensberge 1. JPG|Eland, Felsen-Malerei, Drakensberg, Südafrika

Image:Lascaux Malerei jpg|Lascaux, Stiere und Pferde

Image:Rock Kunst männliche jpg|Spanish Höhlenmalerei von Stieren

Image:Haljesta.jpg|Petroglyphs, von Schweden, hat nordische Bronzezeit (gemalt)

Image:GreatGalleryedit.jpg|Pictographs von der Galerie Great, dem Canyonlands Nationalpark, der Hufeisen-Felsschlucht, Utah, c. 1500 BCE

File:SantaCruz-CuevaManos-P2210651b.jpg|Cueva de las Manos (Spanisch für die Höhle der Hände) in der Provinz von Santa Cruz in Argentinien, c.550 v. Chr.

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In Paläolithischen Zeiten war die Darstellung von Menschen in Höhlenmalereien selten. Größtenteils wurden Tiere, nicht nur Tiere gemalt, die als Essen sondern auch Tiere verwendet wurden, die Kraft wie das Nashorn oder großer Felidae, als in der Chauvet Höhle vertreten haben. Zeichen wie Punkte wurden manchmal gezogen. Seltene menschliche Darstellungen schließen handprints und Halbmenschen / Tierzahlen ein. Die Chauvet Drücken die Ardèche Abteilungen Frankreichs Ein enthält die wichtigsten bewahrten Höhlenmalereien des Paläolithischen Zeitalters, hat ungefähr 31,000 v. Chr. gemalt Die Altamira Höhlenmalereien in Spanien wurden 14,000 bis 12,000 v. Chr. und Show, unter anderen, Bisons getan. Der Saal von Stieren in Lascaux, Dordogne, Frankreich, ist eine der am besten bekannten Höhlenmalereien von ungefähr 15,000 bis 10,000 v. Chr.

Wenn dort zu den Bildern bedeutet, bleibt es unbekannt. Die Höhlen waren nicht in einem bewohnten Gebiet, so können sie für Saisonrituale verwendet worden sein. Die Tiere werden durch Zeichen begleitet, die einen möglichen magischen Gebrauch andeuten. Einem Pfeil ähnliche Symbole in Lascaux werden manchmal als Kalender oder Almanach-Gebrauch interpretiert. Aber die Beweise bleiben nicht überzeugend. Die wichtigste Arbeit des Zeitalters von Mesolithic war die marschierenden Krieger, ein Felsen, der an Cingle de la Mola, Castellón malt, Spanien hat zu ungefähr 7000 bis 4000 v. Chr. datiert. Die verwendete Technik spuckte wahrscheinlich oder blies die Pigmente auf den Felsen. Die Bilder, sind obwohl stilisiert, ziemlich naturalistisch. Die Zahlen sind nicht dreidimensional, wenn auch sie auf übergreifen

Die frühsten bekannten Indianerbilder (sieh Abteilung unten), waren die Felsen-Bilder der Vorgeschichte, der petroglyphs, wie gefunden, in Plätzen wie die Felsen-Schutz von Bhimbetka, (sieh oben), und einige von ihnen sind älter als 5500 v. Chr. Solche Arbeiten haben weitergegangen, und nachdem mehrere Millennien, im 7. Jahrhundert, geschnitzte Säulen von Ajanta, der Staat Maharashtra ein feines Beispiel von Indianerbildern präsentiert, und die Farben, größtenteils verschiedene Schatten von rot und Orange, aus Mineralen abgeleitet wurden.

Ostmalerei

Die Geschichte der Ostmalerei schließt eine riesengroße Reihe von Einflüssen von verschiedenen Kulturen und Religionen ein. Entwicklungen in der Ostmalerei passen historisch denjenigen in der Westmalerei im Allgemeinen ein paar Jahrhunderte früher an. Afrikanische islamische Kunstkunst, Indianerkunst, chinesische Kunst, koreanische Kunst und japanische Kunst hatte jeder bedeutenden Einfluss auf die Westkunst, und umgekehrt.

Chinesische Malerei ist eine der ältesten dauernden künstlerischen Traditionen in der Welt. Die frühsten Bilder waren nicht Vertretungs-, aber dekorativ; sie haben aus Mustern oder Designs aber nicht Bildern bestanden. Frühe Töpferwaren wurden mit Spiralen, Zickzacken, Punkten oder Tieren gemalt. Es war nur während der Sich streitenden Staatsperiode (403-221 B.C.) dass Künstler begonnen haben, die Welt um sie zu vertreten. Japanische Malerei ist einer der ältesten und am höchsten raffiniert der japanischen Künste, ein großes Angebot am Genre und den Stilen umfassend. Die Geschichte der japanischen Malerei ist eine lange Geschichte der Synthese und Konkurrenz zwischen heimischer japanischer Ästhetik und Anpassung von importierten Ideen. Auf die Geschichte der koreanischen Malerei wird zu etwa 108 C.E datiert., wenn es zuerst als eine unabhängige Form erscheint. Zwischen dieser Zeit und den Bildern und der Freskomalerei, die auf den Dynastie-Grabstätten von Goryeo erscheint, hat es wenig Forschung gegeben. Genügen Sie, um das zu sagen, bis die Dynastie von Joseon der primäre Einfluss chinesische Malerei, obwohl getan, mit koreanischen Landschaften, Gesichtseigenschaften, buddhistischen Themen und einer Betonung auf der himmlischen Beobachtung in Übereinstimmung mit der schnellen Entwicklung der koreanischen Astronomie war.

Ostasiatische Malerei

Siehe auch chinesische Malerei, japanische Malerei, koreanische Malerei.

Image:Guardians des Tages und der Nacht, der Dynastie jpg|Paintings von Han auf dem Ziegel von Wächter-Geistern, die in chinesischen Roben, von der Han-Dynastie (202 v. Chr. - 220 n.Chr.) angezogen sind

File:Gentlemen im Gespräch, der Östlichen Dynastie jpg|Gentlemen von Han im Gespräch, hat Grabstätte-Malerei zur Östlichen Han-Dynastie (25-220 n.Chr.) datiert.

Image:Sun Sonne des Griffzapfens jpg|Emperor von Quan Quan in den Dreizehn Kaisern Scroll und Nördlichen Gelehrten von Qi, die Klassische Texte, durch Yan Liben (c Kollationieren. 600-673 n.Chr.), chinesischer

Image:EightySevenCelestials3.jpg|Eighty-Seven Celestials, durch Wu Daozi (685-758), chinesischen

Image:Hangan03.jpg|Portrait des nachtpolierenden Weißes, durch Han Gan, das 8. Jahrhundert, chinesischer

Image:Spring Ausflug des Griffzapfen-Gerichtsjpg|Springausflugs des Griffzapfen-Gerichtes, durch Zhang Xuan, das 8. Jahrhundert, chinesischer

File:Anonymous-Astana Grab-Diener Girl2.jpg|Servant, das 8. Jahrhundert, chinesischer

Image:Meister nach Chang Hsüan 001.jpg|Ladies das Bilden von Seide, einem Remake des 8. Jahrhunderts, das durch Zhang Xuan durch Kaiser Huizong von Lied, Anfang des 12. Jahrhunderts, chinesischen ursprünglich

ist

Image:E innga kyo.jpg|An hat sutra von der Periode von Nara, dem 8. Jahrhundert, japanischen illustriert

Image:Chou Fang 001.jpg|Ladies, Doppelten Sixes, durch Zhou Fang (730-800 n.Chr.), chinesischer Spielend

Image:Chou Wen-Chü (Schule) 001.jpg|Yard Konzert, das 10. Jahrhundert, chinesischer

Image:Xiao und Flüsse jpg|The von Xiang Xiao und Xiang Rivers, durch Dong Yuan (c. 934-962 n.Chr.), chinesischer

Image:Gu Lärmende Nachtfestlichkeiten von Hongzhong, Detail 1.jpg|Night Lärmende Festlichkeiten, ein Lieddynastie-Remake des durch Gu Hongzhong ursprünglichen 10. Jahrhunderts.

File:Shenzong des Liedjpg|Courtbildnisses von Kaiser Shenzong von Lied (r. 1067-1085), chinesischer

Image:Songhuizong4.jpg|Golden Fasan und Baumwolle haben sich, durch Kaiser Huizong von Lied (r.1100-1126 n.Chr.), chinesischer erhoben

Image:Songhuizong8.jpg|Listening zu Guqin, durch Kaiser Huizong von Lied (1100-1126 n.Chr.), chinesischer

Image:Su Han Ch'en 001.jpg|Children das Spielen, durch Su Han Chen, c. 1150, chinesischer

Image:Chinesischer Maler des 12. Jahrhunderts (II) 001.jpg|Chinese, anonymer Künstler der Lieddynastie des 12. Jahrhunderts

Image:Chinesischer Maler von 1238 001.jpg|Portrait des Zen-Buddhisten Wuzhun Shifan, 1238 n.Chr., chinesischer

Image:Ma Lin 001.jpg|Ma Lin, 1246 n.Chr., chinesischer

Image:Zhao Mengfu1.jpg|A Mann und sein Pferd im Wind, durch Zhao Mengfu (1254-1322 n.Chr.), chinesischer

Image:SesshuToyo.jpg|Shukei-sansui (Herbstlandschaft), Sesshu Toyo, (1420-1506), japanischer

File:Zhou Lotusblumen jpg|Kanō von Maoshu Appreciating Masanobu, Gründer des 15. Jahrhunderts der Kanō Schule, Zhou Maoshu Appreciating Lotuses, japanischer

Image:Kano weiß angekleideter Kannon, Bodhisattva des Mitfühlens jpg|A weiß angekleideter Kannon, Bodhisattva des Mitfühlens, durch Kanō Motonobu (1476-1559), japanischen

Image:Mogyeon.jpg|Yi Ahm (1499-?), Mutter-Hund, das 15. Jahrhundert, Nationale Museum Koreas

Image:T'ang Yin 003.jpg|Tang Yin, Ein Fischer im Herbst, (1523), chinesischer

Image:Nanbansen2.jpg|Nanban Schiffe, die für den Handel mit Japan, das 16. Jahrhundert, japanischer ankommen

Schirm-Malerei Image:Kano_Eitoku_010.jpg|A, die Leute zeichnet, die spielen, Geht durch Kanō Eitoku (1543-1590), japanischen

Image:Pine Baumjpg|Pinebäume, sechs haben Schirm, durch Hasegawa Tohaku (1539-1610), japanischen Partei ergriffen

Die Image:Bodhidarma.jpg|Scroll Kalligrafie von Bodhidharma, "Weist Zen direkt zum menschlichen Herzen hin, sieht in Ihre Natur und wird Buddha", Hakuin Ekaku (1686 bis 1769), japanischer

Image:Shunkeizu.jpg|Hanging scrollen 1672, Kanō Tanyū, (1602-1674), japanischen

Image:Peonies durch Yun Shouping.jpg|Peonies, durch Yun Shouping (1633-1690), chinesischen

Image:Ch20_asago.jpg|Genji Monogatari, durch Tosa Mitsuoki (1617-1691), japanischen

Image:Geumgangjeon.jpg|View von Geumgang, Jeong Seon (1676-1759), 1734, koreanischer

Image:Ikeno Taiga 001.jpg|Ike kein Taiga, (1723-1776), Fisch im Frühling, japanischer

Image:Okyo Kiefer, Bambus, Schule der Pflaume jpg|Maruyama, Kiefer, Bambus, Pflaume, sechsfacher Schirm, Maruyama Ōkyo (1733-1795), japanischer

Image:Hwangmyo.jpg|A Katze und Butterly, Kim Hong - tut (1745-?), das 18. Jahrhundert, koreanischer

Image:Joyucheong.jpg|A Bootsfahrt, Shin Yun-Bok (1758-?), 1805, koreanischer

Image:SakaiHoitsuAutumnFlowersandMoon.JPG|Rimpa Schule, "Herbstblumen und Mond", Sakai Hoitsu, (1761-1828), japanischer

Teekessel jpg|A von Image:Hokusai tanuki tanuki (Waschbär-Hund) als ein Teekessel, durch Katsushika Hokusai (1760 — 1849), japanischer

Image:Maehwaseo.jpg|A Haus unter Aprikose-Bäumen, Jo Hee-Ryong (1797-1859), koreanischer

Image:hokusai-fuji-koryuu.png|Katsushika Hokusai, der Drache des Rauchs, der Mt Fuji, japanischem entflieht

Image:MiyagawaIsshoScene.jpg|Miyagawa Isshō, unbetitelte Ukiyo-E-Malerei, japanischer

image:Tomioka Tessai Zwei Gottheit, die Tessai, (1837-1924), Stil von Nihonga, das Zwei Gottheitstanzen, 1924, japanischer Jpg|Tomioka tanzt

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China, Japan und Korea haben eine starke Tradition in der Malerei, die auch der Kunst der Kalligrafie und printmaking hoch beigefügt wird (soviel, dass es allgemein gesehen wird als Malerei). Fernöstliche traditionelle Malerei wird durch gestützte Techniken von Wasser, weniger Realismus, "elegante" und stilisierte Themen, grafische Annäherung an das Bild, die Wichtigkeit vom Leerraum (oder negativer Raum) und eine Vorliebe für die Landschaft (statt der menschlichen Zahl) als ein Thema charakterisiert. Außer Tinte und Farbe auf Seiden- oder Papierschriftrollen war das Gold auf dem Lack auch ein allgemeines Medium in der gemalten ostasiatischen Gestaltungsarbeit. Obwohl Seide ein etwas teures Medium war, um auf in der Vergangenheit, der Erfindung von Papier während des 1. Jahrhunderts n.Chr. durch den Gerichtseunuchen von Han Cai Lun zur Verfügung gestellt nicht nur ein preiswerte und weit verbreitete Medium für das Schreiben, sondern auch ein preiswertes und weit verbreitetes Medium zu malen, um (das Bilden davon zugänglicher für das Publikum) zu malen.

Die Ideologien des Konfuzianismus, Daoism und Buddhismus haben wichtige Rollen in der ostasiatischen Kunst gespielt. Mittelalterliche Lieddynastie-Maler wie Lin Tinggui und sein Luohan Laundering http://www.asia.si.edu/collections/singleObject.cfm?ObjectId=1691 (aufgenommen in der Galerie Smithsonian Freer der Kunst) des 12. Jahrhunderts sind ausgezeichnete Beispiele von buddhistischen in die klassische chinesische Gestaltungsarbeit verschmolzenen Ideen. In der letzten Malerei auf Seide (Image und Beschreibung, die in der Verbindung zur Verfügung gestellt ist), wird kahlköpfiger Buddhist Luohan in einer praktischen Einstellung der Waschkleidung durch einen Fluss gezeichnet. Jedoch ist die Malerei selbst mit dem Luohan visuell atemberaubend, der im reichen Detail und den hellen, undurchsichtigen Farben im Gegensatz zu einer nebeligen, braunen und milden bewaldeten Umgebung porträtiert ist. Außerdem werden die Baumspitzen im wirbelnden Nebel verschleiert, den allgemeinen "negativen Raum bietend, der" oben in der ostasiatischen Kunst erwähnt ist.

In Japonisme, gegen Ende Künstler des 19. Jahrhunderts wie die Impressionisten, haben Van Gogh, Henri de Toulouse-Lautrec und Whistler traditionelle japanische Ukiyo-e Künstler wie Hokusai und Hiroshige bewundert, und ihre Arbeit war unter Einfluss seiner.

Chinesische Malerei

Die frühsten (überlebenden) Beispiele des chinesischen gemalten Gestaltungsarbeit-Datums zur Sich streitenden Staatsperiode (481 - 221 v. Chr.), mit Bildern auf Seide oder Grabstätte-Wandmalereien auf dem Felsen, Ziegel oder Stein. Sie waren häufig im vereinfachten stilisierten Format und in mehr oder weniger rudimentären geometrischen Mustern. Sie haben häufig mythologische Wesen, Innenszenen, Arbeitsszenen oder Palastszenen gezeichnet, die mit Beamten am Gericht gefüllt sind. Die Gestaltungsarbeit während dieser Periode und der nachfolgenden Dynastie von Qin (221 - 207 v. Chr.) und Han-Dynastie (202 v. Chr. - 220 n.Chr.) wurde nicht als ein Mittel in und sich oder für den höheren persönlichen Ausdruck gemacht. Eher wurde Gestaltungsarbeit geschaffen, um Begräbnisrechte, Darstellungen von mythologischen Gottheiten oder Geister von Vorfahren zu symbolisieren und zu beachten, usw. konnten Bilder auf Seide von Gerichtsbeamten und Innenszenen während der Han-Dynastie zusammen mit Szenen von Männern gefunden werden, die zu Pferd jagen oder an militärischer Parade teilnehmen. Dort malte auch auf dreidimensionalen Kunstwerken auf Figürchen und Bildsäulen wie die ursprünglich gemalten Farben, die den Soldaten und die Pferd-Bildsäulen der Terrakottaarmee bedecken. Während des sozialen und kulturellen Klimas der alten Östlichen Jin-Dynastie (316 - 420 n.Chr.) gestützt an Nanjing im Süden ist Malerei einer des offiziellen Zeitvertreibs von den Konfuzianern unterrichteter bürokratischer Beamter und Aristokraten (zusammen mit der durch die guqin Zither gespielten Musik geworden, fantasievolle Kalligrafie schreibend, und schreibend und von der Dichtung rezitierend). Malerei ist eine Standardform des künstlerischen Selbstausdrucks geworden, und während dieser Periode wurden Maler am Gericht oder unter sozialen Auslesestromkreisen beurteilt und von ihren Gleichen aufgereiht.

Die Errichtung der klassischen chinesischen Landschaft-Malerei wird größtenteils beim Künstler von Östlichen Jin-Dynastie Gu Kaizhi (344 - 406 n.Chr.), einer der berühmtesten Künstler der chinesischen Geschichte akkreditiert. Wie die verlängerten Schriftrolle-Szenen von Kaizhi Tang-Dynastie (618 - 907 n.Chr.) haben chinesische Künstler wie Wu Daozi lebhafte und hoch ausführliche Gestaltungsarbeit auf langem horizontalem handscrolls gemalt (die während des Tangs sehr populär waren), wie seine Siebenundachtzig Himmlischen Menschen. Die gemalte Gestaltungsarbeit während der Periode von Tang hat die Effekten einer idealisierten Landschaft-Umgebung, mit dem spärlichen Betrag von Gegenständen, Personen oder Tätigkeit, sowie monochromatisch in der Natur gehört (Beispiel: die Wandmalereien der Preisgrabstätte von Yide im Qianling Mausoleum). Es gab auch Zahlen wie früher Maler des Griffzapfen-Zeitalters Zhan Ziqian, der herrliche Landschaft-Bilder gemalt hat, die gut vor seinem Tag in der Beschreibung des Realismus waren. Jedoch hat Landschaft-Kunst größeres Niveau der Reife und des Realismus im Allgemeinen bis zu den Fünf Dynastien und Zehn Königreich-Periode (907 - 960 n.Chr.) nicht erreicht. Während dieser Zeit gab es außergewöhnliche Landschaft-Maler wie Dong Yuan (beziehen Sie sich auf diesen Artikel für ein Beispiel seiner Gestaltungsarbeit), und diejenigen, die lebhaftere und realistische Bilder von Innenszenen, wie Gu Hongzhong und seine Lärmenden Nachtfestlichkeiten von Han Xizai gemalt haben.

Während der chinesischen Lieddynastie (960 - 1279 n.Chr.) nicht nur wurde Landschaft-Kunst übertroffen, aber Bildnis-Malerei ist mehr standardisiert und hoch entwickelt geworden als vorher (zum Beispiel, beziehen Sie sich auf Kaiser Huizong von Lied), und hat seine klassische Altersreife während der Ming-Dynastie (1368 - 1644 n.Chr.) erreicht. Während des Endes des 13. Jahrhunderts und der ersten Hälfte des 14. Jahrhunderts wurde Chinesen unter der Mongole-kontrollierten Yuan-Dynastie nicht erlaubt, in höhere Posten der Regierung (vorbestellt für Mongolen oder andere ethnische Gruppen von Zentralasien) einzugehen, und die Reichsüberprüfung wurde vorläufig aufgehört. Viele von den Konfuzianern erzogene Chinesen, die jetzt an Beruf Mangel gehabt haben, haben sich den Künsten der Malerei und des Theaters statt dessen zugewandt, weil die Periode von Yuan eines von den meisten vibrierenden und reichlichen Zeitaltern für die chinesische Gestaltungsarbeit geworden ist. Ein Beispiel von solchem würde Qian Xuan sein (1235-1305 n.Chr.), wer ein Beamter der Lieddynastie, aber aus dem Patriotismus war, sich geweigert hat, dem Gericht von Yuan zu dienen, und sich zur Malerei hingegeben hat. Beispiele der herrlichen Kunst von dieser Periode schließen die Reichen ein und haben über gemalte Wandmalereien des Yongle Palasts http://www.chinaculture.org/gb/en_artqa/2003-09/24/content_39769.htmhttp://www.tcc.leidenuniv.nl/index.php3?m=245&c=55, oder "Dachunyang Langlebigkeitspalasts", von 1262 n.Chr., einer UNESCO-Welterbe-Seite ausführlich berichtet. Innerhalb des Palasts bedecken Bilder ein Gebiet von mehr als 1000 Quadratmetern, und halten größtenteils Themen von Daoist. Es war während der Lieddynastie, die Maler auch in sozialen Klubs oder Sitzungen sammeln würden, um ihre Kunstgestaltungsarbeit der anderen zu besprechen, deren Preisen häufig zu Überzeugungen geführt hat, um wertvolle Kunstwerke zu tauschen und zu verkaufen. Jedoch gab es auch viele harte Kritiker von anderen Kunst ebenso, den Unterschied im Stil und Geschmack unter verschiedenen Malern zeigend. In 1088 n.Chr. haben der Polymathewissenschaftler und Staatsmann Shen Kuo einmal über die Gestaltungsarbeit eines Li Chengs geschrieben, den er wie folgt kritisiert hat:

Obwohl das hohe Niveau der Stilisierung, mystischen Bitte und surrealen Anmut häufig über den Realismus bevorzugt wurde (solcher als in shan shui Stil), mit der mittelalterlichen Lieddynastie beginnend, gab es viele chinesische Maler dann und später, wer Szenen der Natur gezeichnet hat, die lebhaft echt waren. Spätere Künstler von Ming-Dynastie würden nach dieser Lieddynastie-Betonung für das komplizierte Detail und den Realismus auf Gegenständen in der Natur, besonders in Bildern von Tieren (wie Enten, Schwäne, Spatzen, Tiger, usw.) unter Flecken hell farbiger Blumen und Dickichten der Bürste und Wald nehmen (würde ein gutes Beispiel die anonyme Ming-Dynastie sein, die Vögel und Pflaume-Blüten http://www.asia.si.edu/collections/zoomObject.cfm?ObjectId=4693, aufgenommen in der Galerie Freer des Smithsonian Museums in Washington, D.C malt.) . Es gab viele berühmte Künstler von Ming-Dynastie; Qiu Ying ist ein ausgezeichnetes Beispiel eines Paramount Zeitalter-Maler von Ming (berühmt sogar an seinem eigenen Tag), in seiner Gestaltungsarbeit Innenszenen verwertend, Palastszenen und Natur-Szenen von Flusstälern und eingetauchten Bergen hetzend, die im Nebel verschleiert sind und Wolken herumwirbelnd. Während der Ming-Dynastie gab es auch verschiedene und konkurrierende Schulen der Kunst, die mit der Malerei, wie die Schule von Wu und die Zhe Schule vereinigt ist.

Klassische chinesische Malerei hat in die frühe moderne Qing-Dynastie, mit hoch realistischen Bildnis-Bildern wie gesehener in der späten Ming-Dynastie des Anfangs des 17. Jahrhunderts fortgesetzt. Die Bildnisse des Kangxi Kaisers, Kaisers von Yongzheng und des Qianlong Kaisers sind ausgezeichnete Beispiele der realistischen chinesischen Bildnis-Malerei. Während der Regierungsperiode von Qianlong und des ständigen 19. Jahrhunderts hatten europäische Barocke Stile der Malerei erkennbaren Einfluss auf chinesische Bildnis-Bilder, besonders mit gemalten Seheffekten der Beleuchtung und Schattierung. Ebenfalls wurden ostasiatische Bilder und andere Kunstwerke (wie Porzellan und lacquerware) in Europa seit dem anfänglichen Kontakt im 16. Jahrhundert hoch geschätzt.

Japanische Malerei

Japanisch, das () malt, ist einer der ältesten und am höchsten raffiniert der japanischen Künste, ein großes Angebot auf dem Genre und den Stilen umfassend. Als mit der Geschichte von japanischen Künsten im Allgemeinen ist die japanische Geschichtsmalerei eine lange Geschichte der Synthese und Konkurrenz zwischen heimischer japanischer Ästhetik und Anpassung von importierten Ideen. Ukiyo-e, "Bilder der Schwimmwelt", ist ein Genre von japanischen Holzschnitt-Drucken (oder Holzschnitte) und Bilder, die zwischen dem 17. und die 20. Jahrhunderte erzeugt sind, Motive von Landschaften, dem Theater und den Vergnügen-Vierteln zeigend. Es ist das künstlerische Hauptgenre des Holzschnitts, der in Japan druckt. Japanischer printmaking besonders von der Periode von Edo hat enormen Einfluss auf der Westmalerei in Frankreich während des 19. Jahrhunderts genommen.

