Abstrakte Kunst verwendet eine Sehsprache der Form, Farbe und Linie, um eine Zusammensetzung zu schaffen, die mit einem Grad der Unabhängigkeit von Sehverweisungen in der Welt bestehen kann. Westkunst war von der Renaissance bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts gewesen, das durch die Logik der Perspektive und eines Versuchs unterstützt ist, ein Trugbild der sichtbaren Wirklichkeit wieder hervorzubringen. Die Künste von Kulturen außer dem Europäer waren zugänglich geworden und haben alternative Weisen gezeigt, Seherfahrung dem Künstler zu beschreiben. Am Ende des 19. Jahrhunderts haben viele Künstler ein Bedürfnis gefühlt, eine neue Art der Kunst zu schaffen, die die grundsätzlichen Änderungen umfassen würde, die in der Technologie, Wissenschaft und Philosophie stattfinden. Die Quellen, von denen individuelle Künstler ihre theoretischen Argumente gezogen haben, waren verschieden, und haben die sozialen und intellektuellen Hauptbeschäftigungen in allen Gebieten der Westkultur damals widerspiegelt.

Abstrakte nichtbildliche Kunstkunst, nichtobjektive Kunst und Nichtvertretungskunst werden Begriffe lose verbunden. Sie, sind obwohl vielleicht nicht der identischen Bedeutung ähnlich.

Abstraktion zeigt eine Abfahrt von der Wirklichkeit im Bild von Bildern in der Kunst an. Diese Abfahrt von der genauen Darstellung kann nur gering sein, oder es kann teilweise sein, oder es kann abgeschlossen sein. Abstraktion besteht entlang einem Kontinuum. Wie man sagen kann, ist sogar Kunst, die auf Wahrscheinlichkeit des höchsten Grads zielt mindestens theoretisch abstrakt, da vollkommene Darstellung wahrscheinlich außerordentlich schwer erfassbar sein wird. Gestaltungsarbeit, die sich Freiheiten herausnimmt, sich zum Beispiel verändernd, färbt sich und formt sich auf Weisen, die auffallend sind, kann gesagt werden, teilweise abstrakt zu sein. Gesamtabstraktion trägt keine Spur jeder Verweisung auf irgendetwas Erkennbares. In der geometrischen Abstraktion, zum Beispiel, wird man kaum Verweisungen auf naturalistische Entitäten finden. Bildliche Kunst- und Gesamtabstraktion ist fast gegenseitig exklusiv. Aber bildlich und Vertretungs-(oder realistisch) enthält Kunst häufig teilweise Abstraktion.

Sowohl geometrische Abstraktion als auch lyrische Abstraktion sind häufig völlig abstrakt. Unter den sehr zahlreichen Kunstbewegungen, die teilweise Abstraktion aufnehmen, würde zum Beispiel fauvism sein, in dem Farbe gegenüber der Wirklichkeit und dem Kubismus auffallend und absichtlich verändert wird, der offensichtlich die Formen der echten gezeichneten Lebensentitäten verändert.

Geschichte

Abstraktion in der frühen Kunst und vielen Kulturen

Viel von der Kunst von früheren Kulturen - Zeichen und Zeichen auf Töpferwaren, Textilwaren, und Inschriften und Bildern auf dem Felsen - waren einfache, geometrische und geradlinige Formen, die einen symbolischen oder dekorativen Zweck gehabt haben könnten. Es ist an diesem Niveau des Sehmeinens, dass abstrakte Kunst kommuniziert. Man kann die Schönheit der chinesischen Kalligrafie oder islamischen Kalligrafie genießen ohne im Stande zu sein, es zu lesen.

Das 19. Jahrhundert

Drei Kunstbewegungen, die zur Entwicklung der abstrakten Kunst beigetragen haben, waren Romantik, Impressionismus und Expressionismus. Die künstlerische Unabhängigkeit für Künstler wurde während des 19. Jahrhunderts vorgebracht. Die Schirmherrschaft von der Kirche hat sich vermindert, und die private Schirmherrschaft vom Publikum ist fähiger dazu geworden, einen Lebensunterhalt für Künstler zur Verfügung zu stellen.

