Die Musik Japans schließt eine breite Reihe von Darstellern in verschiedenen Stilen sowohl traditionell als auch modern ein. Das Wort für die Musik in Japanisch ist  (ongaku), den kanji  ("auf" dem Ton) mit dem kanji  ("gaku" Musik) verbindend. Japan ist der zweitgrößte Musik-Markt in der Welt, hinter den Vereinigten Staaten, und dem größten in Asien, und der grösste Teil des Marktes wird von japanischen Künstlern beherrscht.

Lokale Musik erscheint häufig an karaoke Treffpunkten, der auf der Miete aus den Plattenfirmen ist. Traditionelle japanische Musik ist von der Westmusik ziemlich verschieden und basiert auf den Zwischenräumen des Menschen, der aber nicht mathematischen Timings atmet. 1873 hat ein britischer Reisender behauptet, dass japanische Musik, "ärgern [s] außer der ganzen Dauer der europäische Busen."

Traditionell und Volksmusik

Die ältesten Formen der traditionellen japanischen Musik sind shōmyō (, oder Sie konnten  verwenden), Buddhist, der und gagaku (), Orchestergerichtsmusik, beide von der Datum zu den Perioden von Nara und Heian singt.

Gagaku ist ein Typ der klassischen Musik, die am Reichsgericht seit der Periode von Heian durchgeführt worden ist. Kagura-uta (), Azuma-asobi () und Yamato-uta () sind relativ einheimische Repertoires. Tōgaku () und komagaku ist aus der chinesischen Tang-Dynastie über die koreanische Halbinsel entstanden. Außerdem wird gagaku in kangen () (instrumentale Musik) und bugaku () (Tanz geteilt, der durch gagaku begleitet ist).

Das Entstehen schon im 13. Jahrhundert ist honkyoku ( "ursprüngliche Stücke"). Diese sind (Solo) shakuhachi () von bettel Fukesekte-Priestern des Zen-Buddhismus gespielte Stücke einzeln. Diese Priester, genannt komusō ("Leere-Mönch"), haben honkyoku um das Almosen und die Erläuterung gespielt. Die Sekte von Fuke hat aufgehört, im 19. Jahrhundert zu bestehen, aber eine wörtliche und schriftliche Abstammung von vielen honkyoku geht heute weiter, obwohl diese Musik jetzt häufig in einem Konzert oder Leistungseinstellung geübt wird.

Der Samurai hat häufig zugehört und hat in diesen Musik-Tätigkeiten in ihren Methoden geleistet, ihre Leben zu bereichern und zu verstehen.

In besonderem Zeami hat den Kern des Repertoires von Noh und authored viele Abhandlungen auf den Geheimnissen der Tradition von Noh zur Verfügung gestellt (bis das moderne Zeitalter diese nicht weit gelesen wurden).

Eine andere Form des japanischen Theaters ist das Puppentheater, häufig bekannt als bunraku (). Dieses traditionelle Puppentheater hat auch Wurzeln in populären Traditionen und ist besonders während Chonin in der Periode von Edo (1600-1868) gediehen. Es wird gewöhnlich durch den Vortrag (verschiedene Stile von jōruri) () begleitet durch shamisen () Musik begleitet.

Volksmusik

Biwa hōshi, Heike biwa, mōsō und goze

Der biwa ( - Chinesisch: Pipa), eine Form des Kitts mit dem kurzen Hals, wurde von einer Gruppe von beruflich reisenden Darstellern (biwa hōshi) () gespielt, wer es verwendet hat, um Geschichten zu begleiten. Die berühmteste von diesen Geschichten ist Das Märchen des Heikes, eine Geschichte des 12. Jahrhunderts des Triumphs des Clans von Minamoto über Taira. Biwa hōshi hat begonnen, sich in eine einer Gilde ähnliche Vereinigung (tōdō) für visuell verschlechterte Männer schon im dreizehnten Jahrhundert zu organisieren. Diese Gilde hat schließlich einen großen Teil der Musikkultur Japans kontrolliert.

Außerdem wurden zahlreiche kleinere Gruppen von beruflich reisenden blinden Musikern besonders im Gebiet von Kyushu gebildet. Diese Musiker, bekannt als mōsō ( blenden Mönch), haben ihre lokalen Gebiete bereist und haben eine Vielfalt von religiösen und halbreligiösen Texten durchgeführt, um Haushalte zu reinigen und gute Gesundheit und Glück zu verursachen. Sie haben auch ein Repertoire von weltlichen Genres aufrechterhalten. Der biwa, den sie gespielt haben, war beträchtlich kleiner als der Heike biwa () gespielt durch den biwa hōshi.

Lafcadio Hearn hat in seinem Buch "Mimi-Nashi Hoichi" (Hoichi Earless), eine japanische Geistergeschichte über einen Rollladen biwa hōshi verbunden, wer "Das Märchen des Heikes" durchführt

Blinde, bekannt als goze (), haben auch das Land seit dem mittelalterlichen Zeitalter bereist, Lieder singend und Begleitmusik auf einer Runde-Trommel spielend. Aus dem siebzehnten Jahrhundert haben sie häufig den koto oder den shamisen gespielt. Organisationen von Goze sind überall im Land aufgekommen, und haben bis neulich darin bestanden, was heute Präfektur von Niigata ist.

Taiko

Der taiko ist eine japanische Trommel, die in verschiedenen Größen kommt und verwendet wird, um eine Vielfalt von Musikgenres zu spielen. Es ist besonders populär in den letzten Jahren als das Hauptinstrument von Schlagzeug-Ensembles geworden, deren Repertoire auf einer Vielfalt von Leuten und Festmusik der Vergangenheit basiert. Solche taiko Musik wird durch genannten kumi-daiko von Ensembles der großen Trommel gespielt. Seine Ursprünge sind unsicher, aber können schon zu Lebzeiten von die 7. Jahrhunderte ausgestreckt werden, wenn eine Tonzahl eines Drummers seine Existenz anzeigt. Chinesische Einflüsse sind gefolgt, aber das Instrument und seine Musik sind einzigartig japanisch geblieben. Trommeln von Taiko während dieser Periode wurden während des Kampfs verwendet, um den Feind einzuschüchtern und Befehle mitzuteilen. Taiko setzt fort, in der religiösen Musik des Buddhismus und Shintō verwendet zu werden. In den vorigen Spielern waren heilige Männer, die nur an speziellen Gelegenheiten und in kleinen Gruppen gespielt haben, aber rechtzeitig haben weltliche Männer (selten Frauen) auch den taiko in halbreligiösen Festen wie der Bon-Tanz gespielt.

