Edward Hopper (am 22. Juli 1882 - am 15. Mai 1967) war ein prominenter amerikanischer Realist-Maler und printmaker. Während er für seine Ölgemälde am populärsten bekannt war, war er als ein Aquarellmaler und printmaker im Ätzen ebenso tüchtig. Sowohl in seinen städtischen als auch ländlichen Szenen haben sein Ersatzteil und fein berechnete Übergabe seine persönliche Vision des modernen amerikanischen Lebens widerspiegelt.

Lebensbeschreibung

Frühes Leben

Hopper ist in oberem Nyack, New York, einem Jacht bauenden Zentrum auf dem Fluss von Hudson nördlich von New York City geboren gewesen. Er war eines von zwei Kindern einer bequem reichen Mittelstandsfamilie. Seine Eltern, der größtenteils holländischen Herkunft, waren Garret Henry Hopper, ein Textilien-Großhändler, und seine Frau Elizabeth Griffiths Smith. Obwohl nicht so erfolgreich wie seine Vorfahren, Garrett gut für seine zwei Kinder mit der beträchtlichen Hilfe vom Erbe seiner Frau zur Verfügung gestellt hat. Er hat sich mit neunundvierzig zurückgezogen. Edward und seine einzige Schwester Marion haben sowohl private als auch öffentliche Schulen besucht. Sie wurden in einem strengen Baptisten nach Hause erhoben. Sein Vater hatte eine milde Natur, und der Haushalt wurde von Frauen beherrscht: Die Mutter von Hopper, Großmutter, Schwester und Dienstmädchen. Sein Geburtsort und Knabenalter wurden nach Hause auf dem Nationalen Register von Historischen Plätzen 2000 verzeichnet. Heute ist das Haus das Hauskunstzentrum von Edward Hopper. Es dient als eine gemeinnützige Gemeinschaft kulturellen Zentrum-Aufmachungsausstellungen, Werkstätten, Vorträgen, Leistungen und speziellen Ereignissen.

Fülltrichter war ein guter Student in der Grundschule und hat Talent in der Zeichnung mit fünf gezeigt. Er hat sogleich die intellektuellen Tendenzen seines Vaters und Liebe der französischen und russischen Kultur absorbiert. Er hat auch das künstlerisches Erbe seiner Mutter demonstriert. Die Eltern des Fülltrichters haben seine Kunst gefördert und haben ihn reichlich versorgt mit Materialien, Unterrichtszeitschriften gehalten, und haben Bücher illustriert. Durch sein Teenageralter arbeitete er in Kugelschreiber-Und-Tinte, Holzkohle, Aquarellmalerei und Öl — von der Natur ziehend sowie politische Cartoons machend. 1895 hat er sein erstes unterzeichnetes Ölgemälde, Ruderboot in der Felsigen Kleinen Bucht geschaffen. Es hat sein frühes Interesse in Seefahrtsthemen gezeigt.

In seinen frühen Selbstbildnissen hat Hopper dazu geneigt, sich als dünn, ungraziös, und gemütlich zu vertreten. Obwohl ein hoher und ruhiger Teenager, sein prankish Sinn für Humor Ausgang in seiner Kunst manchmal in Bildern von Einwanderern oder Frauen gefunden hat, die Männer in komischen Situationen beherrschen. Später im Leben hat er größtenteils Frauen als Zahlen in seinen Bildern gezeichnet. In der Höheren Schule hat er davon geträumt, ein Marinearchitekt zu sein, aber nach der Graduierung hat er seine Absicht erklärt, einer Kunstkarriere zu folgen. Die Eltern von Hopper haben darauf bestanden, dass er Werbegrafik studiert, um ein zuverlässiges Mittel des Einkommens zu haben. Im Entwickeln seines Selbstimages und individualistischer Einstellung zum Leben war Hopper unter Einfluss der Schriften von Ralph Waldo Emerson. Er hat später gesagt, "Ich bewundere ihn außerordentlich …, habe ich ihn immer wieder gelesen."

Hopper hat Kunststudien mit einem Fernkurs 1899 begonnen. Bald, jedoch, hat er zum New Yorker Institut für die Kunst und das Design übergewechselt. Dort hat er seit sechs Jahren mit Lehrern einschließlich William Merritt Chases studiert, der ihn im Ölgemälde informiert hat. Bald hat Hopper seinen Stil nach Chase und französischen Mastern Édouard Manet und Edgar Degas modelliert. Von lebenden Modellen eine Skizze zu machen, hat eine Herausforderung und einen Stoß für den konservativ erzogenen Hopper bewiesen.

Ein anderer seiner Lehrer, Künstlers Robert Henri, hat Lebensklasse unterrichtet. Henri hat seine Studenten dazu ermuntert, ihre Kunst zu verwenden, um ein Rühren in der Welt "zu machen". Er hat auch seinen Studenten empfohlen, "Es ist nicht das Thema, das zählt, aber was Sie darüber fühlen" und "Über die Kunst und Farbe-Bilder dessen vergessen, was Sie für das Leben interessiert." Auf diese Weise hat Henri Hopper, sowie bemerkenswerte zukünftige Künstler George Bellows und Rockwell Kent beeinflusst. Er hat sie dazu ermuntert, einen modernen Geist in ihrer Arbeit zu erfüllen. Einige Künstler im Kreis von Henri, einschließlich John Sloans, sind Mitglieder "Der Acht", auch bekannt als die Mülleimer-Schule der amerikanischen Kunst geworden. Das erste vorhandene Ölgemälde von Hopper, um von seinem berühmten Innere anzudeuten, war Einsame Abbildung in einem Theater (c.1904). Während seiner Studentenjahre hat er auch Dutzende von nudes, Stillleben, Landschaften und Bildnissen einschließlich seiner Selbstbildnisse gemalt.

1905 ist Hopper einen Halbtagsjob mit einer Werbeagentur gelandet, wo er wirklich Designs für Fachzeitschriften bedeckt hat. Viel wie berühmter Illustrator N. C. Wyeth ist Hopper gekommen, um Illustration zu verabscheuen. Er wurde dazu durch die Wirtschaftsnotwendigkeit bis zur Mitte der 1920er Jahre gebunden. Er provisorisch entkommen durch das Bilden von drei Reisen nach Europa, jeder in den Mittelpunkt gestellt auf Paris, um scheinbar die erscheinende Kunstszene dort zu studieren. Tatsächlich, jedoch, hat er allein studiert und ist größtenteils ungekünstelt durch die neuen Ströme in der Kunst geschienen. Später hat er gesagt, dass er sich "nicht erinnert hat, von Picasso überhaupt gehört." Er war von Rembrandt hoch beeindruckt, besonders seine Nachtbewachung, die er gesagt hat, war "das wunderbarste Ding von seinem habe ich gesehen; es ist voriger Glaube an seine Wirklichkeit."