]]

Frühe Andeutungen einer neuen Kunst waren von James McNeill Whistler gemacht worden, der, in seiner Malerei, (1872), größeren Wert auf die Sehsensation gelegt hat als das Bild von Gegenständen. Ein objektives Interesse daran, was gesehen wird, kann von den Bildern des Polizisten von John, J M W Turners, Camille Corots und von ihnen bis die Impressionisten wahrgenommen werden, die die plein Luftmalerei der Schule von Barbizon fortgesetzt haben. Paul Cézanne hatte als ein Impressionist begonnen, aber sein Ziel - um einen logischen Aufbau der Wirklichkeit gestützt auf einer Ansicht von einem einzelnen Punkt, mit der abgestimmten Farbe in flachen Gebieten zu machen - ist die Basis einer neuen Sehkunst geworden, um später in den Kubismus von Georges Braque und Pablo Picasso entwickelt zu werden.

Expressionistische Maler haben den kühnen Gebrauch der Farbe-Oberfläche erforscht, Verzerrungen und Überspitztheit und intensive Farbe ziehend. Expressionisten haben emotional beladene Bilder erzeugt, die Reaktionen zu und Wahrnehmungen der zeitgenössischen Erfahrung waren; und Reaktionen zum Impressionismus und den anderen konservativeren Richtungen des Endes der Malerei des 19. Jahrhunderts. Die Expressionisten haben drastisch die Betonung auf dem Gegenstand für die Beschreibung von Seelenzuständen davon geändert, zu sein. Obwohl Künstler wie Edvard Munch und James Ensor Einflüsse hauptsächlich von der Arbeit der Postimpressionisten gezogen haben, waren sie zum Advent der Abstraktion im 20. Jahrhundert instrumental.

Zusätzlich gegen Ende des 19. Jahrhunderts in der Mystik von Osteuropa und dem frühen Modernisten religiöse Philosophie, wie ausgedrückt, durch den Theosophen Mme. Blavatsky hatte einen tiefen Einfluss auf Pionier geometrische Künstler wie Wassily Kandinsky und Niederfrequenz von Hilma Klint. Das mystische Unterrichten von Georges Gurdjieff und P.D. Ouspensky hatte auch einen wichtigen Einfluss auf die frühen Bildungen der geometrischen abstrakten Stile von Piet Mondrian und seinen Kollegen am Anfang des 20. Jahrhunderts.

Das 20. Jahrhundert

Postimpressionismus, wie geübt, durch Paul Gauguin, Georges Seurat, Vincent van Gogh und Paul Cézanne hatte einen enormen Einfluss auf Kunst des 20. Jahrhunderts und hat zum Advent der Abstraktion des 20. Jahrhunderts geführt. Das Erbe von Malern wie Van Gogh, Cézanne, Gauguin und Seurat war für die Entwicklung der modernen Kunst notwendig. Am Anfang des 20. Jahrhunderts haben Henri Matisse und mehrere andere junge Künstler einschließlich des Vorkubisten Georges Braque, André Derains, Raoul Dufys und Maurice de Vlamincks die Pariser Kunstwelt mit "wildem", Mehrfarben-, ausdrucksvollem, Landschaften und Zahl-Bildern dass die Kritiker genannt Fauvism revolutioniert. Mit seinem ausdrucksvollen Gebrauch der Farbe und seiner freien und fantasievollen Zeichnung kommt Henri Matisse sehr in der Nähe von der reinen Abstraktion im französischen Fenster an Collioure, (1914), Ansicht von der Notre-Dame, (1914), und Der Gelbe Vorhang von 1915. Die rohe Sprache der Farbe, wie entwickelt, durch Fauves hat direkt einen anderen Pionier der Abstraktion Wassily Kandinsky beeinflusst (sieh Illustration).