sagt, ist modernes Ensemble taiko von Daihachi Oguchi 1951 erfunden worden. Ein Jazzdrummer, Oguchi hat seinen Musikhintergrund in große Ensembles vereinigt, die er auch entworfen hatte. Sein energischer Stil hat seine Gruppe populär überall in Japan gemacht, und hat das Gebiet von Hokuriku ein Zentrum für die taiko Musik gemacht. Musiker, um aus dieser Welle der Beliebtheit zu entstehen, haben Sukeroku Daiko und seinen bandmate Seido Kobayashi eingeschlossen. 1969 hat eine Gruppe genannt durch den Tagayasu Bastelraum gegründeter Za Ondekoza gesehen; Za Ondekoza hat sich junge Darsteller versammelt, die eine neue Wurzelwiederaufleben-Version von taiko neu eingeführt haben, der als eine Lebensweise in Kommunallebensstilen verwendet wurde. Während der 1970er Jahre hat die japanische Regierung Kapital zugeteilt, um japanische Kultur und viele zu bewahren, Gemeinschaft taiko Gruppen wurde gebildet. Später im Jahrhundert, taiko Gruppen breitet sich überall in der Welt besonders in die Vereinigten Staaten aus. Das Videospiel Trommel-Master von Taiko basiert um taiko. Ein Beispiel eines modernen Bandes von Taiko ist Gocoo.

Min'yō Volksmusik

Japanische Volkslieder (min'yō) können gruppiert und auf viele Weisen klassifiziert werden, aber es ist häufig günstig, an vier Hauptkategorien zu denken: Arbeitslieder, religiöse Lieder (wie sato kagura, eine Form der Musik von Shintoist), haben Lieder für Sammlungen wie Hochzeiten, Begräbnisse und Feste (matsuri, besonders Obon), und die Lieder von Kindern (warabe uta) verwendet.

In min'yō werden Sänger normalerweise durch den Dreisaitenkitt bekannt als der shamisen, taiko Trommeln begleitet, und eine Bambus-Flöte hat shakuhachi genannt. Andere Instrumente, die begleiten konnten, sind eine Querflöte bekannt als der shinobue, eine Glocke bekannt als kane, eine Handtrommel hat den tsuzumi und/oder eine als der koto bekannte 13-Saitenzither genannt. In Okinawa ist das Hauptinstrument der sanshin. Das sind traditionelle japanische Instrumente, aber moderne Instrumentierung, wie elektrische Gitarren und Synthesizer, wird auch an diesem Tag und Alter verwendet, wenn enka Sänger traditionelle min'yō Lieder (Enka bedecken, der ein japanisches Musik-Genre alle sein eigenes ist).

Begriffe haben häufig gehört, wenn das Sprechen über min'yō ondo, bushi, Bon uta und komori uta ist. Ein ondo beschreibt allgemein jedes Volkslied mit einem kennzeichnenden Schwingen, das als 2/4 Zeitrhythmus gehört werden kann (obwohl sich Darsteller gewöhnlich nicht gruppieren, schlägt). Das typische bei Festtänzen von Obon gehörte Volkslied wird am wahrscheinlichsten ein ondo sein. Ein fushi ist ein Lied mit einer kennzeichnenden Melodie. Sein wirklicher Name, der "bushi" in Zusammensetzungen ausgesprochen wird, bedeutet "Melodie" oder "Rhythmus". Das Wort wird selbstständig selten verwendet, aber wird gewöhnlich durch einen Begriff vorbefestigt, der sich auf den Beruf, die Position, den Vornamen oder das ähnliche bezieht. Bon uta, wie der Name beschreibt, ist Lieder für Obon, das Laterne-Fest der Toten. Komori uta sind die Wiegenlieder von Kindern. Die Namen von min'yo Liedern schließen häufig beschreibenden Begriff gewöhnlich am Ende ein. Zum Beispiel: Tokio Ondo, Kushimoto Bushi, Hokkai Bon Uta und Itsuki kein Komoriuta.

Viele dieser Lieder schließen Extrabetonung auf bestimmten Silben sowie aufgestellten Schreien (kakegoe) ein. Kakegoe sind allgemein Schreie des Beifallsrufs, aber in min'yō werden sie häufig als Teile von Chören eingeschlossen. Es gibt viele kakegoe, obwohl sie sich vom Gebiet bis Gebiet ändern. In Okinawa Min'yō, zum Beispiel, wird man das allgemeine "ha iya sasa hören!" In Festland Japan, jedoch, wird man mit größerer Wahrscheinlichkeit "einen yoisho hören!," "übersättigen!" oder "eine wunde Stelle!" Andere sind "ein donto koi!" und "dokoisho!"

Kürzlich ist ein Gilde-basiertes als das iemoto System bekanntes System auf einige Formen von min'yō angewandt worden; es wird genannt. Dieses System wurde ursprünglich entwickelt, um klassische Genres wie nagauta, shakuhachi, oder koto Musik zu übersenden, aber seitdem es sich gewinnbringend Lehrern erwiesen hat und von Studenten unterstützt wurde, die Zertifikate von Kenntnissen haben erhalten wollen und die Namen des Künstlers fortsetzt, sich zu Genres wie min'yō, Tsugaru-Jamisen und andere Formen der Musik auszubreiten, die mehr informell traditionell übersandt wurden. Heute werden einige min'yō in solchen Pseudofamilienorganisationen verzichtet, und lange Lehren sind üblich.

Siehe auch Musik von Ainu des nördlichen Japans.

Volksmusik von Okinawan

Umui, religiöse Lieder, shima uta, Tanzlieder, und, besonders kachāshī, lebhafte feierliche Musik, waren alle populär.

Volksmusik von Okinawan ändert sich aus der japanischen Festland-Volksmusik auf mehrere Weisen.

Erstens wird Volksmusik von Okinawan häufig durch den sanshin begleitet, wohingegen in Festland Japan der shamisen stattdessen begleitet. Andere Okinawan Instrumente schließen den sanba ein (die einen klickenden Ton erzeugen, der dieser von Kastagnetten ähnlich ist), taiko und ein scharfes genanntes Finger-Pfeifen.