Hopper hat begonnen, städtische und architektonische Szenen in einer dunklen Palette zu malen. Dann hat er sich zur leichteren Palette der Impressionisten vor dem Zurückbringen in die dunklere Palette bewegt, mit der er bequem war. Hopper hat später gesagt, "Ich bin darüber hinweggekommen und spätere in Paris gemachte Sachen mehr die Art von Sachen waren, die ich jetzt mache." Hopper hat viele seiner Zeitzeichnungsstraßen- und Café-Szenen und das Gehen zum Theater und der Oper ausgegeben. Verschieden von vielen seiner Zeitgenossen, die die abstrakten kubistischen Experimente imitiert haben, wurde Hopper von der Realist-Kunst angezogen. Später hat er keine europäischen Einflüsse außer dem französischen Graveur Charles Méryon zugegeben, dessen launische Pariser Szenen Hopper imitiert hat.

Jahre des Kampfs

Nach dem Zurückbringen von seiner letzten europäischen Reise hat Hopper ein Studio in New York City vermietet, wo er sich angestrengt hat, seinen eigenen Stil zu definieren. Ungern ist er zur Illustration zurückgekehrt. Ein freier Mitarbeiter seiend, wurde Hopper gezwungen, um Projekte zu beantragen, und musste an den Türen der Zeitschrift und Agenturbüros klopfen, um Geschäft zu finden. Seine Malerei hat ermattet: "Es ist für mich hart zu entscheiden, was ich malen will. Ich gehe seit Monaten, ohne es manchmal zu finden. Es kommt langsam." Sein Mitillustrator Walter Tittle hat den niedergedrückten emotionalen Staat von Hopper in schärferen Begriffen beschrieben, seinen Freund sehend, "… von langen Zeiträumen der unüberwindlichen Trägheit leidend, seit den Tagen auf einmal vor seiner Staffelei in der hilflosen Bekümmertheit, unfähig sitzend, eine Hand zu erheben, um die Periode zu brechen." 1912 ist Hopper zu Gloucester, Massachusetts gereist, um eine Inspiration zu suchen, und hat seine ersten Außenbilder in Amerika getan. Er hat Squam Licht, das erste von vielen Leuchtturm-Bildern gemalt, um zu kommen.

1913, auf der berühmten Waffenkunde-Show, hat Hopper seine erste Malerei verkauft, (1911) Segelnd, den er über ein früheres Selbstbildnis gemalt hat. Hopper war einunddreißig, und obwohl er gehofft hat, dass sein erster Verkauf zu anderen in der kurzen Ordnung führen würde, würde seine Karriere seit noch vielen kommenden Jahren nicht Feuer fangen. Kurz nach dem Tod seines Vaters, den dasselbe Jahr Hopper zur Wohnung von Washington Square in der Abteilung des Greenwich Village New York Citys bewegt hat, wo er für den Rest seines Lebens leben würde.

Im nächsten Jahr hat er eine Kommission empfangen, um einige Filmposter und Griff-Werbung für eine Filmgesellschaft zu machen. Obwohl er die Illustrationsarbeit nicht gemocht hat, war Hopper ein lebenslänglicher Anhänger des Kinos und des Theaters, von denen beide Themen für seine Bilder geworden sind. Jede Form hat seine compositional Methoden beeinflusst.

An einer Sackgasse über seine Ölgemälde 1915 hat sich Hopper dem Ätzen zugewandt, ungefähr 70 Arbeiten, viele städtische Szenen sowohl Paris als auch New Yorks erzeugend. Er hat auch einige Poster für die Kriegsanstrengung erzeugt, sowie mit gelegentlichen kommerziellen Projekten weitergehend. Als er gekonnt hat, hat Hopper einige Außenwasserfarben auf Besuchen nach Neuengland, besonders an den Kunstkolonien an Ogunquit, Maine und die Insel Monhegan getan. Sein Ätzen 1920 hat begonnen, öffentliche Anerkennung zu bekommen, und hat einige seiner späteren Themen, als in der Nacht auf dem El Train (Paare im Schweigen), Abendwind (einsame Frau), und Das Kleine Segelboot (einfache Seefahrtsszene) ausgedrückt. Zwei bemerkenswerte Ölgemälde dieser Zeit waren New Yorker Interieur (1921) und New Yorker Restaurant (1922). Er hat auch zwei seiner vieler "Fenster"-Bilder gemalt, um zu kommen: Mädchen am Nähmaschine- und Mondlicht-Interieur, diese Show eine Zahl (gekleidet oder nackt) nahe oder ein Fenster einer Wohnung oder angesehen von außen das Aussehen darin starrend.

Obwohl diese Jahre vereitelten, sind sie völlig ohne Anerkennung nicht vorbeigegangen. 1918 wurde Fülltrichter dem amerikanischen Schiffsvorstandspreis für sein Kriegsposter zuerkannt, "Zerschlagen Sie der Hunne," und er im Stande gewesen ist, bei drei Gelegenheiten auszustellen: 1917 mit der Gesellschaft von Unabhängigen Künstlern, im Januar 1920 (eine Einzelausstellung am Studio-Klub von Whitney, der der Vorgänger zum Museum von Whitney war), und 1922 (wieder mit dem Studio-Klub von Whitney). 1923 hat Fülltrichter zwei Preise für sein Ätzen erhalten: der Logan Preis von der Chikagoer Gesellschaft von Etchers und der Preis von W.A. Bryan.