Südasiatische Malerei

Image:Südindischer Meister um 1540 001.jpg|A Gruppe von Frauen vom Südlichen Indien, Hindupur, c. 1540.

Image:Meister des Gîtâ-Govinda-Manuskripts 001.jpg|Krishna umarmt Gopîs, Gîtâ-Govinda-manuscript, 1760-1765.

Image:Indischer Maler um das 850 001.jpg|Floating-Abbildungstanzen, eine Wandmalerei von c. 850.

Image:Südindischer Meister um 1540 002.jpg|Wild Pig Hunt, c. 1540.

Image:ChandBibiHawking.png|Chand Bibi, die, Stil von Deccan, das 18. Jahrhundert jagt

Image:Indischer Maler um 1750 (III) die 001.jpg|A Dame, die Musik, c Zuhört. 1750.

Image:Indischer Maler von 1720 001.jpg|Rasamañjarî Manuskript von Bhânudatta (erotische Abhandlung), 1720.

Image:Indischer Maler um 700 001.jpg|Mural Bruchstück einer Dame mit einem Sonnenschirm, c. 700.

Image:Radha und Krishna in der Malerei der Diskussion jpg|Bahsoli von Radha und Krishna in der Diskussion, c. 1730.

Image:Maharaja Sital Dev von Mankot in der Malerei der Hingabe jpg|Bahsoli des Maharadscha Sital Dev von Mankot in der Hingabe, c. 1690.

Image:Indischer Maler um 1615 (I) 001.jpg|Portrait Ibrahim Adil Shahs II (1580-1626) von Bijapur, 1615.

Image:Meister des Nujûm al 'Ulûm Manuskripts 001.jpg|The Throne des Reichtums, Nujûm-al-' Ulûm-Manuskript, 1570.

Image:Elefant und Dem. von Jungtier aus Stall der Moghulkaiser.jpg|Elephant und Junges aus dem Stall des Lineals von Moghul, das 17. Jahrhundert.

Image:Meister der Hamza-Nâma-Handschrift 001.jpg|Mihrdukht Schüsse ein Pfeil Durch einen Ring, 1564-1579.

Image:Meister des Porträts des Govardhân Chand 001.jpg|Portrait von Govardhân Chand, Stil von Punjab, c. 1750.

Image:Ravi Varma-Ravana Sita Jathayu.jpg|Ravana tötet Jathayu; die gefangenen Verzweiflungen von Sita.

Image:Akbar und Tansen besuchen Besuch von Haridas.jpg|Akbar und Tansen Haridas in Vrindavan, Stil von Rajasthan, c. 1750.

Image:Indischer Maler um 1760 001.jpg|A Mann mit Kindern, Stil von Punjab, 1760.

Image:Indischer Maler um 1770 001.jpg|Râdhâ hält Krishna, Stil von Punjab, 1770 an.

Image:Indischer Maler von 1780 001.jpg|Rama und Sita im Wald, Stil von Punjab, 1780.

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Indianermalerei

Indianerbilder haben historisch um die religiösen Gottheiten und Könige gekreist. Indianerkunst ist ein gesammelter Begriff für mehrere verschiedene Schulen der Kunst, die im Indianersubkontinent bestanden hat. Die Bilder, die von der großen Freskomalerei von Ajanta zu den komplizierten Miniaturbildern von Mughal zum Metall geändert sind, haben Arbeiten von der Schule von Tanjore verschönert. Die Bilder vom Gandhar-Taxila sind unter Einfluss der persischen Arbeiten im Westen. Der Oststil der Malerei wurde größtenteils um die Schule von Nalanda der Kunst entwickelt. Die Arbeiten werden größtenteils durch verschiedene Szenen von der Indianermythologie begeistert.

Geschichte

Die frühsten Indianerbilder waren die Felsen-Bilder der Vorgeschichte, der petroglyphs, wie gefunden, in Plätzen wie die Felsen-Schutz von Bhimbetka, und einige von ihnen sind älter als 5500 v. Chr. Solche Arbeiten haben weitergegangen, und nachdem mehrere Millennien, im 7. Jahrhundert, geschnitzte Säulen von Ajanta, der Staat Maharashtra ein feines Beispiel von Indianerbildern präsentiert, und die Farben, größtenteils verschiedene Schatten von rot und Orange, aus Mineralen abgeleitet wurden.

Ajanta Drückt Maharashtra Ein, Indien sind in den Felsen geschnitten Höhle-Denkmäler, die auf das 2. Jahrhundert BCE zurückgehen und Bilder und Skulptur enthalten, die betrachtet ist, Meisterwerke sowohl des Buddhisten religiöse bildliche universale als auch Kunstkunst zu sein.

Madhubani, malend

Malerei von Madhubani ist ein Stil der Indianermalerei, die im Gebiet von Mithila des Staates Bihar, Indien geübt ist. Die Ursprünge der Malerei von Madhubani werden in der Altertümlichkeit verschleiert.

Malerei von Rajput

Malerei von Rajput, ein Stil der Indianermalerei, hat sich entwickelt und, ist während des 18. Jahrhunderts, in den königlichen Gerichten von Rajputana, Indien gediehen. Jedes Königreich Rajput hat einen verschiedenen Stil, aber mit bestimmten gemeinsamen Merkmalen entwickelt. Bilder von Rajput zeichnen mehrere Themen, Ereignisse von Epen wie Ramayana und Mahabharata, das Leben von Krishna, schöne Landschaften und Menschen. Miniaturen waren das bevorzugte Medium der Malerei von Rajput, aber mehrere Manuskripte enthalten auch Bilder von Rajput, und Bilder wurden sogar auf den Wänden von Palästen, inneren Räumen der Forts, havelies, besonders, des havelis von Shekhawait getan.

Die Farben, die aus bestimmten Mineralen, Pflanzenquellen, Muschel-Schalen herausgezogen sind, und wurden sogar durch die Verarbeitung von Edelsteinen abgeleitet, Gold und Silber wurden verwendet. Die Vorbereitung von gewünschten Farben war ein langer Prozess, manchmal Wochen nehmend. Verwendete Bürsten waren sehr fein.

Malerei von Mughal

Malerei von Mughal ist ein besonderer Stil der Indianermalerei, die allgemein auf Illustrationen auf dem Buch beschränkt ist und in Miniaturen getan ist, und der erschienen ist, entwickelt hat und Gestalt während der Periode des Reiches Mughal 16. 19. Jahrhunderte genommen hat).

Malerei von Tanjore

Malerei von Tanjore ist eine wichtige Form des klassischen malenden Südindianereingeborenen zur Stadt Tanjore in tamilischem Nadu. Die Kunstform geht auf den Anfang des 9. Jahrhunderts, einer Periode zurück, die von den Herrschern von Chola beherrscht ist, die Kunst und Literatur gefördert haben. Diese Bilder sind für ihre Anmut, reiche Farben und Aufmerksamkeit auf das Detail bekannt. Die Themen für die meisten dieser Bilder sind hinduistische Götter und Göttinnen und Szenen von der hinduistischen Mythologie. In modernen Zeiten sind diese Bilder geworden viel hat nach Andenken während festlicher Gelegenheiten im Südlichen Indien gesucht.

Der Prozess, eine Malerei von Tanjore zu machen, ist mit vielen Stufen verbunden. Die erste Stufe schließt das Bilden der einleitenden Skizze des Images auf der Basis ein. Die Basis besteht aus einem über eine Holzbasis aufgeklebten Stoff. Dann werden Kreide-Puder oder Zinkoxyd mit dem wasserlöslichen Bindemittel gemischt und an die Basis angewandt. Um die Basis glatter zu machen, wird ein mildes Poliermittel manchmal verwendet. Nachdem die Zeichnung gemacht wird, wird die Dekoration der Schmucksachen und der Kleidungen im Image mit Halbedelsteinen getan. Schnürsenkel oder Fäden werden auch verwendet, um die Schmucksachen zu schmücken. Oben darauf werden die Goldfolien aufgeklebt. Schließlich werden Färbemittel verwendet, um Farben zu den Zahlen in den Bildern hinzuzufügen.

Die Madras Schule

Während der britischen Regel in Indien hat die Krone gefunden, dass Madras einige der talentiertesten und intellektuellen künstlerischen Meinungen in der Welt hatte. Da die Briten auch eine riesige Ansiedlung in und um Madras eingesetzt hatten, wurde Georgetown gewählt, um ein Institut zu gründen, das die künstlerischen Erwartungen der Mitglieder des Königshauses in London befriedigen würde. Das ist gekommen, um als die Madras Schule bekannt zu sein. An den ersten traditionellen Künstlern wurden verwendet, um exquisite Varianten von Möbeln, Metallarbeit zu erzeugen, und Kuriosität und ihre Arbeit wurden an die königlichen Paläste der Königin gesandt.

Verschieden von der Schule von Bengalen, wo 'das Kopieren' die Norm des Unterrichtens, des Madras Schulschwenkens beim 'Schaffen' neuer Stile, Argumente und Tendenzen ist.

Die Schule von Bengalen

Die Schule von Bengalen der Kunst war ein einflussreicher Stil der Kunst, die in Indien während der britischen Herrschaft am Anfang des 20. Jahrhunderts gediehen ist. Es wurde mit dem Indianernationalismus vereinigt, aber wurde auch gefördert und von vielen britischen Kunstverwaltern unterstützt.

Die Schule von Bengalen ist als ein avant garde und nationalistische Bewegung entstanden, die gegen die akademischen Kunststile vorher reagiert, die in Indien sowohl durch Indianerkünstler wie Radscha Ravi Varma als auch in britischen Kunstschulen gefördert sind. Im Anschluss an den weit verbreiteten Einfluss von geistigen Indianerideen im Westen hat der britische Kunstlehrer Ernest Binfield Havel versucht, die lehrenden Methoden in der Kalkuttaer Schule der Kunst zu reformieren, indem er Studenten dazu ermuntert hat, Miniaturen von Mughal zu imitieren. Diese verursachte riesige Meinungsverschiedenheit, zu einem Schlag durch Studenten und Beschwerden von der lokalen Presse, einschließlich von Nationalisten führend, die gedacht haben, dass es eine rückschrittliche Bewegung war. Havel wurde vom Künstler Abanindranath Tagore, einem Neffen des Dichters Rabindranath Tagore unterstützt. Tagore hat mehrere Arbeiten unter Einfluss der Kunst von Mughal, ein Stil dass er und Havel gemalt, der geglaubt ist, von Indiens verschiedenen geistigen Qualitäten im Vergleich mit dem "Materialismus" des Westens ausdrucksvoll zu sein. Die am besten bekannte Malerei von Tagore, Bharat Mata (Mutter Indien), hat eine junge Frau gezeichnet, die mit vier Armen auf diese Art hinduistischer Gottheiten porträtiert ist, für Indiens nationale Sehnsüchte symbolische Gegenstände haltend. Tagore hat später versucht, Verbindungen mit japanischen Künstlern als ein Teil eines Ehrgeizes zu entwickeln, ein Pan-Asianist-Modell der Kunst zu bauen.

Der Schuleinfluss von Bengalen in Indien hat sich mit der Ausbreitung von Modernist-Ideen in den 1920er Jahren geneigt. In der Postunabhängigkeitsperiode haben Indianerkünstler mehr Anpassungsfähigkeit gezeigt, als sie frei von europäischen Stilen geborgt haben und sie frei mit den Indianermotiven zu neuen Formen der Kunst fusioniert haben. Während Künstler wie Francis Newton Souza und Tyeb Mehta in ihrer Annäherung westlicher waren, gab es andere mögen Ganesh Pyne und Maqbool Fida Husain, die völlig einheimische Stile der Arbeit entwickelt hat. Heute nach dem Prozess der Liberalisierung des Marktes in Indien erfahren die Künstler mehr Aussetzung von der internationalen Kunstszene, die ihnen im Auftauchen mit neueren Formen der Kunst hilft, die bisher in Indien nicht gesehen wurden. Jitish Kallat hatte zur Berühmtheit gegen Ende der 90er Jahre mit seinen Bildern geschossen, die sowohl modern waren als auch außer dem Spielraum der allgemeinen Definition. Jedoch, während Künstler in Indien im neuen Jahrhundert neue Stile, Themen und Metaphern erproben, wäre es nicht möglich gewesen, solche schnelle Anerkennung ohne die Hilfe der Geschäftshäuser zu bekommen, die jetzt ins Kunstfeld wie eingehen, hatten sie nie vorher.

Moderne Indianermalerei

Image:Three Mädchen, durch Amrita Sher-Gil, 1935.jpg|Amrita Sher-Gil, Drei Mädchen, 1935, Nationalgalerie der Modernen Kunst im Neuen Delhi

File:Sneha_-_village_belle.jpg|John Wilkins, Sneha-Dorfschönheit, c.1970s

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Amrita Sher-Gil war ein Indianermaler, manchmal bekannt als Indiens Frida Kahlo, und hat heute einen wichtigen Frau-Maler des 20. Jahrhunderts als Indien betrachtet, dessen Vermächtnis zum Nennwert mit diesem der Master der Renaissance von Bengalen steht; sie ist auch der 'teuerste' Frau-Maler Indiens.

Heute ist sie unter Neun Mastern, deren Arbeit erklärt wurde, weil Kunst durch Den Archäologischen Überblick über Indien, 1976 und 1979 hoch schätzt, und mehr als 100 ihrer Bilder jetzt an der Nationalgalerie des Modernen Neuen Kunstdelhis gezeigt werden.

Während des Kolonialzeitalters haben Westeinflüsse angefangen, einen Einfluss auf Indianerkunst zu machen. Einige Künstler haben einen Stil entwickelt, der Westideen von der Zusammensetzung, der Perspektive und dem Realismus verwendet hat, um Indianerthemen zu illustrieren. Andere, wie Jamini Roy, haben bewusst Inspiration von der Volkskunst gezogen.

Zurzeit der Unabhängigkeit 1947 haben mehrere Schulen der Kunst in Indien Zugang zu modernen Techniken und Ideen zur Verfügung gestellt. Galerien wurden gegründet, um diese Künstler zu präsentieren. Moderne Indianerkunst zeigt normalerweise den Einfluss von Weststilen, aber wird häufig durch Indianerthemen und Images begeistert. Hauptkünstler beginnen, internationale Anerkennung, am Anfang unter der Indianerdiaspora, sondern auch unter Nichtindianerzuschauern zu gewinnen.

Die Gruppe der Progressiven Künstler, gegründet kurz nach Indien ist unabhängig 1947 geworden, war beabsichtigt, um neue Weisen zu gründen, Indien im Postkolonialzeitalter auszudrücken. Die Gründer waren sechs bedeutende Künstler - K. H. Ara, S. K. Bakre, H. A. Gade, M.F. Husain, S.H. Raza und F. N. Souza, obwohl die Gruppe 1956 aufgelöst wurde, es war im Ändern des Idioms der Indianerkunst tief einflussreich. Fast Hauptkünstler ganzen Indiens wurden in den 1950er Jahren mit der Gruppe vereinigt. Einige von denjenigen, die heute wohl bekannt sind, sind Bal Chabda, Manishi Dey, Mukul Dey, V. S. Gaitonde, Ram Kumar, Tyeb Mehta und Akbar Padamsee. Andere berühmte Maler wie Jahar Dasgupta, Prokash Karmakar, John Wilkins, Narayanan Ramachandran und Bijon Choudhuri haben die Kunstkultur Indiens bereichert. Sie sind die Ikonen der modernen Indianerkunst geworden. Kunsthistoriker wie Prof. Rai Anand Krishna haben sich auch auf jene Arbeiten von modernen Artisten bezogen, die Indianerethos widerspiegeln. Geeta Vadhera hat Beifall im Übersetzen des Komplexes gehabt, geistige Indianerthemen auf die Leinwand wie Sufi, haben Upanishads und die Bhagwad Geeta gedacht.

Indianerkunst hat eine Zunahme mit der Wirtschaftsliberalisierung des Landes seit dem Anfang der 1990er Jahre bekommen. Künstler von verschiedenen Feldern haben jetzt angefangen, in verschiedenen Stilen der Arbeit zu bringen. Postliberalisierungsindianerkunst arbeitet nicht nur innerhalb der Grenzen von akademischen Traditionen sondern auch außerhalb dessen. Künstler haben neue Konzepte eingeführt, die bisher in der Indianerkunst nicht gesehen worden sind. Devajyoti Ray hat das neue Genre der Kunst genannt der Pseudorealismus eingeführt. Pseudorealist-Kunst ist ein ursprünglicher Kunststil, der völlig auf dem Indianerboden entwickelt worden ist. Pseudorealismus zieht das Indianerkonzept der Abstraktion in Betracht und verwendet es, um regelmäßige Szenen des Indianerlebens in fantastische Images umzugestalten.

In der Postliberalisierung Indien haben sich viele Künstler auf dem internationalen Kunstmarkt wie der abstrakte Maler Natvar Bhavsar und Bildhauer Anish Kapoor eingerichtet, dessen riesengrosse Postminimalist-Gestaltungsarbeiten Aufmerksamkeit für ihre bloße Größe erworben haben. Viele Kunsthäuser und Galerien haben sich auch in den USA und Europa geöffnet, um Indianergestaltungsarbeiten zu präsentieren.

Die Philippinen

Philippinische Malerei kann als Ganzes als eine Fusion von vielen kulturellen Einflüssen gesehen werden, obwohl sie dazu neigt, in seiner aktuellen Form mit Ostwurzeln Westlicher zu sein.

Frühe philippinische Malerei kann im roten Gleiten (Ton gefunden werden, der mit Wasser gemischt ist) Designs, die auf den Ritualtöpferwaren der Philippinen wie das mit Jubel begrüßte Manunggul Glas verschönert sind. Beweise des philippinischen Töpferwaren-Bildens haben schon in 6000 datiert v. Chr. ist in Sanga-sanga Höhle, Sulu und Laurente Cave, Cagayan gefunden worden. Es ist bewiesen worden, dass durch 5000 v. Chr. das Bilden von Töpferwaren im ganzen Land geübt wurde. Früher Filipinos hat angefangen, Töpferwaren vor ihren kambodschanischen Nachbarn und in ungefähr derselben Zeit wie die Thai als ein Teil dessen zu machen, was scheint, eine weit verbreitete Eiszeit-Entwicklung der Töpferwaren-Technologie zu sein. Weitere Beweise der Malerei werden in der Tätowierungstradition von frühem Filipinos manifestiert, den der portugiesische Forscher als Pintados oder die 'Gemalten Leute' von Visayas gekennzeichnet hat. Verschiedene Designs, die in Flora und Fauna mit Gestirnen Verweise anbringen, schmücken ihre Körper in der verschiedenen farbigen Pigmentation. Vielleicht kann etwas von der am meisten wohl durchdachten Malerei, die von frühen Filipinos getan ist, die bis zu den heutigen Tag überleben, unter den Künsten und der Architektur von Maranao manifestiert werden, die für die Nāga Drachen und Sarimanok weithin bekannt sind, der geschnitzt und in schönem Panolong ihres Torogan oder des Hauses des Königs gemalt ist.

Filipinos hat begonnen, Bilder in der europäischen Tradition während der spanischen Periode des 17. Jahrhunderts zu schaffen. Die frühsten von diesen Bildern waren Kirchfreskomalerei, religiöse Bilder von biblischen Quellen, sowie Gravieren, Skulpturen und Steindrucke, die christliche Ikonen und europäischen Adel zeigen. Die meisten Bilder und Skulpturen zwischen dem 19., und dem 20. Jahrhundert haben eine Mischung von religiösen, politischen, und Landschaft-Kunstarbeiten, mit Qualitäten der Süßigkeit, dunkel, und leicht erzeugt. Frühe Modernist-Maler wie Damián Domingo wurden mit religiösen und weltlichen Bildern vereinigt. Die Kunst von Juan Luna und Felix Hidalgo hat eine Tendenz für die politische Behauptung gezeigt. Künstler wie Fernando Amorsolo hat Postmodernismus verwendet, um Bilder zu erzeugen, die philippinische Kultur, Natur und Harmonie illustriert haben. Während anderer Künstler wie Fernando Zóbel Realien und Auszug auf seiner Arbeit verwendet hat. Am Anfang der 80er Jahre besteht anderer einzigartiger Volkskünstler einer von diesen ist Elito Um als amangpintor der berühmte philippinische Volksmaler. Er verwendet sein eigenes Haar, um seine Pinsel zu machen, und unterzeichnet seinen Namen mit seinem eigenen Blut auf der richtigen Seite seiner Bilder. Er hat seine eigenen Stile ohne Berufsausbildung oder Leitung von Mastern entwickelt.

File:Juan Luna Spoliarium.jpg|Juan Luna, Spoliarium, c. 1884

File:Las Virgenes Cristianas Expuestas Al Populacho (Der Christian Virgins, der zum Volk Wird ausstellt) durch Felix Ressureccion Hidalgo 1884.jpg|Félix Resurrección Hidalgo, Der Christian Virgins, der zum Volk, 1884 Wird ausstellt

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Südostasien

Westmalerei

Ägypten, Griechenland und Rom

Das alte Ägypten, eine Zivilisation mit sehr starken Traditionen der Architektur und Skulptur (beide, die ursprünglich in hellen Farben gemalt sind) hatten auch, viele Wandmalerei-Bilder in Tempeln und Gebäuden, und haben Illustrationen auf Papyrus-Manuskripten gemalt. Ägyptisches Wandgemälde und dekorative Malerei sind häufig grafisch, manchmal symbolischer als realistisch. Ägyptische Malerei zeichnet Zahlen im kühnen Umriss und der flachen Kontur, in der Symmetrie eine unveränderliche Eigenschaft ist. Ägyptische Malerei hat nahe Verbindung mit seiner geschriebenen Sprache - genannt ägyptische Hieroglyphen. Gemalte Symbole werden unter den ersten Formen der geschriebenen Sprache gefunden. Die Ägypter haben auch auf der Wäsche gemalt, deren Reste heute überleben. Alte ägyptische Bilder haben wegen des äußerst trockenen Klimas überlebt. Die alten Ägypter haben Bilder geschaffen, um das Leben nach dem Tod des Verstorbenen einen angenehmen Platz zu machen. Die Themen haben Reise durch die Nachwelt oder ihre Schutzgottheiten eingeschlossen, die den Verstorbenen in die Götter der Unterwelt vorstellen. Einige Beispiele solcher Bilder sind Bilder der Götter und Göttinnen Ra, Horuss, Anubiss, Nuss, Osiris und Isis. Einige Grabstätte-Bilder zeigen Tätigkeiten, dass die Verstorbenen daran beteiligt wurden, als sie lebendig und gewünscht waren, um fortzusetzen, für die Ewigkeit zu tun. Im Neuen Königreich und später wurde das Buch der Toten mit der begrabenen Person begraben. Es wurde wichtig für eine Einführung ins Leben nach dem Tod betrachtet.

File:Maler pflügt der Grabkammer des Sennudem 001.jpg|Sennedjem seine Felder mit einem Paar von Ochsen, ca. 1200 v. Chr.

Image:Ägyptischer Maler um 1360 v. Chr. 001.jpg|Ancient Ägypten, Die Göttin Isis, das Wandgemälde, ca.1360 v. Chr.

Image:Maler der Grabkammer der Nefertari 004.jpg|Ancient Egypt, Königin Nefertari

Image:egyptian Papyrus jpg|Ancient Ägypten, Papyrus

Image:Ägyptischer Maler um 1355 v. Chr. 001.jpg|Ancient Ägypten

Image:Egypt. Ra-Apep.01.jpg|Ancient Ägypten

Image:NAMA Opfer aux Charites.jpg|Pitsa Tafeln, eines der wenigen überlebenden Tafel-Bilder vom Archaischen Griechenland, ca. 540-530 v. Chr.

Image:Symposiumnorthwall.jpg|Symposium Szene in der Grabstätte des Tauchers an Paestum, um 480 v. Chr. griechische Kunst

Image:KnossosFrescoRepro06827.jpg|Knossos

Image:Pompejanischer Maler um 80 v. Chr. 001.jpg|Roman-Kunst, Pompeii

File:Hercules-and-telephus.jpg|Roman Kunst

File:Boscoreale1.jpg|Roman Kunst

Image:Pompeii Kunst des Malers jpg|Roman

Image:Pompejanischer Maler um 10 20 001.jpg|Roman Kunst

Image:Portrait du Fayoum 02. JPG|Roman Kunst

Image:Fayum02.jpg|Roman Kunst

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Nach Norden Ägyptens war die minoische Zivilisation auf Kreta. Die im Palast von Knossos gefundenen Wandgemälde sind diesem der Ägypter ähnlich, aber im Stil viel freier. Ungefähr 1100 B.C., Stämme aus dem Norden Griechenlands haben Griechenland überwunden, und die griechische Kunst hat eine neue Richtung genommen.