Zweitens, Klangfarbe. Eine pentatonische Skala, die mit der pentatonischen Hauptskala von Westmusikdisziplinen zusammenfällt, wird häufig in min'yō von den Hauptinseln Japans gehört, sieh minyō klettern. In dieser pentatonischen Skala die Subdominante und Ton (Skala-Grade 4 und 7 der Westhauptskala) führend, werden weggelassen, auf eine Musikskala ohne Halbschritte zwischen jedem Zeichen hinauslaufend. (Tun Sie Re, Michigan, also, La in solfeggio, oder erklettern Sie Grade 1, 2, 3, 5, und 6) Okinawan min'yō wird jedoch durch Skalen charakterisiert, die die Halbschritte einschließen, die in die oben erwähnte pentatonische Skala, wenn analysiert, in der Westdisziplin der Musik weggelassen sind. Tatsächlich schließt die allgemeinste in Okinawan min'yō verwendete Skala Skala-Grade 1, 2, 3, 4, 5, 6, 7, ein

Traditionelle Instrumente

• Biwa ()
• Fue ()
• Hichiriki () 
• Hocchiku ()
• Hyōshigi ()
• Kane ()
• Kakko ()
• Kokyū ()
• Koto ()
• Niko ()
• Okawa (AUCH BEKANNT ALS Ōtsuzumi) ()
• Ryūteki ()
• Sanshin ()
• Shakuhachi (Bambus-Flöte) ()
• Shamisen  ()
• Shime-Daiko ()
• Shinobue ()
• Shō ()
• Suikinkutsu (Wasserzither) ()
• Taiko (d. h. Wadaiko)  ～ 
• Tsuzumi () (AUCH BEKANNT ALS Kotsuzumi)

Ankunft der Westmusik

Traditionelle Popmusik

Nachdem die Wiederherstellung von Meiji Westmusikinstruktion eingeführt hat, hat ein Bürokrat genannt Izawa Shuji Lieder wie "Alte Zeiten" kompiliert und hat Lieder mit einer pentatonischen Melodie beauftragt. Westmusik, besonders militärische Märsche, ist bald populär in Japan geworden. Zwei Hauptformen der Musik, die sich während dieser Periode entwickelt hat, waren shoka, der zusammengesetzt wurde, um Westmusik zu Schulen und gunka zu bringen, die militärische Märsche mit einigen japanischen Elementen sind..

Da Japan an vertretende Demokratie gegen Ende des 19. Jahrhunderts herangegangen ist, haben Führer Sänger angestellt, um Kopien von Liedern zu verkaufen, die ihre Nachrichten gelüftet haben, seitdem die Führer selbst gewöhnlich verboten wurden, öffentlich zu sprechen. Die Straßendarsteller wurden enka-shi genannt. Auch am Ende des 19. Jahrhunderts ist eine Form von Osakan des Streetcorner-Singens populär geworden; das wurde rōkyoku genannt. Das hat die ersten zwei japanischen Sterne, Yoshida Naramaru und Tochuken Kumoemon eingeschlossen..

Verwestlichte Popmusik wird kayōkyoku genannt, der, wie man sagt, hat und zuerst in einer Dramatisierung des Wiederauflebens durch Tolstoy erschienen ist. Das Lied "Kachūsha kein Uta", zusammengesetzt von Shinpei Nakayama, wurde von Sumako Matsui 1914 gesungen. Das Lied ist ein Erfolg unter enka-shi geworden, und war eine der ersten Haupterfolgsaufzeichnungen in Japan.. Ryūkōka, der klassische Westmusik, gemachte Wellen über das Land in der Vorkriegsperiode angenommen hat.. Ichiro Fujiyama ist populär in der Vorkriegsperiode geworden, aber Kriegslieder sind später populär geworden, als der Zweite Weltkrieg vorgekommen ist..

Kayōkyoku ist eine Hauptindustrie besonders nach der Ankunft des Superstars Misora Hibari geworden. In den 1950er Jahren sind Tango und andere Arten der lateinischen Musik, besonders kubanischer Musik, sehr populär in Japan geworden. Eine unverwechselbar japanische Form des Tangos hat dodompa auch entwickelt genannt. Kayōkyoku ist verbunden völlig mit traditionellen japanischen Strukturen geworden, während mehr Westartige Musik japanischen Knall genannt wurde. Musik von Enka, japanische traditionelle Strukturen annehmend, ist ziemlich populär in der Nachkriegsperiode geworden, obwohl seine Beliebtheit seit den 1970er Jahren abgenommen hat und wenig Bevorzugung mit der zeitgenössischen Jugend genießt. Berühmte enka Sänger schließen Hibari Misora, Saburo Kitajima, Ikuzo Yoshi und Kiyoshi Hikawa ein.

Kunstmusik

Klassische Westmusik

Klassische Westmusik hat eine starke Anwesenheit in Japan, und das Land ist einer der wichtigsten Märkte für diese Musik-Tradition. mit Toru Takemitsu (berühmt ebenso wegen seiner avantgardistischen Arbeiten und des Filmzählens) das am besten bekannte zu sein. Auch berühmt ist der Leiter Seiji Ozawa. Seit 1999 ist der Pianist Fujiko, der sich Räuspert, wer Liszt und Chopin spielt, berühmt gewesen, und ihre CDs haben Millionen von Kopien verkauft. Japan beherbergt auch das Hauptwindband in der Welt. Tokio Kosei Windorchester und die größte Musik-Konkurrenz jeder Art, die Band-Vereinigung von Volljapan nationaler Streit. Klassische Westmusik vertritt Japans ursprüngliche Kultur nicht. Die Japaner wurden zuerst dazu in der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts nach mehr als 200 hundert Jahren der nationalen Isolierung während der Edo Periode ausgestellt. Aber danach, japanische studierte klassische Musik ernsthaft, um es einen Teil ihrer eigenen künstlerischen Kultur zu machen.