Obwohl Kubismus schließlich von Gegenstand abhängt, ist es, zusammen mit Fauvism, die Kunstbewegung geworden, die direkt die Tür zur Abstraktion im 20. Jahrhundert geöffnet hat. Pablo Picasso hat seine ersten kubistischen Bilder gestützt auf der Idee von Cézanne gemacht, dass das ganze Bild der Natur auf drei Festkörper reduziert werden kann: Würfel, Bereich und Kegel. Mit der Malerei Les Demoiselles d'Avignon 1907 hat Picasso drastisch ein neues und radikales Bild geschaffen, das eine rohe und primitive Bordell-Szene mit fünf Prostituierten, gewaltsam gemalten Frauen zeichnet, die an afrikanische Stammesmasken und seine eigenen neuen kubistischen Erfindungen erinnernd sind. Analytischer Kubismus wurde von Pablo Picasso und Georges Braque ungefähr von 1908 bis 1912 gemeinsam entwickelt. Analytischem Kubismus, der ersten klaren Manifestation des Kubismus, wurde vom Synthetischen Kubismus gefolgt, der von Braque, Picasso, Fernand Léger, Juan Gris, Albert Gleizes, Marcel Duchamp und unzähligen anderen Künstlern in die 1920er Jahre geübt ist. Synthetischer Kubismus wird durch die Einführung von verschiedenen Texturen, Oberflächen, Collage-Elementen, papier collé und einer großen Vielfalt des verschmolzenen Gegenstands charakterisiert. Die Collage-Künstler wie Kurt Schwitters und waren Man Ray und andere, die den Hinweis vom Kubismus nehmen, zur Entwicklung der Bewegung genannt Dada instrumental.

Der italienische Dichter Marinetti hat 'Die Gründung und das Manifest des Futurismus' 1909 veröffentlicht, der Künstler wie Carlo Carra in, Malerei von Tönen, Geräuschen und Gerüchen und Umberto Boccioni Train in der Bewegung, 1911 zu einer weiteren Bühne der Abstraktion begeistert hat und tief Kunstbewegungen überall in Europa beeinflusst hat.

1913 hat der Dichter Guillaume Appollinaire die Arbeit von Robert und Sonia Delaunay, Orphism genannt. Er hat es als, die Kunst definiert, neue Strukturen aus Elementen zu malen, die vom Sehbereich nicht geliehen worden sind, aber völlig vom Künstler geschaffen worden waren..., ist es eine reine Kunst.

Seit der Jahrhundertwende waren kulturelle Verbindungen zwischen Künstlern der amerikanischen und europäischen Hauptstädte äußerst aktiv geworden, als sie sich gemüht haben, eine den hohen Sehnsüchten des Modernismus gleiche Kunstform zu schaffen. Ideen sind im Stande gewesen, mittels Künstler-Bücher, Ausstellungen und Manifeste quer-zufruchtbar machen, so dass viele Quellen für das Experimentieren und die Diskussion offen waren, und hat eine Basis für eine Ungleichheit von Weisen der Abstraktion gebildet. Der folgende Extrakt von, 'Die Welt Umgekehrt' gibt ein Eindruck des Zwischenzusammenhangs der Kultur zurzeit:

Von 1909 bis 1913 waren viele experimentelle Arbeiten in der Suche nach dieser 'reinen Kunst' geschaffen worden: Francis Picabia hat Kautschuk, 1909, Der Frühling, 1912, Tänze im Frühling und Dem Umzug, Sevilla, 1912 gemalt; Wassily Kandinsky hat Unbetitelt (die Erste Abstrakte Aquarellmalerei), 1910, Improvisation 21A, die Eindruck-Reihe und das Bild mit einem Kreis (1911) gemalt; František Kupka hatte die Arbeiten von Orphist, Scheiben des Newtons (Studie für die Fuge in Zwei Farben), 1912 und Amorpha, Fugue en deux couleurs (Fuge in Zwei Farben), 1912 gemalt; Robert Delaunay hat eine Reihe genannt Gleichzeitiges Windows und Formes Circulaires, Soleil n°2 (1912-13) gemalt; Léopold Survage hat Farbigen Rhythmus (Studie für den Film), 1913 geschaffen; Piet Mondrian, gemaltes Gemälde Nr. 1 und Komposition Nr. 11, 1913.