Durchbruch und reife Karriere

Vor 1923 hat der langsame Aufstieg des Fülltrichters schließlich einen Durchbruch erzeugt. Er ist auf seine zukünftige Frau Josephine Nivison, einen Künstler und ehemaligen Studenten von Robert Henri, während einer Sommermalerei-Reise in Gloucester, Massachusetts wiedergestoßen. Sie waren Gegenteile: Sie war kurz, offen, gesellig, gesellig, und liberal, während er hoch, heimlich, schüchtern, ruhig, introspektiv, und konservativ war. Sie haben sich ein Jahr später verheiratet. Sie hat sich berühmt geäußert, "Manchmal die Unterhaltung zu Eddie ist gerade wie das Fallen eines Steins in a so, außer dass es nicht schlägt, wenn es Boden schlägt." Sie hat ihre Karriere sein untergeordnet und hat seine zurückgezogene Lebensweise geteilt. Der Rest ihrer Leben hat um ihre ohne Fahrstuhl Ersatzwohnung in der Stadt und ihre Sommer in Südlichem Truro auf dem Kap-Kabeljau gekreist. Sie hat seine Karriere und seine Interviews geführt, war sein primäres Modell, und war sein Lebensbegleiter.

Mit der Hilfe von Nivison wurden sechs der Gloucester Wasserfarben von Hopper auf ein Ausstellungsstück am Brooklyn Museum 1923 zugelassen. Einer von ihnen, Dem Mansarde-Dach, wurde vom Museum für seine dauerhafte Sammlung für die Summe von 100 $ gekauft. Die Kritiker haben allgemein über seine Arbeit irreredet; ein, hat "Was Lebenskraft, Kraft und Offenheit festgesetzt! Beobachten Sie, was mit dem Homeliest-Thema getan werden kann." Hopper hat alle seine Wasserfarben auf einer Einzelshow im nächsten Jahr verkauft und hat sich schließlich dafür entschieden, Illustration hinter ihm zu stellen.

Der Künstler hatte seine Fähigkeit unter Beweis gestellt, seine Anziehungskraft der Pariser Architektur zur amerikanischen städtischen und ländlichen Architektur zu übertragen. Gemäß dem Bostoner Museum des Museumsdirektoren der Schönen Künste Carol Troyen, "Hat Fülltrichter wirklich die Weise gemocht, wie diese Häuser, mit ihren Türmchen und Türmen und Vorhallen und Mansarde-Dächern und Verzierung wunderbare Schatten werfen. Er hat immer gesagt, dass sein Lieblingsding Sonnenlicht auf der Seite eines Hauses malte."

An einundvierzig hat Hopper weitere Anerkennung für seine Arbeit erhalten. Er hat fortgesetzt, Bitterkeit über seine Karriere zu beherbergen, später Anschein und Preise umkehrend. Seine Finanzstabilität hat jetzt gesichert, Hopper würde ein einfaches, stabiles Leben leben und fortsetzen, Kunst in seinem kennzeichnenden Stil seit noch vier Jahrzehnten zu schaffen.

Seine Zwei auf dem Gang (1927) verkauft für einen Persönlichen registrieren 1,500 $, Hopper ermöglichend, ein Automobil zu kaufen, das er gepflegt hat, Exkursionen zu entfernten Gebieten Neuenglands zu machen. 1929 hat er Schlag Suey und Gleise-Sonnenuntergang erzeugt. Im nächsten Jahr hat Kunstschutzherr Stephen Clark Haus durch die Gleise (1925) zum Museum der Modernen Kunst, das erste Ölgemälde geschenkt, das es für seine Sammlung erworben hat. Hopper hat sein letztes Selbstbildnis in Öl 1930 gemalt. Obwohl sie für viele seiner Bilder posiert hat, hat Josephine für nur ein Ölbildnis, Jo Painting (1936) modelliert.

Hopper hat sich besser befunden als viele andere Künstler während der Weltwirtschaftskrise. Seine Statur hat einen scharfen Anstieg 1931 wenn Hauptmuseen, einschließlich des Museums von Whitney der amerikanischen Kunst und des Metropolitanmuseums von bezahlten Kunsttausenden von Dollars für seine Arbeiten genommen. Er hat 30 Bilder in diesem Jahr einschließlich 13 Wasserfarben verkauft. Im nächsten Jahr hat er am ersten Whitney Annual teilgenommen, und er hat fortgesetzt, in jedem Jahrbuch am Museum für den Rest seines Lebens auszustellen. 1933 hat das Museum der Modernen Kunst Hopper seine erste groß angelegte Retrospektive gegeben. Die Fülltrichter haben ihr Sommerhaus in Südlichem Truro 1934 gebaut.

Fülltrichter war im Laufe der 1930er Jahre und Anfang der 1940er Jahre sehr produktiv, unter vielen wichtigen Arbeiten New Yorker Film (1939), Mädchen-Show (1941), Nighthawks (1942), das Hotel Lobby (1943), und Morgen in einer Stadt (1944) erzeugend. Während des Endes der 1940er Jahre, jedoch, hat er eine Periode der Verhältnisuntätigkeit ertragen. Er hat zugegeben, "Ich bedauere, dass ich mehr nicht malen konnte. Ich werde krank des Lesens und Gehens zum Kino." In den zwei Jahrzehnten, um zu kommen, ist seine Gesundheit geschwankt, und er hatte mehrere Vorsteherdrüse-Chirurgien und andere medizinische Probleme. Dennoch, in den 1950er Jahren und Anfang der 1960er Jahre, hat er noch mehrere Hauptarbeiten, einschließlich des Orchesters der 1. Reihe (1951) geschaffen; sowie Morgensonne und Hotel durch eine Gleise, beide 1952; und Pause (1963).

Tod

Hopper ist in seinem Studio in der Nähe von Washington Square in New York City am 15. Mai 1967 gestorben. Seine Frau, die 10 Monate später gestorben ist, hat ihre gemeinsame Sammlung von mehr als dreitausend Arbeiten zum Museum von Whitney der amerikanischen Kunst hinterlassen. Andere bedeutende Bilder von Hopper werden vom Museum der Modernen Kunst in New York, Dem Des Moines Art Center und dem Kunstinstitut für Chicago gehalten.

Die Kunst des Fülltrichters

Persönlichkeit und Vision

Immer widerwillig, sich und seine Kunst zu besprechen, hat Hopper einfach seine Kunst summiert, indem er festgesetzt hat, "Die ganze Antwort ist dort auf der Leinwand." Hopper war stoisch und — ein ruhiger introvertierter Mann mit einem sanften Sinn für Humor und einer offenherzigen Weise fatalistisch. Konservativer in der Politik und den sozialen Sachen, er hat Dinge akzeptiert, wie sie waren und einen Mangel am Idealismus gezeigt haben. Kultiviert und hoch entwickelt war er, und viele seiner Bild-Show-Zahlen belesen, die lesen. Er war allgemein gute Gesellschaft, und nicht beunruhigt dadurch, bringt obwohl manchmal schweigsam, mürrisch oder distanziert zum Schweigen. Er war immer gegenüber seiner Kunst und der Kunst von anderen, und wenn gefragt, ernst würde offenherzige Meinungen zurückgeben.