Orchester

• Gunma Sinfonieorchester
• Hiroshima Sinfonieorchester
• Hyogo Zentrum-Orchester der darstellenden Künste
• Philharmonie-Orchester von Japan
• Kanagawa Philharmonie-Orchester
• Kyoto Sinfonieorchester
• Kyushu Sinfonieorchester
• Nagoya Philharmonie-Orchester
• Neue Philharmonie von Japan
• Sinfonieorchester des Nippon Hoso Kyokai
• Orchester-Ensemble Kanazawa
• Philharmonie-Orchester von Osaka
• Sapporo Sinfonieorchester
• Tokio Metropolitansinfonieorchester
• Philharmonie-Orchester von Tokio
• Philharmonie-Orchester des Tokyo City
• Sinfonieorchester von Tokio
• Yamagata Sinfonieorchester
• Yomiuri Nippon Sinfonieorchester

Komponisten

• Rentarō Taki (1879-1903)
• Kosaku Yamada (1886-1965)
• Yasuji Kiyose (1900-1981)
• Masao Ohki (1901-1971)
• Saburō Moroi (1903-1977)
• Kunihiko Hashimoto (1904-1949)
• Tomojirō Ikenouchi (1906-1991)
• Yoritsune Matsudaira (1907-2001)
• Hisato Ohzawa (1907-1953)
• Shiro Fukai (1907-1959)
• Hisatada Otaka (1911-1951)
• Akira Ifukube (1914-2006)
• Fumio Hayasaka (1914-1955)
• Sadao Bekku (1922-2012)
• Ikuma Dan (1924-2001)
• Yasushi Akutagawa (1925-1989)
• Roh Ogura (1926-1990)
• Joji Yuasa (geborener 1929)
• Toshiro Mayuzumi (1929-1997)
• Akio Yashiro (1929-1976)
• Teizo Matsumura (1929-2007)
• Toru Takemitsu (1930-1996)
• Hikaru Hayashi (1931-2012)
• Yuzo Toyama (geborener 1931)
• Akira Miyoshi (geborener 1933)
• Toshi Ichiyanagi (geborener 1933)
• Maki Ishii (1936-2003)
• Shigeaki Saegusa (geborener 1942)
• Schienbein-ichiro Ikebe (geborener 1943)
• Michio Kitazume (geborener 1948)
• Takashi Yoshimatsu (geborener 1953)
• Akira Nishimura (geborener 1953)
• Toshio Hosokawa (geborener 1955)

Jazz

Von den 1930er Jahren auf (außer während des Zweiten Weltkriegs, als es als Musik des Feinds unterdrückt wurde) hat Jazz eine starke Anwesenheit in Japan gehabt. Das Land ist ein wichtiger Markt für die Musik, und es ist üblich, dass Aufnahmen, die in den Vereinigten Staaten oder Europa nicht verfügbar sind, dort verfügbar sind. Mehrere japanische Jazzmusiker haben Beliebtheit auswärts sowie zuhause erreicht. Musiker wie Juni (geboren in Japan) und Dan (der dritte Generationsamerikaner geboren, der Hiroshima Berühmtheit), und Sadao Watanabe lassen einen großen Anhänger außerhalb ihres Vaterlandes stützen.

Kürzlich sind Klub-Jazz oder Nu-Jazz populär bei einer steigenden Zahl von jungen Japanern geworden. Geborene DJS wie Ryota Nozaki (Jazztronik), die zwei Brüder Okino Shuya und Okino Yoshihiro von Kyoto Jazz Massiv, Toshio Matsuura (ehemaliges Mitglied der Vereinigten Zukünftigen Organisation) und Schöpfer des DJS SHUNDAI MATSUO des populären Monats-DJ-Ereignisses, Kreoler in Beppu, Japan sowie Nu-Jazzkünstlern, Schlafwandler, GrooveLine, und Boden & "Zuhälter" Sessions haben große Änderung zu den traditionellen Begriffen des Jazz in Japan gebracht.

Heute schließen einige der neueren und sehr interessanten Bänder Ego-Wrappin' und Sakerock ein.

Volkstümliche Musik

J-Knall

J-Knall, eine Abkürzung für den japanischen Knall, ist ein lose definiertes Musikgenre, das in die Musikhauptströmung Japans in den 1990er Jahren eingegangen ist. Moderner J-Knall hat seine Wurzeln in der Musik der 1960er Jahre wie Die Beatles und der ersetzte kayōkyoku ("Lyrische singende Musik", ein Begriff für die japanische Popmusik von den 1920er Jahren bis zu den 1980er Jahren) in der japanischen Musik-Szene. Der Begriff wurde von den japanischen Medien ins Leben gerufen, um japanische Musik aus der Auslandsmusik zu unterscheiden, heute sind die mächtigsten Sänger und Bänder im Genre Ayumi Hamasaki, Namie Amuro, Koda Kumi und der neue populäre DJ Kawasaki knowns in der ganzen Welt, und bezieht sich jetzt auf den grössten Teil japanischen volkstümlichen Musik.

Felsen

In den 1960er Jahren haben japanische Bänder Die Beatles, Bob Dylan und die Rolling Stones, zusammen mit anderer Volksmusik von Appalachian, psychedelischem Felsen, mod und ähnlichen Genres imitiert; das wurde Gruppentöne (G.S) genannt. . John Lennon Der Beatles ist später einer von den meisten populären Westmusikern in Japan geworden. Gruppentöne sind ein Genre des japanischen Rocks, der Mitte zum Ende der 1960er Jahre populär war. Nach dem Boom von Gruppentönen gab es mehrere einflussreiche Liedermacher. Nobuyasu Okabayashi war erst, wer weit anerkannt geworden ist. Wataru Takada, der von Woody Guthrie begeistert ist, ist auch populär geworden.. Sie beide waren unter Einfluss der amerikanischen Volksmusik, aber haben japanische Lyrik geschrieben. Takada hat moderne japanische Dichtung als Lyrik verwendet, während Kazuki Tomokawa ein Album mit den Gedichten von Chuya Nakahara gemacht hat. Tomobe Masato, der von Bob Dylan begeistert ist, hat kritisch mit Jubel begrüßte Lyrik geschrieben. Die Tiger waren die populärste Gruppenton-Band im Zeitalter. Später haben einige der Mitglieder Der Tiger, Der Versucher und Der Spinnen die erste japanische Supergruppe Pyg gebildet.

Einheimische japanische Leute schaukeln sich hatte sich bis zum Ende der 1960er Jahre entwickelt. Wie man betrachtet, haben Künstler wie Glückliches Ende das Genre eigentlich entwickelt. Während der 1970er Jahre ist es populärer gewachsen. Das Okinawan Band Champloose, zusammen mit Carol (geführt von Eikichi Yazawa), RC-Folge und Shinji Harada war besonders berühmt und geholfene, den Ton des Genres zu definieren. Manchmal auch ist der Anfang gegen Ende der sechziger Jahre, aber größtenteils aktiv in den siebziger Jahren, Musiker, die Rock mit amerikanisch-artigen Leuten und Knall-Elementen, gewöhnlich etikettiert "Leute" durch die Japaner wegen ihres regelmäßigen Gebrauches der akustischen Gitarre mischen. Das schließt Bänder wie vom Kurs, der Tulpe, Alice (geführt von Shinji Tanimura), Kaguyahime, Banban und Garo ein. Solokünstler derselben Bewegung schließen Yosui Inoue, Yuming und Iruka ein. Spätere Gruppen, wie Band von Kai (geführt von Yoshihiro Kai) und früh Südlich Alle Sterne, werden häufig derselben Bewegung beigefügt.