Und die Suche hat weitergegangen: Die Rayist (Luchizm) Zeichnungen von Natalia Goncharova und Michail Larionov, verwendeten Linien wie Strahlen des Lichtes, um einen Aufbau zu machen. Kasimir Malevich hat seine erste völlig abstrakte Arbeit, Suprematist, 'der Black Square', 1915 vollendet. Eine andere der Gruppe von Suprematist' Liubov Popova, geschaffen die Architektonischen Aufbauten und Raumkraft-Aufbauten zwischen 1916 und 1921. Piet Mondrian entwickelte seine abstrakte Sprache, horizontaler und vertikaler Linien mit Rechtecken der Farbe, zwischen 1915 und 1919, Neo-Plasticism war das ästhetische, das Mondrian, Theo van Doesburg und anderer in der Gruppe De Stijl vorgehabt hat, die Umgebung der Zukunft neu zu formen.

Musik

Sehkunst, weil es abstrakter wird, wird mehr wie Musik: Eine Kunstform, die die abstrakten Elemente des Tons und Abteilungen der Zeit verwendet. Wassily Kandinsky, selbst ein Musiker, wurde durch die Möglichkeit von Zeichen und assoziativer in der Seele überwältigender Farbe begeistert. Die Idee war von Charles Baudelaire vorgebracht worden, dass alle unsere Sinne auf verschiedene Stimuli antworten, aber die Sinne werden an einem tieferen ästhetischen Niveau verbunden.

Nah verbunden damit, ist die Idee, dass Kunst Die geistige Dimension hat und 'tägliche' Erfahrung überschreiten kann, ein geistiges Flugzeug erreichend. Die Theosophische Gesellschaft hat den alten Verstand der heiligen Bücher Indiens und Chinas in den frühen Jahren des Jahrhunderts verbreitet. Es war in diesem Zusammenhang, dass Piet Mondrian, Wassily Kandinsky, Niederfrequenz von Hilma Klint und andere Künstler, die zu 'objectless Staat' arbeiten, interessiert für den Okkultismus als eine Weise geworden sind, einen 'inneren' Gegenstand zu schaffen.

Die universalen und ewigen Gestalten haben in der Geometrie gefunden: Der Kreis, das Quadrat und das Dreieck werden die spacial Elemente in der abstrakten Kunst; sie, sind wie Farbe, grundsätzliche Systeme, die sichtbarer Wirklichkeit unterliegen.

Russische Avantgarde

Viele der abstrakten Künstler in Russland sind Constructivists geworden glaubend, dass Kunst nicht mehr etwas Entferntes, aber Leben selbst war. Der Künstler muss ein Techniker werden, lernend, die Werkzeuge und Materialien der modernen Produktion zu verwenden. Kunst ins Leben! war der Slogan von Vladimir Tatlin und dieser aller zukünftigen Constructivists. Varvara Stepanova und Alexandre Exter und andere haben Staffelei-Malerei aufgegeben und haben ihre Energien zum Theater-Design und den grafischen Arbeiten abgelenkt.

Auf der anderen Seite hat Kazimir Malevich, Anton Pevsner und Naum Gabo gestanden. Sie haben behauptet, dass Kunst im Wesentlichen eine geistige Tätigkeit war; den Platz der Person in der Welt zu schaffen, Leben in einem praktischen, materialistischen Sinn nicht zu organisieren. Viele von denjenigen, die gegen die Materialist-Produktionsidee von der Kunst feindlich waren, haben Russland verlassen. Anton Pevsner ist nach Frankreich gegangen, Gabo ist zuerst nach Berlin dann nach England und schließlich nach Amerika gegangen. Kandinsky hat in Moskau studiert dann ist nach Bauhaus abgereist. Durch die Mitte der 1920er Jahre war die revolutionäre Periode (1917 bis 1921), als Künstler frei gewesen waren zu experimentieren, zu Ende; und vor den 1930er Jahren wurde nur sozialer Realist-Kunst erlaubt.