Die systematischste Behauptung des Fülltrichters seiner Philosophie als ein Künstler wurde in einem handschriftlichen Zeichen, betitelter "Behauptung", vorgelegt 1953 der Zeitschrift, Wirklichkeit gegeben:

Obwohl Hopper behauptet hat, dass er psychologische Bedeutung in seinen Bildern nicht bewusst eingebettet hat, hat er sich tief für Freud und die Macht der unterbewussten Meinung interessiert. Er hat 1939 geschrieben, "So viel von jeder Kunst ist ein Ausdruck des unterbewussten, dass es mir am allermeisten scheint, werden die wichtigen Qualitäten dort unbewusst gestellt, und wenig durch das bewusste Intellekt wichtig."

Methoden

Obwohl er für seine Ölgemälde am besten bekannt ist, hat Hopper am Anfang Anerkennung für seine Aquarellfarben erreicht, und er hat auch etwas gewerblich erfolgreiches Ätzen erzeugt. Zusätzlich enthalten seine Notizbücher Qualitätskugelschreiber und Bleistift-Skizzen, die nie für die öffentliche Betrachtung gemeint geworden sind.

Hopper hat besondere Aufmerksamkeit dem geometrischen Design und dem sorgfältigen Stellen von menschlichen Zahlen im richtigen Gleichgewicht mit ihrer Umgebung geschenkt. Er war ein langsamer und methodischer Künstler; wie er geschrieben hat, "Nimmt es für eine Idee viel Zeit in Anspruch zu schlagen. Dann muss ich daran seit langem denken. Ich fange nicht an zu malen, bis ich all das in meiner Meinung ausarbeiten ließ. Ich bin ganz richtig, wenn ich zur Staffelei komme". Er hat häufig Vorbereitungsskizzen gemacht, um seine sorgfältig berechneten Zusammensetzungen auszuarbeiten. Er und seine Frau haben ein ausführliches Hauptbuch ihrer Arbeiten behalten, die solche Sachen wie "trauriges Gesicht der unangezündeten Frau", "elektrisches Licht von der Decke", und "Schenkel-Kühler" bemerken.

Für den New Yorker Film (1939) demonstriert Hopper seine gründliche Vorbereitung mit mehr als 53 Skizzen des Theaterinterieurs und der Zahl der nachdenklichen Platzanweiserin.

Der wirksame Gebrauch des Lichtes und Schattens, um Stimmung zu schaffen, ist auch zu den Methoden von Hopper zentral. Helles Sonnenlicht (als ein Emblem der Scharfsinnigkeit oder Enthüllung), und die Schatten, die es wirft, spielt auch symbolisch starke Rollen in Bildern von Hopper solcher als Anfang Sonntagsmorgens (1930), Sommerzeit (1943), Sieben vormittags (1948), und Sonne in einem Leeren Zimmer (1963). Sein Gebrauch von leichten und Schatteneffekten ist im Vergleich zur Kinematographie des Films noir gewesen.

Obwohl ein Realist-Maler, "der weiche" Realismus von Hopper Gestalten und Details vereinfacht hat. Er hat gesättigte Farbe verwendet, um Unähnlichkeit zu erhöhen und Stimmung zu schaffen.

Themen und Themen

Hopper hat seinen Gegenstand von zwei primären Quellen abgeleitet: ein, die gemeinsamen Merkmale des amerikanischen Lebens (Tankstellen, Motels, Restaurants, Theater, Gleisen und Straßenszenen) und seine Einwohner; und zwei, Seestücke und ländliche Landschaften. Bezüglich seines Stils hat Hopper sich als "ein Amalgam von vielen Rassen" und nicht einem Mitglied jeder Schule, besonders der "Mülleimer-Schule" definiert. Sobald Hopper seinen reifen Stil erreicht hat, ist seine Kunst konsequent und geschlossen trotz der zahlreichen Kunsttendenzen geblieben, die gekommen sind und während seiner langen Karriere gegangen sind.

Die Seestücke des Fülltrichters fallen in drei Hauptgruppen: reine Landschaften von Felsen, Meer und Strandgras; Leuchttürme und Bauernhöfe; und Segelboote. Manchmal hat er diese Elemente verbunden. Die meisten dieser Bilder zeichnen starkes leichtes und Schönwetter; er hat wenig Interesse im Schnee oder den Regenszenen, oder in Saisonfarbwechseln gezeigt. Er hat die Mehrheit der reinen Seestücke in der Periode zwischen 1916 und 1919 auf der Insel Monhegan gemalt. Fülltrichter Das Lange Bein (1935) ist ein fast vollblaues segelndes Bild mit dem einfachsten von Elementen, während sein Boden-Schwellen (1939) komplizierter ist und eine Gruppe von Kleinem für ein Segel, ein Thema zeichnet, das an das ikonische Wehen von Winslow Homer (1876) erinnernd ist.

Städtische Architektur und Stadtbilder waren auch Hauptthemen für Hopper. Er wurde mit der amerikanischen städtischen Szene fasziniert, "unsere heimische Architektur mit seiner abscheulichen Schönheit, seinen fantastischen Dächern, pseudogotischer, französischer Mansarde, Kolonial, Mischung oder was nicht, mit augenversengenden feinen oder Farbenharmonien von welker Farbe, einander entlang endlosen Straßen schulternd, die sich in Sümpfe verringern oder Haufen abladen."

1925 hat er Haus durch die Gleise erzeugt. Diese klassische Arbeit zeichnet ein isoliertes viktorianisches Holzherrenhaus, das teilweise durch den erhobenen Deich einer Gleise verdunkelt ist. Es hat die künstlerische Reife von Hopper gekennzeichnet. Kritiker Lloyd Goodrich hat die Arbeit als "eines der schärfsten und verwüstenden Stücke des Realismus gelobt." Die Arbeit ist von einer Reihe von steifen ländlichen und städtischen Szenen erst, die scharfe Linien und große Gestalten verwendet, die auf durch die ungewöhnliche Beleuchtung gespielt sind, um die einsame Stimmung seiner Themen zu gewinnen. Obwohl Kritiker und Zuschauer Bedeutung und Stimmung in diesen Stadtbildern interpretieren, hat Hopper darauf bestanden, dass "Ich mich mehr für das Sonnenlicht auf den Gebäuden und auf den Zahlen interessiert habe als jede Symbolik." Als ob man den Punkt beweist, ist seine späte Malerei Sonne in einem Leeren Zimmer (1963) eine reine Studie des Sonnenlichtes.

