Pop-Art ist eine Kunstbewegung, die Mitte der 1950er Jahre in Großbritannien und gegen Ende der 1950er Jahre in den Vereinigten Staaten erschienen ist. Pop-Art hat eine Herausforderung an Traditionen der feinen Kunst durch das Umfassen von Bildern von der populären Kultur wie Werbung, Nachrichten usw. In der Pop-Art präsentiert, Material wird manchmal von seinem bekannten Zusammenhang visuell entfernt, hat isoliert, und/oder hat sich mit dem Material ohne Beziehung verbunden. Das Konzept der Pop-Art bezieht sich nicht so viel auf die Kunst selbst wie betreffs der Einstellungen, die dazu geführt haben.

Pop-Art verwendet Aspekte der Massenkultur, wie Werbung, komische Bücher und weltliche kulturelle Gegenstände. Es wird als eine Reaktion zu den dann dominierenden Ideen vom abstrakten Expressionismus, sowie eine Vergrößerung auf sie weit interpretiert. Und wegen seiner Anwendung von gefundenen Gegenständen und Images ist es Dada ähnlich. Pop-Art wird gerichtet, um Images von populären im Vergleich mit der elitären Kultur in der Kunst zu verwenden, die banalen oder kitschigen Elemente jeder gegebenen Kultur meistenteils durch den Gebrauch der Ironie betonend. Es wird auch mit dem Gebrauch der Künstler der mechanischen Mittel von Fortpflanzungs- oder Übergabe-Techniken vereinigt.

Viel Pop-Art wird als incongruent betrachtet, weil die Begriffsmethoden, die häufig verwendet werden, es schwierig für einige machen sogleich umzufassen. Wie man betrachtet, sind Pop-Art und Minimalismus Kunstbewegungen, die postmoderner Kunst vorangehen, oder einige der frühsten Beispiele der Postmodernen Kunst selbst sind.

Pop-Art nimmt häufig als seine Bilder das, was zurzeit im Gebrauch in der Werbung ist. Das Produktbeschriften und die Firmenzeichen erscheinen prominent in den Bildern, die von Knall-Künstlern, wie in den Suppendose-Etiketten von Campbell durch Andy Warhol gewählt sind. Sogar das Beschriften auf dem Schiffskarton, der Einzelsachen enthält, ist als Gegenstand in der Pop-Art, zum Beispiel im Tomatensaft-Kasten 1964 von Campbell von Warhol, (geschildert unten), oder seine Brillo Seife-Kasten-Skulpturen verwendet worden.

Ursprünge

Die Ursprünge der Pop-Art in Nordamerika und Großbritannien haben sich verschieden entwickelt. In den Vereinigten Staaten hat es eine Rückkehr zur hart-schneidigen Zusammensetzung und Vertretungskunst als eine Antwort durch Künstler gekennzeichnet, die unpersönliche, weltliche Wirklichkeit, Ironie und Parodie verwenden, um die persönliche Symbolik und "malerische Losekeit" des Abstrakten Expressionismus zu entschärfen. Im Vergleich war der Ursprung im Nachkriegsgroßbritannien, während er Ironie und Parodie verwendet hat, mit einem Fokus auf den dynamischen und paradoxen Bildern der amerikanischen populären Kultur als starke, symbolische Manipulationsgeräte akademischer, die ganze Muster des Lebens betrafen, während sie Wohlstand einer Gesellschaft verbessert haben. Die frühe Pop-Art in Großbritannien war eine Sache von Ideen, die durch die amerikanische populäre Kultur angetrieben sind, angesehen von fern, während die amerikanischen Künstler durch die Erfahrung des Lebens innerhalb dieser Kultur begeistert wurden. Ähnlich war Pop-Art sowohl eine Erweiterung als auch eine Nichtanerkennung des Dadaismus. Während Pop-Art und Dadaismus einige derselben Themen erforscht haben, hat Pop-Art die zerstörenden, satirischen und anarchischen Impulse der Bewegung von Dada mit der distanzierten Bestätigung der Kunsterzeugnisse der Massenkultur ersetzt. Unter jenen Künstlern, die von einigen als das Produzieren der Arbeit gesehen sind, die bis zur Pop-Art führt, sind Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Kurt Schwitters und Josh Yorgi.