Der Bauhaus

Der Bauhaus an Weimar, Deutschland wurde 1919 von Walter Gropius gegründet. Die Philosophie, die dem lehrenden Programm unterliegt, war Einheit aller Seh- und Plastikkünste von der Architektur und zum Weben und Farbglas malend. Diese Philosophie war von den Ideen von der Kunst- und Handwerk-Bewegung in England und Deutscher Werkbund gewachsen. Unter den Lehrern waren Paul Klee, Wassily Kandinsky, Johannes Itten, Josef Albers, Anni Albers, Theo van Doesburg und Laszlo Moholy-Nagy. 1925 wurde die Schule zu Dessau bewegt und, weil die nazistische Partei Kontrolle 1932 gewonnen hat, wurde Der Bauhaus geschlossen. 1937 eine Ausstellung der degenerierten Kunst, 'Entartete Kunst' alle Typen der avantgardistischen von der nazistischen Partei missbilligten Kunst enthalten hat. Dann hat der Exodus begonnen: nicht nur von Bauhaus, aber von Europa im Allgemeinen; nach Paris, London und Amerika. Paul Klee ist in die Schweiz gegangen, aber viele der Künstler an Bauhaus sind nach Amerika gegangen.

Abstraktion in Paris und London

Während der 1930er Jahre ist Paris der Gastgeber Künstlern von Russland, Deutschland, Holland und anderen europäischen durch den Anstieg des Totalitarismus betroffenen Ländern geworden. Sophie Tauber und Jean Arp haben an Bildern und Skulptur mit organischen/geometrischen Formen zusammengearbeitet. Der polnische Katarzyna Kobro hat mathematisch gestützte Ideen zur Skulptur angewandt. Die vielen Typen der Abstraktion jetzt in der nächsten Nähe haben zu Versuchen durch Künstler geführt, die verschiedenen begrifflichen und ästhetischen Gruppierungen zu analysieren. Eine Ausstellung durch sechsundvierzig Mitglieder der von Michel Seuphor organisierten Gruppe von Cercle und Carré hat Arbeit von Neo-Plasticists sowie abstractionists so verschieden enthalten wie Kandinsky, Anton Pevsner und Kurt Schwitters. Kritisiert von Theo van Doesburg, um eine zu unbestimmte Sammlung zu sein, veröffentlicht er die Zeitschriftenkunst Concret das Darlegen eines Manifests, das eine abstrakte Kunst definiert, in der die Linie, Farbe und Oberfläche nur, die konkrete Wirklichkeit sind. Abstraktion-Création hat 1931 als eine offenere Gruppe, zur Verfügung gestellt ein Maßstab für abstrakte Künstler gegründet, weil sich die politische Situation 1935, und Künstler wieder umgruppiert, viele in London verschlechtert hat. Die erste Ausstellung der britischen abstrakten Kunst wurde in England 1935 gehalten. Im nächsten Jahr wurde die internationalere Abstrakte und Konkrete Ausstellung von Nicolete Gray einschließlich der Arbeit von Piet Mondrian, Joan Miró, Barbara Hepworth und Ben Nicholson organisiert. Hepworth, Nicholson und Gabo haben sich zur Gruppe von St. Ives in Cornwall bewegt, um ihre 'Constructivist'-Arbeit fortzusetzen.