Das alte Griechenland hatte große Maler, große Bildhauer (obwohl beide Versuche als bloße manuelle Arbeit zurzeit betrachtet wurden), und große Architekten. Der Parthenon ist ein Beispiel ihrer Architektur, die zu modernen Tagen gedauert hat. Griechische Marmorskulptur wird häufig als die höchste Form der Klassischen Kunst beschrieben. Die Malerei auf Töpferwaren des Alten Griechenlands und Keramik gibt einen besonders informativen Anblick in die Weise, wie die Gesellschaft im Alten Griechenland fungiert hat. Vase-Malerei der schwarzen Zahl und Vase-Malerei der Roten Zahl führen viele überlebende Beispiele dessen an, wie griechische Malerei war. Einige berühmte griechische Maler auf Holztafeln, die in Texten erwähnt werden, sind Apelles, Zeuxis und Parrhasius, jedoch überleben keine Beispiele der Alten griechischen Tafel-Malerei, nur schriftliche Beschreibungen von ihren Zeitgenossen oder späteren Römern. Zeuxis hat in 5-6 v. Chr. gelebt und wurde gesagt, erst zu sein, um sfumato zu verwenden. Gemäß Pliny der Ältere war der Realismus seiner Bilder solch, dass Vögel versucht haben, die gemalten Trauben zu essen. Apelles wird als der größte Maler der Altertümlichkeit für die vollkommene Technik in der Zeichnung, der hervorragenden Farbe und dem Modellieren beschrieben.

Römische Kunst war unter Einfluss Griechenlands und kann teilweise als ein Nachkomme der alten griechischen Malerei genommen werden. Jedoch hat römische Malerei wirklich wichtige einzigartige Eigenschaften. Die einzigen überlebenden römischen Bilder sind Wandgemälde, viele von Villen in Campania im Südlichen Italien. Solche Malerei kann in 4 Haupt"Stile" oder Perioden gruppiert werden und kann die ersten Beispiele von trompe-l'œil, Pseudoperspektive und reiner Landschaft enthalten. Fast die einzigen gemalten Bildnisse, die von der Alten Welt überleben, sind eine Vielzahl von Sarg-Bildnissen der im Friedhof Late Antique von Al-Fayum gefundenen Büsteform. Obwohl diese weder der besten Periode noch der höchsten Qualität waren, sind sie in sich eindrucksvoll, und geben eine Idee von der Qualität, dass die feinste alte Arbeit gehabt haben muss. Eine sehr kleine Zahl von Miniaturen von der Späten Antiquität hat illustriert, dass Bücher auch, und eine eher größere Zahl von Kopien von ihnen von der Frühen Mittelalterlichen Periode überleben.

Mittleres Alter

Image:CottonGenesisFragment26vAbrahamAndAngels.JPG|Cotton Entstehung Eine Miniatur von Abraham Meeting Angels

Image:Spas_vsederzhitel_sinay.jpg|Byzantine Ikone, das 6. Jahrhundert

Image:Meister_von_San_Vitale_in_Ravenna_003.jpg|Byzantine Kunstmosaiken in Ravenna

Image:RabulaGospelsFol13vAscension.jpg|Byzantine, das 6. Jahrhundert

Image:Les Très Reichtümer Heures du duc de Berry Janvier.jpg|Limbourg Brüder

Image:Les_Très_Riches_Heures_du_duc_de_Berry_juin.jpg|Limbourg Brüder

Image:KellsFol292rIncipJohn.jpg|Book von Kells

Image:KellsFol032vChristEnthroned.jpg|Book Kells

Image:RossanoGospelsFolio121rStMark.jpg|Evangelist Bildnis

Image:Codexaureus 25.jpg|Carolingian

Heiliger des Zeichens jpg|Carolingian der Str. Image:Ebbo Gospels Mark

Image:Yaroslavl Evangelien des Evangeliums jpg|Yaroslavl c. Die 1220er Jahre

Image:Giottino pieta.jpg|Giottino

Image:Madonna dei denti.jpg|Vitale da Bologna

Image:Simone Martini 072.jpg|Simone Martini

File:Simone Martini - seliges Altarbild von Agostino Novello - WGA21422.jpg|Simone Martini

Image:Cimabue 025.jpg|Cimabue's Kruzifix von Santa Croce

Image:Giotto Cruxifixion.jpg|Giotto

File:Giotto - Scrovegni-18-Anbetung des Magi.jpg|Giotto

Image:Andrej Rublëv 001.jpg|Andrei Rublev

Image:Rublev vosnesenie.jpg|Andrei Rublev, Besteigung, 1408

Image:Lorenzetti Gouverneur jpg|Ambrogio Lorenzetti

Image:Lorenzetti Pietro Beata Umilta.jpg|Pietro Lorenzetti

Image:Duccio di Buoninsegna 036.jpg|Duccio

File:Bonaventura Berlinghieri Francesco.jpg|Bonaventura Berlinghieri, St. Francis von Assisi, 1235

Image:Voronet letztes Urteil jpg|Voronet Kloster

Image:Chora Kirche Constantinople 2007 011.jpg|Chora Kirche

Image:Moscow Erzengel Michael Cathedral oben jpg|Cathedral des Erzengels

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Der Anstieg des Christentums hat einen verschiedenen Geist und Ziel zur Malerei von Stilen gegeben. Byzantinische Kunst, sobald sein Stil durch das 6. Jahrhundert gegründet wurde, hat großen Wert auf das Behalten traditioneller Ikonographie und Stils gelegt, und hat sich relativ wenig im Laufe des Tausends Jahre des byzantinischen Reiches und die ständigen Traditionen der griechischen und russischen Orthodoxen Ikonenmalerei geändert. Byzantinische Malerei hat besonders hieratic Gefühl, und Ikonen waren und werden noch als ein Nachdenken des göttlichen gesehen. Es gab auch viele Wandgemälde in der Freske, aber weniger von diesen haben überlebt als byzantinische Mosaiken. Im allgemeinen Byzanz grenzt Kunst an Abstraktion in seiner Flachheit und hat hoch Bilder von Zahlen und Landschaft stilisiert. Jedoch gibt es Perioden besonders in der so genannten makedonischen Kunst ungefähr des 10. Jahrhunderts, als byzantinische Kunst flexibler in der Annäherung geworden ist.

Im postantiken katholischen Europa war der erste kennzeichnende künstlerische Stil zu erscheinen, der Malerei eingeschlossen hat, die Inselkunst der britischen Inseln, wo die einzigen überlebenden Beispiele (und ziemlich wahrscheinlich das einzige Medium, in dem Malerei verwendet wurde) Miniaturen in Beleuchteten Manuskripten wie das Buch von Kells sind. Diese sind wegen ihrer abstrakten Dekoration am berühmtesten, obwohl Zahlen, und manchmal Szenen, auch besonders in Evangelist-Bildnissen gezeichnet wurden. Kunst von Carolingian und Ottonian überlebt auch größtenteils in Manuskripten, obwohl ein Wandgemälde bleibt, und mehr dokumentiert wird. Die Kunst dieser Periode verbindet "barbarische" und Inseleinflüsse mit einem starken byzantinischen Einfluss und einem Ehrgeiz, klassischen monumentality und Gleichgewicht wieder zu erlangen.

Wände von romanischen und gotischen Kirchen wurden mit der Freskomalerei sowie Skulptur geschmückt, und viele der wenigen restlichen Wandmalereien haben große Intensität, und verbinden die dekorative Energie der Inselkunst mit einem neuen monumentality in der Behandlung von Zahlen. Viel mehr Miniaturen in Beleuchteten Manuskripten überleben von der Periode, dieselben Eigenschaften zeigend, die in die gotische Periode weitergehen.

Tafel-Malerei wird mehr während der romanischen Periode unter dem schweren Einfluss von byzantinischen Ikonen üblich. Zur Mitte des 13. Jahrhunderts ist Mittelalterliche gotische und Kunstmalerei realistischer, mit den Anfängen von Interesse im Bild des Volumens und der Perspektive in Italien mit Cimabue und dann seinem Schüler Giotto geworden. Von Giotto auf ist die Behandlung der Zusammensetzung durch die besten Maler auch viel freier und innovativ geworden. Wie man betrachtet, sind sie die zwei großen mittelalterlichen Master der Malerei in der Westkultur. Cimabue, innerhalb der byzantinischen Tradition, hat eine realistischere und dramatische Annäherung an seine Kunst verwendet. Sein Schüler, Giotto, hat diese Neuerungen in ein höheres Niveau gebracht, die der Reihe nach die Fundamente für die malende Westtradition setzen. Beide Künstler waren Pioniere in der Bewegung zum Naturalismus.

Kirchen wurden mit immer mehr Fenstern gebaut, und der Gebrauch des bunten Farbglases werden eine Heftklammer in der Dekoration. Eines der berühmtesten Beispiele davon wird in der Kathedrale von Notre Dame de Paris gefunden. Vor dem 14. Jahrhundert waren Westgesellschaften sowohl reicher als auch mehr bebaut, und Maler haben neue Schutzherren im Adel und sogar dem Bürgertum gefunden. Beleuchtete Manuskripte haben einen neuen Charakter und schlank übernommen, chic angekleidete Gerichtsfrauen wurden in ihren Landschaften gezeigt. Dieser Stil ist bald bekannt als International gotisch und Tempera-Tafel-Bilder geworden, und Altarbilder haben Wichtigkeit gewonnen.

Renaissance und Manierismus

Image:Fra Angelico 037.jpg|Fra Angelico

Image:Madonna und Kind (Filippo Lippi).jpg|Filippo Lippi

Image:Andrea Mantegna 036.jpg|Andrea Mantegna

Image:Masaccio-TheExpulsionOfAdamAndEveFromEden-Restoration.jpg|Masaccio Die Ausweisung von Adam und Eve vom Eden, vorher und nach der Wiederherstellung

File:Paolo Uccello 047b.jpg|Paolo Uccello

Image:Mona Lisa, durch Leonardo da Vinci, von C2RMF hat da Vinci retuschiert jpg|Leonardo

File:Raphael - Die kleine Cowper Madonna jpg|Raphael

Image:michelangelo-creation.jpg|Michelangelo

File:Duerer01.jpg|Albrecht Dürer

Image:Bellini,_Giovanni_~_St_Francis_in_the_Desert,_c1480,_Tempera_and_oil_on_panel_Frick_Collection,_New_York.jpg|Giovanni Bellini

Image:Tizian 090.jpg|Titian

Image:Leonardo da Vinci 002.jpg|Leonardo da Vinci

Image:Resurrection. JPG|Piero della Francesca

Image:Giorgione_tempest.jpg|Giorgione

Image:Jacopo Tintoretto 001.jpg|Jacopo Tintoretto

Image:Birth der Venus jpg|Sandro Botticelli

File:Robert Campin - L' Annonciation - 1425.jpg|Robert Campin

Image:Weyden Ivo.jpg|Rogier van der Weyden

Image:Van Eyck - Arnolfini Bildnis jpg|Jan van Eyck

File:Portrait eines Mannes durch den Kombi von Jan Eyck-small.jpg|Jan van Eyck

File:The Garten von irdischen Freuden durch Bosch hohe Entschlossenheit jpg|Hieronymous Bosch

Image:Pieter Bruegel der Ältere - die Getreide-Ernte (August).JPG|Pieter Bruegel

File:Hans Holbein, das jüngere - Herr Thomas mehr - Google Kunst planen Holbein der jüngere jpg|Hans

Image:El Ansicht von Greco von Toledo.jpg|El Greco

</Galerie>Wie man

sagt, ist die Renaissance von vielen das Goldene Zeitalter der Malerei. Grob den 14. durch die Mitte des 17. Jahrhunderts abmessend. In Künstlern von Italien wie Paolo Uccello haben Fra Angelico, Masaccio, Piero della Francesca, Andrea Mantegna, Filippo Lippi, Giorgione, Tintoretto, Sandro Botticelli, Leonardo da Vinci, Michelangelo Buonarroti, Raphael, Giovanni Bellini und Titian Malerei in ein höheres Niveau durch den Gebrauch der Perspektive, die Studie der menschlichen Anatomie und des Verhältnisses, und durch ihre Entwicklung einer beispiellosen Verbesserung in der Zeichnung und Malerei von Techniken gebracht.

Flämische, holländische und deutsche Maler der Renaissance wie Hans Holbein der Jüngere, Albrecht Dürer, Lucas Cranach, Matthias Grünewald, Hieronymous Bosch und Pieter Brueghel vertreten eine verschiedene Annäherung von ihren italienischen Kollegen, derjenige, der realistischer und weniger idealisiert ist. Genremalerei ist ein populäres Idiom unter solchen Nördlichen Malern als Pieter Brueghel geworden. Eine neue Wahrscheinlichkeit im Zeichnen der Wirklichkeit ist möglich mit der Adoption des Ölgemäldes geworden, dessen Erfindung traditionell, aber falsch, kreditiert Jan Van Eyck war (eine wichtige Übergangszahl, die Malerei im Mittleren Alter mit der Malerei der frühen Renaissance überbrückt). Verschieden von den Italienern, deren Arbeit schwer von der Kunst des alten Griechenlands und Roms gezogen hat, haben die Nordländer einen stilistischen Rückstand der Skulptur behalten und haben Manuskripte des Mittleren Alters illuminiert. Diese Tendenzen sind auch sehen in der Kunst des Tudorenglands, das schwer unter Einfluss Protestantischer Flüchtlinge aus den Niedrigen Ländern war.

Renaissancemalerei widerspiegelt die Revolution von Ideen und Wissenschaft (Astronomie, Erdkunde), die in dieser Periode, der Wandlung und der Erfindung der Druckpresse vorkommen. Dürer, betrachtet als einer der größten von printmakers, stellt fest, dass Maler nicht bloße Handwerker, aber Denker ebenso sind. Mit der Entwicklung der Staffelei, die in der Renaissance malt, malend hat Unabhängigkeit von der Architektur gewonnen. Folgende durch religiöse Bilder beherrschte Jahrhunderte ist weltlicher Gegenstand langsam zur Westmalerei zurückgekehrt. Künstler haben Visionen der Welt um sie oder die Produkte ihrer eigenen Einbildungskräfte in ihren Bildern eingeschlossen. Diejenigen, die den Aufwand gewähren konnten, konnten Schutzherren und Kommissionsbildnisse von sich oder ihrer Familie werden.

In den 15. und 16. Jahrhunderten sind Tafel-Bilder, die Wände abgehangen und nach Wunsch bewegt werden konnten, immer populärer für beide Kirchen und private Häuser, aber nicht Freske-Wandgemälde oder Bilder geworden, die in auf dauerhaften Strukturen wie Altarbilder vereinigt sind. Die Hohe Renaissance hat eine stilisierte als Manierismus bekannte Kunst verursacht. Im Platz der erwogenen Zusammensetzungen und vernünftigen Annäherung an die Perspektive, die Kunst in der Morgendämmerung des 16. Jahrhunderts charakterisiert hat, hat Mannerists Instabilität, Kunstgriff und Zweifel gesucht. Die nicht beunruhigten Gesichter und Gesten von Piero della Francesca und den ruhigen Jungfrauen von Raphael werden durch die beunruhigten Ausdrücke von Pontormo und die emotionale Intensität von El Greco ersetzt. Einige Jahrzehnte später hat Nördlicher Manierismus Netherlandish und deutsche Kunst bis zur Ankunft des Barocks beherrscht.

Barock und Rokoko

Image:Caravaggio bacchus.jpg|Caravaggio

Image:GENTILESCHI Judith.jpg|Artemesia Gentileschi

Image:Frans Hals 008.jpg|Frans Hals

Image:Rubens_-_Judgement_of_Paris.jpg|Peter Paul Rubens

File:JohannesVermeer-TheAstronomer (1668).jpg|Jan Vermeer

Image:The_Nightwatch_by_Rembrandt.jpg|Rembrandt van Rijn

Image:Las Meninas, durch Diego Velázquez, von Prado in der Google Erde jpg|Diego Velázquez

Image:Poussin RapeSabineLouvre.jpg|Nicolas Poussin

Image:José de Ribera 054.jpg|José de Ribera

Image:Self-portrait_by_Salvator_Rosa.jpg|Salvatore Rosa

Image:Claude Lorrain 008.jpg|Claude Lorrain

File:Charles ich Englands jpg|Antony Van Dyck

File:La muerte de Jacinto durch Giambattista Tiepolo.jpg|Giovanni Battista Tiepolo

Image:WatteauPierrot.jpg|Antoine Watteau

Image:Fragonard, der Swing.jpg|Jean-Honoré Fragonard

Image:Marie-Louise O'Murphy (1737-1818) gemalt von Francois Boucher (1703-1770).jpg|François Boucher

Image:Self-portrait_in_a_Straw_Hat_by_Elisabeth-Louise_Vigée-Lebrun.jpg|Élisabeth Vigée-Lebrun

Image:Pompadour6.jpg|Maurice Quentin de La Tour

Image:Thomas Gainsborough 008.jpg|Thomas Gainsborough

Image:Sir Joshua Reynolds - Oberst Acland und Herr Sydney - die Bogenschützen - Google Kunst planen Reynolds jpg|Joshua

Image:Jean-Baptiste Siméon Chardin 029.jpg|Jean-Baptiste-Siméon Chardin

Image:William Hogarth durch William Hogarth.jpg|William Hogarth

Image:Francis Hayman 001.jpg|Francis Hayman

Image:Sleepingnymph.jpg|Angelica Kauffman

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Barocke Malerei wird mit der Barocken kulturellen Bewegung, einer Bewegung vereinigt, die häufig mit dem Absolutismus und der Gegenwandlung oder dem katholischen Wiederaufleben identifiziert ist; die Existenz des wichtigen Barocks, das im Nichtabsolutisten und den Protestantischen Staaten auch jedoch malt, unterstreicht seine Beliebtheit als die Stil-Ausbreitung überall in Westeuropa.

Barocke Malerei wird durch das große Drama, die reiche, tiefe Farbe und die intensiven leichten und dunklen Schatten charakterisiert. Barocke Kunst ist gemeint geworden, um Gefühl und Leidenschaft statt der ruhigen Vernunft herbeizurufen, die während der Renaissance geschätzt worden war. Während der Periode, die 1600 beginnt und im Laufe des 17. Jahrhunderts weitergeht, wird Malerei als Barock charakterisiert. Unter den größten Malern des Barocks sind Caravaggio, Rembrandt, Frans Hals, Rubens, Velázquez, Poussin und Jan Vermeer. Caravaggio ist ein Erbe der humanistischen Malerei der Hohen Renaissance. Seine realistische Annäherung an die menschliche Zahl, gemalt direkt vom Leben und drastisch Aufmerksamkeit gelenkt gegen einen dunklen Hintergrund, hat seine Zeitgenossen erschüttert und hat ein neues Kapitel in der Geschichte der Malerei geöffnet.

Barocke Malerei dramatisiert häufig Szenen mit Lichteffekten; das kann in Arbeiten von Rembrandt, Vermeer, Le Nain und La Tour gesehen werden.

Während des 18. Jahrhunderts ist Rokoko als eine leichtere Erweiterung des Barocks, häufig frivol und erotisch gefolgt. Rokoko hat sich zuerst in den dekorativen Künsten und der Raumgestaltung in Frankreich entwickelt. Die Folge von Louis XV hat eine Änderung in den Gerichtskünstlern und der allgemeinen künstlerischen Mode gebracht. Die 1730er Jahre haben die Höhe der Rokokoentwicklung in Frankreich vertreten, das durch die Arbeiten von Antoine Watteau und François Boucher veranschaulicht ist. Rokoko hat noch den Barocken Geschmack für komplizierte Formen und komplizierte Muster aufrechterhalten, aber durch diesen Punkt hatte es begonnen, eine Vielfalt von verschiedenen Eigenschaften, einschließlich eines Geschmacks für östliche Designs und asymmetrische Zusammensetzungen zu integrieren.

Die Rokokostil-Ausbreitung mit französischen Künstlern und eingravierten Veröffentlichungen. Es wurde in den katholischen Teilen Deutschlands, Bohemia und Österreichs sogleich erhalten, wo es mit den lebhaften deutschen Barocken Traditionen verschmolzen wurde. Deutsches Rokoko wurde mit der Begeisterung auf Kirchen und Paläste besonders im Süden angewandt, während sich Frederician Rokoko im Königreich Preußens entwickelt hat.

Die französischen Master Watteau, Boucher und Fragonard vertreten den Stil, wie Giovanni Battista Tiepolo und Jean-Baptiste-Siméon Chardin tun, der von einigen als der beste französische Maler des 18. Jahrhunderts - das Antirokoko betrachtet wurde. Porträtmalerei war ein wichtiger Bestandteil der Malerei in allen Ländern, aber besonders in England, wo die Führer William Hogarth, in einem stumpfen Realist-Stil und Francis Hayman, Angelika Kauffman waren (wer Schweizer war), Thomas Gainsborough und Joshua Reynolds in mehr schmeichelhaften Stilen unter Einfluss Antony Van Dycks. Während in Frankreich während des Rokokozeitalters Jean-Baptiste Greuze (der Lieblingsmaler von Denis Diderot), Maurice Quentin de La Tour und Élisabeth Vigée-Lebrun hoch vollbrachte Bildnis-Maler und Geschichtsmaler war.

William Hogarth hat geholfen, ein theoretisches Fundament für die Rokokoschönheit zu entwickeln. Obwohl, nicht absichtlich in der Bewegung Verweise anbringend, hat er in seiner Analyse der Schönheit (1753) gestritten, dass die Wellenlinien und im Rokoko prominenten S-Kurven die Basis für die Gnade und Schönheit in der Kunst oder Natur (verschieden von der Gerade oder dem Kreis im Klassizismus) waren. Der Anfang des Endes für das Rokoko ist am Anfang der 1760er Jahre als Zahlen wie Voltaire gekommen, und Jacques-François Blondel hat begonnen, ihre Kritik der Oberflächlichkeit und Entartung der Kunst zu äußern. Blondel hat das "lächerliche Durcheinander von Schalen, Drachen, Rohren, Palmen und Werken" im Zeitgenossen interiors.http://digi.ub.uni-heidelberg.de/sammlung6/allg/buch.xml?docname=blondel1737 Vor 1785 heruntergemacht, Rokoko war unmodern in Frankreich gegangen, das durch die Ordnung und den Ernst von Neoklassizistischen Künstlern wie Jacques Louis David ersetzt ist.

Das 19. Jahrhundert: Neoklassizismus, Geschichtsmalerei, Romantik, Impressionismus, Postimpressionismus, Symbolik

Image:David_-_The_Death_of_Socrates.jpg|Jacques-Louis David 1787

Image:Watsonandtheshark-original.jpg|John Singleton Copley 1778

Image:Constable DeadhamVale.jpg|John Polizist 1802

Image:Antoine-Jean Gros - Bonaparte visitant les pestiférés de Jaffa.jpg|Antoine-Jean Gros, 1804

Image:Jean Auguste Dominique Ingres 005.jpg|Jean Auguste Dominique Ingres 1814

File:El Tres de Mayo, durch Francisco de Goya, von Prado dünner schwarzer Rand jpg|Francisco de Goya 1814

Image:Jean Louis Théodore Géricault 002.jpg|Théodore Géricault 1819

Image:Caspar_David_Friedrich_-_Mondaufgang_am_Meer_-_Google_Art_Project.jpg|Caspar David Friedrich c.1822

Image:Karl Briullov, am letzten Tag Pompeii (1827-1833).jpg|Karl Bryullov 1827

Image:Eugène Delacroix - La liberté guidant le peuple.jpg|Eugène Delacroix 1830

Image:Turner,_J._M._W._-_The_Fighting_Téméraire_tugged_to_her_last_Berth_to_be_broken.jpg|J. M. W. Turner 1838

Image:Courbet Ornans.jpg|Gustave Courbet 1849-1850

Image:Aivazovsky, Ivan - Die Neunte Welle jpg|Ivan Aivazovsky 1850

image:corot.villedavray.750pix.jpg|Camille Corot c.1867

Image:Ilia Efimovich Repin (1844-1930) - Volga Bootsfahrer (1870-1873).jpg|Ilya Repin 1870-1873

Image:Claude Monet, Eindruck, soleil levant, 1872.jpg|Claude Monet 1872

Image:Pierre-Auguste Renoir, Le Moulin de la Galette.jpg|Pierre-Auguste Renoir 1876

Image:Edgar Germain Hilaire Degas 012.jpg|Edgar Degas 1876

Image:Edouard Manet 004.jpg|Édouard Manet 1882

Image:Swimming Loch jpg|Thomas Eakins 1884-1885

Image:Georges_Seurat_-_Un_dimanche_après-midi_а_l 'Île_de_la_Grande_Jatte.jpg|Georges Seurat 1884-1886

Image:Bierstadt-storm-in-the-rocky-mountains-1886.jpg|Albert Bierstadt 1886

Image:Valentin Serov - Девочка с персиками. Портрет В.С.Мамонтовой - Google Kunstprojekt jpg|Valentin Serov 1887

Image:VanGogh-Sternennacht jpg|Vincent van Gogh 1889

Image:Albert Pinkham Ryder 003.jpg|Albert Pinkham Ryder 1890

Image:Woher kommen wir Wer sind wir Wohin gehen wir.jpg|Paul Gauguin 1897-1898

Image:Winslow Homer 005.jpg|Winslow Homer 1899

Image:Paul Cézanne 047.jpg|Paul Cézanne 1906

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Nachdem Rokoko dort gegen Ende des 18. Jahrhunderts, in der Architektur, und dann in der Malerei strengen Neoklassizismus entstanden ist, der am besten von solchen Künstlern wie David und sein Erbe Ingres vertreten ist. Die Arbeit von Ingres enthält bereits viel von der Sinnlichkeit, aber keine der Spontaneität, die Romantik charakterisieren sollte.