Das Vereinigte Königreich: Independent Group

Independent Group (IG), die in London 1952 gegründet ist, wird als der Vorgänger zur Pop-Art-Bewegung betrachtet. Sie waren ein Sammeln von jungen Malern, Bildhauern, Architekten, Schriftstellern und Kritikern, die vorherrschende Modernist-Annäherungen an die Kultur sowie traditionelle Ansichten von der Feinen Kunst herausforderten. Die Gruppendiskussionen haben auf populäre Kulturimplikationen von solchen Elementen wie Massenwerbung, Kino, Produktdesign, Cartoons, Sciencefiction und Technologie im Mittelpunkt gestanden. An erster Independent Group, die sich 1952 trifft, haben Co-Gründungsmitglied, Künstler und Bildhauer Eduardo Paolozzi einen Vortrag mit einer Reihe von Collagen betitelte Koje präsentiert! dass er sich während seiner Zeit mit Paris zwischen 1947-1949 versammelt hatte. Dieses Material hat aus "gefundenen Gegenständen" solcher als bestanden, Werbung, Charaktere des komischen Buches, Zeitschrift-Deckel und verschiedene Masse haben Grafik erzeugt, die größtenteils amerikanische populäre Kultur vertreten hat. Eines der Images in dieser Präsentation war die 1947-Collage von Paolozzi, ich war Spielsachen eines Reichen Mannes, die den ersten Gebrauch des Wortes einschließen, "lassen  knallen, in einer Wolke des Rauchs erscheinend, der aus einem Revolver erscheint. Die Samenpräsentation von folgendem Paolozzi 1952, der IG hat sich in erster Linie auf die Bilder der amerikanischen populären Kultur, besonders Massenwerbung konzentriert.

Das nachfolgende Prägen des ganzen Begriffes "Pop-Art" wurde von John McHale für die folgende Bewegung 1954 gemacht. "Die Pop-Art" als ein Name wurde dann in discussons von IG Mitgliedern in der Zweiten Sitzung des IG 1955 verwendet, und der spezifische Begriff "Pop-Art" ist zuerst im veröffentlichten Druck in einem Artikel von IG Mitgliedern Alison und Peter Smithson im Kreisbogen, 1956 erschienen. Jedoch wird der Begriff häufig dem britischen Kunstkritiker/Museumsdirektoren kreditiert, Lawrence Alloway in einem 1958-Aufsatz hat Die Künste und die Massenmedien betitelt, obwohl der Begriff, den er gebraucht, "populäre Massenkultur" ist. Dennoch war Alloway einer der Hauptkritiker, um die Einschließung der Bilder zu verteidigen, die in der Massenkultur in schönen Künsten gefunden sind.

Die Vereinigten Staaten

Obwohl Pop-Art gegen Ende der 1950er Jahre begonnen hat, wurde die Pop-Art in Amerika sein größter Impuls während der 1960er Jahre gegeben. Zu diesem Zeitpunkt hatte amerikanische Werbung viele Elemente und Beugungen der modernen Kunst angenommen und an einem sehr hoch entwickelten Niveau fungiert. Folglich mussten amerikanische Künstler tiefer nach dramatischen Stilen suchen, die Kunst von den gut bestimmten und klugen kommerziellen Materialien überholen würden. Als die britischen angesehenen amerikanischen populären Kulturbilder von einer etwas entfernten Perspektive wurden ihre Ansichten häufig mit romantischen, sentimentalen und humorvollen Obertönen eingeträufelt. Im Vergleich haben amerikanische Künstler, die täglich mit der Ungleichheit der Masse bombardieren werden, Bilder, erzeugte Arbeit erzeugt, die allgemein kühner und aggressiv war.