Die meisten Zahl-Bilder von Hopper konzentrieren sich auf die feine Wechselwirkung von Menschen mit ihrer Umgebung — ausgeführt mit Solozahlen, Paaren oder Gruppen. Seine primären emotionalen Themen sind Einsamkeit, Einsamkeit, Reue, Langeweile und Verzicht. Er drückt die Gefühle in verschiedenen Umgebungen, einschließlich des Büros, in öffentlichen Plätzen, in Wohnungen, auf der Straße, oder auf dem Urlaub aus. Als ob er stills für einen Film oder Gemälde in einem Spiel schuf, hat Hopper seine Charaktere eingestellt, als ob sie kurz zuvor oder gerade nach dem Höhepunkt einer Szene gewonnen wurden.

Die einsamen Zahlen von Hopper sind größtenteils Frauen — angekleidet, halbgekleidet, und nackt — häufig das Lesen oder Hinausschauen ein Fenster, oder im Arbeitsplatz. Am Anfang der 1920er Jahre hat Hopper sein erstes derartiges Bildermädchen an der Nähmaschine (1921), New Yorker Interieur (eine andere Frau gemalt, die näht) (1921) und Mondlicht-Interieur (ein nacktes Kommen in Bett) (1923). Jedoch ist Automat (1927) und Hotelzimmer (1931) seinen reifen Stil mehr vertretend, die Einsamkeit mehr offen betonend.

Weil Fülltrichter-Gelehrter Gail Levin über "das Hotelzimmer" geschrieben hat:

Das Zimmer von Hopper in New York (1932) und Kap-Kabeljau-Abend (1939) ist Hauptbeispiele seiner "Paar"-Bilder. Im ersten scheint ein junges Paar entfremdet und verschlossen — er, die Zeitung lesend, während sie durch das Klavier leer läuft. Der Zuschauer übernimmt die Rolle eines Voyeurs, als ob mit einem Fernrohr durch das Fenster der Wohnung schauend, um dem Mangel des Paares an der Intimität zu spionieren. In der letzten Malerei, einem älteren Paar mit wenig, um einander zu sagen, spielen mit ihrem Hund, dessen eigene Aufmerksamkeit von seinen Mastern weggezogen wird. Hopper bringt das Paar-Thema in ein ehrgeizigeres Niveau mit dem Ausflug in die Philosophie (1959). Ein Mann mittleren Alters sitzt niedergeschlagen am Rand eines Betts. Neben ihm legt ein offenes Buch und eine teilweise gekleidete Frau. Eine Welle des Lichtes illuminiert den Fußboden vor ihm. Jo Hopper hat in ihrem Logbuch bemerkt, "[T] er öffnet Buch, ist Plato, nochmals gelesen zu spät".

Levin interpretiert die Malerei:

Im Amt bei der Nacht (1940), eine andere "Paar"-Malerei, schafft Hopper ein psychologisches Rätsel. Die Malerei zeigt einem Mann, der sich auf seine Arbeitspapiere konzentriert, während in der Nähe sein attraktiver weiblicher Sekretär eine Datei zieht. Mehrere Studien für die Malerei zeigen, wie Hopper mit der Positionierung der zwei Zahlen experimentiert hat, um vielleicht die Erotik und die Spannung zu erhöhen. Hopper bietet dem Zuschauer die Möglichkeiten, dass der Mann an der Bitte der Frau entweder aufrichtig gleichgültig ist, oder dass er hart arbeitet, um sie zu ignorieren. Ein anderer interessanter Aspekt der Malerei ist, wie Hopper drei leichte Quellen, von einer Schreibtisch-Lampe, durch ein Fenster und indirektes Licht von oben anstellt. Hopper hat fortgesetzt, mehrere "Büro"-Bilder, aber niemanden mit einer Sinnesunterströmung zu machen.

Das am besten bekannte von den Bildern von Hopper, Nighthawks (1942), ist eines seiner Bilder von Gruppen. Es zeigt Kunden, die am Schalter eines Nachttischgasts sitzen. Die Gestalten und Diagonalen werden sorgfältig gebaut. Der Gesichtspunkt ist — vom Gehsteig filmisch, als ob sich der Zuschauer dem Restaurant näherte. Das harte elektrische Licht des Tischgasts setzt es abgesondert von der dunklen Nacht draußen, die Stimmung und das feine Gefühl erhöhend. Als in vielen Bildern von Hopper ist die Wechselwirkung minimal. Das Restaurant hat gezeichnet wurde von einem in Greenwich Village begeistert. Sowohl Hopper als auch seine Frau haben für die Zahlen posiert, und Jo Hopper hat der Malerei seinen Titel gegeben. Die Inspiration für das Bild kann aus der Novelle von Ernest Hemingway Die Mörder gekommen sein, die Hopper außerordentlich, oder vom mehr philosophischen Ein Sauberer, Gut angezündeter Platz bewundert hat. In Übereinstimmung mit dem Titel seiner Malerei hat Hopper später gesagt, "Nighthawks" hat mehr, um mit der Möglichkeit von Raubfischen in der Nacht zu tun, als mit der Einsamkeit.

Seine zweite erkennbarste Malerei nach Nighthawks ist eine andere städtische Malerei, Anfang Sonntagsmorgens (hat ursprünglich Geschäfte der 7. Avenue genannt), der eine leere Straßenszene im scharfen Seitenlicht, mit einem Hydranten und einem Friseur-Pol als Stellvertreter für menschliche Zahlen zeigt. Ursprünglich hat Hopper vorgehabt, Zahlen in nach oben Fenster zu bringen, aber hat sie leer verlassen, um das Gefühl der Verwüstung zu erhöhen.

Die ländlichen Szenen von Neuengland von Hopper, wie Benzin (1940), sind nicht weniger bedeutungsvoll. "Benzin" vertritt "einen verschiedenen, reinigen Sie ebenso, gut angezündeter Unterschlupf.... ke [pt] offen für diejenigen im Bedürfnis, weil sie die Nacht befahren, ihre eigenen Meilen reisend, um zu gehen, bevor sie schlafen." Die Arbeit präsentiert eine Fusion von mehreren Themen von Hopper: die einsame Zahl, die Melancholie des Halbdunkels und die einsame Straße.