Mehrere japanische Musiker haben begonnen, mit dem elektronischen Felsen am Anfang der 1970er Jahre zu experimentieren. Das bemerkenswerteste war international berühmter Isao Tomita, dessen 1972-Album Elektrischer Samurai: Eingeschaltet hat Felsen elektronische Synthesizer-Interpretationen des zeitgenössischen Felsens und der Schlager gezeigt. Andere frühe Beispiele von elektronischen Felsen-Aufzeichnungen schließen den Volksfelsen von Inoue Yousui und Knall-Felsen-Album-Eiswelt (1973) und das progressive Psychadelic-Felsen-Album von Osamu Kitajima Benzaiten (1974) ein, beide von denen beteiligte Beiträge von Haruomi Hosono, der später die elektronische Musik-Gruppe "Gelbes Magisches Band" (später bekannt als Gelbes Magisches Orchester) 1977 angefangen hat. Am einflussreichsten haben die 1970er Jahre das elektronische Musik-Band Gelbes Magisches Orchester erzeugt, das von Haruomi Hosono geführt ist.

In den 1980er Jahren hat Boøwy alternative Rockbands wie Shonen Messer, Langeweile, Die Kissen und Tama & Little Creatures sowie mehr Hauptströmungsbands als Glay begeistert. 1980 haben Huruoma und Ry Cooder, ein amerikanischer Musiker, an einem Felsen-Album mit Shoukichi Kina, treibender Kraft hinter dem oben erwähnten Band von Okinawan Champloose zusammengearbeitet. Ihnen wurde von Sandii & Sunsetz gefolgt, der weiter Japanisch und Einflüsse von Okinawan gemischt hat. Auch während der 80er Jahre haben japanisches Metall und Rockbands die Bewegung bekannt als visueller kei zur Welt gebracht, der während seiner Geschichte durch Bänder wie das X Japan, die Dollar-Zecke, das Luna Meer, die Böswilligkeit Mizer und viele andere vertreten ist, von denen einige nationalen und internationalen Erfolg in den letzten Jahren erfahren haben.

In den 1990er Jahren schaukeln Japaner Musiker wie B'z, Herr Children, Glay, Südlich Alle Sterne, L'Arc-en-Ciel, Tube, Spitz, Stäbe, T-Bolan, Judy und Mary, asiatische Kung-Fu-Generation, Feld der Ansicht, Deens, Ulfuls, Lindbergs, Sharam Q, Des Gelben Affen, Des Brilliant Greens und Dragon Ashs haben großen kommerziellen Erfolg erreicht. B'z ist #1 am besten Verkauf der Tat in der japanischen Musik, seitdem Oricon angefangen hat zu zählen. gefolgt von Herrn Children. In den 90er Jahren wurden Schlager häufig in Filmen, anime, Fernsehanzeige und dramatischer Programmierung verwendet, einige der Erfolgsformen der Musik in Japan werdend. Der Anstieg des Einwegknalls ist mit der Beliebtheit von karaoke verbunden worden, zu Kritik führend, dass es consumerist ist: Kazufumi Miyazawa Des Booms hat gesagt, dass "Ich hasse, die kaufen, hören, und wegwerfen und an einer karaoke Bar-Mentalität singen." Der kei Sehbänder war Luna Meer, dessen Mitglieder ihre Bühnenkleidung mit dem andauernden Erfolg gedämpft haben, irgendein sehr erfolgreich, während Böswilligkeit Mizer, La'cryma Christi, Shazna, Janne Da Arc und Fanatische Krise auch kommerziellen Erfolg gegen Ende der 90er Jahre erreicht hat.

Das erste Fuji Rockfestival hat sich 1997 geöffnet. Steigendes Sonne-Rockfestival hat sich 1999 geöffnet. Sommerschallfest und Felsen im Fest von Japan haben sich 2000 geöffnet. Obwohl die Felsen-Szene in den 2000er Jahren nicht als starke, neuere Bänder wie Beule des Huhnes ist, haben Sambomaster, Fluss, Orangenreihe, Remioromen, Uverworld, Radwimps und Aqua Timez, die als Rockbands betrachtet werden, Erfolg erreicht. Orangenreihe nimmt auch Hüfte-Sprung an. Feststehende Bänder als B'z, Herr Children, Glay und L'Arc-en-Ciel setzen auch fort, Karten an der Spitze zu stehen, obwohl B'z und Herr Children die einzigen Bands sind, um hohe Standards ihrer Verkäufe entlang den Jahren aufrechtzuerhalten.

Japanischer Felsen hat eine vibrierende unterirdische Felsen-Szene, am besten bekannt international für Geräuschrockbands wie Langeweile, und Schmelzen Sie Banane, sowie stoner Rockbands wie Boris und alternative Taten wie Shonen-Messer (die im Westen von Kurt Cobain verfochten wurden), Pizzicato Fünf und Die Kissen (hat wer internationale Aufmerksamkeit 1999 für den FLCL Soundtrack gewonnen). Herkömmlichere indie schaukeln Künstler wie Ostjugend, Das Band Einzeln und Zahl-Mädchen haben etwas Erfolg in Japan, aber wenig Anerkennung außerhalb ihres Heimatlandes gefunden. Das andere bemerkenswerte internationale Reisen indie Felsen-Taten ist Mono und Nisennenmondai.

Punkrock / Alternative

Frühe Beispiele des Punkrocks / keine Welle in Japan schließen Den SS, Den Sternklub, Den Stalin, Inu, Gaseneta, die Bombe-Fabrik, die Eidechse ein (die durch die Würger erzeugt wurden), und Reibung (dessen Gitarrenspieler Reck vorher mit Teenagerjesus und den Rucken vor dem Zurückbringen nach Tokio gespielt hatte), und Die Blauen Herzen. Die frühe Punkrock-Szene wurde auf dem Film von Sogo Ishii immortalisiert, der die 1982-Filmplatzen-Stadt geleitet hat, die einen Wurf von Punkrock-Bändern/Musikern zeigt, und auch Videos für Den Stalin gefilmt hat. In den 80er Jahren Verwechseln harte Bänder wie GISM, Gaze, Lippe Creme und Systematischer Tod hat begonnen, einige sich vereinigende Überkreuzungselemente zu erscheinen. Die unabhängige Szene hat auch eine verschiedene Zahl von Welle-Künstlern der Alternative/Postpunkrocks/neuen wie Aburadako, P-Modell, Uchoten, Auto-Mod, Dollar-Zecke, Guernica und Yapoos (beide von dem gezeigter Juni Togawa), G-Schmitt, Totsuzen Danball und Jagatara, zusammen mit Geräusch/industriellen Bands wie Hijokaidan und Hanatarashi eingeschlossen.