Zwei wichtige Maler in der Errichtung von Amerikas Pop-Art-Vokabular waren Jasper Johns und Robert Rauschenberg. Während die Bilder von Rauschenberg Beziehungen zur früheren Arbeit von Kurt Schwitters und anderem Dadaists haben, war seine Sorge mit sozialen Problemen des Moments. Seine Annäherung sollte Kunst aus ephemeren Materialien schaffen, und das Verwenden aktueller Ereignisse im Leben des täglichen Amerikas hat seiner Arbeit eine einzigartige Qualität gegeben. Die Arbeit von Johns und Rauschenbergs der 1950er Jahre wird als Neo-Dada klassifiziert, und ist von der klassischen amerikanischen Pop-Art visuell verschieden, die am Anfang der 1960er Jahre begonnen hat.

Der gleichen Wichtigkeit zur amerikanischen Pop-Art ist Roy Lichtenstein. Seine Arbeit definiert wahrscheinlich die grundlegende Proposition der Pop-Art besser als irgendwelcher anderer durch die Parodie. Den altmodischen Cartoon als Gegenstand auswählend, erzeugt Lichtenstein eine hart-schneidige, genaue Zusammensetzung, dass Dokumente, während es auf eine weiche Weise parodiert.

Die Bilder von Lichtenstein, wie diejenigen von Andy Warhol, Tom Wesselmann und anderen, teilen eine direkte Verhaftung zum alltäglichen Image der amerikanischen populären Kultur, sondern auch behandeln das Thema auf eine unpersönliche Weise, die klar die Idealisierung der Massenproduktion illustriert. Andy Warhol ist wahrscheinlich die berühmteste Zahl in der Pop-Art. Warhol hat versucht, Pop außer einem künstlerischen Stil zu einer Lebensweise zu nehmen, und seine Arbeit zeigt häufig einen Mangel an der menschlichen Affektiertheit, die auf die Ironie und Parodie auf viele seiner Gleichen verzichtet.

Frühe Ausstellungen

Claes Oldenburg, Jim Dine und Tom Wesselmann hatten ihre ersten Shows in der Galerie Judson in 1959/60. 1960 hat Martha Jackson Installationen und Zusammenbau, Neue Medien gezeigt - Neue Formen haben Hans Arp, Kurt Schwitters, Jasper Johns, Claes Oldenburg, Robert Rauschenberg, Jim Dine und Mai Wilson gezeigt. 1961 hat Oldenburg einen Laden für die Frühlingsshow-Umgebungen von Martha Jackson, Situationen, Räume geschaffen. Im Dezember hat er Den Laden an seinem Studio gezeigt.

In London hat die jährliche RBA Ausstellung des jungen Talents 1960 zuerst amerikanische Knall-Einflüsse gezeigt. Im Januar 1961 bringen die berühmtesten RBA-Young Zeitgenossen von allen David Hockney, den Amerikaner R B Kitaj, Allen Jones, Derek Boshier, Patrick Caulfield, Peter Phillips und Peter Blake auf der Karte. Hockney, Kitaj und Blake haben fortgesetzt, Preise am John-Moores-Exhibition in Liverpool in demselben Jahr zu gewinnen.

Sich am 31. Oktober 1962 öffnend, hat der New Yorker Kunsthändler von Willem de Kooning, die Galerie Sidney Janis, die groundbreaking Internationale Ausstellung der Neuen Realisten, einen Überblick über neue dem amerikanischen Szene-Knall, dem französischen, schweizerischen, italienischen Neuen Realismus und der britischen Pop-Art organisiert. Die vierundfünfzig gezeigten Künstler haben Richard Lindner, Wayne Thiebaud, Roy Lichtenstein, Andy Warhol, Claes Oldenburg, James Rosenquist, Jim Dine, Robert Indiana, Tom Wesselmann, George Segal, Peter Phillips und Peter Blake (sein großes Die Liebe-Wand von 1961) und Yves Klein, Arman, Daniel Spoerri, Christo, Mimmo Rotella eingeschlossen. Kriegerischer Raysse, Niki de Saint-Phalle und Jean Tinguely haben die Show in New York gesehen und wurden durch die Größe und den Blick der amerikanischen Arbeit betäubt. Auch gezeigt waren Marisol, Mario Schifano, Enrico Baj und Öyvind Fahlström. Janis hat einige seiner abstrakten expressionistischen Künstler verloren, weil Mark Rothko, Robert Motherwell, Adolph Gottlieb und Philip Guston die Galerie verlassen, aber Dine, Oldenburg, Segal und Wesselmann gewonnen haben.