Diese Bewegung hat seine Aufmerksamkeit zur Landschaft und Natur sowie der menschlichen Zahl und der Überlegenheit der natürlichen Ordnung über dem Willen der Menschheit gelenkt. Es gibt eine Pantheist-Philosophie (sieh Spinoza und Hegel) innerhalb dieser Vorstellung, die Erläuterungsidealen durch das Sehen des Schicksals der Menschheit in einem tragischeren oder pessimistischen Licht entgegensetzt. Die Idee, dass Menschen nicht über den Kräften der Natur sind, ist im Widerspruch zu Altem Griechisch und Renaissanceidealen, wo Menschheit vor allem Dinge war und sein Schicksal besessen hat. Dieses Denken hat romantische Künstler dazu gebracht, die erhabenen, zerstörten Kirchen, die Schiffbrüche, die Gemetzel und den Wahnsinn zu zeichnen.

Durch die Mitte des 19. Jahrhunderts sind Maler befreit von den Anforderungen ihrer Schirmherrschaft geworden, nur Szenen von Religion, Mythologie, Porträtmalerei oder Geschichte zu zeichnen. Die Idee "Kunst für den sake der Kunst" hat begonnen, Ausdruck in der Arbeit von Malern wie Francisco de Goya, Polizist von John, und J.M.W. Turner zu finden. Romantische Maler haben Landschaft verwandelt, die in ein Hauptgenre, betrachtet bis dahin als ein geringes Genre oder als ein dekorativer Hintergrund für Zahl-Zusammensetzungen malt.

Einige der Hauptmaler dieser Periode sind Eugène Delacroix, Théodore Géricault, J. M. W. Turner, Caspar David Friedrich und John Constable. Die späte Arbeit von Francisco de Goya demonstriert das Romantische Interesse an der Irrationalzahl, während die Arbeit von Arnold Böcklin Mysterium herbeiruft und die Bilder des Ästhetischen Bewegungskünstlers James McNeill Whistler sowohl Kultiviertheit als auch Dekadenz herbeirufen. In den Vereinigten Staaten war die Romantische Tradition der Landschaft-Malerei als die Flussschule von Hudson bekannt: Hochzahlen schließen Thomas Cole, Kirche von Frederic Edwin, Albert Bierstadt, Thomas Moran und John Frederick Kensett ein. Luminism war eine Bewegung in der amerikanischen mit der Flussschule von Hudson verbundenen Landschaft-Malerei.

Die Führung Barbizon Schulmaler Camille Corot hat sowohl in einem Romantiker als auch in einer realistischen Ader gemalt; seine Arbeit kündigt Impressionismus an, wie die Bilder von Eugène Boudin tut, der einer der ersten französischen Landschaft-Maler war, um draußen zu malen. Boudin war auch ein wichtiger Einfluss auf den jungen Claude Monet, den 1857 er in die Luftmalerei von Plein vorgestellt hat. Eine Hauptkraft in der Umdrehung zum Realismus an der Mitte des Jahrhunderts war Gustave Courbet. Im letzten Drittel der Jahrhundertimpressionisten wie Édouard Manet haben Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Berthe Morisot, Mary Cassatt und Edgar Degas in einer direkteren Annäherung gearbeitet, als es vorher öffentlich ausgestellt worden war. Sie haben sich Allegorie und Berichts für individualisierte Antworten auf die moderne Welt enthalten, die manchmal mit wenig oder keiner Vorbereitungsstudie gemalt ist, sich auf die Geschicklichkeit der Zeichnung und eines hoch chromatischen pallette verlassend. Manet, Degas, Renoir, Morisot und Cassatt haben sich in erster Linie auf das menschliche Thema konzentriert. Sowohl Manet als auch Degas haben klassische bildliche Kanons innerhalb von zeitgenössischen Situationen wiederinterpretiert; im Fall von Manet hat sich das Wiedervorstellen mit dem feindlichen öffentlichen Empfang getroffen. Renoir, Morisot und Cassatt haben sich Innenleben für die Inspiration mit Renoir zugewandt, der sich auf die nackte Frau konzentriert. Monet, Pissarro und Sisley haben die Landschaft als ihr primäres Motiv, die Vergänglichkeit des Lichtes und Wetters verwendet, eine Hauptrolle in ihrer Arbeit spielend. Während Sisley am nächsten an den ursprünglichen Rektoren der impressionistischen Wahrnehmung der Landschaft geklebt hat, hat Monet Herausforderungen in immer mehr chromatischen und veränderlichen Bedingungen gesucht, in seiner Reihe von kolossalen Arbeiten von in Giverny gemalten Seerosen kulminierend.

Pissarro hat einige der Experimente des Postimpressionismus angenommen. Ein bisschen jüngere Postimpressionisten wie Vincent van Gogh, Paul Gauguin und Georges Seurat, zusammen mit Paul Cézanne haben Kunst zum Rand des Modernismus geführt; für Gauguin hat Impressionismus zu einer persönlichen Symbolik nachgegeben; Seurat hat die gebrochene Farbe des Impressionismus in eine wissenschaftliche optische Studie umgestaltet, die auf einem Zierstreifen ähnlichem strukturiert ist

Zusammensetzungen; die unruhige Methode von Van Gogh der Farbe-Anwendung, die mit einem klangvollen Gebrauch der Farbe verbunden ist, hat Expressionismus und Fauvism vorausgesagt, und Cézanne, wünschend, klassische Zusammensetzung mit einer revolutionären Abstraktion von natürlichen Formen zu vereinigen, würde kommen, um als ein Vorgänger der Kunst des 20. Jahrhunderts gesehen zu werden.

Die Periode des Impressionismus wurde weltweit, einschließlich in den Vereinigten Staaten gefühlt, wo es integriert für die Malerei von amerikanischen Impressionisten wie Childe Hassam, John Twachtman und Theodore Robinson geworden ist; und in Australien, wo Maler der Heidelberger Schule wie Arthur Streeton, Frederick McCubbin und Charles Conder Luft von en plein gemalt haben und sich besonders für die australische Landschaft und das Licht interessiert haben. Es hat auch Einfluss auf Malern genommen, die in der Theorie, wie das Bildnis und der Landschaft-Maler John Singer Sargent nicht in erster Linie Impressionistisch waren. Zur gleichen Zeit in Amerika am Ende des 20. Jahrhunderts dort hat ein Eingeborener und fast Inselrealismus, wie reich aufgenommen, in die bildliche Arbeit von Thomas Eakins, der Mülleimer-Schule, und den Landschaften und Seestücken von Winslow Homer bestanden, alle wurden dessen Bilder in der Solidität von natürlichen Formen tief investiert. Die visionäre Landschaft, ein von der Zweideutigkeit des Notturnos größtenteils abhängiges Motiv, hat seine Verfechter in Albert Pinkham Ryder und Ralph Albert Blakelock gefunden.

Gegen Ende des 19. Jahrhunderts gab es auch mehrere, ziemlich unterschiedlich, Gruppen von symbolistischen Malern, deren Arbeiten mit jüngeren Künstlern des 20. Jahrhunderts, besonders mit Fauvists und den Surrealisten mitgeschwungen haben. Unter ihnen waren Gustave Moreau, Odilon Redon, Pierre Puvis de Chavannes, Henri Fantin-Latour, Arnold Böcklin, Edvard Munch, Félicien Rops, und Jan Toorop und Gustave Klimt unter anderen einschließlich der russischen Symbolisten wie Michail Vrubel.

Symbolistische Maler haben Mythologie und Traumbilder für eine Sehsprache der Seele abgebaut, sinnträchtige Bilder suchend, die eine statische Welt des Schweigens in Erinnerung gebracht haben. Die in der Symbolik verwendeten Symbole sind nicht die vertrauten Embleme der Hauptströmungsikonographie, aber höchst persönlichen, privaten, dunklen und zweideutigen Verweisungen. Mehr eine Philosophie als ein wirklicher Stil der Kunst, die symbolistischen Maler haben die zeitgenössische Jugendstil-Bewegung und den Les Nabis beeinflusst. In ihrer Erforschung von traumhaften Themen werden symbolistische Maler über Jahrhunderte und Kulturen gefunden, wie sie noch heute sind; Bernard Delvaille hat den Surrealismus von René Magritte als "Symbolik plus Freud" beschrieben.

Das 20. Jahrhundert Modern und Zeitgenössisch

Das Erbe von Malern wie Van Gogh, Cézanne, Gauguin und Seurat war für die Entwicklung der modernen Kunst notwendig. Am Anfang des 20. Jahrhunderts haben Henri Matisse und mehrere andere junge Künstler die Pariser Kunstwelt mit "wildem", Mehrfarben-, ausdrucksvollem, Landschaften und Zahl-Bildern dass die Kritiker genannt Fauvism revolutioniert. Pablo Picasso hat seine ersten kubistischen Bilder gestützt auf der Idee von Cézanne gemacht, dass das ganze Bild der Natur auf drei Festkörper reduziert werden kann: Würfel, Bereich und Kegel.

Pioniere des 20. Jahrhunderts

Image:Matisse-Open-Window.jpg|Henri Matisse 1905, Fauvism

Image:Les Demoiselles d'Avignon.jpg|Pablo Picasso 1907, früher Kubismus

File:Violin und Kerzenständer jpg|Georges Braque 1910, Analytischer Kubismus

Image:Henri Rousseau 005.jpg|Henri Rousseau 1910 Primitiver Surrealismus

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Das Erbe von Malern wie Van Gogh, Cézanne, Gauguin und Seurat war für die Entwicklung der modernen Kunst notwendig. Am Anfang des 20. Jahrhunderts haben Henri Matisse und mehrere andere junge Künstler einschließlich des Vorkubisten Georges Braque, André Derains, Raoul Dufys und Maurice de Vlamincks die Pariser Kunstwelt mit "wildem", Mehrfarben-, ausdrucksvollem, Landschaften und Zahl-Bildern dass die Kritiker genannt Fauvism - (wie gesehen, in der Galerie oben) revolutioniert. Die zweite Version von Henri Matisse Des Tanzes bedeutet einen Stichpunkt in seiner Karriere und in der Entwicklung der modernen Malerei. Es widerspiegelt die beginnende Faszination von Matisse mit der primitiven Kunst: Die intensiven warmen Farben gegen den kühlen blau-grünen Hintergrund und die rhythmische Folge, nudes zu tanzen, befördern die Gefühle der emotionalen Befreiung und des Hedonismus. Pablo Picasso hat seine ersten kubistischen Bilder gestützt auf der Idee von Cézanne gemacht, dass das ganze Bild der Natur auf drei Festkörper reduziert werden kann: Würfel, Bereich und Kegel. Mit der Malerei Les Demoiselles d'Avignon 1907, (sieh Galerie), hat Picasso drastisch ein neues und radikales Bild geschaffen, das eine rohe und primitive Bordell-Szene mit fünf Prostituierten, gewaltsam gemalten Frauen zeichnet, die an afrikanische Stammesmasken und seine eigenen neuen kubistischen Erfindungen erinnernd sind. analytischer Kubismus (sieh Galerie), wurde von Pablo Picasso und Georges Braque gemeinsam entwickelt, der durch die Geige und den Kerzenständer, Paris, veranschaulicht ist (gesehen oben) ungefähr von 1908 bis 1912. Analytischem Kubismus, der ersten klaren Manifestation des Kubismus, wurde vom synthetischen Kubismus gefolgt, der von Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp und unzähligen anderen Künstlern in die 1920er Jahre geübt ist. Synthetischer Kubismus wird durch die Einführung von verschiedenen Texturen, Oberflächen, Collage-Elementen, papier collé und einer großen Vielfalt des verschmolzenen Gegenstands charakterisiert.

Les Fauves (Französisch für Die Wilden Biester) war Anfang Maler des 20. Jahrhunderts, mit der Freiheit des Ausdrucks durch die Farbe experimentierend. Der Name, wurde humorvoll und nicht als ein Kompliment zur Gruppe vom Kunstkritiker Louis Vauxcelles gegeben. Fauvism war eine kurzlebige und lose Gruppierung des Anfangs von Künstlern des 20. Jahrhunderts, deren Arbeiten malerische Qualitäten und den fantasievollen Gebrauch der tiefen Farbe über die Vertretungswerte betont haben. Fauvists hat das Thema der Malerei leicht gemacht zu lesen, übertriebene Perspektiven und eine interessante vorherwissende Vorhersage von Fauves wurde 1888 von Paul Gauguin Paul Sérusier, ausgedrückt

"Wie sehen Sie diese Bäume? Sie sind gelb. Also, gestellt im Gelb; dieser Schatten, ziemlich blau, malt es mit dem ultramarinen reinen; diese roten Blätter? Gestellt im Zinnoberrot."

Die Führer der Bewegung waren Henri Matisse und André Derain — freundliche Rivalen einer Sorte, jedes mit seinen eigenen Anhängern. Schließlich ist Matisse der yang für das Yin von Picasso im 20. Jahrhundert geworden. Maler von Fauvist haben Albert Marquet, Charles Camoin, Maurice de Vlaminck, Raoul Dufy, Othon Friesz, den holländischen Maler Kees van Dongen, und den Partner von Picasso im Kubismus, Georges Braque unter anderen eingeschlossen.

Fauvism, als eine Bewegung, hatte keine konkreten Theorien und war kurzlebig, 1905 beginnend und 1907 endend, sie hatten nur drei Ausstellungen. Matisse wurde als der Führer der Bewegung, wegen seines höheren Dienstalters im Alter und vorheriger Selbsterrichtung in der akademischen Kunstwelt gesehen. Sein 1905-Bildnis von Mme. Matisse Die Grüne Linie hat (oben) eine Sensation in Paris verursacht, als es zuerst ausgestellt wurde. Er hat gesagt, dass er Kunst hat schaffen wollen, um Freude zu haben; die Kunst als eine Dekoration war sein Zweck, und es kann gesagt werden, dass sein Gebrauch von hellen Farben versucht, Gelassenheit der Zusammensetzung aufrechtzuerhalten. 1906 am Vorschlag seines Händlers Ambroise Vollard ist André Derain nach London gegangen und hat eine Reihe von Bildern wie die Charing Cross Bridge, London (oben) im Stil von Fauvist erzeugt, die berühmte Reihe durch den impressionistischen Maler Claude Monet paraphrasierend. Master wie Henri Matisse und Pierre Bonnard haben fortgesetzt, ihre Bericht-Stile zu entwickeln, die jeder Bewegung im Laufe des 20. Jahrhunderts unabhängig sind.

Vor 1907 war Fauvism nicht mehr eine schockierende neue Bewegung, bald wurde er durch den Kubismus auf dem Radarschirm der Kritiker als die letzte neue Entwicklung in der Zeitgenössischen Kunst der Zeit ersetzt.

1907 hat Appolinaire, über Matisse in einem in La Falange veröffentlichten Artikel kommentierend, gesagt, "Wir sind nicht hier in Gegenwart von einem ausschweifenden oder einem extremistischen Unternehmen: Die Kunst von Matisse ist bedeutend angemessen."

Analytischer Kubismus (sieh Galerie), wurde von Pablo Picasso und Georges Braque ungefähr von 1908 bis 1912 gemeinsam entwickelt. Analytischem Kubismus, der ersten klaren Manifestation des Kubismus, wurde vom Synthetischen Kubismus gefolgt, der von Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp und unzähligen anderen Künstlern in die 1920er Jahre geübt ist. Synthetischer Kubismus wird durch die Einführung von verschiedenen Texturen, Oberflächen, Collage-Elementen, papier collé und einer großen Vielfalt des verschmolzenen Gegenstands charakterisiert.

Während der Jahre zwischen 1910 und dem Ende des Ersten Weltkriegs und nach dem Höhepunkt des Kubismus sind mehrere Bewegungen in Paris erschienen. Giorgio De Chirico hat sich nach Paris im Juli 1911 bewegt, wo er sich seinem Bruder Andrea (der Dichter und Maler bekannt als Alberto Savinio) angeschlossen hat. Durch seinen Bruder hat er Pierre Laprade ein Mitglied der Jury am Salon d'Automne getroffen, wo er drei seiner traumhaften Arbeiten ausgestellt hat: Mysterium des Orakels, Mysterium eines Nachmittags und Selbstbildnisses. Während 1913 hat er seine Arbeit am Salon des Indépendants und Salon d'Automne ausgestellt, seine Arbeit wurde von Pablo Picasso und Guillaume Apollinaire und mehreren andere bemerkt. Sein Zwingen und mysteriöse Bilder werden instrumental zu den frühen Anfängen des Surrealismus betrachtet. (sieh Galerie) Während der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts in europäischen Mastern wie Georges Braque haben André Derain und Giorgio De Chirico fortgesetzt, unabhängig jeder Bewegung zu malen.

Pioniere der Modernen Kunst

Der Image:Munch Tod von marat I 1907.jpg|Edvard, Kaut Tod von Marat I (1907), ein Beispiel des Expressionismus Schmatzend

Image:Gustav Klimt 016.jpg|Gustav Klimt, Expressionismus, 1907-1908

Image:Chagall IandTheVillage.jpg|Marc Chagall 1911, Expressionismus und Surrealismus

Image:Deer_in_the_Woods_II.jpg|Franz Marc 1912, Der Blaue Reiter

Image:Delaunay ChampDeMars.jpg|Robert Delaunay, 1911, Orphism

File:Kandinsky WWI.jpg|Wassily Kandinsky 1913, Geburt der abstrakten Kunst

Image:Amadeo Modigliani 036.jpg|Amedeo Modigliani, Bildnis von Soutine 1916, Beispiel des Expressionismus

Image:Leger Eisenbahn sich treffender jpg|Fernand Léger 1919, synthetischer Kubismus, tubism

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In den ersten zwei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts und nach dem Kubismus sind mehrere andere wichtige Bewegungen erschienen; Futurismus (Balla), abstrakte Kunst (Kandinsky), Der Blaue Reiter), Bauhaus, (Kandinsky) und (Klee), Orphism, (Robert Delaunay und František Kupka), Synchromism (Morgan Russell), De Stijl (Mondrian), Suprematism (Malevich), Constructivism (Tatlin), Dadaismus (Duchamp, Picabia, Arp) und Surrealismus (De Chirico, André Breton, Miró, Magritte, Dalí, Ernst). Moderne Malerei hat alle bildenden Künste, von der Modernist-Architektur und dem Design, zum avantgardistischen Film, Theater und modernen Tanz beeinflusst und ist ein experimentelles Laboratorium für den Ausdruck der Seherfahrung, von der Fotografie und konkreten Dichtung zur Werbekunst und Mode geworden. Die Malerei von Van Gogh hat großen Einfluss auf den Expressionismus des 20. Jahrhunderts genommen, wie in der Arbeit von Fauves gesehen werden, Brücke (eine Gruppe Sterben Kann, die vom deutschen Maler Ernst Kirchner geführt ist), und der Expressionismus von Edvard Munch, Egon Schiele, Marc Chagall, Amedeo Modigliani, Chaim Soutine und anderen..

Wassily Kandinsky ein russischer Maler, printmaker und Kunsttheoretiker, wird einer der berühmtesten Künstler des 20. Jahrhunderts allgemein als der erste wichtige Maler der modernen abstrakten Kunst betrachtet. Als ein früher Modernist, auf der Suche nach neuen Weisen des Sehausdrucks und geistigen Ausdrucks, er theoretisiert hat, wie zeitgenössische Okkultisten und Theosophen getan hat, dass reine Sehabstraktion Folgeerscheinungsvibrationen mit dem Ton und der Musik hatte. Sie haben diese reine Abstraktion postuliert konnte reine Spiritualität ausdrücken. Seine frühsten Abstraktionen wurden allgemein als das Beispiel in (über der Galerie) Komposition VII betitelt, Verbindung zur Arbeit der Komponisten der Musik machend. Kandinsky hat viele seiner Theorien über die abstrakte Kunst in seinem Buch Bezüglich des Geistigen in der Kunst eingeschlossen. Robert Delaunay war ein französischer Künstler, der mit Orphism, (erinnernd an eine Verbindung zwischen der reinen Abstraktion und dem Kubismus) vereinigt wird. Seine späteren Arbeiten waren abstrakter, an Paul Klee erinnernd. Seine Schlüsselbeiträge zur abstrakten Malerei beziehen sich auf seinen kühnen Gebrauch der Farbe und eine klare Liebe des Experimentierens sowohl der Tiefe als auch des Tons. An der Einladung von Wassily Kandinsky, Delaunay und seiner Frau der Künstler Sonia Delaunay, hat sich Dem Blauen Reiter (Der Blaue Reiter), eine Münchener Gruppe von abstrakten Künstlern 1911 angeschlossen, und seine Kunst hat sich an eine zum Auszug gemacht.

Andere Hauptpioniere der frühen Abstraktion schließen russischen Maler Kasimir Malevich ein, den nach der russischen Revolution 1917, und nachdem der Druck vom Stalinistischen Regime 1924 in die Malerei von Bildern und Bauern und Arbeitern im Feld und schweizerischem Maler Paul Klee zurückgegeben hat, dessen meisterhafte Farbenexperimente ihn einen wichtigen Pionier der abstrakten Malerei an Bauhaus gemacht haben. Dennoch schließen andere wichtige Pioniere der abstrakten Malerei die schwedische Niederfrequenz des Künstlers Hilma Klint, tschechischer Maler František Kupka sowie amerikanische Künstler Stanton MacDonald-Wright und Morgan Russell ein, der 1912 Synchromism, eine Kunstbewegung gegründet hat, die nah Orphism ähnelt.

Expressionismus und Symbolik sind breite Titelköpfe, der mehrere wichtige und zusammenhängende Bewegungen beschreibt im 20. Jahrhundert malend, der viel von der avantgardistischen Kunst beherrscht hat, die im Westlichen, Östlichen und Nordeuropa wird macht. Expressionismus wurde größtenteils zwischen Erstem Weltkrieg und Zweitem Weltkrieg, größtenteils in Frankreich, Deutschland, Norwegen, Russland, Belgien und Österreich gemalt. Expressionistische Künstler sind sowohl mit dem Surrealismus als auch mit der Symbolik verbunden und sind jeder einzigartig und etwas exzentrisch persönlich. Fauvism, Sterben Sie Brücke, und Der Blaue Reiter ist drei der am besten bekannten Gruppen von expressionistischen und symbolistischen Malern.

Künstler so interessant und verschieden wie Marc Chagall, dessen Malerei I und das Dorf, (oben) eine autobiografische Geschichte erzählt, die die Beziehung zwischen dem Künstler und seinen Ursprüngen mit einem Lexikon der künstlerischen Symbolik untersucht. Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Käthe Schmidt Kollwitz, Georges Rouault, Amedeo Modigliani und einige der Amerikaner auswärts wie Marsden Hartley und Stuart Davis, wurden als einflussreiche expressionistische Maler betrachtet. Obwohl von Alberto Giacometti in erster Linie als ein intensiver surrealistischer Bildhauer gedacht wird, hat er intensive expressionistische Bilder ebenso gemacht.

Pioniere der Abstraktion

File:Mondrian grauer Baum jpg|Piet Mondrian, 1912, früher De Stijl

Image:Malevici06.jpg|Kasimir Malevich 1916, Suprematism

Image:Theo Komposition VII von van Doesburg (die drei Gnaden).jpg|Theo van Doesburg 1917, De Stijl, Neo-Plasticism

Image:MacDonaldWright_AirplaneSynchYelOrng.jpg|Stanton MacDonald-Wright 1920, Synchromism

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Die Kunst von Piet Mondrian ist auch mit seinen geistigen und philosophischen Studien verbunden gewesen. 1908 ist er interessiert für die theosophische Bewegung geworden, die von Helena Petrovna Blavatsky gegen Ende des 19. Jahrhunderts gestartet ist. Blavatsky hat geglaubt, dass es möglich war, Kenntnisse der Natur zu erreichen, die tiefer ist als das, das durch empirische Mittel zur Verfügung gestellt ist, und viel Arbeit von Mondrian für den Rest seines Lebens durch seine Suche nach diesen geistigen Kenntnissen begeistert wurde.

De Stijl auch bekannt als neoplasticism, war eine holländische künstlerische 1917 gegründete Bewegung. Der Begriff De Stijl wird gebraucht, um sich auf einen Körper der in den Niederlanden von 1917 bis 1931 gegründeten Arbeit zu beziehen.

De Stijl ist auch der Name einer Zeitschrift, die vom holländischen Maler, Entwerfer, Schriftsteller und Kritiker Theo van Doesburg veröffentlicht wurde, der die Theorien der Gruppe fortpflanzt. Folgend van Doesburg waren die Hauptmitglieder der Gruppe die Maler Piet Mondrian, Vilmos Huszár, und Bart van der Leck und die Architekten Gerrit Rietveld, Kombi von Robert 't Hoff und J.J.P. Oud. Die künstlerische Philosophie, die eine Basis für die Arbeit der Gruppe gebildet hat, ist als neoplasticism — die neue Plastikkunst (oder Nieuwe Beelding in Niederländisch) bekannt.