Ska-Punkrock-Bänder des Endes von neunziger Jahren, in den Jahren 2000 erweiternd, schließen Shakalabbits und 175R (ausgesprochen "inago Reiter") ein.

Schweres Metall

Japan ist dafür bekannt, ein erfolgreiches Gebiet für Metallbänder zu sein, die durch die Welt reisen, und viele Livealben werden in Japan registriert. Bemerkenswerte Beispiele sind Guckloch-Priester hat im Osten, Eisenjungfrau-Jungfrau Japan Losgelassen, Tiefpurpurrot hat im Japan und an Budokan Lebenden Traumtheater Gemacht. Von den internationalen Bands, wie Angra, Sonate haben Arctica und Feldlerche Haupterfolg in Japan gehabt.

Die ersten japanischen schweren Metallbänder haben angefangen, gegen Ende der 1970er Jahre zu erscheinen, die von Bändern wie Bow Wow den Weg gebahnt sind, gebildet 1975 vom Gitarrenspieler Kyoji Yamamoto und der Lautheit, gebildet 1981 vom Gitarrenspieler Akira Takasaki. Obwohl dort andere zeitgenössische Bänder, wie Earthshaker, Hymne und 44 Anderthalbliterflasche bestanden hat, wurden ihre Debüt-Alben nur um die Mitte der achtziger Jahre veröffentlicht, als Metallbänder angefangen haben, eine Hauptaussetzung zu bekommen. Die ersten oversease lebende Leistungen waren durch Bow Wow 1978 in Hongkong und auf dem Montreux Jazzfest in der Schweiz, die ebenso auf dem Lesen-Fest in England 1982 gespielt ist. 1983 hat Lautheit die Vereinigten Staaten und Europa bereist und hat angefangen, sich mehr auf eine internationale Karriere zu konzentrieren. 1985 war eine erste japanische Metalltat, die zu einer führenden Firma in den Vereinigten Staaten unterzeichnet ist. Ihr Album-Donner in den Ost- und Blitzschlägen veröffentlicht 1985 und 1986 hat an der Nummer 74 (während Nummer 4 in der Karte von Heimatland Oricon) und Nummer 64 in der Werbetafel 200 Karten beziehungsweise kulminiert. Bis zum Ende des eightes haben nur zwei andere Bands, Ezo und Dead End, ihre Alben in den Vereinigten Staaten veröffentlichen lassen. In den achtziger Jahren hatten wenige Bänder Teilnehmerinnen, wie vollweibliche Band-Show Ya, der von Keiko Terada und Terra Rosa mit Kazue Akao auf Vokalen gegenübergestanden ist. Im September 1989 Show Yas Album Outerlimits wurde befreit, hat er Nummer 3 in der Album-Karte von Oricon erreicht. Schwere Metallbänder haben ihre Spitze gegen Ende der 80er Jahre erreicht, und viele haben sich bis zur Mitte der 1990er Jahre aufgelöst.

1982 wurden einige der ersten japanischen schicken Metallbänder gebildet, wie Seikima-II mit dem Kabuki-inspirierten Make-Up und das X Japan, wer für die japanische Bewegung bekannt als visueller kei den Weg gebahnt hat, und ist das Erfolgsmetallband geworden. 1985, Seikima-IIs Album Seikima-II - Akuma ga Kitarite Schweres Metall wurde veröffentlicht, und obwohl die erreichte Nummer 48 auf der Album-Karte von Oricon 100,000 in Verkäufen das erste Mal für jedes japanische Metallband zu weit gegangen ist. Ihre Alben geplant regelmäßig in den bis zur Mitte der 90er Jahre ersten zehn. Im April 1989, X Lackiert das zweite Album Blaues Blut wurde veröffentlicht und ist zur Nummer 6 gegangen, und nachdem 108 Wochen auf Karten 712,000 Kopien verkauft haben. Im Juli 1991 wurde ihr drittes und meistgekauftes Album Jelaousy veröffentlicht, es hat die Karten überstiegen und hat 1.11 Millionen Kopien verkauft. Dort wurden mehr zwei Studio-Alben Nummer ein, Kunst des Lebens und der Dahlie, einer Single-Kompilation X Singlen, der ganze Verkauf mehr als eine halbe Million veröffentlicht, und seitdem die Bildung die dreizehnten fünf ersten Singlen hatte, sich 1996 auflösend.

Äußerstes Metall

Japanische äußerste Metallbänder haben sich im Gefolge der amerikanischen und europäischen Welle geformt, aber haben keine größere Aussetzung bekommen, bis die 90er Jahre, und wie in Übersee das Genre gewöhnlich als eine unterirdische Form der Musik in Japan behandelt werden. Verdreschen Sie zuerst Metallbänder gebildet am Anfang der 80er Jahre wie Vereinigter, dessen Musik auch Todesmetallelemente und Verbrechen vereinigt. Die erste internationale Leistung von United hat in Los Angeles auf dem Metallfest "Fundament-Forum" im September 1995 stattgefunden und hatte wenige in Nordamerika veröffentlichte Alben. Gebildet Mitte der 80er Jahre hat Schicksal eine Rauhmaschine in den Vereinigten Staaten im Oktober 1988 an CBGB gespielt, und war bis 2000 wenn entlassen, aktiv.

Die ersten Bands, um schwarze Metallmusik zu spielen, waren Sabbat, der noch, und Bellzlleb aktiv ist, der bis zum Anfang der 90er Jahre aktiv war. Eine andere bemerkenswerte Tat ist Seufzer.

Schicksalmetall hat auch ein Publikum in Japan gewonnen. Die zwei am besten bekannten japanischen Schicksalmetalltaten sind Kirche des Elends und Boris, von denen beide beträchtliche Beliebtheit außerhalb des Landes gewonnen haben.