Ein bisschen früher, auf der Westküste, Roy Lichtenstein, Jim Dine und Andy Warhol von NYC, Phillip Hefferton und Robert Dowd von Detroit; Edward Ruscha und Joe Goode von der Oklahoma Stadt und Wayne Thiebaud von Kalifornien wurden in die Neue Malerei der Allgemeinen Gegenstand-Show eingeschlossen. Diese erste Pop-Art-Museum-Ausstellung in Amerika war curated durch Walter Hopps am Pasadena Kunstmuseum http://www.nortonsimon.org/about/history.aspx. Pop-Art war jetzt ein Erfolg und war dabei, die Kunstwelt für immer zu ändern. New York ist Pasadena 1963 gefolgt, als das Museum von Guggenheim Sechs Maler und den Gegenstand, curated durch Lawrence Alloway ausgestellt hat. Die Künstler waren Jim Dine, Jasper Johns, Roy Lichtenstein, Robert Rauschenberg, James Rosenquist und Andy Warhol.

Vor 1962 haben die Knall-Künstler begonnen, in kommerziellen Galerien in New York und Los Angeles, für einige auszustellen, die es ihre erste kommerzielle Einzelshow war. Die Galerie Ferus hat Andy Warhol in Los Angeles und Ed Ruscha 1963 präsentiert. In New York hat die Galerie Green Rosenquist, Segal, Oldenburg und Wesselmann, die Galerie Stable R. Indiana und Warhol (seine erste New Yorker Show) gezeigt, die Galerie Leo Castelli hat Rauschenberg, Johns und Lichtenstein präsentiert, Martha Jackson hat Jim Dine gezeigt, und Allen Stone hat Wayne Thiebaud gezeigt. Durch 1965-1966 nachdem haben die Galerie Green und die Galerie Ferus geschlossen die Galerie Leo Castelli hat Rosenquist, Warhol, Rauschenberg, Johns, Lichtenstein und Ruscha vertreten, Die Galerie Sidney Janis hat Oldenburg, Segal, Wesselmann und Marisol vertreten, während Allen Stone fortgesetzt hat, Thiebaud zu vertreten, und Martha Jackson hat fortgesetzt, Robert Indiana zu vertreten.

Proto-Knall

Es sollte auch bemerkt werden, dass, während die britische Pop-Art-Bewegung die amerikanische Pop-Art-Bewegung zurückdatiert hat, es einige frühere amerikanische Proto-Knall-Ursprünge gab, die, "wie gefunden", kulturelle Gegenstände verwertet haben. Während der amerikanischen Künstler der 1920er Jahre Gerald Murphy haben Charles Demuth und Stuart Davis Bilder geschaffen, die die Pop-Art-Bewegung ankündigen, die Knall-Kulturbilder wie weltliche Gegenstände enthalten hat, die von amerikanischen kommerziellen Produkten und Werbedesign gepflückt sind.

Spanien

In Spanien wird die Studie der Pop-Art mit "neu bildlich" vereinigt, der aus den Wurzeln der Krise von informalism entstanden ist. Wie man sagen konnte, hat Eduardo Arroyo innerhalb der Pop-Art-Tendenz, wegen seines Interesses an der Umgebung, seiner Kritik unserer Mediakultur gepasst, die Ikonen von beider Massenmedien-Kommunikation und die Geschichte der Malerei und seine Verachtung für fast alle feststehenden künstlerischen Stile vereinigt. Jedoch ist der Spanier, der am meisten authentisch "Knall"-Künstler betrachtet werden konnte, Alfredo Alcaín wegen des Gebrauches, den er populärer Images und leerer Räume in seinen Zusammensetzungen macht.