Fülltrichter nähert sich Surrealismus mit Zimmern durch das Meer (1951), wo eine offene Tür auf dem Ozean, ohne eine offenbare Leiter oder Schritte gibt.

Nach seinen Studentenjahren waren die nudes von Hopper die ganze Frau. Verschieden von vorigen Künstlern, die die Frau gemalt haben, die nackt ist, um die weibliche Form zu verherrlichen und weibliche Erotik hervorzuheben, sind die nudes von Hopper einsame Frauen, die psychologisch ausgestellt werden. Eine kühne Ausnahme ist Mädchen-Show (1941), wo eine rothaarige Striptease-Königin Schritte überzeugt über eine Bühne unter Begleitung der Musiker in der Grube. Mädchen-Show wurde durch den Besuch von Hopper in einer possenhaften Show ein paar Tage früher begeistert. Die Frau von Hopper hat wie gewöhnlich für ihn für die Malerei posiert, und hat in ihrem Tagebuch bemerkt, "Hrsg., die eine neue Leinwand beginnt — eine possenhafte Königin, die einen Streifen tut, macht — und ich Spaß, ohne einen Stich auf vor dem Ofen — - nichts als posierend, tanzen hohe Fersen in einer Lotterie Pose."

Die Bildnisse und Selbstbildnisse des Fülltrichters waren relativ wenige nach seinen Studentenjahren. Fülltrichter hat wirklich ein beauftragtes "Bildnis" eines Hauses, Der MacArthurs Haus-(1939) erzeugt, wo er treu über die viktorianische Architektur des Hauses der Schauspielerin Helen Hayes ausführlich berichtet. Sie hat später berichtet, "Ich glaube, dass ich nie eine menschenfeindlichere, mürrische Person in meinem Leben getroffen habe." Fülltrichter hat überall im Projekt geschimpft und hat nie wieder eine Kommission akzeptiert. Fülltrichter auch gemaltes Bildnis Orleans (1950), ein "Bildnis" der Kap-Kabeljau-Stadt von seiner Hauptstraße.

Obwohl sehr interessiert, für den amerikanischen Bürgerkrieg und die Schlachtfeld-Fotographien von Mathew Brady hat Hopper nur zwei historische Bilder gemacht. Beide gezeichneten Soldaten auf ihrem Weg zu Gettysburg. Auch selten unter seinen Themen sind Bilder, Handlung zeigend. Das beste Beispiel eines Action-Paintings ist Saumpfad (1939), aber der Kampf von Hopper mit der richtigen Anatomie der Pferde kann ihn von ähnlichen Versuchen entmutigt haben.

Das Endölgemälde von Hopper, Zwei Komiker (1966), gemalt ein Jahr vor seinem Tod, konzentriert sich auf seine Liebe des Theaters. Zwei französische Pantomime-Schauspieler, ein Mann und eine Frau, beide, die in hellweiße Kostüme angekleidet sind, nehmen ihren Bogen vor einer dunkel gemachten Bühne. Jo Hopper hat bestätigt, dass ihr Mann die Zahlen beabsichtigt hat, um ihre Einnahme der letzten Bögen ihres Lebens zusammen als Mann und Frau anzudeuten.

Die Bilder von Hopper sind häufig durch andere gesehen worden als, einen Bericht oder thematischen Inhalt zu haben, den der Künstler selbst nicht beabsichtigt haben kann. Viel Bedeutung kann zu einer Malerei von seinem Titel hinzugefügt werden, aber die Titel der Bilder von Hopper wurden manchmal durch andere gewählt, oder wurden von Hopper und seiner Frau in einem Weg ausgewählt, der sie unklar macht, ob sie eine echte Verbindung mit der Bedeutung des Künstlers haben. Zum Beispiel hat Hopper einmal einem Interviewer gesagt, dass er des Anfangs des Sonntagsmorgens "zärtlich war..., aber es war nicht notwendigerweise am Sonntag. Dieses Wort wurde auf später von jemandem anderem geheftet."

Die Tendenz, thematisch oder Bericht-Inhalt in die Bilder von Hopper zu lesen, die Hopper selbst nicht beabsichtigt hatte, hat sich sogar bis zu seine Frau ausgestreckt. Als sich Jo Hopper über die Zahl am Kap-Kabeljau-Morgen äußerte, "ist Es eine Frau, die herausschaut, um zu sehen, ob sich das Wetter, das gut genug ist, um sie auszuhängen, wäscht," erwiderte Hopper, "Sagte ich das? Sie machen es Norman Rockwell. Aus meinem Gesichtspunkt sucht sie gerade das Fenster." Ein anderes Beispiel desselben Phänomenes wird in einem 1948-Artikel rechtzeitig registriert:

Platz in der amerikanischen Kunst

In der Fokussierung in erster Linie auf ruhige Momente, sehr selten Handlung zeigend, hat Hopper eine Form des von einem anderen führenden amerikanischen Realisten Andrew Wyeth angenommenen Realismus verwendet, aber die Technik von Hopper war vom hyperausführlichen Stil von Wyeth völlig verschieden. Im Bunde mit einigen seiner Zeitgenossen hat Hopper sein städtisches Feingefühl mit John Sloan und George Bellows geteilt, aber hat ihre offene Handlung und Gewalt vermieden. Wo Joseph Stella und Georgia O'Keeffe die kolossalen Strukturen der Stadt verherrlicht haben, hat Hopper sie auf täglichen geometrics reduziert, und er hat den Puls der Stadt als verwüstet und gefährlich aber nicht "elegant oder verführerisch" gezeichnet.

Charles Burchfield, den Hopper bewundert hat, und im Vergleich zu wem er war, hat von Hopper gesagt, "er erreicht solch eine ganze Wahrheit, dass Sie in seine Interpretationen von Häusern und Vorstellungen des New Yorker Lebens irgendwelche menschlichen Implikationen lesen können, die Sie wünschen." Er hat auch den Erfolg von Hopper seinem "kühnen Individualismus … In ihm zugeschrieben wir haben diese kräftige amerikanische Unabhängigkeit wiedergewonnen, die Thomas Eakins uns gegeben hat, aber die einige Zeit verloren wurde." Hopper hat das als ein hohes Kompliment betrachtet, seitdem er Eakins als den größten amerikanischen Maler betrachtet hat.