Electropop und Klub-Musik

Die elektronische Popmusik in Japan ist eine erfolgreiche Ware mit der "Technopop" Verrücktheit des Endes der 70er Jahre und der 80er Jahre geworden. mit dem Gelben Magischen Orchester und den Soloalben von Ryuichi Sakamoto und Haruomi Hosono 1978 vor der schlagenden Beliebtheit in 79/80 beginnend. Unter Einfluss der Disko, impressionistisch und das 20. Jahrhundert klassische Zusammensetzung, Knall des Jazz/Fusion, neue Welle und technopop Künstler wie Kraftwerk und Telex, waren diese Künstler noch kompromisslos kommerziell. Ryuichi Sakamoto behauptet, dass "zu mir, Popmusik machend, nicht ein Kompromiss ist, weil ich daran Freude habe, sie zu tun". Die Künstler, die unter der Schlagzeile von technopop in Japan fallen, sind so lose wie diejenigen, die so im Westen tun, so fallen neue Welle-Bänder wie P-Modell und Der Plastik unter der Kategorie neben den symphonischen techno Maßnahmen des Gelben Magischen Orchesters. Die Beliebtheit dieser Musik hat bedeutet, dass sich viele populäre Künstler der 70er Jahre, die vorher für die akustische Musik bekannt waren, techno Produktion zugewandt haben. solcher weil haben Taeko Onuki und Akiko Yano und Idol-Erzeuger begonnen, elektronische Maßnahmen für neue Sänger in den 80er Jahren zu verwenden. Heute bezahlen neuere Künstler wie Polysics ausführliche Huldigung diesem Zeitalter des Japanisch populär (und in einigen Fällen Untergrundbahn oder schwierig vorzuherrschen) Musik... Und die ganze Trio-Mädchen-Band, die mit 2005 debütiert hat, ist auch eine Techno-Knall-Band, elektronisch, Tanz und Popmusik übernehmend, die Automelodie, Sprachentschlüsselungsgeräte und electrohouse nach ihrem Unterzeichnen zu einer führenden Firma übernimmt. [4] werden Sie zurzeit als eines der populärsten Bänder darin betrachtet.

Tanz und Disko-Musik

1984 ist der Album-Thriller des amerikanischen Musikers Michael Jackson das erste Album durch einen Westkünstler geworden, um mehr als eine Million Kopien in der japanischen Oricon Karte-Geschichte zu verkaufen. Sein Stil wird als eines der Modelle für die japanische Tanzmusik zitiert, die Beliebtheit von Avex Group und Johnny & Associates führend.

1990 hat Avex Trax begonnen, die Eurogeschlagene Superreihe in Japan zu veröffentlichen. Eurogeschlagen in Japan hat geführt die Beliebtheit des Gruppentanzes bilden Absatz-Absatz. Während die Künstler von Avex wie Jeder Kleine Thing und Ayumi Hamasaki populär in den 1990er Jahren geworden sind, haben neue Namen gegen Ende der 90er Jahre Hikaru Utada und Morning Musume eingeschlossen. Das Debüt-Album von Hikaru Utada, die Erste Liebe, hat fortgesetzt, das im höchsten Maße verkaufende Album in Japan mit mehr als 7 Millionen verkauften Kopien zu sein, wohingegen Ayumi Hamasaki Japans Spitzenverkauf der Frau und des Solokünstlers geworden ist, und Morgenmusume eine der wohl bekanntesten Mädchen-Gruppen in der japanischen Popmusik-Industrie bleibt.

Hüfte-Sprung

Hüfte-Sprung ist eine neuere Form der Musik auf der japanischen Musik-Szene. Viele haben gefunden, dass es eine Tendenz war, die sofort gehen würde. Jedoch hat das Genre viele Jahre lang gedauert und gedeiht noch. Tatsächlich haben Rapper in Japan den Erfolg von Künstlern des Hüfte-Sprungs in anderen Ländern bis zum Ende der 1980er Jahre nicht erreicht. Das war hauptsächlich wegen der Musik Glaube in der Welt, dass "japanische Sätze dazu nicht fähig waren, die reimende Wirkung zu bilden, die in den Liedern der amerikanischen Rapper enthalten wurde." Es gibt eine bestimmte, bestimmte Struktur zur Musik-Industrie genannt "Die Pyramide-Struktur einer Musik-Szene". Wie Ian Condry bemerkt, "stellt das Ansehen einer Musik-Szene in Bezug auf eine Pyramide mehr Nuanced-Verstehen dessen zur Verfügung, wie man die Bedeutung von verschiedenen Niveaus und Arten des Erfolgs interpretiert." Die Niveaus sind wie folgt (vom niedrigsten bis höchsten): Anhänger und potenzielle Künstler, Künstler durchführend, Künstler (indies), Künstler der führenden Firma und Megaerfolg-Sterne registrierend. Diese verschiedenen Niveaus können klar an einem genba oder Nachtklub gesehen werden. Verschiedene "Familien" von Rappern leisten auf der Bühne. Eine Familie ist im Wesentlichen eine Sammlung von Klopfen-Gruppen, die gewöhnlich durch eine der berühmteren Taten von Tokio angeführt werden, die auch mehrere Schützlinge einschließen. Sie sind wichtig, weil sie "der Schlüssel zum Verstehen stilistischer Unterschiede zwischen Gruppen sind." Anhänger des Hüfte-Sprungs im Publikum sind diejenigen in der Kontrolle des Nachtklubs. Sie sind die Richter, die die Sieger in Klopfen-Kämpfen auf der Bühne bestimmen. Ein Beispiel davon kann mit dem Kampf zwischen Klopfen-Künstlern Dabo (ein Künstler der führenden Firma) und Kan (ein indie Künstler) gesehen werden. Kan hat Dabo zu einem Kampf auf der Bühne herausgefordert, während Dabo Mitte Leistung war. Ein anderer wichtiger Teil von Nachtklubs wurde in dieser Zeit gezeigt. Es hat "die Offenheit der Szene und die Flüssigkeit von Grenzen in Klubs gezeigt."

Wurzelmusik

Gegen Ende der 1980er Jahre sind Wurzelbänder wie Shang Shang Typhoon und Der Boom populär geworden. Wurzelbänder von Okinawan wie Nenes und Kina waren auch gewerblich und kritisch erfolgreich. Das hat zur zweiten Welle der Musik von Okinawan geführt, die durch den plötzlichen Erfolg von Rinkenband geführt ist. Eine neue Welle von Bändern, ist einschließlich der Come-Backs von Champluse und Kina, wie geführt, durch Kikusuimaru Kawachiya gefolgt; sehr ähnlich kawachi ist ondo der goshu von Tadamaru Sakuragawa ondo.