Befürworter von De Stijl haben sich bemüht, ein neues utopisches Ideal der geistigen Harmonie und Ordnung auszudrücken. Sie haben reine Abstraktion und Allgemeinheit durch die Verminderung zur Hauptsache der Form und Farbe verteidigt; sie haben Sehzusammensetzungen zu den vertikalen und horizontalen Richtungen vereinfacht, und haben nur primäre Farben zusammen mit dem Schwarzen und Weiß verwendet. Tatsächlich, gemäß dem Online-Artikel der Galerie Tate über neoplasticism, legt Mondrian selbst diese Abgrenzungen in seinem Aufsatz 'Neo-Plasticism in der Bildlichen Kunst' dar. Er schreibt, "... diese neue Plastikidee wird die Einzelheiten des Äußeren, das heißt, natürliche Form und Farbe ignorieren. Im Gegenteil sollte es seinen Ausdruck in der Abstraktion der Form und Farbe, das heißt, in der Gerade und der klar definierten primären Farbe finden." Der Artikel Tate fasst weiter zusammen diese diese Kunst erlaubt "nur primäre Farben und Nichtfarben, nur Quadrate und Rechtecke, nur gerade und horizontale oder vertikale Linie." Guggenheims Online-Artikel des Museums über De Stijl fasst diese Charakterzüge in ähnlichen Begriffen zusammen: "Es [De Stijl] wurde auf dem grundsätzlichen Grundsatz der Geometrie der Gerade postuliert, das Quadrat und das Rechteck, haben sich mit einem starken asymmetricality verbunden; der vorherrschende Gebrauch von reinen primären Farben mit dem Schwarzen und Weiß; und die Beziehung zwischen positiven und negativen Elementen in einer Einordnung von nichtobjektiven Formen und Linien."

Bewegung von De Stijl war unter Einfluss der kubistischen Malerei sowie durch die Mystik und die Ideen über "ideale" geometrische Formen (wie die "vollkommene Gerade") in der neoplatonic Philosophie des Mathematikers M.H.J. Schoenmaekers. Die Arbeiten von De Stijl würden den Stil von Bauhaus und den internationalen Stil der Architektur sowie Kleidung und Raumgestaltung beeinflussen. Jedoch ist es den allgemeinen Richtlinien eines "Ismus" (Kubismus, Futurismus, Surrealismus) nicht gefolgt, noch es hat an den Grundsätzen von Kunstschulen wie Bauhaus geklebt; es war ein gesammeltes Projekt, ein gemeinsames Unternehmen.

Dada und Surrealism

Image:Duchamp LargeGlass.jpg|Marcel Duchamp, 1915-23, Dada

Image:Picabia Maschinenumdrehung jpg|Francis Picabia 1916, Dada

Image:Pedestal Tisch im Studio jpg|André Masson, 1922, früher Surrealismus

File:Apparatus und Handjpg|Salvadordalí 1927, Surrealismus (Superrealismus)

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Marcel Duchamp, ist zur internationalen Bekanntheit im Gefolge seines notorischen Erfolgs auf der Waffenkunde-Show von New York City 1913, gekommen (kurz nachdem er artmaking für das Schach verurteilt hat). Nach dem Nackten Absteigen von Duchamp ist eine Treppe die internationale Ursache celebre auf der 1913-Waffenkunde-Show in New York geworden er hat Die Braut Abgezogen Bloß durch Ihre Junggesellen, Sogar, Großes Glas geschaffen (sieh oben). Das Große Glas hat die Kunst der Malerei zu radikalen neuen Grenzen gestoßen, die Teil-Malerei, Teil-Collage, Teil-Aufbau sind. Duchamp ist nah vereinigt mit der Bewegung von Dada geworden, die im neutralen Zürich, die Schweiz während des Ersten Weltkriegs begonnen hat und von 1916 bis 1920 kulminiert hat. Die Bewegung ist in erster Linie mit bildenden Künsten, Literatur (Dichtung, Kunstmanifeste, Kunsttheorie), Theater und grafisches Design verbunden gewesen, und hat seinen anti Krieg konzentriert, der durch eine Verwerfung der vorherrschenden Standards in der Kunst durch kulturelle Antikunstarbeiten diplomatisch ist. Francis Picabia (sieh oben), Man Ray, Kurt Schwitters, Tristan Tzara, Hans Richter, Jean Arp, Sophie Taeuber-Arp, zusammen mit Duchamp und werden viele andere mit der Bewegung von Dadaist vereinigt. Duchamp und mehrere Dadaists werden auch mit dem Surrealismus, die Bewegung vereinigt, die europäische Malerei in den 1920er Jahren und 1930er Jahren beherrscht hat.

1924 hat André Breton das surrealistische Manifest veröffentlicht. Die surrealistische Bewegung in der Malerei ist synonymisch mit der Avantgarde geworden, und der Künstler gezeigt hat, deren sich Arbeiten vom Auszug bis den Superrealisten geändert haben. Mit Arbeiten an Papier wie Maschinenumdrehung Schnell, (über) Francis Picabia hat seine Beteiligung an der Bewegung von Dada im Laufe 1919 in Zürich und Paris, vor dem Losreißen davon nach dem Entwickeln eines Interesses an der surrealistischen Kunst fortgesetzt. Yves Tanguy, René Magritte und Salvador Dalí sind besonders für ihre realistischen Bilder von Traumbildern und fantastische Manifestationen der Einbildungskraft bekannt. Joan Miró Das Angebaute Feld von 1923-1924 Rändern auf der Abstraktion, dieser frühen Malerei eines Komplexes von Gegenständen und Zahlen und Maßnahmen sexuell aktiver Charaktere; war das erste surrealistische Meisterwerk von Miro. Die abstraktere Joan Miró, Jean Arp, André Masson und Max Ernst waren besonders in den Vereinigten Staaten während der 1940er Jahre sehr einflussreich.

Im Laufe der 1930er Jahre hat Surrealismus fortgesetzt, mehr sichtbar für das Publikum auf freiem Fuß zu werden. Eine surrealistische Gruppe hat sich in Großbritannien und gemäß Bretonischer Sprache entwickelt, ihr 1936 London war Internationale surrealistische Ausstellung ein Hochwasser-Zeichen der Periode und ist das Modell für internationale Ausstellungen geworden. Surrealistische Gruppen in Japan, und besonders in Lateinamerika, der Karibik und in Mexiko haben innovative und ursprüngliche Arbeiten erzeugt.

Dalí und Magritte haben einige der am weitesten anerkannten Images der Bewegung geschaffen. Der 1928/1929, Das malend, Ist Nicht Eine Pfeife, durch Magritte ist das Thema eines 1973-Buches von Michel Foucault, Das ist nicht eine Pfeife (englische Ausgabe, 1991), der die Malerei und sein Paradox bespricht. Dalí hat sich der Gruppe 1929 angeschlossen, und hat an der schnellen Errichtung des Sehstils zwischen 1930 und 1935 teilgenommen.

Der Surrealismus als eine Sehbewegung hatte eine Methode gefunden: Psychologische Wahrheit dadurch auszustellen, gewöhnliche Gegenstände ihrer normalen Bedeutung zu berauben, um ein zwingendes Image zu schaffen, das außer der gewöhnlichen formellen Organisation und Wahrnehmung war, manchmal Empathie vom Zuschauer, manchmal Gelächter herbeirufend, und manchmal empört und Verwirrung.

1931 hat ein Jahr gekennzeichnet, als mehrere surrealistische Maler Arbeiten erzeugt haben, die Wendepunkte in ihrer stilistischen Evolution gekennzeichnet haben: In einem Beispiel (sieh Galerie oben), werden flüssige Gestalten die Handelsmarke von Dalí, besonders in seinem Die Fortsetzung des Gedächtnisses, das das Image von Bewachungen zeigt, die sich senken, als ob sie schmelzen. Anrufungen der Zeit und seines zwingenden Mysteriums und Absurdität.

Die Eigenschaften dieses Stils - eine Kombination des darstellenden, des Auszugs und des psychologischen - ist gekommen, um für die Entfremdung einzutreten, die viele Menschen in der Modernist-Periode gefühlt haben, die mit dem Sinn des Erreichens tiefer in die Seele verbunden ist, um "gemacht zu werden, ganz mit jemandes Individualität."

Max Ernst, dessen sich malendes 1920-Ermordungsflugzeug, studierte Philosophie und Psychologie in Bonn und für die alternativen durch das wahnsinnige erfahrenen Realien interessiert haben. Seine Bilder können durch die Studie des Psychoanalytikers Sigmund Freud der Wahnvorstellungen eines Paranoikers, Daniel Paul Schrebers begeistert worden sein. Freud hat die Fantasie von Schreber identifiziert, eine Frau als ein Entmannungskomplex zu werden. Das Hauptimage von zwei Paaren von Beinen bezieht sich auf die hermaphroditischen Wünsche von Schreber. Die Inschrift von Ernst auf der Rückseite von der Malerei liest: Das Bild ist wegen seiner Symmetrie neugierig. Die zwei Geschlechter erwägen einander.

Während der 1920er Jahre war die Arbeit von André Masson im Helfen enorm einflussreich kürzlich ist in Paris angekommen, und junger Künstler Joan Miró finden seine Wurzeln in der neuen surrealistischen Malerei. Miró hat in Briefen an seinen Händler Pierre Matisse die Wichtigkeit von Masson als ein Beispiel zu ihm in seinen frühen Jahren in Paris anerkannt.

Lange nachdem persönliche, politische und berufliche Spannungen die surrealistische Gruppe spurlos und den Äther gebrochen haben, setzen Magritte, Miro, Dalí und die anderen Surrealisten fort, ein Sehprogramm in den Künsten zu definieren. Andere prominente surrealistische Künstler schließen Giorgio de Chirico, Méret Oppenheim, Toyen, Grégoire Michonze, Roberto Matta, Kay Sage, Leonora Carrington, Dorothea Tanning und Leonor Fini unter anderen ein.

Zwischen den Kriegen

Image:Egon Schiele 079.jpg|Egon Schiele, Symbolik und Expressionismus 1912

File:Kirchner 1913-Straße, Berlin jpg|Ernst Kirchner Sterben Brücke 1913

Image:Amadeo Modigliani 012.jpg|Amedeo Symbolik von Modigliani und Expressionismus 1917

Image:Davis Kirchturm-Straße jpg|Stuart amerikanischer Modernismus von Davis 1922

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Der Blaue Reiter war eine deutsche Bewegung von 1911 bis 1914, der für den Expressionismus grundsätzlich ist, zusammen damit Sterben Brücke, der im vorherigen Jahrzehnt 1905 gegründet wurde und eine Gruppe von deutschen expressionistischen Künstlern war, die in Dresden 1905 gebildet sind. Gründende Mitglieder dessen Sterben Brücke waren Fritz Bleyl, Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner und Karl Schmidt-Rottluff. Spätere Mitglieder haben Max Pechstein, Otto Mueller und andere eingeschlossen. Die Gruppe war einer der zukunftsträchtigen, die im Laufe der Zeit einen Haupteinfluss auf die Evolution der modernen Kunst im 20. Jahrhundert hatten und den Stil des Expressionismus geschaffen haben.

Wassily Kandinsky, Franz Marc, August Macke, Alexej von Jawlensky, ist dessen die psychisch ausdrucksvolle Malerei des russischen Tänzer-Bildnisses von Alexander Sakharoff, 1909 in der Galerie oben, Marianne von Werefkin, Lyonel Feininger, und andere haben die Gruppe von Der Blaue Reiter als Antwort auf die Verwerfung der Malerei von Kandinsky Letztes Urteil von einer Ausstellung gegründet. Der Blaue Reiter hat an einem künstlerischen Hauptmanifest Mangel gehabt, aber wurde um Kandinsky und Marc in den Mittelpunkt gestellt. Künstler Gabriele Münter und Paul Klee wurden auch beteiligt.

Der Name der Bewegung kommt aus einer Malerei von 1903 geschaffenem Kandinsky (sieh Illustration). Es wird auch gefordert, dass der Name auf die Begeisterung von Marc für Pferde und die Liebe von Kandinsky der blauen Farbe zurückzuführen gewesen sein könnte. Für Kandinsky, blau ist die Farbe der Spiritualität: Je dunkler das Blau, desto mehr es menschlichen Wunsch nach dem ewigen erweckt.

In den USA während der Periode zwischen Malern des Ersten Weltkriegs und Zweiten Weltkriegs hat dazu geneigt, nach Europa für die Anerkennung zu gehen. Künstler wie Marsden Hartley, Patrick Henry Bruce, Gerald Murphy und Stuart Davis, haben Rufe auswärts geschaffen. In New York City waren Albert Pinkham Ryder und Ralph Blakelock einflussreiche und wichtige Zahlen im fortgeschrittenen Amerikaner, der zwischen 1900 und 1920 malt. Während der 1920er Jahre hat Fotograf Alfred Stieglitz Georgia O'Keeffe, Arthur Dove, Alfred Henry Maurer, Charles Demuth, John Marin und andere Künstler einschließlich europäischer Master Henri Matisse, Auguste Rodins, Henri Rousseaus, Paul Cézannes und Pablo Picassos, an seiner Galerie die 291 ausgestellt.

Expressionismus und Symbolik sind breite Titelköpfe, der mehrere wichtige und zusammenhängende Bewegungen beschreibt im 20. Jahrhundert malend, der viel von der avantgardistischen Kunst beherrscht hat, die im Westlichen, Östlichen und Nordeuropa wird macht. Expressionismus wurde größtenteils zwischen Erstem Weltkrieg und Zweitem Weltkrieg, größtenteils in Frankreich, Deutschland, Norwegen, Russland, Belgien und Österreich gemalt. Expressionistische Künstler sind sowohl mit dem Surrealismus als auch mit der Symbolik verbunden und sind jeder einzigartig und etwas exzentrisch persönlich. Fauvism, Sterben Sie Brücke, und Der Blaue Reiter ist drei der am besten bekannten Gruppen von expressionistischen und symbolistischen Malern. Künstler so interessant und verschieden wie Marc Chagall, Gustav Klimt, Egon Schiele, Edvard Munch, Emil Nolde, Chaim Soutine, James Ensor, Oskar Kokoschka, Ernst Ludwig Kirchner, Max Beckmann, Franz Marc, Otto Dix, Käthe Schmidt Kollwitz, Georges Rouault, Amedeo Modigliani und einige der Amerikaner auswärts wie Marsden Hartley und Stuart Davis, wurden als einflussreiche expressionistische Maler betrachtet. Obwohl von Alberto Giacometti in erster Linie als ein intensiver surrealistischer Bildhauer gedacht wird, hat er intensive expressionistische Bilder von Zahlen ebenso gemacht.

Soziales Bewusstsein

Image:Republican Automaten George Grosz 1920.jpg|George Grosz, 1920, Neue Sachlichkeit

Image:People-of-Chilmark-Benton-1920-lrg.jpg|Thomas Hart Benton 1920, Regionalismus

Image:Bellows George Dempsey und Firpo 1924.jpg|George Gebläse, 1924, amerikanischer Realismus

Image:Demuth_Charles_Spring_1921.jpg|Charles Demuth Spring, 1921, amerikanischer Precisionism (proto Pop-Art)

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Während der 1920er Jahre und der 1930er Jahre und der Weltwirtschaftskrise haben Surrealismus, später Kubismus, Bauhaus, De Stijl, Dada, deutscher Expressionismus, Expressionismus, und Modernist und meisterhafte Farbenmaler wie Henri Matisse und Pierre Bonnard die europäische Kunstszene charakterisiert. In Deutschland Max Beckmann, Otto Dix, haben George Grosz und andere ihre Bilder politisiert, das Kommen von Zweitem Weltkrieg ahnen lassend. Während in der amerikanischen Szene-Malerei von Amerika und dem sozialen Realismus und den Regionalismus-Bewegungen, die sowohl politischen als auch sozialen Kommentar enthalten haben, die Kunstwelt beherrscht hat. Künstler wie Ben Shahn, Thomas Hart Benton, Bewilligungsholz, George Tooker, John Steuart Curry, Reginald Marsh, und sind andere prominent geworden. In Lateinamerika außer dem Uruguayer Maler Joaquín Torres García und Rufino Tamayo von Mexiko hat die muralist Bewegung mit Diego Rivera, David Siqueiros, José Orozco, Pedro Nel Gómez und Santiago Martinez Delgado und den symbolistischen Bildern von Frida Kahlo eine Renaissance der Künste für das Gebiet, mit einem Gebrauch der Farbe und historischen und politischen Nachrichten begonnen. Die symbolistischen Arbeiten von Frida Kahlo beziehen sich auch stark auf den Surrealismus und auf die Magische Realismus-Bewegung in der Literatur. Das psychologische Drama in vielen Kahlo selbst Bildnisse unterstreicht (oben) die Lebenskraft und Relevanz ihrer Bilder Künstlern im 21. Jahrhundert.

Gotischer Amerikaner ist eine Malerei von Grant Wood von 1930. Einen Heugabel haltenden Bauer und eine jüngere Frau vor einem Haus des Zimmermannes gotischer Stil porträtierend, ist es eines der vertrautesten Images in der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts. Kunstkritiker hatten günstige Meinungen über die Malerei, wie Gertrude Stein und Christopher Morley, sie haben angenommen, dass die Malerei gemeint geworden ist, um eine Satire des ländlichen kleinstädtischen Lebens zu sein. Es wurde so als ein Teil der Tendenz zu immer kritischeren Bildern des ländlichen Amerikas, entlang den Linien von 1919 Winesburg von Sherwood Anderson, Ohio, 1920 von Sinclair Lewis die Main Street, und Carl Van Vechten Die Tattooed Gräfin in der Literatur gesehen. Jedoch, mit dem Anfall der Weltwirtschaftskrise, ist die Malerei gekommen, um als ein Bild des festen amerikanischen Pioniergeistes gesehen zu werden.

Diego Rivera ist vielleicht durch die öffentliche Welt für seine 1933-Wandmalerei, "Mann an den Straßenkreuzungen", in der Vorhalle des RCA am besten bekannt, der am Zentrum von Rockefeller Baut. Als sein Schutzherr Nelson Rockefeller entdeckt hat, dass die Wandmalerei ein Bildnis von Lenin und anderen kommunistischen Bildern eingeschlossen hat, hat er Rivera entlassen, und die unfertige Arbeit wurde schließlich vom Personal von Rockefeller zerstört. Die Filmwiege Wird Sich Schaukeln schließt eine Dramatisierung der Meinungsverschiedenheit ein. Frida Kahlo (die Frau von Rivera) Arbeiten wird häufig durch ihre steifen Beschreibungen des Schmerzes charakterisiert. Ihrer 143 Bilder 55 sind Selbstbildnisse, der oft amtlich eingetragene symbolische Beschreibungen ihrer physischen und psychologischen Wunden. Kahlo war tief unter Einfluss der einheimischen mexikanischen Kultur, die in den hellen Farben ihrer Bilder und dramatischer Symbolik offenbar ist. Christliche und jüdische Themen werden häufig in ihrer Arbeit ebenso gezeichnet; sie hat Elemente der klassischen religiösen mexikanischen Tradition verbunden — die häufig blutiger und gewaltsamer — mit der surrealistischen Übergabe waren. Während ihre Bilder nicht offen christlich sind - war sie, schließlich, ein bestätigter Kommunist - sie enthalten sicher Elemente des makabren mexikanischen christlichen Stils von religiösen Bildern.

Politischer Aktivismus war ein wichtiges Stück des Lebens von David Siqueiros, und hat ihn oft angeregt, seine künstlerische Karriere beiseite zu legen. Seine Kunst wurde in der mexikanischen Revolution, eine gewaltsame und chaotische Periode in der mexikanischen Geschichte tief eingewurzelt, in der verschiedene soziale und politische Splittergruppen um die Anerkennung und Macht gekämpft haben. Die Periode von den 1920er Jahren bis zu den 1950er Jahren ist als die mexikanische Renaissance bekannt, und Siqueiros war im Versuch energisch, eine Kunst zu schaffen, die sofort mexikanisch und universal war. Er hat kurz aufgegeben zu malen, um sich darauf zu konzentrieren, Bergarbeiter in Jalisco zu organisieren. Er hat eine politische Kunstwerkstatt in New York City in der Vorbereitung des 1936-Generalstreiks für die Parade des Friedens und Ersten Mais geführt. Der junge Jackson Pollock hat der Werkstatt beigewohnt und hat geholfen, Hin- und Herbewegungen für die Parade zu bauen. Zwischen 1937 und 1938 hat er im spanischen Bürgerkrieg neben den spanischen republikanischen Kräften entgegen dem militärischen Staatsstreich von Francisco Franco gekämpft. Er wurde zweimal von Mexiko einmal 1932 und wieder 1940 im Anschluss an sein Attentat auf Leon Trotsky verbannt.

Weltkonflikt

Image:Max das 'Selbstbildnis von Beckmann mit dem Horn', 1938-1940.jpg|Max Beckmann 1938-1940, Expressionismus

Image:Kandinsky 1939-Zusammensetzung-X.png|Wassily Kandinsky Komposition X 1939, Geometrische Abstraktion

Image:master-bill.jpg|Arshile Gorky 1929-1936, pre abstrakter Expressionismus

Image:Frida Kahlo (selbst Bildnis).jpg|Frida Kahlo, 1940, lateinamerikanische Symbolik

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Während der 1930er Jahre hat radikale linksgerichtete Politik viele der Künstler charakterisiert, die mit dem Surrealismus einschließlich Pablo Picassos verbunden sind. Am 26. April 1937, während des spanischen Bürgerkriegs, war die baskische Stadt Gernika die Szene der "Bombardierung von Gernika" durch die Kondor-Legion von Luftwaffe des nazistischen Deutschlands. Die Deutschen griffen an, um die Anstrengungen von Francisco Franco zu unterstützen, die baskische Regierung und die spanische republikanische Regierung zu stürzen. Die Stadt, wurde obwohl der Zusammenbau von Biscayan und die Eiche von überlebtem Gernika verwüstet. Pablo Picasso hat gemalt seine Wandmalerei hat Guernica nach Größen geordnet, um der Schrecken der Bombardierung zu gedenken.

In seiner Endform ist Guernica ein riesiger Schwarzer und Weiß, 3.5 Meter (11 ft) hoch und 7.8 Meter (23 ft) breite in Öl gemalte Wandmalerei. Die Wandmalerei präsentiert eine Szene von Tod, Gewalt, Brutalität, Leiden und Hilflosigkeit, ohne ihre direkten Gründe zu porträtieren. Die Wahl, in schwarzen und weißen Unähnlichkeiten mit der Intensität der Szene gezeichnet zu malen, und ruft die Unmittelbarkeit einer Zeitungsfotographie an.

Picasso hat gemalt die nach Größen geordnete Wandmalerei malend hat Guernica im Protest der Bombardierung genannt. Die Malerei wurde zuerst in Paris 1937, dann Skandinavien, dann London 1938 ausgestellt, und schließlich 1939 auf das Verlangen von Picasso wurde die Malerei in die Vereinigten Staaten in einem verlängerten Darlehen (für die Aufbewahrung) an MoMA gesandt. Die Malerei ist auf einer Tour von Museen überall in den USA bis zu seiner Endrückkehr zum Museum der Modernen Kunst in New York City gegangen, wo es seit fast dreißig Jahren ausgestellt wurde. Schließlich gemäß dem Wunsch von Pablo Picasso, die Malerei den Leuten Spaniens als ein Geschenk zu geben, wurde es nach Spanien 1981 gesandt.

Während der Weltwirtschaftskrise der 1930er Jahre, im Laufe der Jahre der amerikanischen Kunst des Zweiten Weltkriegs wurde durch den Sozialen Realismus und die amerikanische Szene-Malerei (wie gesehen, oben) in der Arbeit von Bewilligungsholz, Edward Hopper, Ben Shahn, Thomas Hart Benton und mehreren andere charakterisiert. Nighthawks (1942) ist eine Malerei von Edward Hopper, der Leute porträtiert, die in einem Innenstadt-Tischgast spät abends sitzen. Es ist nicht nur die berühmteste Malerei von Hopper, aber einer der erkennbarsten in der amerikanischen Kunst. Es ist zurzeit in der Sammlung des Kunstinstituts für Chicago. Die Szene wurde von einem Tischgast (da abgerissen) in Greenwich Village, der Hausnachbarschaft von Hopper in Manhattan begeistert. Hopper hat begonnen, es sofort nach dem Angriff auf den Perle-Hafen zu malen. Nachdem dieses Ereignis dort ein großes Gefühl der Düsterkeit über das Land, ein Gefühl war, das in der Malerei porträtiert wird. Die städtische Straße ist außerhalb des Tischgasts leer, und in keinem der drei Schutzherren schaut anscheinend oder spricht mit anderen, aber wird stattdessen in ihren eigenen Gedanken verloren. Diese Beschreibung des modernen städtischen Lebens als leer oder einsam ist ein allgemeines Thema während der Arbeit von Hopper.

Das Dynamische für Künstler in Europa während der 1930er Jahre hat sich schnell als die Macht des Nazis in Deutschland und über vergrößertes Osteuropa verschlechtert. Das Klima ist so feindlich für Künstler und Kunst geworden, die mit dem Modernismus und der Abstraktion vereinigt ist, dass viele nach den Amerikas abgereist sind. Degenerierte Kunst war ein Begriff, der durch das nazistische Regime in Deutschland angenommen ist, um eigentlich die ganze moderne Kunst zu beschreiben. Solche Kunst wurde verboten mit der Begründung, dass es undeutscher oder jüdischer Bolschewist in der Natur und denjenigen war, die identifiziert sind, weil degenerierte Künstler Sanktionen unterworfen wurden. Diese haben eingeschlossen abgewiesen zu werden, Positionen zu unterrichten, verboten, ihre Kunst auszustellen oder zu verkaufen, und in einigen Fällen verboten, Kunst völlig zu erzeugen.