Gelehrter von Hopper Deborah Lyons schreibt, "Unsere eigenen Momente der Enthüllung werden häufig widergespiegelt, in seiner Arbeit transzendent. Einmal gesehen bestehen die Interpretationen von Hopper in unserem Bewusstsein im Tandem mit unserer eigenen Erfahrung. Wir sehen für immer einen bestimmten Typ des Hauses als ein Haus von Hopper, investiert vielleicht mit einem Mysterium dass Hopper implanted in unserer eigenen Vision." Die Bilder von Hopper heben die anscheinend weltlichen und typischen Szenen in unserem täglichen Leben hervor und geben ihnen Grund zu Dreikönigsfest. Auf diese Weise nimmt die Kunst von Hopper die kiesige amerikanische Landschaft und einsamen Tankstellen und schafft innerhalb ihrer einen Sinn des schönen Vorgefühls.

Obwohl im Vergleich zu seinem zeitgenössischen Norman Rockwell in Bezug auf den Gegenstand Hopper den Vergleich nicht gemocht hat. Hopper hat sich als feiner, weniger veranschaulichend, und sicher nicht sentimental betrachtet. Hopper hat auch Vergleiche mit der Bewilligung Wood und Thomas Hart Benton zurückgewiesen, der feststellt, dass "Ich denke, dass die amerikanischen Bühnenmaler Amerika karikiert haben. Ich habe immer mich tun wollen."

Einfluss

Der Einfluss von Hopper auf die Kunstwelt und Knall-Kultur ist unleugbar. Obwohl er keine formellen Studenten hatte, haben viele Künstler ihn als ein Einfluss, einschließlich Willem de Koonings, Jim Dines und Mark Rothkos zitiert. Eine Illustration des Einflusses von Hopper ist die frühe Arbeitskomposition I von Rothko (c. 1931`), der eine direkte Paraphrase des Schlags von Hopper Suey ist.

Die filmischen Zusammensetzungen von Hopper und dramatischer Gebrauch von leichten und dunklen haben ihn einen Liebling unter Filmemachern gemacht. Zum Beispiel, wie man berichtet, hat das Haus durch die Gleise das ikonische Haus im Film von Alfred Hitchcock Psycho schwer beeinflusst. Dieselbe Malerei ist auch zitiert worden als, ein Einfluss auf das Haus im Film von Terrence Malick Tage des Himmels zu sein. Der deutsche Direktor Wim Wenders zitiert auch Einfluss von Hopper. Sein 1997 lässt sich verfilmen Das Ende der Gewalt vereinigt einen Tableau vivant von Nighthawks, der von Schauspielern erfrischt ist. Der bekannte surrealistische Horrorfilm-Direktor Dario Argento ist gegangen, so weit man den Tischgast und die Schutzherren in Nighthawks als ein Teil eines Satzes für seinen 1976-Film Tiefrot (auch bekannt als Profondo Rosso) erfrischt. Ridley Scott hat dieselbe Malerei wie eine Sehinspiration für den Klinge-Läufer zitiert. Um die Beleuchtung von Szenen im 2002-Film Straße zum Untergang zu gründen, hat Direktor Sam Mendes von den Bildern von Hopper als eine Quelle der Inspiration, besonders New Yorker Film gezogen.

Huldigungen zu Nighthawks, der Cartoon-Charaktere oder berühmte Knall-Kulturikonen wie James Dean und Marilyn Monroe zeigt, werden häufig in Poster-Läden und Geschenkgeschäften gefunden. Das Kabelfernsehkanaldreher-Kino des Klassikers führt manchmal belebte Büroklammern, die auf Bildern von Hopper vor der Lüftung seiner Filme gestützt sind. Die Malerei von Hopper New Yorker Film wurde in der Wie Ich Toten TV-Show gezeigt; das Mädchen-Stehen an der Ecke ähnelt Daisy Adair. In einer 1998-Episode Der Show der 70er Jahre betitelt "Laufwerk Darin," Rot und Kitty lassen sich in an einem Tischgast nieder und schaffen eine Fortpflanzung von Nighthawks.

Musikeinflüsse schließen 1975 des Sängers/Songschreibers Tom Waits ein, der ins Studio-Album lebend ist, betitelt Nighthawks am Tischgast, nach der Malerei. 1993 wurde Madonna genug vor 1941 von Hopper begeistert, Mädchen-Show malend, dass sie ihre Welttour danach genannt hat und viele der Theaterelemente und Stimmung der Malerei in die Show vereinigt hat. 2004 hat britischer Gitarrenspieler John Squire (früher Der Steinrosés) ein auf dem Haus der betitelten Marschall der Arbeit von Hopper gestütztes Konzeptalbum veröffentlicht. Jedes Lied auf dem Album wird dadurch begeistert, und teilt seinen Titel mit, eine Malerei von Hopper. Kanadische Rockgruppe hat Der Weakerthans ihre Album-Wiedervereinigungstour veröffentlicht, 2007 zwei Lieder zeigend, die dadurch begeistert sind, und hat nach Bildern von Hopper genannt, "Haben Sonne in einem Leeren Zimmer", und "Nachtwindows", und in ihm auch in Liedern wie "Krankenhaus-Abendgottesdienst" Verweise angebracht. Polnischer Komponist Paweł Abteilung von Szymański 2, Auto 7 für Geige, Viola, Cello und Vibrafon (2003) wurde durch die Abteilung von Hopper C, Auto 193 begeistert. Die Malerei von Hopper Anfang Sonntagsmorgens war die Inspiration für den Ärmel des britischen Bandes Orchestermanöver im 1985-Album-Druck der Dunkelheit.

Jedes der zwölf Kapitel im Neuseeländer-2004-Roman von Chris Bell Liquidambar (UKA Press/PABD) interpretiert eines der Bilder von Hopper, um einen surrealen Kriminalroman zu schaffen.

Der Einfluss des Fülltrichters hat die japanische Zeichentrickfilm-Welt im dunklen Cyberpunk-Thriller Texhnolyze erreicht. Seine Gestaltungsarbeit wurde als die Basis für die Oberflächenwelt in Texhnolyze verwendet, sowie für viel von 2008 hat Film Bolzen belebt.

Ausstellungen

1980 zeigen die groundbreaking Edward Hopper: Die Kunst und der Künstler haben sich am Museum von Whitney der amerikanischen Kunst geöffnet und haben London, Düsseldorf, und Amsterdam, sowie San Francisco und Chicago besucht. Zum ersten Mal jemals hat diese Show die Ölgemälde von Hopper zusammen mit Vorbereitungsstudien für jene Arbeiten präsentiert. Das war der Anfang der Beliebtheit von Hopper in Europa und seines großen Weltrufs.