Auch in der Kategorie der spanischen Pop-Art ist die "Chronik-Mannschaft" (El Equipo Crónica), der in Valencia zwischen 1964 und 1981 bestanden hat, der von den Künstlern Manolo Valdés und Rafael Solbes gebildet ist. Ihre Bewegung kann als Pop wegen seines Gebrauches von Comics und Werbungsimages und seiner Vereinfachung von Images und fotografischen Zusammensetzungen charakterisiert werden. Filmemacher Pedro Almodovar ist aus Madrids Subkultur "von La Movida" (die 1970er Jahre) erschienen, niedriges Budget super 8 Pop-Art-Kino machend, und wurde nachher den Andy Warhol aus Spanien von den Medien zurzeit genannt. Im Buch "Almodovar auf Almodovar" wird er zitiert sagend, dass der Film der 1950er Jahre "Komisches Gesicht" eine Hauptinspiration für seine Arbeit ist. Eine Handelsmarke von Pop in den Filmen von Almodovar ist, dass er immer eine Fälschung erzeugt, die kommerziell ist, um in eine Szene eingefügt zu werden.

Japan

Die Pop-Art in Japan ist einzigartig und als Japanisch wegen der regelmäßigen Themen und Stile identifizierbar. Viele Japaner knallen Künstler nehmen Inspiration größtenteils von anime, und manchmal ukiyo-e und traditionelle japanische Kunst. Der am besten bekannte Knall-Künstler zurzeit in Japan ist Takashi Murakami, dessen Gruppe von Künstlern, Kaikai Kiki, für ihre eigene serienmäßig hergestellte, aber hoch abstrakte und einzigartige superflache Kunstbewegung, einen Surrealisten weltberühmt ist, wird postmoderne Bewegung, deren Inspiration hauptsächlich aus anime und japanischer Straßenkultur kommt, größtenteils auf die Jugend in Japan gerichtet, und hat einen großen kulturellen Einfluss gemacht. Einige Künstler in Japan, wie Yoshitomo Nara, sind wegen ihrer Graffiti-inspirierten Kunst berühmt, und einige, wie Murakami, sind wegen serienmäßig hergestellten Plastiks oder Polymer-Figürchen berühmt. Viele Knall-Künstler in Japan verwenden surreale oder obszöne, schockierende Images in ihrer Kunst, die von japanischem hentai genommen ist. Dieses Element der Kunst fängt das Auge von Zuschauern jung und alt, und ist äußerst nachdenklich, aber wird als beleidigend in Japan nicht genommen. Eine allgemeine in der japanischen Pop-Art verwendete Metapher ist die Unschuld und Verwundbarkeit von Kindern und Jugend. Künstler wie Nara und Aya Takano verwenden Kinder als ein Thema in fast ganzer ihrer Kunst. Während Nara Szenen der Wut oder des Aufruhrs durch Kinder schafft, teilt Takano die Unschuld von Kindern durch das Schildern nackter Mädchen mit.

Italien

In Italien war Pop-Art von 1964 bekannt, und hat in verschiedenen Formen, wie der "Scuola di Piazza del Popolo" in Rom, mit Künstlern wie Mario Schifano, Franco Angeli, Giosetta Fioroni, Tano Festa und auch einige Gestaltungsarbeiten durch Piero Manzoni, Lucio Del Pezzo und Mimmo Rotella stattgefunden.