Degenerierte Kunst war auch der Titel einer Ausstellung, die von den Nazis in München 1937 bestiegen ist, aus Modernist-Gestaltungsarbeiten chaotisch bestehend, die gehängt und durch Textetiketten begleitet sind, die Kunst verlachend. Entworfen, um öffentliche Meinung gegen den Modernismus zu reizen, ist die Ausstellung nachher zu mehreren anderen Städten in Deutschland und Österreich gereist. Deutscher Künstler Max Beckmann und Hunderte von anderen sind aus Europa für New York geflohen. In New York City eine neue Generation von jungen und aufregenden Modernist-Malern, die von Arshile Gorky, Willem de Kooning geführt sind, und begannen andere gerade, volljährig zu kommen.

Das Bildnis von Arshile Gorky von jemandem, der Willem de Kooning (oben) sein könnte, ist ein Beispiel der Evolution des abstrakten Expressionismus vom Zusammenhang der Zahl-Malerei, des Kubismus und des Surrealismus. Zusammen mit seinen Freunden de Kooning und John D. Graham Gorky hat Lebens-Morphically gestaltet geschaffen und hat bildliche Zusammensetzungen abstrahiert, die sich vor den 1940er Jahren zu völlig abstrakten Bildern entwickelt haben. Die Arbeit von Gorky scheint, eine sorgfältige Analyse des Gedächtnisses, des Gefühls und der Gestalt, mit der Linie und Farbe zu sein, um Gefühl und Natur auszudrücken.

Zur Mitte des Jahrhunderts

File:Tables für Damen für den Fülltrichter des Fülltrichters jpg|Edward von Edward, 1930, amerikanische Szene, malend

Image:Amoskeag Kanal, Sheeler.jpg|Charles Sheeler, Amoskeag Kanal 1948

Image:Christinasworld.jpg|Andrew Wyeth 1948, Realismus

Image:Freud, girl-white-dog.jpg|lucian Freud 1951 - 1952, britische Bildliche Malerei

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Die 1940er Jahre in New York City haben den Triumph des amerikanischen abstrakten Expressionismus, eine Modernist-Bewegung verkündet, die Beispiele verbunden hat, die an Henri Matisse, Pablo Picasso, Surrealismus, Joan Miró, Kubismus, Fauvism und frühem Modernismus über große Lehrer in Amerika wie Hans Hofmann und John D. Graham genommen sind. Amerikanische Künstler haben aus der Anwesenheit von Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst und der Gruppe von André Breton, der Galerie von Pierre Matisse und der Galerie Art von Peggy Guggenheim Dieses Jahrhunderts, sowie anderer Faktoren einen Nutzen gezogen. Die bildliche Arbeit von Francis Bacon, Frida Kahlo, Edward Hopper, haben Lucien Freud Andrew Wyeth und andere als eine Art Alternative zum abstrakten Expressionismus gedient. Eines der wohl bekanntesten Images in der amerikanischen Kunst des 20. Jahrhunderts ist die Malerei von Wyeth, die Welt von Christina zurzeit in der Sammlung des Museums der Modernen Kunst in New York City. Es zeichnet eine Frau, die auf dem Boden in einem baumlosen, größtenteils gelbbraunen Feld lügt, aufblickend auf und zu einem grauen Haus auf dem Horizont kriechend; eine Scheune und verschiedene andere kleine Nebengebäude sind neben dem Haus. Diese Tempera-Arbeit, die in einem Realist-Stil getan ist, ist fast immer auf der Anzeige am Museum der Modernen Kunst in New York.

Der postzweite Weltkrieg-Amerikaner Malerei genannten Abstrakten Expressionismus hat Künstler wie Jackson Pollock, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Mark Rothko, Hans Hofmann, Clyfford und doch, Franz Kline, Adolph Gottlieb, Mark Tobey, Barnett Newman, James Brooks, Philip Guston, Robert Motherwell, Conrad Marca-Relli, Jack Tworkov, William Baziotes, Richard Pousette-Dart, Ad Reinhardt, Hedda Sterne, Jimmy Ernst, Esteban Vicente, Bradley Walker Tomlin und Theodoros Stamos, unter anderen eingeschlossen. Amerikanischer Abstrakter Expressionismus hat seinen Namen 1946 vom Kunstkritiker Robert Coates bekommen. Es wird als das Kombinieren der emotionalen Intensität und Selbstverleugnung der deutschen Expressionisten mit den antibildlichen ästhetischen von den europäischen abstrakten Schulen wie Futurismus, Bauhaus und synthetischer Kubismus gesehen. Abstrakter Expressionismus, Action-Painting und Farbenfeldmalerei sind mit der New Yorker Schule synonymisch.

Technisch war Surrealismus ein wichtiger Vorgänger für den abstrakten Expressionismus mit seiner Betonung auf der spontanen, automatischen oder unterbewussten Entwicklung. Die tropfende Farbe von Jackson Pollock auf eine auf dem Fußboden gelegte Leinwand ist eine Technik, die seine Wurzeln in der Arbeit von André Masson hat. Ein anderer wichtiger earanifestation was ist gekommen, um abstrakter Expressionismus zu sein, ist die Arbeit des amerikanischen Nordwestlichen Künstlers Mark Tobey, besonders sein "weißes Schreiben" Leinwände, die, obwohl allgemein nicht groß in der Skala, überall im Blick der Tropfrohr-Bilder von Pollock voraussehen.

Abstrakter Expressionismus

Image:Kooning_woman_v.jpg|Willem De Kooning 1952-1953 Bildlicher abstrakter Expressionismus

Image:No. 5, 1948.jpg|Jackson Seelachs, Nr. 5, 1948, abstrakter Expressionismus

Image:Fogg_kline_high.gif  | Franz Kline, 1950, Action-Painting

File:Voice des Feuerfotos jpg|Barnett Newman, Stimme des Feuers, 1967, Farbenfeld - abstrakter Expressionismus

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Zusätzlich hat Abstrakter Expressionismus ein Image, rebellisch, anarchisch, hoch idiosynkratisch und, ein Gefühl, ziemlich nihilistisch zu sein. In der Praxis wird der Begriff auf jede Zahl von Künstlern angewandt, die (größtenteils) in New York arbeiten, wer ziemlich verschiedene Stile hatte, und sich sogar für die Arbeit gewandt hat, die nicht besonders abstrakt ist noch Expressionist. Die energischen "Action-Paintings" des Seelachses, mit ihrem "beschäftigten" Gefühl, sind sowohl technisch als auch ästhetisch zur gewaltsamen und grotesken Frau-Reihe von Willem de Kooning verschieden. Wie gesehen, oben in der Galerie Woman V ist eine einer Reihe von sechs Bildern, die von de Kooning zwischen 1950 und 1953 gemacht sind, die eine Drei-Viertel-Längenfrauenfigur zeichnen. Er hat das erste von diesen Bildern, Frau I Sammlung begonnen: Das Museum der Modernen Kunst, New York Citys, im Juni 1950 wiederholt sich ändernd und das Image bis Januar oder Februar 1952 malend, als die Malerei unfertig aufgegeben wurde. Der Kunsthistoriker Meyer Schapiro hat die Malerei im Studio von de Kooning bald später gesehen und hat den Künstler dazu ermuntert zu verharren. Die Antwort von De Kooning sollte drei andere Bilder auf demselben Thema beginnen; Frau II Sammlung: Das Museum der Modernen Kunst, New York Citys, Frau III, Tehran Museum der Zeitgenössischen Kunst, Frau IV, Museum von Nelson-Atkins der Kunst, des Kansas City, Missouri. Während des Sommers 1952, der an Östlichem Hampton ausgegeben ist, hat de Kooning weiter das Thema durch Zeichnungen und Pastelle erforscht. Er kann Arbeit an der Frau I am Ende des Junis, oder vielleicht erst Novembers 1952 beendet haben, und wahrscheinlich wurden die anderen drei Frau-Bilder in der ziemlich gleichen Zeit geschlossen. Die Frau-Reihen sind entschieden bildliche Bilder. Ein anderer wichtiger Künstler ist Franz Kline, wie demonstriert, durch seine Malerei Hauptstraße, 1950 (sieh Galerie) als mit Jackson Pollock und anderen Abstrakten Expressionisten, wurde ein "Handlungsmaler" wegen seines anscheinend spontanen und intensiven Stils etikettiert, sich weniger, oder überhaupt nicht, auf Zahlen oder Bildern, aber auf den wirklichen Pinselstrichen und dem Gebrauch der Leinwand konzentrierend.

Clyfford und doch, Barnett Newman, (sieh oben), Adolph Gottlieb und die heiter schimmernden Blöcke der Farbe in der Arbeit von Mark Rothko (der nicht ist, was gewöhnlich Expressionisten genannt würde, und der bestrittener Rothko abstrakt war), werden als abstrakte Expressionisten klassifiziert, obgleich davon, was Clement Greenberg die Farbenfeldrichtung des abstrakten Expressionismus genannt hat. Beider Hans Hofmann (sieh Galerie), und Robert Motherwell (Galerie) können als Praktiker des Action-Paintings und der Farbenfeldmalerei bequem beschrieben werden.

Abstrakter Expressionismus hat viele stilistische Ähnlichkeiten den russischen Künstlern des Anfangs des 20. Jahrhunderts wie Wassily Kandinsky. Obwohl es wahr ist, dass Spontaneität oder des Eindrucks der Spontaneität viele der abstrakten expressionistischen Arbeiten charakterisiert hat, haben die meisten dieser Bilder sorgfältige Planung besonders eingeschlossen, seitdem ihre große Größe es gefordert hat. Eine Ausnahme könnte die Tropfrohr-Bilder des Seelachses sein.

Warum dieser Stil gewonnen hat, ist Hauptströmungsannahme in den 1950er Jahren eine Sache der Debatte. Amerikanischer Sozialer Realismus war die Hauptströmung in den 1930er Jahren gewesen. Es war nicht nur durch die Weltwirtschaftskrise sondern auch von den Sozialen Realisten Mexikos wie David Alfaro Siqueiros und Diego Rivera beeinflusst worden. Das politische Klima nach dem Zweiten Weltkrieg hat die sozialen Proteste jener Maler nicht lange geduldet. Abstrakter Expressionismus ist während des Zweiten Weltkriegs entstanden und hat begonnen, während des Anfangs der 1940er Jahre an Galerien in New York wie Die Kunst Dieser Galerie Century präsentiert zu werden. Das Ende der 1940er Jahre durch die Mitte der 1950er Jahre im Zeitalter von McCarthy hineingeführt. Es war nach dem Zweiten Weltkrieg und eine Zeit des politischen Konservatismus und der äußersten künstlerischen Zensur in den Vereinigten Staaten. Einige Menschen haben vermutet, dass da der Gegenstand häufig völlig abstrakter, Abstrakter Expressionismus war, ist eine sichere Strategie für Künstler geworden, diesen Stil zu verfolgen. Abstrakte Kunst konnte als apolitisch gesehen werden. Oder wenn die Kunst politisch war, war die Nachricht größtenteils für die Eingeweihten. Jedoch sind jene Theoretiker in der Minderheit. Als die erste aufrichtig ursprüngliche Schule der Malerei in Amerika hat Abstrakter Expressionismus die Lebenskraft und Kreativität des Landes in den Nachkriegsjahren, sowie seine Fähigkeit (oder Bedürfnis) demonstriert, um einen ästhetischen Sinn zu entwickeln, der durch die europäischen Standards der Schönheit nicht beschränkt wurde.

Obwohl Abstrakte Expressionismus-Ausbreitung schnell überall in den Vereinigten Staaten, die Hauptzentren dieses Stils New York City und Kalifornien, besonders in der New Yorker Schule und dem San Francisco Bucht-Gebiet waren. Abstrakte expressionistische Bilder teilen bestimmte Eigenschaften, einschließlich des Gebrauches von großen Leinwänden, "überall" Annäherung, in der die ganze Leinwand mit der gleichen Wichtigkeit behandelt wird (im Vergleich mit dem Zentrum, das von mehr Interesse ist als die Ränder. Die Leinwand als die Arena ist ein Kredo des Action-Paintings geworden, während die Integrität des Bilderflugzeugs ein Kredo der Farbenfeldmaler geworden ist. Viele andere Künstler haben begonnen auszustellen ihr abstrakter Expressionist hat Bilder während der 1950er Jahre einschließlich Alfred Leslies, Sam Francis, Joan Mitchells, Helen Frankenthalers, Cy Twomblys, Milton Resnicks, Michael Goldbergs, Norman Bluhms, Ray Parkers, Nicolas Carones, Grace Hartigans, Friedel Dzubas und Robert Goodnoughs unter anderen verbunden.

Während des Farbenfeldes der 1950er Jahre, das am Anfang verwiesen auf einen besonderen Typ des abstrakten Expressionismus, besonders die Arbeit von Mark Rothko, Clyfford und doch, Barnett Newman, Robert Motherwell und Adolph Gottlieb malt. Es hat im Wesentlichen abstrakte Bilder mit großen, flachen Weiten der Farbe beschrieben, die die Sinnes- und Sehgefühle und Eigenschaften von großen Gebieten der Nuanced-Oberfläche ausgedrückt hat. Kunstkritiker Clement Greenberg hat Farbenfeld wahrgenommen, wie verbunden, mit, aber verschieden vom Action-Painting malend. Die gesamte Weite und gestalt der Arbeit der frühen Farbenfeldmaler sprechen von einer fast religiösen Erfahrung, die angesichts eines dehnbaren Weltalls der Sinnlichkeit, Farbe und Oberfläche ehrfurchtsvoll ist. Während des frühen zur Farbe der Mitte der 1960er Jahre war Feldmalerei der Begriff, der gebraucht ist, um Künstler wie Jules Olitski, Kenneth Noland und Helen Frankenthaler zu beschreiben, deren Arbeiten mit dem zweiten Generationsauszug-Expressionismus, und mit jüngeren Künstlern wie Larry Zox und Frank Stella, - alles verbunden gewesen sind, sich in einer neuen Richtung bewegend. Künstler wie Clyfford und doch, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, Larry Zox, und haben andere häufig außerordentlich reduzierte Verweisungen auf die Natur verwendet, und sie haben mit einem hoch artikulierten und psychologischen Gebrauch der Farbe gemalt. Im Allgemeinen haben diese Künstler erkennbare Bilder beseitigt. In Bergen und Meer, von 1952, (sieh oben), einer Samenarbeit des Farbenfeldes, das durch Helen Frankenthaler malt, hat der Künstler die Fleck-Technik zum ersten Mal verwendet.

In Europa gab es die Verlängerung des Surrealismus, Kubismus, Dada und der Arbeiten von Matisse. Auch in Europa hat Tachisme (die europäische Entsprechung zum Abstrakten Expressionismus) die neueste Generation ergriffen. Serge Poliakoff, Nicolas de Staël, Georges Mathieu, Vieira da Silva, Jean Dubuffet, Yves Klein und Pierre Soulages unter anderen werden als wichtige Zahlen in der europäischen Nachkriegsmalerei betrachtet.

Die schließlich abstrakte Malerei in Amerika hat in Bewegungen solchen als Neo-Dada, Farbenfeldmalerei, malerische Postabstraktion, Kunst von Op, Malerei des harten Randes, Minimale geformte Kunstleinwand-Malerei, Lyrische Abstraktion, Neo-Expressionismus und die Verlängerung des Abstrakten Expressionismus entwickelt. Weil eine Antwort auf die Tendenz zu Abstraktionsbildern durch verschiedene neue Bewegungen, namentlich Pop-Art erschienen ist.

Pop-Art

'Die Fahne' von Image:Jasper Johns, Encaustic, Öl und Collage auf Stoff sind auf dem Sperrholz, 1954-55.jpg|Jasper Johns 1954-55 Vorpop-Art gestiegen

Image:Roy Lichtenstein Whaam.jpg|Roy Lichtenstein, 1963 Pop-Art

Image:Campbells Suppendosen MOMA.jpg|Andy Warhol 1962, Pop-Art (Wiederholung)

Image:Hockney, Ein Größeres Spritzen jpg|David Hockney 1967, englische Pop-Art

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Der Begriff "Pop-Art" wurde von Lawrence Alloway in England 1958 gebraucht, um Bilder zu beschreiben, die Verbraucherschutzbewegung des Postzeitalters des Zweiten Weltkriegs gefeiert haben. Diese Bewegung hat abstrakten Expressionismus und seinen Fokus auf dem hermeneutic und psychologischen Interieur für die Kunst zurückgewiesen, die gezeichnet hat, und häufig materielle Verbraucherkultur, Werbung und Ikonographie des Massenproduktionsalters gefeiert hat. Die frühen Arbeiten von David Hockney und die Arbeiten von Richard Hamilton Peter Blake und Eduardo Paolozzi wurden als Samenbeispiele in der Bewegung betrachtet.

Die Pop-Art in Amerika wurde in großem Maße durch die Arbeiten von Jasper Johns, Larry Rivers und Robert Rauschenberg am Anfang begeistert. Obwohl die Bilder von Gerald Murphy, Stuart Davis und Charles Demuth während der 1920er Jahre und der 1930er Jahre den Tisch für die Pop-Art in Amerika decken. In New York City während der Mitte der 1950er Jahre haben Robert Rauschenberg und Jasper Johns Kunstwerke geschaffen, die zuerst geschienen sind, Verlängerungen der Abstrakten expressionistischen Malerei zu sein. Wirklich ihre Arbeiten und die Arbeit von Larry Rivers, waren radikale Abfahrten vom abstrakten Expressionismus besonders im Gebrauch von banalen und wörtlichen Bildern und der Einschließung und dem Kombinieren von weltlichen Materialien in ihre Arbeit. Die Neuerungen des spezifischen Gebrauches von Johns von verschiedenen Images und Gegenständen wie Stühle, Zahlen, Ziele, Bierdosen und die amerikanische Fahne; Bilder von Rivers von Themen, die von der populären Kultur wie George Washington gezogen sind, der sich Delaware, und seine Einschließungen von Images von Anzeigen wie das Kamel von Kamel-Zigaretten und die überraschenden Aufbauten von Rauschenberg mit Einschließungen von Gegenständen und Bildern trifft, die von der populären Kultur, dem Eisenwarenhandel, den Autofriedhöfen, den Stadtstraßen und der Taxidermie genommen sind, haben eine radikale neue Bewegung in der amerikanischen Kunst verursacht. Schließlich vor 1963 ist die Bewegung gekommen, um weltweit als Pop-Art bekannt zu sein.

Amerikanische Pop-Art wird von Künstlern veranschaulicht: Andy Warhol, Claes Oldenburg, Wayne Thiebaud, James Rosenquist, Jim Dine, Tom Wesselmann und Roy Lichtenstein unter anderen. Pop-Art verschmilzt populäre und Massenkultur mit der feinen Kunst, während sie Humor, Ironie, und erkennbare Bilder und Inhalt in die Mischung einspritzt. Im Oktober 1962 hat die Galerie Sidney Janis Die Neuen Realisten die erste Hauptpop-Art-Gruppenausstellung in einer Villenviertel-Kunstgalerie in New York City bestiegen. Sidney Janis hat die Ausstellung in einer Fassade der 57. Straße in der Nähe von seiner Galerie an 15 E bestiegen. Die 57. Straße. Die Show hat shockwaves durch die New Yorker Schule gesandt und hat weltweit zurückgestrahlt. Früher im Fall 1962 hat eine historisch wichtige und bahnbrechende Neue Malerei der Allgemeinen Gegenstand-Ausstellung der Pop-Art, curated durch Walter Hopps am Pasadena Kunstmuseum Stoß-Wellen über die Westlichen Vereinigten Staaten gesandt.

Während in der Innenstadt-Szene in New York Citys Ostdorf Galerie-Künstler der 10. Straße eine amerikanische Version der Pop-Art formulierten. Claes Oldenburg hatte seine Fassade, und die Galerie Green auf der 57. Straße hat begonnen, Tom Wesselmann und James Rosenquist zu zeigen. Späterer Leo Castelli hat andere amerikanische Künstler einschließlich des Hauptteils der Karrieren von Andy Warhol und Roy Lichtenstein und seinem Gebrauch von Punkten von Benday, eine in der kommerziellen Fortpflanzung verwendete Technik ausgestellt. Es gibt eine Verbindung zwischen den radikalen Arbeiten von Duchamp, und Man Ray, rebellischem Dadaists - mit einem Sinn für Humor; und lassen Sie Künstler wie Alex Katz knallen (wer bekannt für seine Parodie auf die Bildnis-Fotografie und das Vorstadtleben geworden ist), Claes Oldenburg, Andy Warhol, Roy Lichtenstein und andere.

Während im Laufe des 20. Jahrhunderts viele Maler fortgesetzt haben, Landschaft und bildliche Malerei mit zeitgenössischen Themen und fester Technik, wie Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Balthus, Francis Bacon, Nicolas de Staël, Andrew Wyeth, Lucian Freud, Frank Auerbach, Philip Pearlstein, der David Park, Nathan Oliveira, David Hockney, Malcolm Morley, Richard Estes, Ralph Goings, Audrey Flack, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, Vija Celmins und Richard Diebenkorn zu üben.

Bildlich, Landschaft, Stillleben und Realismus

File:Edward Fülltrichter der El Fülltrichter der Station jpg|Edward, der El Station (1908) Stadtbild

Image:Balthusnude.jpg|Balthus, 1951, bildlicher Expressionismus

Image:Milton Avery - 'Grünes Meer', Öl auf der Leinwand 1958, Universität des Kunstmuseums von Kentucky (Lexington, Kentucky).jpg|Milton Avery, 1958, Landschaft

Image:Study nach dem Bildnis von Velazquez des Papstes Unschuldiger X.jpg|Francis Speck 1953, britischer Expressionismus

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Während der 1930er Jahre durch den Auszug der 1960er Jahre, der in Amerika und Europa malt, hat sich zu Bewegungen wie abstrakter Expressionismus, Farbenfeldmalerei, malerische Postabstraktion, Kunst von Op, Malerei des harten Randes, Minimale geformte Kunstleinwand-Malerei und Lyrische Abstraktion entwickelt. Andere Künstler haben als eine Antwort auf die Tendenz zur Abstraktion reagiert, bildlichen Bildern erlaubend, durch verschiedene neue Zusammenhänge wie das Kastanienbraune Gebiet Bildliche Bewegung in den 1950er Jahren und neue Formen des Expressionismus von den 1940er Jahren bis zu den 1960er Jahren fortzusetzen. In Italien während dieser Zeit war Giorgio Morandi der erste Stillleben-Maler, ein großes Angebot an Annäherungen an das Zeichnen täglicher Flaschen und Küchenwerkzeuge erforschend. Im Laufe des 20. Jahrhunderts haben viele Maler Realismus geübt und haben ausdrucksvolle Bilder verwendet; das Üben der Landschaft und bildlichen Malerei mit zeitgenössischen Themen und fester Technik und einzigartigem expressivity wie Stillleben-Maler Giorgio Morandi, Milton Avery, John D. Graham, Fairfield Porter, Edward Hopper, Andrew Wyeth, Balthus, Francis Bacon, Leon Kossoff, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein, Willem de Kooning, Arshile Gorky, Grace Hartigan, Robert De Niro, Sr. Elaine de Kooning und andere. Zusammen mit Henri Matisse, Pablo Picasso, Pierre Bonnard, Georges Braque und anderen Mastern des 20. Jahrhunderts.

Die Studie nach dem Bildnis von Velázquez von Papst Innocent X, 1953 (sieh oben), ist eine Malerei von den Irländern geborener Künstler Francis Bacon und ist ein Beispiel des Zweiten Postweltkriegs europäischer Expressionismus. Die Arbeit zeigt eine verdrehte Version des Bildnisses von Innocent X gemalt vom spanischen Künstler Diego Velázquez 1650. Die Arbeit ist eine einer Reihe von Varianten der Malerei von Velázquez, die Bacon im Laufe der 1950er Jahre und Anfang der 1960er Jahre über insgesamt fünfundvierzig Arbeiten durchgeführt hat. Wenn gefragt, warum er dazu gezwungen wurde, das Thema so häufig wieder zu besuchen, hat Bacon geantwortet, dass er nichts gegen die Päpste hatte, dass er bloß "eine Entschuldigung gewollt hat, diese Farben zu verwenden, und Sie gewöhnliche Kleidung dass purpurrote Farbe nicht geben können, ohne in eine Art falsche fauve Weise zu kommen." Der Papst in dieser Version kocht mit der Wut und Aggression, und die dunklen Farben geben dem Image ein groteskes und grauenhaftes Äußeres. Die Plisseevorhänge der Kulisse werden durchsichtig gemacht, und scheinen, das Gesicht des Papstes zu misslingen.

Italienischer Maler Giorgio Morandi war das wichtige 20. Jahrhundert, der frühe Pionier des Minimalismus. Geboren in Bologna, Italien 1890, während seiner Karriere, hat sich Morandi fast exklusiv auf Stillleben und Landschaften abgesehen von einigen Selbstbildnissen konzentriert. Mit der großen Empfindlichkeit, um zu harmonieren, färben Sie sich, und Compositional-Gleichgewicht, er würde dieselben vertrauten Flaschen und Vasen immer wieder in für ihre Einfachheit der Ausführung bemerkenswerten Bildern zeichnen. Morandi hat 133 Ätzen, einen bedeutenden Körper der Arbeit in seinem eigenen Recht durchgeführt, und seine Zeichnungen und Wasserfarben nähern sich häufig Abstraktion in ihrer Wirtschaft der Mittel. Durch seine einfachen und wiederholenden Motive und wirtschaftlichen Gebrauch der Farbe, des Werts und der Oberfläche, ist Morandi ein vorherwissendes und wichtiges Vorzeichen des Minimalismus geworden. Er ist in Bologna 1964 gestorben.