Latein, Reggae und ska Musik

Andere Formen der Musik von Indonesien, Jamaika und anderswohin wurden assimiliert. Afrikanischer soukous und lateinische Musik, wie Orquesta de la Luz (), waren populär, wie jamaikanischer Reggae und ska war, der durch Maus-Zähne, Stummen Beat, La-ppisch, Nach Hause Angebaute und Ska Flammen, Entschlüsse und Tokio Ska Paradies-Orchester veranschaulicht ist.

Geräuschmusik

Eine andere anerkannte Musik-Form von Japan ist Geräuschmusik. Das Geräusch aus diesem Land wird Japanoise genannt. Sein prominentester Vertreter ist Masami Akita mit seinem Projektmerzbow.

Thema-Musik

Thema-Musik, die für Filme, anime, Tokusatsu und japanische Fernsehdramen zusammengesetzt ist, wird als ein getrenntes Musik-Genre betrachtet. Mehrere prominente Musikkünstler und Gruppen haben die meisten ihrer Musikkarrieren ausgegeben, die Erkennungsmelodien durchführen und Soundtracks für Sehmedien zusammensetzen. Solche Künstler schließen Masato Shimon ein (aktueller Halter der Weltaufzeichnung für die erfolgreichste Single in Japan für "Oyoge! Taiyaki-kun"), Ichirou Mizuki, alle Mitglieder des MARMELADE-Projektes, Akira Kushida, Isao Sasaki, und Mitsuko Horie. Bemerkenswerte Komponisten der japanischen Thema-Musik schließen Joe Hisaishi, Michiru Oshima, Yoko Kanno, Toshihiko Sahashi, Yuki Kajiura, Kōtarō Nakagawa ein und.

Spielmusik

Als die ersten elektronischen Spiele verkauft wurden, hatten sie nur rudimentäre gesunde Chips, mit denen man Musik erzeugt. Da die Technologie, die Qualität des Tons und der Musik vorwärts gegangen ist, die diese Spielmaschinen vergrößert drastisch erzeugen konnten. Das erste Spiel, um Kredit für seine Musik zu nehmen, war Xevious, der auch für seine tief (damals) gebauten Geschichten beachtenswert ist. Obwohl viele Spiele schöne Musik gehabt haben, um ihren gameplay zu begleiten, ist eines der wichtigsten Spiele in der Geschichte der Videospiel-Musik Drache-Suche. Koichi Sugiyama, ein Komponist, der für seine Musik für verschiedenen anime und TV-Shows, einschließlich Cyborg 009 und ein Hauptfilm von Godzilla dagegen bekannt war. Biollante, wurde am Projekt aus der reinen Wissbegierde beteiligt und hat bewiesen, dass Spiele ernste Soundtracks haben können. Bis zu seiner Beteiligung wurden Musik und Töne häufig in der Entwicklung von Videospielen vernachlässigt, und Programmierer mit wenigen Musikkenntnissen wurden gezwungen, die Soundtracks ebenso zu schreiben. Unerschrocken durch technologische Grenzen hat Sugiyama mit nur 8 Teil-Polyfonie gearbeitet, um einen Soundtrack zu schaffen, der den Spieler trotz Stunden und Stunden von gameplay nicht ermüden würde.

Ein anderer wohl bekannter Autor der Videospiel-Musik ist Nobuo Uematsu. Sogar die früheren Zusammensetzungen von Uematsu für die Spielreihe, Endfantasie, auf Famicom (Nintendo Unterhaltungssystem in Amerika) werden für die volle Orchesterkerbe eingeordnet. 2003 hat er sogar seine Felsmelodien von ihrem ursprünglichen MIDI-Format genommen und hat Den Schwarzen Mages geschaffen.

Yasunori Mitsuda ist ein hoch bekannter Komponist solcher Spiele wie Xenogears, Xenosaga Episode I, Chrono Kreuz und Chrono-Abzug.

Koji Kondo, der Hauptkomponist für Nintendo, ist auch auf der japanischen Spielmusik-Szene prominent. Er ist für die Themen von Zelda und Mario am besten bekannt.

Motoi Sakuraba ist auch ein anderer wohl bekannter Videospiel-Komponist. Er ist bekannt, für die Märchen-Reihe, die Dunklen Seelen, die Ewige Sonate, den Sternozean, das Walküre-Profil, die Goldene Sonne, und die Spiele von Baten Kaitos, sowie die zahlreichen Spiele von Mario Sports zusammenzusetzen.

Die techno/trance Musik-Produktionsgruppe ich habe Ton, hat einen Namen für sich zuerst gemacht, indem sie Themen für eroge Computerspiele, und dann macht, indem sie in die anime Szene einbricht, indem sie Themen für sie zusammensetzt. Verschieden von anderen ist diese Gruppe im Stande gewesen, Anhänger in anderen Teilen der Welt durch ihren eroge und anime Themen zu finden.

Heute werden Spielsoundtracks auf der CD verkauft. Berühmte Sänger wie Hikaru Utada, Ayumi Hamasaki und Gackt singen manchmal Lieder für Spiele ebenso, und das wird auch als eine Weise für Sänger gesehen, Namen für sich zu machen.

Siehe auch

• Band-Vereinigung von Volljapan
• Buddhistische Musik
• Chindonya
• Enka
• Gruppe lässt erklingen
• Japanischer harter Kern
• Japanischer Hüfte-Sprung
• Japanischer ska
• Japanoise
• J-Knall
• Oricon
• Ryūkōka
• Seiyū
• Shibuya-kei
• Shintō Musik
• Visueller kei
• Tokio Kosei Windorchester
• Liste von japanischen Rockbands
• Die Liste der japanischen Hüfte hüpft über Musiker
• Liste von J-Knall-Künstlern
• In der Skala

Links

• Audiobüroklammern: Traditionelle Musik Japans. Musée d'Ethnographie de Genève. Zugegriffen am 25. November 2010.
• BBC-Radio 3 Audio (60 Minuten): Sänger von Minyo und Taiko, der trommelt. Zugegriffen am 25. November 2010.
• BBC-Radio 3 Audio (60 Minuten): Sadao China, Yoreko Genako, Das Rinken Band. Zugegriffen am 25. November 2010.
• columbia.jp - japanische Traditionelle Musik