Italienische Pop-Art ist in der Kultur der 50er Jahre entstanden, um in den Arbeiten von zwei Künstlern genau zu sein: Enrico Baj und Mimmo Rotella, die jedes Recht haben, als die Vorzeichen dieser Szene betrachtet zu werden. Tatsächlich waren es ungefähr 1958-59, dass Baj und Rotella ihre vorherigen Karrieren aufgegeben haben - der als ein Nichtvertretungsgenre trotz des durchbohret mit dem Postdadaismus allgemein definiert werden könnte - um sich in eine neue Welt von Images und dem Nachdenken über sie zu katapultieren, der sie rundum aufkam. Die gerissenen Poster von Mimmo Rotella haben einen jemals bildlicheren Geschmack häufig ausführlich gewonnen und absichtlich sich auf die großen Ikonen der Zeiten beziehend. Die Zusammensetzungen von Enrico Baj wurden im zeitgenössischen Kitsch eingetaucht, der sich erweisen sollte, eine Goldgrube von Images und Stimuli für eine komplette Generation von Künstlern zu sein.

Die Neuheit liegt im neuen Sehpanorama sowohl innerhalb der vier Innenwände als auch: Autos, Verkehrszeichen, Fernsehen, die ganze "neue Welt." Alles kann der Welt der Kunst gehören, die selbst neu ist. In dieser Beziehung nimmt italienische Pop-Art denselben ideologischen Pfad wie diese der Internationalen Szene; das einzige Ding, das Änderungen die Ikonographie und, in einigen Fällen, die Anwesenheit einer kritischeren Einstellung gegenüber ihm sind. Sogar in diesem Fall können die Prototypen zurück zu den Arbeiten von Rotella und Baj, beide verfolgt werden, die alles andere als in ihrer Beziehung mit der Gesellschaft neutral sind. Und doch ist das nicht ein exklusives Element; es gibt eine lange Linie von Künstlern, von Gianni Ruffi Roberto Barni, von Silvio Pasotti Umberto Bignardi und Claudio Cintoli, die Wirklichkeit als ein Spielzeug als eine große Lache von Bildern übernehmen, von denen man Material mit der Ernüchterung und Leichtfertigkeit zieht, die traditionellen Sprachvorbilder mit einem erneuerten Geist "gelassenen ich infrage stellend, haben Spaß" à la Aldo Palazzeschi.

Belgien

In Belgien wurde Pop-Art von Paul Van Hoeydonck vertreten, dessen Skulptur Gefallener Astronaut auf dem Mond während einer der Mondmissionen verlassen wurde. International erkannte Künstler wie Marcel Broodthaers ('vous êtes Puppe? "), und Panamarenko sind Schuldner zur Pop-Art-Bewegung. Für Broodthaers war das große Beispiel George Segal. Ein anderer wohl bekannter Roger Raveel hat einen Vogelkäfig mit einer echten lebenden Taube in einem seiner Bilder bestiegen. Am Ende der sechziger Jahre und Anfang Pop-Art-Verweisungen der siebziger Jahre verschwinden von der Arbeit dieser Künstler, weil sie eine kritischere Einstellung zu Amerika wegen Vietnams immer grauenhafteren Charakters des Krieges annehmen. Panamarenko hat bis jetzt jedoch die der Pop-Art-Bewegung innewohnende Ironie behalten.

Die Niederlande

Während in den Niederlanden es keine formelle Pop-Art-Bewegung gab, gab es eine Gruppe von Künstlern, die Zeit in New York während der frühen Jahre der Pop-Art verbracht haben und Inspiration von der internationalen Pop-Art-Bewegung gezogen haben. Schlüsselvertreter der holländischen Pop-Art sind Gustave Asselbergs, Woody van Amen, Daan van Golden, Rik Bentley, Jan Cremer, Wim T. Schippers und Jacques Frenken. Sie hatten gemeinsam, dass sie der holländischen petit bürgerlichen Mentalität entgegengesetzt haben, indem sie humorvolle Arbeiten mit einem ernsten gedämpften Ton geschaffen haben. Beispiele schließen Sexualuhr durch Woody van Amen und Kruzifix / Ziel durch Jacques Frenken ein.