Nach dem Zweiten Weltkrieg hat sich der Begriff Schule Paris häufig auf Tachisme bezogen, die europäische Entsprechung vom amerikanischen Abstrakten Expressionismus und jenen Künstlern ist auch mit der Kobra verbunden. Wichtige Befürworter, die Jean Dubuffet, Pierre Soulages, Nicholas de Staël, Hans Hartung, Serge Poliakoff und Georges Mathieu, unter mehreren andere sind. Während des Anfangs der 1950er Jahre Dubuffet (wer immer ein bildlicher Künstler war), und de Staël, aufgegebene Abstraktion, und ist zu Bildern über die Gestaltung und Landschaft zurückgekehrt. De Staël 's Arbeit wurde innerhalb der Nachkriegskunstwelt schnell erkannt, und er ist einer der einflussreichsten Künstler der 1950er Jahre geworden. Seine Rückkehr zur Darstellung (Seestücke, Footballspieler, Jazzmusiker, Seemöwen) während des Anfangs der 1950er Jahre kann als ein einflussreicher Präzedenzfall für das amerikanische Kastanienbraune Gebiet Bildliche Bewegung, als viele jener abstrakten Maler wie Richard Diebenkorn, der David Park, Elmer Bischoff, Wayne Thiebaud, Nathan Oliveira, Joan Brown gesehen werden, und andere haben eine ähnliche Bewegung gemacht; das Zurückbringen in Bilder während der Mitte der 1950er Jahre. Viel de Staël 's arbeitet spät - insbesondere sein dünn gemachtes und verdünntes Öl auf Leinwand-Auszug-Landschaften der Mitte der 1950er Jahre sagt Farbenfeldmalerei und Lyrische Abstraktion der 1960er Jahre und der 1970er Jahre voraus. Die kühne und höchst lebhafte Farbe von Nicolas de Staël in seinen letzten Bildern sagt die Richtung von viel zeitgenössischer Malerei voraus, die nach ihm einschließlich der Pop-Art der 1960er Jahre gekommen ist.

Kunst brut, Neuer Realismus, Kastanienbraunes Gebiet Bildliche Bewegung, neo-Dada, Photorealismus

Image:20070624 Dubuffet - Court les rues. JPG|Jean Dubuffet, 1962, Kunst Brut

Image:Cityscape I 360.jpg|Richard Diebenkorn 1963, Kastanienbraunes Gebiet Bildliche Bewegung

Image:Richard Estes.jpg|Richard Estes, 1968, Photorealismus

Image:Fairfield Malerei von Porter 'Unter den Ulmen', 1971 - 1972.jpg|Fairfield Porter 1971-1972, Ostküste Bildliche Malerei

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Während der 1950er Jahre und der 1960er Jahre weil hat sich die abstrakte Malerei in Amerika und Europa zu Bewegungen wie Farbenfeldmalerei, postmalerische Abstraktion, op Kunst, Malerei des harten Randes, minimale geformte Kunstleinwand-Malerei, Lyrische Abstraktion und die Verlängerung des Abstrakten Expressionismus entwickelt. Andere Künstler haben als eine Antwort auf die Tendenz zur Abstraktion mit der Kunst brut, fluxus, neo-Dada, dem Neuen Realismus reagiert, Bildern erlaubend, durch verschiedene neue Zusammenhänge wie Pop-Art, das Kastanienbraune Gebiet Bildliche Bewegung und später im Neo-Expressionismus der 1970er Jahre wiederzuerscheinen. Das Kastanienbraune Gebiet Bildliche Bewegung wen sind der David Park, Elmer Bischoff, Nathan Oliveira und Richard Diebenkorn dessen, Stadtbild 1, 1963 malend, ein typisches Beispiel (sieh oben) waren einflussreiche Mitglieder, die während der 1950er Jahre und der 1960er Jahre in Kalifornien gediehen sind. Obwohl überall in den Malern des 20. Jahrhunderts, die fortgesetzt sind, um Realismus und Gebrauch-Bilder zu üben, Landschaft und bildliche Malerei mit zeitgenössischen Themen und fester Technik und einzigartigem expressivity wie Milton Avery, Edward Hopper, Jean Dubuffet, Francis Bacon, Frank Auerbach, Lucian Freud, Philip Pearlstein und andere übend. Jüngere Maler haben den Gebrauch von Bildern auf neue und radikale Weisen geübt. Yves Klein, Kriegerischer Raysse, Niki de Saint Phalle, Wolf Vostell, David Hockney, Alex Katz, Malcolm Morley, Ralph Goings, Audrey Flack, Richard Estes, Chuck Close, Susan Rothenberg, Eric Fischl, John Baeder und Vija Celmins waren einige, die prominent zwischen 1960er Jahren und 1980er Jahren geworden sind. Fairfield Porter (sieh oben), wurde größtenteils selbstunterrichtet, und hat Vertretungsarbeit in der Mitte der Abstrakten expressionistischen Bewegung erzeugt. Seine Themen waren in erster Linie Landschaften, Inneninnere und Bildnisse der Familie, Freunde und Mitkünstler, viele von ihnen haben sich an die New Yorker Schule von Schriftstellern, einschließlich John Ashberys, Frank O'Haras und James Schuylers angeschlossen. Viele seiner Bilder wurden in oder um das Familiensommerhaus auf der Großen Adretten Hauptinsel, Maine gesetzt.

Auch während der 1960er Jahre und der 1970er Jahre gab es eine Reaktion gegen die Malerei. Kritiker wie Douglas Crimp haben die Arbeit von Künstlern wie Ad Reinhardt angesehen, und haben den 'Tod der Malerei' erklärt. Künstler haben begonnen, neue Weisen zu üben, Kunst zu machen. Neue Bewegungen haben Bekanntheit gewonnen, von denen einige sind: Postminimalismus, Erdkunst, Videokunst, Installationskunst, arte povera, Leistungskunst, Körperkunst, fluxus, Postkunst, der situationists und die Begriffskunst unter anderen.

Neo-Dada ist auch eine Bewegung, die 1n die 1950er Jahre und die 1960er Jahre angefangen hat und mit dem Abstrakten Expressionismus nur mit Bildern verbunden gewesen ist. Die Aufmachung des Erscheinens von vereinigten verfertigten Sachen, mit Künstler-Materialien, das Abrücken von der vorherigen Vereinbarung der Malerei. Diese Tendenz in der Kunst wird durch die Arbeit von Jasper Johns und Robert Rauschenberg veranschaulicht, dessen "Vereinigungen" in den 1950er Jahren Vorzeichen der Pop-Art- und Installationskunst waren, und vom Zusammenbau von großen physischen Gegenständen, einschließlich voll gestopfter Tiere, Vögel und kommerzieller Fotografie Gebrauch gemacht haben. Robert Rauschenberg, (sieh unbetitelte Vereinigung, 1963, oben), Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine und Edward Kienholz unter anderen waren wichtige Pioniere sowohl der Abstraktion als auch Pop-Art; das Schaffen neuer Vereinbarung des Kunstbildens; sie haben annehmbar in ernsten zeitgenössischen Kunstkreisen die radikale Einschließung von unwahrscheinlichen Materialien als Teile ihrer Kunstwerke gemacht.

Neue Abstraktion von den 1950er Jahren bis zu den 1980er Jahren

Image: Meschers EK 42 (8355).jpg|Ellsworth Kelly, 1951, Harter Rand, malend

Image:IKB 191.jpg|Yves Klein, 1962, Monochrome Malerei

Die Malerei von Image:Josef Albers 'Huldigung zum Quadrat', 1965.jpg|Josef Albers 1965, Geometrische Abstraktion

Image:TotRY.jpg|Richard Anuszkiewicz, 1985 Op Kunst

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Farbenfeld, das klar malt, hat zu einer neuen Richtung in der amerikanischen Malerei weg vom abstrakten Expressionismus hingewiesen. Farbenfeldmalerei ist mit postmalerischer Abstraktion, suprematism, abstraktem Expressionismus, Malerei des harten Randes und Lyrischer Abstraktion verbunden.

Mit dem Minimalismus farbiges Feld]]

Während des Auszugs der 1960er Jahre und 1970er Jahre Malerei, die fortlaufend ist, um sich in Amerika durch verschiedene Stile zu entwickeln. Geometrische Abstraktion, Kunst von Op, Malerei des harten Randes, Farbenfeldmalerei und minimale Malerei, war einige in Wechselbeziehung stehende Richtungen für die fortgeschrittene abstrakte Malerei sowie einige andere neue Bewegungen. Morris Louis war ein wichtiger Pionier in der fortgeschrittenen Farbenfeldmalerei, seine Arbeit kann als eine Brücke zwischen dem abstrakten Expressionismus, der Farbenfeldmalerei und der minimalen Kunst dienen. Zwei einflussreiche Lehrer Josef Albers und Hans Hofmann haben eine neue Generation von amerikanischen Künstlern zu ihren fortgeschrittenen Theorien der Farbe und des Raums vorgestellt. Josef Albers wird am besten für seine Arbeit als ein Geometrischer abstractionist Maler und Theoretiker nicht vergessen. Am berühmtesten von allen sind die Hunderte von Bildern und Drucken, die die Reihe-Huldigung zum Quadrat zusammensetzen, (sieh Galerie). In dieser strengen Reihe, begonnen 1949, hat Albers chromatische Wechselwirkungen mit der Wohnung gefärbt Quadrate eingeordnet konzentrisch auf der Leinwand erforscht. Die Theorien von Albers über die Kunst und Ausbildung waren für die folgende Generation von Künstlern formend. Seine eigenen Bilder bilden das Fundament sowohl der Malerei des harten Randes als auch Kunst von Op.

Josef Albers, Hans Hofmann, Ilya Bolotowsky, Burgoyne Diller, Victor Vasarely, Bridget Riley, Richard Anuszkiewicz, Frank Stella, Morris Louis, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Larry Poons, Ronald Davis, Larry Zox, mögen Al Held und einige andere Mino Argento, sind Künstler, die nah mit der Geometrischen Abstraktion, Op Kunst-, Farbenfeldmalerei, und im Fall vom Auszug-Expressionismus von Hofmann und Newman ebenso vereinigt sind.

1965 wurde eine Ausstellung genannt Das Antwortende Auge, curated durch William C. Seitz, am Museum der Modernen Kunst in New York City gehalten. Die gezeigten Arbeiten waren breite Anordnung, den Minimalismus von Frank Stella, die Kunst von Op von Larry Poons, die Arbeit von Alexander Liberman neben den Mastern der Op Kunstbewegung umfassend: Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Bridget Riley und andere. Die Ausstellung hat sich auf die perceptual Aspekte der Kunst konzentriert, die sowohl aus dem Trugbild der Bewegung als auch aus der Wechselwirkung von Farbenbeziehungen resultieren. Kunst von Op, auch bekannt als optische Kunst, werden verwendet, um einige Bilder und andere Kunstwerke zu beschreiben, die optische Täuschungen verwenden. Kunst von Op ist auch mit der geometrischen Abstraktion und Malerei des harten Randes nah verwandt. Obwohl manchmal der dafür gebrauchte Begriff perceptual Abstraktion ist.

Kunst von Op ist eine Methode, bezüglich der Wechselwirkung zwischen Trugbild und Bilderflugzeug, zwischen Verstehen und Sehen zu malen. Kunstarbeiten von Op sind mit vielen der besser bekannten Stücke abstrakt, die darin gemacht sind, nur schwarzem und weißem. Wenn der Zuschauer auf sie schaut, wird der Eindruck von Bewegung, verborgenen Images, Verwahrung und Vibrieren, Mustern, oder wechselweise, Schwellung oder des Verwerfens gegeben.

Farbenfeldmalerei hat sich bemüht, Kunst der überflüssigen Redekunst zu befreien. Künstler wie Clyfford und doch, Mark Rothko, Hans Hofmann, Morris Louis, Jules Olitski, Kenneth Noland, Helen Frankenthaler, John Hoyland, Larry Zox, und haben andere häufig außerordentlich reduzierte Verweisungen auf die Natur verwendet, und sie haben mit einem hoch artikulierten und psychologischen Gebrauch der Farbe gemalt. Im Allgemeinen haben diese Künstler erkennbare Bilder beseitigt. Bestimmte Künstler haben Verweisungen auf die vorige oder gegenwärtige Kunst, aber im allgemeinen Farbenfeld angesetzt, Geschenk-Abstraktion als ein Ende an sich malend. Im Verfolgen dieser Richtung der modernen Kunst haben Künstler jede Malerei als ein vereinigtes, zusammenhaltendes, monolithisches Image präsentieren wollen.

Frank Stella, Kenneth Noland, Ellsworth Kelly, Barnett Newman, Ronald Davis, Neil Williams, Robert Mangold, Charles Hinman, Richard Tuttle, David Novros und Al Loving sind Beispiele von Künstlern, die mit dem Gebrauch der geformten Leinwand während der Periode vereinigt sind, die am Anfang der 1960er Jahre beginnt. Viele Geometrische abstrakte Künstler, Minimalisten und Maler des Harten Randes haben sich dafür entschieden, die Ränder des Images zu verwenden, um die Gestalt der Malerei zu definieren, anstatt das rechteckige Format zu akzeptieren. Tatsächlich wird der Gebrauch der geformten Leinwand in erster Linie mit Bildern der 1960er Jahre und der 1970er Jahre vereinigt, die kühl abstrakt, formalistisch, geometrisch, objektiv, rationalistisch, sauber liniert, oder Minimalist im Charakter brüchig scharfkantig sind. Die Galerie Andre Emmerich, die Galerie Leo Castelli, die Galerie Richard Feigen und die Galerie Park Place waren wichtige Vitrinen für die Farbenfeldmalerei, gestaltete Leinwand-Malerei und Lyrische Abstraktion in New York City während der 1960er Jahre. Es gibt eine Verbindung mit der postmalerischen Abstraktion, die gegen die Mystik der abstrakten Expressionismen, Hypersubjektivität und Betonung auf dem Bilden der Tat der Malerei von sich drastisch sichtbar - sowie die ernste Annahme des flachen Rechtecks als eine fast rituale Vorbedingung für die ernste Malerei reagiert hat. Während der Farbenfeldmalerei der 1960er Jahre und Minimalen Kunst wurden häufig mit einander nah vereinigt. In der Aktualität bis zum Anfang der 1970er Jahre sind beide Bewegungen entschieden verschieden geworden.

Washingtoner Farbenschule, geformte Leinwand, abstrakter Illusionism, lyrische Abstraktion

Image:BlackGreyBeat.jpg|Gene Davis 1964, Washingtoner Farbenschule

'Harran II' von Image:Frank Stella, 1967.jpg|Frank Stella 1967, Geformte Leinwand

Image:P0055av_Ring.jpg|Ronald Davis 1968, Auszug Illusionism

Image:Forwilliamblake.jpg|Ronnie Landfield, 1968, Lyrische Abstraktion

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Eine andere zusammenhängende Bewegung des Endes der 1960er Jahre Lyrische Abstraktion ist ein europäischer Begriff, der von Larry Aldrich (der Gründer des Aldrichs Zeitgenössisches Kunstmuseum, Ridgefield Connecticut) 1969 geliehen wurde, um zu beschreiben, was Aldrich gesagt hat, dass er im Studio von vielen Künstlern damals gesehen hat. Es ist auch der Name einer Ausstellung, die im Museum von Aldrich entstanden ist und zum Museum von Whitney der amerikanischen Kunst und den anderen Museen überall in den Vereinigten Staaten zwischen 1969 und 1971 gereist ist.

Lyrische Abstraktion gegen Ende der 1960er Jahre wird durch die Bilder von Dan Christensen, Ronnie Landfield, Peter Young charakterisiert, und andere, und zusammen mit der fluxus Bewegung und dem Postminimalismus (ein Begriff, der zuerst von Robert Pincus-Witten in den Seiten von Artforum 1969 ins Leben gerufen ist), haben sich bemüht, die Grenzen der abstrakten Malerei und des Minimalismus auszubreiten, indem sie auf Prozess, neue Materialien und neue Wege des Ausdrucks konzentriert worden ist. Postminimalismus, der häufig Industriematerialien, Rohstoffe, Herstellungen vereinigt, hat Gegenstände gefunden, Installation, Serienwiederholung, und häufig mit Verweisungen auf Dada und Surrealism wird am besten in den Skulpturen von Eva Hesse veranschaulicht. Lyrische Abstraktion, Begriffskunst, Postminimalismus, Erdkunst, Video, Leistungskunst, Installationskunst, zusammen mit der Verlängerung von fluxus, abstraktem Expressionismus, Farbenfeldmalerei, Malerei des harten Randes, minimaler Kunst, op Kunst, Pop-Art, Photorealismus und Neuer Realismus haben die Grenzen der zeitgenössischen Kunst Mitte der 1960er Jahre im Laufe der 1970er Jahre erweitert. Lyrische Abstraktion ist ein Typ des Freilaufauszugs, das malend, ist Mitte der 1960er Jahre erschienen, als abstrakte Maler zu verschiedenen Formen von malerischen zurückgekehrt sind, bildliche, sich der Expressionismus mit einem Vorherrschen auf Prozess, gestalt und wiederholende compositional Strategien im Allgemeinen konzentriert.

Lyrische Abstraktion teilt Ähnlichkeiten mit der Farbenfeldmalerei und dem abstrakten Expressionismus, Lyrische Abstraktion, wie veranschaulicht, durch den Ronnie 1968-Landfield, der Für William Blake, (oben) besonders im Freilaufgebrauch von Farbe - Textur und Oberfläche malt. Direkte Zeichnung, kalligrafischer Gebrauch der Linie, die Effekten von gebürsteten, bespritzten, befleckten, squeegeed, ist geströmt und hat gespritzt Farbe ähneln oberflächlich den Effekten, die im abstrakten Expressionismus und der Farbenfeldmalerei gesehen sind. Jedoch sind die Stile deutlich verschieden. Das Setzen davon abgesondert vom abstrakten Expressionismus und Action-Painting der 1940er Jahre und der 1950er Jahre ist die Annäherung an die Zusammensetzung und das Drama. Wie gesehen, im Action-Painting gibt es eine Betonung auf Pinselstrichen, hohem compositional Drama, dynamischer compositional Spannung. Während in der Lyrischen Abstraktion es einen Sinn der compositional Zufälligkeit, überall in der Zusammensetzung, dem niedrigen Schlüssel und dem entspannten compositional Drama und einer Betonung auf dem Prozess, der Wiederholung, und überall im Feingefühl gibt.

Malerei des harten Randes, Minimalismus, Postminimalismus, monochrome Malerei

Image:Untitled, der durch Larry Poons, ca.1964.jpg|Larry Poons, ca malt. 1964, Harter Rand, malend

Image:Robert Acryl von Mangold und Bleistift 'X Innerhalb von X Orange', 1981.jpg|Robert Mangold 1981, Minimalismus

Image:'Red Leinwand' durch Richard Tuttle, 1967, die Galerie Corcoran von Kunstjpg|Richardtuttle, 1967, Postminimalismus

Image: Der Dylan, der Marden, 1966/1986, Monochrome Malerei Jpg|Brice malt

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Agnes Martin, Robert Mangold (sieh oben), Brice Marden, Jo Baer, Robert Ryman, Richard Tuttle, Neil Williams, David Novros, Paul Mogenson, ist Beispiele von Künstlern, die mit dem Minimalismus und (Ausnahmen von Martin, Baer und Marden) der Gebrauch der geformten Leinwand auch während der Periode vereinigt sind, die am Anfang der 1960er Jahre beginnt. Viele Geometrische abstrakte Künstler, Minimalisten und Maler des harten Randes haben sich dafür entschieden, die Ränder des Images zu verwenden, um die Gestalt der Malerei zu definieren, anstatt das rechteckige Format zu akzeptieren. Tatsächlich wird der Gebrauch der geformten Leinwand in erster Linie mit Bildern der 1960er Jahre und der 1970er Jahre vereinigt, die kühl abstrakt, formalistisch, geometrisch, objektiv, rationalistisch, sauber liniert, oder Minimalist im Charakter brüchig scharfkantig sind. Die Galerie Bykert und die Galerie Park Place waren wichtige Vitrinen für den Minimalismus und haben Leinwand gestaltet, die in New York City während der 1960er Jahre malt.

Während der 1960er Jahre und Künstler der 1970er Jahre wie Robert Motherwell haben Adolph Gottlieb, Phillip Guston, Lee Krasner, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Richard Diebenkorn, Josef Albers, Elmer Bischoff, Agnes Martin, Al Held, Sam Francis, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Helen Frankenthaler, Gene Davis, Frank Stella, Kenneth Noland, Joan Mitchell, Friedel Dzubas und jüngere Künstler wie Brice Marden, Robert Mangold, Sam Gilliam, John Hoyland, Sean Scully, Pat Steir, Elizabeth Murray, Larry Poons, Walter Darby Bannard, Larry Zox, Ronnie Landfield, Ronald Davis, Dan Christensen, Joan Snyder, Ross Bleckner, Archie Rand, Susan Crile und Dutzende von anderen ein großes Angebot an Bildern erzeugt.

Während der 1960er Jahre und der 1970er Jahre gab es eine Reaktion gegen die abstrakte Malerei. Einige Kritiker haben die Arbeit von Künstlern wie Ad Reinhardt angesehen, und haben den 'Tod der Malerei' erklärt. Künstler haben begonnen, neue Weisen zu üben, Kunst zu machen. Neue Bewegungen haben Bekanntheit gewonnen, von denen einige sind: Postminimalismus, Erdkunst, Videokunst, Installationskunst, arte povera, Leistungskunst, Körperkunst, fluxus, Ereignis, Postkunst, der situationists und die Begriffskunst unter anderen.

Jedoch noch haben andere wichtige Neuerungen in der abstrakten Malerei während der 1960er Jahre und der 1970er Jahre stattgefunden, die durch die monochrome Malerei und Malerei des harten Randes charakterisiert sind, die von Ad Reinhardt, Barnett Newman, Milton Resnick und Ellsworth Kelly begeistert ist. Künstler so verschieden wie Agnes Martin, Al Held, Larry Zox, Frank Stella, Larry Poons, haben Brice Marden und andere die Macht der Vereinfachung erforscht. Die Konvergenz von Farbenfeldmalerei, minimaler Kunst, Malerei des harten Randes, Lyrischer Abstraktion und Postminimalismus hat die Unterscheidung zwischen Bewegungen verschmiert, die mehr offenbar in den 1980er Jahren und 1990er Jahren geworden sind. Die Neo-Expressionismus-Bewegung ist mit früheren Entwicklungen im abstrakten Expressionismus, neo-Dada, Lyrischer Abstraktion und postminimaler Malerei verbunden.

Neo Expressionismus

Image:gustonphilip.jpg|Philip Guston 1972, pre-Neo-expressionism

Image:Rothhorse2.jpg|Susan Rothenberg 1979, Neo-Expressionismus

Image:Badboy.jpg|Eric Fischl 1981, Bildlicher Neo-Expressionismus

Image:Kiefer.jpg|Anselm Kiefer 1983, europäischer Neo-Expressionismus

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Gegen Ende der 1960er Jahre hat der abstrakte expressionistische Maler Philip Guston geholfen, einen Übergang vom abstrakten Expressionismus bis Neo-Expressionismus in der Malerei zu führen, die so genannte "reine Abstraktion" des abstrakten Expressionismus für mehr cartoonish Übergabe von verschiedenen persönlichen Symbolen und Gegenständen aufgebend. Diese Arbeiten waren zu einer neuen Generation von für ein Wiederaufleben von ausdrucksvollen Bildern interessierten Malern inspiriert. Seine malende Malerei, das Rauchen, 1973 Essend, der oben in der Galerie gesehen ist, sind ein Beispiel der endgültigen und abschließenden Rückkehr von Guston zur Darstellung.

Gegen Ende der 1970er Jahre und Anfang der 1980er Jahre gab es auch eine Rückkehr zur Malerei, die fast gleichzeitig in Italien, Deutschland, Frankreich und Großbritannien vorgekommen ist. Diese Bewegungen wurden Transavantguardia, Neue Wilde, Gestaltung Libre, Neo-Expressionismus, die Schule Londons, und gegen Ende der 80er Jahre Stuckists beziehungsweise genannt. Diese Malerei wurden durch Großformate, das freie ausdrucksvolle Zeichen-Bilden, die Gestaltung, das Mythos und die Einbildungskraft charakterisiert. Die ganze Arbeit in diesem Genre ist gekommen, um etikettierter Neo-Expressionismus zu sein. Kritische Reaktion wurde geteilt. Einige Kritiker haben es, wie gesteuert, durch Gewinnmotivationen durch große kommerzielle Galerien betrachtet. Dieser Typ der Kunst geht in der Beliebtheit ins 21. Jahrhundert, sogar nach dem Kunstunfall des Endes der 1980er Jahre weiter. Anselm Kiefer ist eine Leitfigur im europäischen Neo-Expressionismus vor den 1980er Jahren, (sieh dem Unbekannten Maler 1983, in der Galerie oben) die Themen von Kiefer, die von einem Fokus auf Deutschlands Rolle in der Zivilisation zum Schicksal der Kunst und Kultur im Allgemeinen breiter gemacht sind. Seine Arbeit ist mehr Skulptur-geworden und ist nicht nur mit nationaler Identität und gesammeltem Gedächtnis, sondern auch okkulter Symbolik, Theologie und Mystik verbunden. Das Thema der ganzen Arbeit ist das Trauma, das von kompletten Gesellschaften, und der dauernden Wiedergeburt und Erneuerung im Leben erfahren ist.