Amerika: Mitte des Jahrhunderts

Während des nazistischen Anstiegs, um in den 1930er Jahren viele Künstler anzutreiben, ist aus Europa in die Vereinigten Staaten geflohen. Bis zum Anfang der 1940er Jahre wurden die Hauptbewegungen in moderner Kunst, Expressionismus, Kubismus, Abstraktion, Surrealismus und dada in New York vertreten: Marcel Duchamp, Fernand Léger, Piet Mondrian, Jacques Lipchitz, Max Ernst, André Breton, war gerade einige der verbannten Europäer, die in New York angekommen sind. Die reichen kulturellen von den europäischen Künstlern gebrachten Einflüsse waren destilliert und auf durch lokale New Yorker Maler gebaut. Das Klima der Freiheit in New York hat allen diesen Einflüssen erlaubt zu gedeihen. Die Kunstgalerien, die sich in erster Linie auf europäische Kunst konzentriert hatten, haben begonnen, die lokale Kunstgemeinschaft und die Arbeit von jüngeren amerikanischen Künstlern zu bemerken, die begonnen hatten reif zu werden. Sicher in diesen Künstlern ist ausgesprochen abstrakt in ihrer reifen Arbeit geworden.

Einige Künstler der Periode haben sich über Kategorisierung wie Georgia O'Keeffe hinweggesetzt, die, während ein Modernist abstractionist, ein reiner Außenseiter war, in dem sie hoch abstrakte Formen gemalt hat, während sie sich jeder spezifischen Gruppe der Periode nicht angeschlossen hat.

Schließlich amerikanische Künstler, die in einer großen Ungleichheit von Stilen arbeiteten, haben begonnen, in zusammenhaltende stilistische Gruppen zu verschmelzen. Die am besten bekannte Gruppe von amerikanischen Künstlern ist bekannt als die Abstrakten Expressionisten und die New Yorker Schule geworden. In New York City gab es eine Atmosphäre, die Diskussion gefördert hat und es neue Gelegenheit gab, um zu erfahren und zu wachsen. Künstler und Lehrer John D. Graham und Hans Hofmann sind wichtige Brücke-Zahlen zwischen den kürzlich angekommenen europäischen Modernisten und den jüngeren amerikanischen Künstlern geworden, die volljährig kommen. Mark Rothko, der in Russland geboren ist, hat mit stark surrealistischen Bildern begonnen, die sich später in seine starken Farbenzusammensetzungen des Anfangs der 1950er Jahre aufgelöst haben. Die expressionistische Geste und die Tat der Malerei von sich, ist aus primärer Wichtigkeit Jackson Pollock und Franz Kline geworden. Während während der 1940er Jahre sich die bildliche Arbeit von Arshile Gorky und Willem de Koonings zur Abstraktion am Ende des Jahrzehnts entwickelt hat. New York City ist das Zentrum geworden, und Künstler weltweit sind davon angezogen geworden; von anderen Plätzen in Amerika ebenso.

Abstraktion im 21. Jahrhundert

Eine allgemein gehaltene Idee besteht darin, dass Pluralismus Kunst am Anfang des 21. Jahrhunderts charakterisiert. Es gibt keine Einigkeit, noch Bedürfnis, dort betreffs eines vertretenden Stils des Alters sein. Es gibt erlaubt ist, was gefällt Einstellung, die vorherrscht; "alles", und folglich "nichts weitergehend, auf" Syndrom gehend; das schafft einen ästhetischen Rückstau ohne feste und klare Richtung und mit jeder Gasse auf der künstlerischen zur Kapazität gefüllten Autobahn. Folglich großartige und wichtige Kunstwerke setzen fort, obgleich in einem großen Angebot an Stilen und ästhetischen Temperamenten, der Marktplatz gemacht zu werden, der wird verlässt, Verdienst zu beurteilen.

Digitalkunst, Computerkunst, Internetkunst, Malerei des harten Randes, geometrische Abstraktion, Aneignung, Hyperrealismus, Photorealismus, Expressionismus, Minimalismus, lyrische Abstraktion, Pop-Art, op Kunst, abstrakter Expressionismus, Farbenfeldmalerei, monochrome Malerei, Neo-Expressionismus, Collage, decollage, Zwischenmedien, Zusammenbau, Digitalmalerei, postmoderne Kunst, neo-Dada Malerei, haben Leinwand-Malerei, Umweltwandmalerei-Malerei gestaltet, Graffiti, Zahl-Malerei, ist Landschaft-Malerei, Bildnis-Malerei, einige ständige und aktuelle Richtungen am Anfang des 21. Jahrhunderts.