Die Malerei und Skulptur-Beispiele

'Die Fahne' von Image:Jasper Johns, Encaustic, Öl und Collage auf Stoff sind auf dem Sperrholz, 1954-55.jpg|Jasper Johns, 1954-1955 Fahne gestiegen

Image:Campbells Suppendosen MOMA.jpg|Andy Warhol, die Suppendosen von 1962 Campbell

Image:'Still Leben-20' hat Mediaarbeit von - Tom Wesselmann - 1962, - die Galerie Albright Knox-.jpg|Tom Wesselmann, 1962 Stillleben gemischt

Image:WayneThiebaudThreeMachines.jpg|Wayne Thiebaud, 1963 Drei Maschinen

Image:Soft Badewanne jpg|Claes Oldenburg, 1966 Weiche Badewanne

Image:Hockney, Ein Größeres Spritzen jpg|David Hockney, 1967 Ein Größeres Spritzen

Die 1970-Malerei von Image:Alex Katz seines Sohnes 'Vincent mit dem Offenen Mund '.jpg|Alex Katz, 1970 Vincent mit dem Offenen Mund

Image:'The Robe Im Anschluss an Sie - 4', Öl auf der Leinwand, die durch Jim Dine, 1984-5.jpg|Jim Dine, 1984-1985 Die Robe Im Anschluss an Ihren malt

Bemerkenswerte Künstler

• Apfel von Billy
• Evelyne Axell
• Herr Peter Blake
• Derek Boshier
• Pauline Boty
• Patrick Caulfield
• Allan D'Arcangelo
• Jim Dine
• Rosalyn Drexler
• Robert Dowd
• Erró
• Rote Pferdepfleger
• Richard Hamilton
• Keith Haring
• Jann Haworth
• David Hockney
• Dorothy Iannone
• Robert Indiana
• Jasper Johns
• Allen Jones
• Alex Katz
• Corita Kent
• Kiki Kogelnik
• Nicholas Krushenick
• Yayoi Kusama
• Gerald Laing
• Roy Lichtenstein
• Richard Lindner
• John McHale
• Marisol
• Peter Max
• Marta Minujin
• Takashi Murakami
• Yoshitomo Nara
• Claes Oldenburg
• Julian Opie
• Eduardo Paolozzi
• Peter Phillips
• Sigmar Polke
• Hariton Pushwagner
• Mel Ramos
• Robert Rauschenberg
• Flüsse von Larry
• James Rizzi
• James Rosenquist
• Ed Ruscha
• Niki de Saint Phalle
• Peter Saul
• George Segal
• Colin selbst
• Marjorie Strider
• Aya Takano
• Wayne Thiebaud
• Andy Warhol
• Idelle Weber
• John Wesley
• Tom Wesselmann

Siehe auch

• Chicago Imagists
• Die Galerie Ferus
• Sidney Janis
• Leo Castelli
• Grüne Galerie
• Neue Malerei von allgemeinen Gegenständen
• Gestaltung Libre (Kunstbewegung)
• Geistig anspruchslos (Kunstbewegung)
• Nouveau réalisme
• Neo-Knall
• Kunst von Op
• Plumps-Kunst
• Kunst von Retro
• Superwohnung
• Superwohnung von SoFlo

Zeichen und Verweisungen

Weiterführende Literatur

• Lucy R. Lippard, Pop-Art, mit Beiträgen durch Lawrence Alloway, Nancy Marmer, Nicolas Calas, Frederick A. Praeger, New York, 1966.
• Haskell, Barbara. BLAM! Die Explosion des Knalls, des Minimalismus und der Leistung 1958-1964. New York: W.W. Norton & Company, Inc. in Verbindung mit dem Museum von Whitney der amerikanischen Kunst, 1984.

Links

• Ausstellungen von Brooklyn Museum: Verführerischer Umsturz: Frauen Pop Artists, 1958-1968, Okt 2010 - Januar 2011
• Brooklyn Museum, Wiki/Pop