Während des Endes der 1970er Jahre in den USA-Malern, die begonnen haben, mit gestärkten Oberflächen zu arbeiten, und wer zu Bildern wie in der Beliebtheit gewonnene Susan Rothenberg, besonders wenn gesehen oben in Bildern wie Pferd 2, 1979 zurückgekehrt ist. Während der amerikanischen Künstler der 1980er Jahre wie Eric Fischl, (sieh Schlechten Jungen, 1981, oben), haben David Salle, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, und Keith Haring, und italienische Maler wie Mimmo Paladino, Sandro Chia, und Enzo Cucchi, unter anderen die Idee vom Neo-Expressionismus in Amerika definiert.

Neo-Expressionismus war ein Stil der modernen Malerei, die populär gegen Ende der 1970er Jahre geworden ist und den Kunstmarkt bis zur Mitte der 1980er Jahre beherrscht hat. Es hat sich in Europa als eine Reaktion gegen die begriffliche und minimalistic Kunst der 1960er Jahre und der 1970er Jahre entwickelt. Neo-Expressionisten sind zum Schildern erkennbarer Gegenstände, wie der menschliche Körper (obwohl manchmal auf eine eigentlich abstrakte Weise) auf eine raue und gewaltsam emotionale Weise zurückgekehrt, lebhafte Farben und banale Farbenharmonien zu verwenden. Die Veteranmaler Philip Guston, Frank Auerbach, Leon Kossoff, Gerhard Richter, A. R. Penck und Georg Baselitz, zusammen mit ein bisschen jüngeren Künstlern wie Anselm Kiefer, Eric Fischl, Susan Rothenberg, Francesco Clemente, Jean-Michel Basquiat, Julian Schnabel, Keith Haring, und sind viele andere bekannt geworden, um in dieser intensiven expressionistischen Ader der Malerei zu arbeiten.

Malerei hält noch eine respektierte Position in der zeitgenössischen Kunst. Kunst ist ein offenes Feld, das nicht mehr durch das Ziel gegen die nichtobjektive Zweiteilung geteilt ist. Künstler können kritischen Erfolg erreichen, ob ihre Images Vertretungs- oder abstrakt sind. Was Währung hat, ist zufrieden, die Grenzen des Mediums und eine Verweigerung erforschend, die Arbeiten der Vergangenheit als eine Endabsicht kurz zu wiederholen.

Zeitgenössische Malerei ins 21. Jahrhundert

Am Anfang des 21. Jahrhunderts gehen Zeitgenössische Malerei und Zeitgenössische Kunst im Allgemeinen in mehreren aneinander grenzenden Weisen weiter, die durch die Idee vom Pluralismus charakterisiert sind. Die "Krise" in der Malerei und aktuellen aktuellen und Kunstkunstkritik wird heute durch den Pluralismus verursacht. Es gibt keine Einigkeit, noch Bedürfnis, dort betreffs eines vertretenden Stils des Alters sein. Es gibt erlaubt ist, was gefällt Einstellung, die vorherrscht; "alles", und folglich "nichts weitergehend, auf" Syndrom gehend; das schafft einen ästhetischen Rückstau ohne feste und klare Richtung und mit jeder Gasse auf der künstlerischen zur Kapazität gefüllten Autobahn. Folglich großartige und wichtige Kunstwerke setzen fort, obgleich in einem großen Angebot an Stilen und ästhetischen Temperamenten, der Marktplatz gemacht zu werden, der wird verlässt, Verdienst zu beurteilen.

Malerei des harten Randes, geometrische Abstraktion, Aneignung, Hyperrealismus, Photorealismus, Expressionismus, Minimalismus, Lyrische Abstraktion, Pop-Art, op Kunst, abstrakter Expressionismus, Farbenfeldmalerei, monochrome Malerei, Neo-Expressionismus, Collage, Zwischenmediamalerei, Zusammenbau-Malerei, Digitalmalerei, postmoderne Malerei, neo-Dada Malerei, gestaltet Leinwand-Malerei, Umweltwandmalerei-Malerei, traditionelle Zahl-Malerei, Landschaft-Malerei, Bildnis-Malerei, sind einige ständige und aktuelle Richtungen in der Malerei am Anfang des 21. Jahrhunderts.

Die Malerei in den Amerikas

Während der Periode vorher und nach der europäischen Erforschung und Ansiedlung der Amerikas, einschließlich Nordamerikas, Mittelamerikas, Südamerikas und der Inseln der Karibik, der Antillen, der Kleineren Antillen und anderen Inselgruppen, haben einheimische heimische Kulturen kreative Arbeiten einschließlich Architektur, Töpferwaren, Keramik, des Webens, der Skulptur, der Malerei und der Wandmalereien sowie der anderen religiösen und utilitaristischen Gegenstände erzeugt. Jeder Kontinent der Amerikas hat Gesellschaften veranstaltet, die einzigartige und individuell entwickelte Kulturen waren; das hat Totems, Arbeiten der religiösen Symbolik und dekorative und ausdrucksvolle gemalte Arbeiten erzeugt. Afrikanischer Einfluss war in der Kunst des karibischen und Südamerikas besonders stark. Die Künste der Stammbevölkerung der Amerikas hatten einen enormen Einfluss und Einfluss auf die europäische Kunst und umgekehrt während und nach dem Alter der Erforschung. Spanien, Portugal, Frankreich, Die Niederlande und England waren alle starken und einflussreichen Kolonialmächte in den Amerikas während und nach dem 15. Jahrhundert. Vor dem 19. Jahrhundert hat kultureller Einfluss begonnen, beide Wege über den Atlantik zu überfluten

Mexiko und Mittelamerika

Image:Tetitla Teotihuacan Große Göttin-Wandmalerei (Abracapocus).jpg|Great Göttin-Wandmalerei von der Seite an Teotihuacán, Mexiko

Image:Tepantitla Bergstrom-Wandmalerei-Teotihuacan (Luis Tello).jpg|A ein Teil der wirklichen Wandmalerei von der Zusammensetzung von Tepantitla, die unter dem Großen Göttin-Bildnis, Mexiko erscheint

Die Image:Great Göttin von Teotihuacan (T Aleto).jpg|Mural von der Zusammensetzung von Tepantitla, die sich zeigt, was als ein Aspekt der Großen Göttin von Teotihuacan, von einer Fortpflanzung im Nationalen Museum der Anthropologie in Mexiko City identifiziert worden ist

Image:Jaguar Wandmalerei, Teotihuacan.jpg|Jaguar Wandmalerei von der Seite an Teotihuacán, Mexiko

Image:SBmural.jpg|A-Mayawandmalerei von Guatemala, Vorklassische Periode (1-250 n.Chr.)

Die Image:Jaguar Vase jpg|Painting auf dem Herrn des Jaguars bewirft Thron-Vase, eine Szene des Mayagerichtes, 700-800 n.Chr.

Image:Bonampak, Mayawandmalerei von Bonampak, Mexiko, 580-800 n.Chr. malend jpg|A.

Image:Bonampakmural3.jpg|A-Mayawandmalerei von Bonampak, 580-800 n.Chr.

Image:Dresden Kodex p09.jpg|Painting von einem Mayakodex

Image:Jaina-artiges Alkoholiker-Töpferwaren-Figürchen des Figürchens jpg|Painted eines Alkoholikers von der Begräbnis-Seite an der Insel Jaina, Mayakunst, 400-800 n.Chr.

Image:Palenque Entlastungsjpg|Paintederleichterung der Mayaseite Palenque, den Sohn von K'inich Ahkal Mo' Naab' III (678-730s zeigend? r. 722-729).

Image:Mayanvase.jpg|Painting auf einer Mayavase von der Späten Klassischen Periode (600-900), von Copán, Honduras

Image:Quetzalcoatl Ehecatl.jpg|An Azteke, der vom Kodex Borgia malt

Image:Codex Borbonicus, p11 trecena13. PNG|An Azteke, der vom Kodex Borbonicus malt

Image:Mexico. Tlax. Cacaxtla.01.jpg|Detail von der Kampfwandmalerei, c.600-700, Cacaxtla, Mexiko

Image:Aztec5figure9.jpg|A, der von Codex Mendoza malt, der älteren Azteken zeigt, die alkoholische Getränke, Mexiko, c.1553 geben werden

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Südamerika

Image:Orca_mitica_nasca.jpg|Killer Walfisch, gemalte Töpferwaren, Kultur von Nazca, 300 v. Chr. 800 n.Chr., Larco Museum. Lima, Peru

Image:Nazca-Töpferwaren - (01).png|Painted Töpferwaren von der Kultur von Nazca Perus, 300 v. Chr. 800 n.Chr.

Image:H Luna Frisorestaurado lou.jpg|A Wandmalerei von Moche eines decapitator von der Seite von Huaca de la Luna, Peru, 100-700 n.Chr.

Image:Huaca de la Luna - Août 2007.jpg|Moche Wandmalereien von der Seite von Huaca de la Luna, Peru, 100-700 n.Chr.

Image:Huari Töpferwaren 01.png|Painted Töpferwaren von der Kultur von Huari Perus, 500-1200 n.Chr.

Image:Brazilian-Indians.jpg|Body Malerei, Einheimische Völker in Brasilien, einem brasilianischen Indianerpaar, c.2000

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Nordamerika

Die Vereinigten Staaten

Die Galerie Image:GreatGalleryPanel.jpg|The Great, die Piktogramme, der Canyonlands Nationalpark, die Hufeisen-Felsschlucht, Utah, durch, c. 1500 BCE

Image:pictograph_jqjacobs.jpg|Pictograph, das südöstliche Utah, c. 1200 v. Chr. Pueblo Kultur

Image:Chaco Anasazi Kantine NPS.jpg|Painted Töpferwaren, Anasazi, Nordamerika: Eine Kantine (Topf) hat von den Ruinen in der Chaco Felsschlucht, New Mexico, c ausgegraben. 700 n.Chr. 1100 n.Chr.

Image:Mississippian keramischer Unterwasserpanther. JPG|Painted keramische bauchige Weinflasche, den Unterwasserpanther von der Kultur von Mississippian zeigend, die daran gefunden ist, hat sich Erdhügel in der Bösen Grafschaft, Arkansas, c Erhoben. 1400-1600.

Image:Dahlem Wolfsmaske Haida.jpg|A Haida Wolf-Maske, 1880.

Image:Ceramic Hopi Glas - durch - Nampeyo - Datum-ca. 1880 - von - DC1.jpg|A Hopi Glas durch Nampeyo (c.1860-1942), gemacht in Arizona, 1880.

Image:Zuni-Mädchen mit dem jar2.png|A Mädchen vom Stamm von Zuni New Mexicos mit einem gemalten Töpferwaren-Glas, das in c fotografiert ist. 1903.

Image:Navajo sandpainting.jpg|Edward S. Curtis, Navaho-Indianer sandpainting, Sepia-Fotogravüre c. 1907

Image:Zahadolzhá - Mann des Navaho-Indianers jpg|Navajo im feierlichen Kleid mit der Maske und Körperfarbe, c. 1904

Image:Blackhawk-spiritbeing.jpg|Ledger Kunst von Haokah (ca. 1880) durch den Schwarzen Falken (Lakota).

Image:Ledger-sm2.jpg|Kiowa Hauptbuch-Kunst, vielleicht des 1874-Sichwälzen-Kampfs von Büffel, Roten Flusskrieges.

File:Silver Horn, 1880 ohs.jpg|Detail des Hauptbuchs malend, das auf dem Musselin durch Silver Horn (1860-1940), ca malt. 1880, Oklahoma Geschichtszentrum

File:Carl sweezy 1904.jpg|Work auf Papier, durch den Maler von Arapaho, Carl Sweezy (1881-1953), die 1904

Image:UteHideArt3.jpg|An Uncompaghre Ute, Rasierter Biber Verbirgt Malerei. Der Nördliche Ute würde Biber fangen, Rasur-Images in die Tiere gestreckt und geheilt verbirgt sich, und verwenden Sie sie, um ihre persönlichen und feierlichen Wohnungen, c zu schmücken. Das 19. Jahrhundert.

Image:Tlingit Totem-Totem-Pol des Pols jpg|Tlingit in Ketchikan, Alaska, um 1901.

Image:Tlingit K'alyaan Totem Pole August 2005.jpg|The K'alyaan Totem-Pol des Tlingit Kiks.ádi Clans, der am Sitka National Historical Park aufgestellt ist, um der Leben zu gedenken, hat im 1804-Kampf von Sitka verloren.

Image:Ketchican Totem-Pol 2 Totem-Pol des Stummels jpg|A in Ketchikan, Alaska, im Stil von Tlingit.

Image:Yupik Maske Branly 70 1999 1 2.jpg|Fish Maske der Leute von Yupi'k, des gemalten Holzes, Yukon/Kuskokwim Gebiet Alaska, c. Anfang des 20. Jahrhunderts

Image:Totem Pol (js) 2.jpg|From der Saxman Totem Park, Ketchikan, Alaska

Image:Totem Pol (js) 3.jpg|From der Saxman Totem Park, Ketchikan, Alaska

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Kanada

Pol des Image:Totem Park 1.jpg|A Totem-Pol im Totem Park, Viktoria, das britische Columbia.

Pol des Image:Totem Park 2.jpg|From der Totem Park, das Viktoria, das britische Columbia.

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Karibisch

Image:Petroglyph an Caguana.jpg|Rock petroglyph overlayed mit der Kreide, Caguana Einheimisches Feierliches Zentrum. Utuado, Puerto Rico.

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Islamische Malerei

Image:Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî 007.jpg|Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî, der Irak, die 1237

Image:Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî 004.jpg|Yahyâ ibn Mahmûd al-Wâsitî, der Irak, die 1237

Image:Syrischer Maler um 1315 001.jpg|Syrischer Maler, 1315 Metropolitanmuseum der Kunst

Image:Iskandar (Alexander der Große) am Unterhaltungsbaum jpg|Ilkhanid Shahnameh, ca. 1330-1340, Smithsonian

Image:Kamal-ud-din Bihzad 001.jpg|Kamal-ud-din Bihzad (c. 1450 - c. 1535), Der Aufbau des Schlosses Khavarnaq () in al-Hira, c. 1494-1495 C.E. Britisches Museum

Image:Miraj_by_Sultan_Muhammad.jpg|Persian Miniaturmalerei, CE 1550

Image:Saki - Reza Abbasi - Moraqqa '-e Golestan Golshan 1609-Palast jpg|Reza Abbasi, 1609

Image:Meister des Razm-Nâma-Manuskripts 001.jpg|Razmnama, 1616, britisches Museum

Image:Twolovers.jpg|Two Geliebte durch Reza Abbasi, 1630

Image:Harun Al-Rashid und die Welt der Eintausendeiner Nachtjpg|Persianminiatur Harun al-Rashid in Eintausendeiner Nächten

Image:Georgian Prinz durch Reza Abbasi.jpg|Reza Abbasi (1565-1635), Prinz Muhammad-Beik aus Georgia, 1620

Image:Adam und Eve aus einer Kopie des Falnama.jpg|Adams und Eve, Safavid der Iran, von Falnama (Buch von Omen) c. 1550 n.Chr.

Image:Arabischer Maler um 1335 002.jpg|A-Malerei, die Abû Zayd, 1335 n.Chr. zeichnet.

Image:Irakischer Maler um 1210 001.jpg|A Szene aus dem Buch von Ahmad ibn al-Husayn ibn al-Ahnaf, zwei galoppierenden Reitern, 1210 n.Chr. zeigend.

Image:Irakischer Maler um 1280 001.jpg|The Engel Isrâfîl, der Irak, 1280 n.Chr.

Image:Irakischer Maler von 1287 002.jpg|The Büroangestellter, der Irak, 1287.

Image:Al-Bawwâb 001.jpg|An dekorativer Qur'an, durch al-Bawwâb, das 11. Jahrhundert n.Chr.

Image:Sarayi_Album_10a.jpg|Mehmet II, von den Sarai Alben Istanbuls, die Türkei, das 15. Jahrhundert n.Chr.

Image:Maiden Pelz-Kappe Louvre OA7128.jpg|Maiden in einer Pelz-Kappe, durch Muhammad 'Alî, Isfahan, der Iran, Mitte des 17. Jahrhunderts.

Image:Youth und Bittsteller jpg|Youth und Bittsteller, Mashhad, der Iran, 1556-1565 n.Chr.

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Das Bild von Menschen, Tieren oder irgendwelchem ein anderer bildliche Themen werden innerhalb des Islams verboten, Gläubiger am Götzenkult zu verhindern, also gibt es keine religiös motivierte Malerei (oder Skulptur) Tradition innerhalb der moslemischen Kultur. Bildliche Tätigkeit wurde auf den Arabesken, das hauptsächlich abstrakte, mit der geometrischen Konfiguration oder den pflanzenähnlichen und Blumenmustern reduziert. Stark verbunden mit der Architektur und Kalligrafie kann es, wie verwendet, für die Malerei von Ziegeln in Moscheen oder in Beleuchtungen um den Text des Korans und der anderen Bücher weit gesehen werden. Tatsächlich ist abstrakte Kunst nicht eine Erfindung der modernen Kunst, aber es ist in vorklassischen, barbarischen und nichtwestlichen Kulturen viele Jahrhunderte davor da und ist im Wesentlichen eine dekorative oder angewandte Kunst. Bemerkenswerter Illustrator M. C. Escher war unter Einfluss dessen geometrisch, und Muster hat Kunst gestützt. Jugendstil (Aubrey Beardsley und der Architekt Antonio Gaudí) hat abstrakte Blumenmuster in die Westkunst wiedereingeführt.

Bemerken Sie, dass trotz des Tabus der bildlichen Vergegenwärtigung einige moslemische Länder wirklich eine reiche Tradition in der Malerei, obwohl nicht in seinem eigenen Recht, aber als ein Begleiter zum schriftlichen Wort kultiviert haben. Iranische oder persische Kunst, die weit als persische Miniatur bekannt ist, konzentriert sich auf die Illustration von epischen oder romantischen Arbeiten der Literatur. Persische Illustratoren haben absichtlich den Gebrauch der Schattierung und Perspektive, obwohl vertraut, damit in ihrer vorislamischen Geschichte vermieden, um bei der Regel zu bleiben, jedes lebensechte Trugbild der echten Welt nicht zu schaffen. Ihr Ziel war, die Welt nicht zu zeichnen, wie es ist, aber Images einer idealen Welt der ewigen Schönheit und vollkommenen Ordnung zu schaffen.

In den heutigen Tagen, durch Kunststudenten oder Berufskünstler in arabischen und nichtarabischen moslemischen Ländern malend, folgen denselben Tendenzen der Westkulturkunst.

Der Iran

Östlicher Historiker Basil Gray glaubt, dass "der Iran einem besonders einzigartigen [sic] Kunst zur Welt angeboten hat, die in seiner Art ausgezeichnet ist". Drückt Irans Lorestan Provinz-Ausstellungsstück gemalte Bilder von Tieren und Jagd von Szenen ein. Einige wie diejenigen in Fars Province und Sialk sind mindestens 5,000 Jahre alt. Wie man denkt, hat die Malerei im Iran einen Höhepunkt während des Zeitalters von Tamerlane erreicht, als hervorragende Master wie Kamaleddin Behzad einen neuen Stil der Malerei zur Welt gebracht haben.

Bilder der Periode von Qajar, sind eine Kombination von europäischen Einflüssen und Miniaturschulen von Safavid, wie diejenigen zu malen, die von Reza Abbasi und klassischen Arbeiten von Mihr 'Ali eingeführt sind. Master wie Kamal-ol-molk, weiter gestoßen vorwärts der europäische Einfluss im Iran. Es war während des Zeitalters von Qajar, als "Kaffeehaus-Malerei" erschienen ist. Themen dieses Stils waren häufig in Natur-Zeichnen-Szenen von schiitischen Epen und ähnlich religiös.

Image:Babur-drunken.jpg|Farrukh Bitten (ca. 1545 - ca. 1615), Ein Betrunkener Babur Umsatz, um nachts, Lahore, Pakistan, 1589 Zu zelten

File:Fath_Ali_Shah (Saad_Abad).jpg|Mihr 'Ali (fl. 1795-1830), Fat'h Ali Shah Qajar (1813-14)

File:Предсказатель будущего. 1892. Музей Садабад, Тегеран.jpg|Kamal-ol-molk (1847-1940), Prophet der Zukunft, 1892, Museum von Sadabad, Teheran

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Pakistan

Image:LAgha_Star.jpg|Lubna Agha, Stern - eine Malerei, die von den Handwerkern Marokkos begeistert ist

Image:Anarkali.jpg|AR Chughtai, Anarkali

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Ozeanien

Australien

Neuseeland

Afrika

Image:Himba_lady_preparing_deodorant.jpg|Himba Frau mit dem traditionellen roten Ocker-Pigment bedeckt. Traditionelle Körperfarbe, die für die Erde und für das Blut symbolisch ist, und auch für den Schutz vor der Sonne getragen ist.

Image:Kikuyu_woman_traditional_dress.jpg|A Kĩkũyũ Frau im traditionellen Kleid. Feierlich]] stehen gegenüber zu malen.

Image:Young Krieger jpg|Young von Maasai Maasai Warrior, mit dem Kopfputz und der Gesichtsmalerei.

Image:Dogon Circumsion Höhle-Malerei jpg|Dogon, Beschneidungshöhle, mit Bildern Mali c. zeitgenössischer

File:Lilanga-Work021-1998.jpg|George Lilanga (1934-2005), im Stil von Tingatinga 1998 malend. Lilanga war ein tansanischer Künstler des Stamms von Makonde, und er hat in Dar es Salaam gelebt.

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Afrikanische traditionelle Kultur und Stämme scheinen nicht, großes Interesse an zweidimensionalen Darstellungen zu Gunsten von der Skulptur und Erleichterung zu haben. Jedoch ist die dekorative Malerei in der afrikanischen Kultur häufig abstrakt und geometrisch. Eine andere bildliche Manifestation ist Körpermalerei und Gesichtsmalerei-Gegenwart zum Beispiel in Maasai und Kĩkũyũ Kultur in ihren Zeremonie-Ritualen. Wie man finden kann, ist die feierliche Höhlenmalerei in bestimmten Dörfern noch im Gebrauch. Bemerken Sie, dass Pablo Picasso und andere moderne Künstler unter Einfluss der afrikanischen Skulptur und Masken in ihren verschiedenen Stilen waren.

Zeitgenössische afrikanische Künstler folgen Westkunstbewegungen, und ihre Bilder haben wenig Unterschied zu abendländischen Kunstarbeiten.

Einfluss auf die Westkunst

Am Anfang des 20. Jahrhunderts sind sich Künstler wie Picasso, Matisse, Vincent van Gogh, Paul Gauguin und Modigliani dessen bewusst geworden, und wurden durch, afrikanische Kunst begeistert. In einer Situation, wo sich der feststehende avant garde gegen die auferlegten Einschränkungen durch die Portion der Welt des Anscheins spannte, hat afrikanische Kunst die Macht höchst gut organisierter Formen demonstriert; erzeugt nicht nur durch die Reaktion auf die Fakultät des Anblicks, sondern auch und häufig in erster Linie, die Fakultät der Einbildungskraft, des Gefühls und der mystischen und religiösen Erfahrung. Diese Künstler haben in der afrikanischen Kunst eine formelle Vollkommenheit und mit der phänomenalen ausdrucksvollen Macht vereinigte Kultiviertheit gesehen.

Siehe auch

• Kunstperioden
• Hierarchie von Genres
• Liste von Malern
• Leben der ausgezeichnetesten Maler, Bildhauer und Architekten
• Selbst Bildnis

Weiterführende Literatur

• Clement Greenberg, Kunst und Kultur, Bakenpresse, 1961
• Lyrische Abstraktion, Ausstellungskatalog, Museum von Whitney der amerikanischen Kunst, NYC, 1971.
• O'Connor, Seelachs-Ausstellungskatalog von Francis V. Jackson, (New York, Museum der Modernen Kunst, [1967]) OCLC 165852
• Bilder von Nichts: Abstrakte Kunst seit dem Seelachs (Vorträge von A.W. Mellon in den Schönen Künsten), Kirk Varnedoe, 2003
• Der Triumph des Modernismus: Die Kunstwelt, 1985-2005, Hilton Kramer, 2006, internationale Standardbuchnummer 0 1-56663-708
• David Piper, Die Illustrierte Bibliothek der Kunst, des Portland Hauses, New York, 1986, internationale Standardbuchnummer 0-517-62336-6

Links

• Geschichte der Kunst: Vom paläolithischen Alter bis zeitgenössische Kunst
• Geschichte, zu malen
• Kandinsky
• Metropolitanmuseum der Kunstzeitachse der Kunstgeschichte
• Altes römisches Wandgemälde