2004 hat eine große Auswahl an den Bildern von Hopper Europa bereist, Museum Ludwig in Köln, Deutschland und der Tate Modern in London besuchend. Die Tate-Ausstellung ist das zweite populärste in der Geschichte der Galerie mit 420,000 Besuchern in den drei Monaten geworden es war offen.

2007 wurde eine Ausstellung, die auf die Periode der größten Ergebnisse von Hopper — ungefähr von 1925 zur Mitte des Jahrhunderts eingestellt ist — und am Museum von Schönen Künsten, Boston präsentiert. Das Ausstellungsstück hat fünfzig Ölgemälde, dreißig Wasserfarben und zwölf Drucke, einschließlich der Lieblinge Nighthawks, Schlag Suey, und Leuchtturm und Gebäude umfasst. Die Ausstellung wurde vom Museum von Schönen Künsten, Boston, der Nationalgalerie der Kunst, Washington und des Kunstinstituts für Chicago organisiert und vom globalen Managementberatungsunternehmen Booz Allen Hamilton gesponsert.

2010 hat das Museum von Fondation de l'Hermitage in Lausanne, die Schweiz, eine Ausstellung gehalten, die die komplette Karriere von Hopper, mit Arbeiten gezogen größtenteils vom Museum von Whitney in New York City bedeckt hat. Es hat Bilder, Wasserfarben, Ätzen, Cartoons, Poster, sowie einige der Vorbereitungsstudien für ausgewählte Bilder eingeschlossen. Die Ausstellung war vorher in Mailand und Rom gesehen worden.

2011 hat Das Museum von Whitney der amerikanischen Kunst in New York City eine Ausstellung genannt Edward Hopper und Seine Zeiten gehalten.

Ausgewählte Arbeiten

Hauptarbeiten von Edward Hopper:

Siehe auch

• Logan Medaille der Künste
• Precisionism

Bibliografie

• Koch, Greg, "Visionen der Isolierung: Edward Hopper am MFA", Boston der Phönix, am 4. Mai 2007, p. 22, Künste und Unterhaltung.
• Goodrich, Lloyd. Edward Hopper, (New York:H. N. Abrams, 1971)
• Haskell, Barbara. Modernes Leben: Edward Hopper und Seine Zeit, (Hamburg: Bucerius Kunst Forum, 2009)
• Healy, Richtig. "Schauen Sie auf alle einsamen Leute: 'Der Fülltrichter' von MFA feiert Einsamkeit", U-Bahn-Zeitung, Dienstag, der 8. Mai 2007, p. 18.
• Kranzfelder, Ivo. Fülltrichter (New York: Taschen, 1994)
• Kuh, Katharine. Interview mit Edward Hopper in Katherine Kuh, der Stimme des Künstlers: Gespräche mit Siebzehn Künstlern. (New York: 1962, Di Capo Press, 2000, Seiten 130-142)
• Levin, Gail. Edward Hopper (New York: Krone, 1984)
• Levin, Gail. Edward Hopper: Ein Katalog Raisonne (New York: Norton, 1995)
• Levin, Gail. Edward Hopper: Eine Vertraute Lebensbeschreibung (New York: Knopf, 1995; Rizzoli Bücher, 2007)
• Levin, Gail. Edward Hopper: Gli anni della formazione (Mailand: Electra Editrice, 1981)
• Levin, Gail. Edward Hopper: Die Kunst und der Künstler (New York: Norton, 1980, London, 1981; München: Schirmer/Mosel, 1986)
• Levin, Gail. Edward Hopper: Die Ganzen Drucke (New York: Norton, 1979, London, 1980; München: Schirmer/Mosel, 1986)
• Levin, Gail. Edward Hopper als Illustrator (New York: Norton, 1979, London, 1980)
• Levin, Gail. Die Plätze des Fülltrichters (New York: Knopf, 1985; 2. ausgebreitete Ausgabe, Universität der Presse von Kalifornien, 1998)
• Levin, Gail. Die Ganzen Ölgemälde von Edward Hopper (New York: Norton, 2001)
• Lyon, Deborah, Brian O'Doherty. Edward Hopper: Eine Zeitschrift Seiner Arbeit (New York: Norton, 1997)
• Schöpfer, Sherry. Edward Hopper (New York: Brompton Bücher, 1990)
• Mecklenburg, Virginia M Edward Hopper: Die Wasserfarben (New York: Norton, 1999)
• Renner, Rolf G. Edward Hopper 1882-1967: Transformation des Echten (New York: Taschen, 1999)
• Wagstaff, Sheena, Ed Edward Hopper (London, das Tate-Veröffentlichen, London)
• Bohrlöcher, Walter. Stilles Theater: Die Kunst von Edward Hopper (London/New York: Phaidon, 2007). Sieger des Umhoefer 2009-Preises für das Zu-Stande-Bringen in den Künsten und Geisteswissenschaften.

Haskell, Barbara. Modernes Leben: Edward Hopper und Seine Zeit. Ausstellungskatalog. New York: Museum von Whitney der amerikanischen Kunst, 2009.

Links

• Edward Hopper an der Nationalgalerie der Kunst, Washington
• "Allein, Zusammen: das Überprüfen der Arbeit von Edward Hopper" Artikel ArtsEditor.com
• Getrennt und zusammen: Gegenteile im Leben von Edward Hopper durch Dorothy Koppelman
• Kunst- und Lebens-des Fülltrichters an WebMuseum
• Erschöpfende Liste der Arbeiten von Hopper (in Deutsch)
• Ein Sammelalbum von Edward Hopper, das vom Personal des *Smithsonian amerikanischen Kunstmuseums kompiliert ist, das auf der Forschung durch Gail Levin gestützt ist
• Fülltrichter-Ausstellung an Tate 2004
• Galerie der Bilder von Edward Hopper
• Fülltrichter, ein Lieblingssohn NYTimes.com feiernd
• Brief von Agnes Albert von Edward Hopper, 1955 am 4. Februar von den Smithsonian Archiven der amerikanischen Kunst
• Website, die viele Bilder von Hopper mit Fotos derselben Themen vergleicht, die von den Punkten fotografiert sind, wo der Künstler seine Staffelei aufgestellt hatte.