Ins 21. Jahrhundert bleibt Abstraktion sehr viel in Sicht, seine Hauptthemen: Das transzendentale, das nachdenkliche und das ewige sind exempified durch Barnett Newman, John McLaughlin, und Agnes Martin sowie jüngere lebende Künstler. Die Kunst als Gegenstand, wie gesehen, in der Minimalist-Skulptur von Donald Judd und den Bildern von Frank Stella wird noch heute in neueren Versetzungen gesehen. Die poetische, Lyrische Abstraktion und der sinnliche Gebrauch der Farbe, die in der Arbeit von Malern so gesehen ist, verschieden wie Robert Motherwell, Patrick Heron, Kenneth Noland, Sam Francis, Cy Twombly, Richard Diebenkorn, Helen Frankenthaler, Joan Mitchell, unter anderen.

Es gab ein Wiederaufleben nach dem Krieg und in die 1950er Jahre des bildlichen, als neo-Dada fluxus, Ereignis, Begriffskunst, Neo-Expressionismus, Installationskunst, Leistungskunst, Videokunst und Pop-Art gekommen sind, um das Alter der Verbraucherschutzbewegung zu bedeuten. Die Unterscheidung zwischen der abstrakten und bildlichen Kunst, im Laufe der letzten zwanzig Jahre, ist das weniger definierte Verlassen einer breiteren Reihe von Ideen für alle Künstler geworden.

Verursachung

Eine sozialhistorische Erklärung, die für das wachsende Vorherrschen des Auszugs in der modernen Kunst - einer Erklärung angeboten worden ist, die mit dem Namen von Adorno verbunden ist - besteht darin, dass solche Abstraktion eine Antwort auf, und ein Nachdenken, die wachsende Abstraktion von sozialen Beziehungen in der Industriegesellschaft ist.

Frederic Jameson sieht ähnlich Modernist-Abstraktion als eine Funktion der abstrakten Macht des Geldes, alle Dinge ebenso als Tauschwerte ausgleichend. Der soziale Inhalt der abstrakten Kunst ist dann genau die abstrakte Natur von sozialer Existenz - gesetzlichen Formalitäten, bürokratischem impersonalisation, Information/Macht - in der Welt der späten Modernität.

Post-Jungians würde im Vergleich die Quant-Theorien mit ihrem Zerfall von herkömmlichen Ideen von der Form und Sache sehen als, der Scheidung des Betons und des Auszugs in der modernen Kunst unterliegend.

Galerie

Image:Newman-Onement 1.jpg|Barnett Newman, Onement1

Image:Leger Eisenbahn sich treffender jpg|Fernand Léger 1919, Eisenbahn, die Sich Trifft

Image:Mondrian Comp10.jpg|Piet Mondrian, Komposition Nr. 10

Image:Theo van Doesburg Counter-CompositionV (1924).jpg|Theo Gegenkomposition V von van Doesburg

</Galerie>

Siehe auch

• Piet (Programmiersprache), eine esoterische Programmiersprache, deren Programme bitmaps sind, die wie abstrakte Kunst, genannt nach dem holländischen Maler, Piet Mondrian aussehen

Quellen

Außenverbindungen

• Der Begriff "Abstrakte Kunst, die" über an Tate Modern online-gesprochen ist
• Der Begriff "Nichtobjektive Kunst, die" über an Tate Modern online-gesprochen ist
• Der Begriff "Abstraktion", die über am Museum der Modernen Kunst durch Nelson Goodman von Wäldchen-Kunst Online-gesprochen ist
• Wissenschaftliche Untersuchung in der modernen Kunst
• Amerikanische abstrakte Künstler
• Nicht Bildliche Kunst hat erklärt

</noinclude>