Der Musikfilm ist ein Filmgenre, in dem durch die Charaktere gesungene Lieder in den Bericht verwebt werden, der manchmal durch das Tanzen begleitet ist. Die Lieder bringen gewöhnlich den Anschlag vor oder entwickeln die Charaktere des Films, obwohl in einigen Fällen sie bloß als Einbrüche der Handlung der Geschichte, häufig als wohl durchdachte "Produktionszahlen" dienen. Ein Subgenre des Musikfilms ist die musikalische Komödie, die auch ein starkes Element des Humors einschließt.

Der Musikfilm war eine natürliche Entwicklung des Bühne-Musicals nach dem Erscheinen der gesunden Filmtechnik. Gewöhnlich ist der größte Unterschied zwischen Film und Bühne-Musicals der Gebrauch der großzügigen Hintergrundlandschaft und Positionen, die in einem Theater unpraktisch sein würden. Musikfilme enthalten charakteristisch an das Theater erinnernde Elemente; Darsteller behandeln häufig ihr Lied und Tanzzahlen, als ob es eine lebende Publikum-Beobachtung gibt. Gewissermaßen wird der Zuschauer das deictic Publikum, weil der Darsteller direkt in die Kamera blickt und dazu leistet.

Musikfilme in der Westwelt

Das klassische gesunde Zeitalter

betrachtet, sind die 1930er Jahre im Laufe der 1960er Jahre das Goldene Zeitalter des Musikfilms, als die Beliebtheit des Genres an seinem höchsten in der Westwelt war.

Die ersten Musicals

Kurze Musikfilme wurden von Lee De Forest in 1923-24 gemacht. Danach wurden Tausende von Shorts von Vitaphone (1926-30), viele Aufmachungsbänder, Vokalisten und Tänzer gemacht, in denen ein Musiksoundtrack gespielt hat, während die Schauspieler ihre Charaktere porträtiert haben, wie sie in stillen Filmen getan haben: ohne Dialog. Der Jazzsänger, befreit 1927 von Warner Brothers, war nicht nur der erste Film mit dem synchronisierten Dialog, aber der erste Hauptfilm, der auch ein Musical war, Al Jolson zeigend, der "Schmutzige Hände, Schmutziges Gesicht singt;" "Hupen, Hupen, Füßchen", "Blaue Himmel" und "Meine Mama". Historiker Scott Eyman hat geschrieben, "Weil der Film beendet und Beifall mit dem houselights gewachsen ist, hat sich die Frau von Sam Goldwyn Frances an den Berühmtheiten in der Menge umgesehen. Sie hat 'Terror in allen ihren Gesichtern gesehen' hat sie gesagt, als ob sie gewusst haben, dass 'das Spiel, das sie seit Jahren gespielt hatten, schließlich zu Ende war. Und doch, nur die Folgen von Jolson hatten Ton; der grösste Teil des Films war still. 1928 ist Warner Brothers dem mit einem anderen Teil-Tonfilm von Jolson, Dem Singenden Dummkopf gefolgt, der ein Kassenerfolg-Erfolg war. Theater haben zusammengerafft, das neue Stereogerät zu installieren und Komponisten von Broadway anzustellen, um Musicals für den Schirm zu schreiben. Die erste vollsprechende Eigenschaft, Lichter New Yorks, hat eine Musikfolge in einen Nachtklub eingeschlossen. Die Begeisterung von Zuschauern war so groß, dass in weniger als einem Jahr das ganze Hauptstudio gesunde Bilder exklusiv machte. Die Broadway Melody (1929) hatte ein Schaugeschäft planen ungefähr zwei Schwestern, die sich um ein charmantes Lied bewerben, und tanzen Mann. Angekündigt durch MGM als die erste "Vollunterhaltung, das Vollsingen," Hauptfilm Volltanzend, war es ein Erfolg und hat den Oscar für das Beste Bild für 1929 gewonnen. Es gab einen Sturm durch das Studio, um Talent von der Bühne bis Stern in großzügig gefilmten Versionen von Erfolgen von Broadway zu mieten. Die Liebe-Parade (Paramount 1929) hat Maurice Chevalier und Neuling Jeanette MacDonald in der Hauptrolle gezeigt, der vom Veteran von Broadway Guy Bolton geschrieben ist.

Warner Brothers hat die erste Schirm-Operette, Das Wüste-Lied 1929 erzeugt. Sie haben keinen Aufwand verschont und haben einen großen Prozentsatz des Films im Farbfilm fotografiert. Dem wurde von der ersten Vollfarbe gefolgt, Musikeigenschaft vollredend, die Auf mit der Show (1929) betitelt wurde. Der populärste Film von 1929 war die zweite Vollfarbe, Eigenschaft vollredend, die berechtigte Goldgräber von Broadway (1929) war. Dieser Film hat alle Kasse-Aufzeichnungen gebrochen und ist der höchste bis 1939 jemals erzeugte Bruttoeinkommen-Film geblieben. Plötzlich ist der Markt überschwemmt mit Musicals, Revuen und Operetten geworden. Die folgenden Vollfarbenmusicals wurden 1929 und 1930 allein erzeugt: Die Show von Shows (1929), Sally (1929), Der Vagabundenkönig (1930), Folgt Bis (1930), Helle Lichter (1930), Goldene Morgendämmerung (1930), Hält Alles (1930), Das Schelm-Lied (1930), Lied der Flamme (1930), Lied des Westens (1930), Süße Kitty Bellairs (1930), Unter Einem Mond von Texas (1930), Braut des Regiments (1930), Juchhu! (1930) Küsst Der König des Jazz (1930), wienerische Nächte (1930), Mich Wieder (1930). Außerdem gab es Hunderte von mit Farbenfolgen veröffentlichten Musikeigenschaften.

Hollywood hat mehr als 100 Musikfilme 1930, aber nur 14 1931 veröffentlicht. Bis zum Ende 1930 waren Zuschauer mit Musicals übergesättigt worden, und Studio wurde gezwungen, die Musik aus Filmen zu schneiden, die dann veröffentlicht wurden. Zum Beispiel wurde das Leben der Partei (1930) als eine Vollfarbe ursprünglich erzeugt, musikalische Komödie vollredend. Bevor es jedoch veröffentlicht wurde, wurden die Lieder ausgeschnitten. Dasselbe Ding ist mit Fünfzig Millionen Franzosen (1931) und Parade von Manhattan (1932) geschehen, von denen beide völlig im Farbfilm gefilmt worden waren. Marlene Dietrich hat Lieder erfolgreich in ihren Filmen gesungen, und Rodgers und Hart haben einige gut erhaltene Filme geschrieben, aber sogar ihre Beliebtheit hat vor 1932 abgenommen. Das Publikum war schnell gekommen, um Farbe mit Musicals zu vereinigen, und so ist der Niedergang in ihrer Beliebtheit auch auf einen Niedergang hinausgelaufen.

Pelzmütze Berkeley

Der Geschmack in Musicals hat wieder 1933 wieder zum Leben erwacht, als Direktor Busby Berkeley begonnen hat, die traditionelle Tanzzahl mit von der Bohrmaschine-Präzision gezogenen Ideen zu erhöhen, hatte er als ein Soldat während des Ersten Weltkriegs erfahren. In Filmen wie die 42. Straße und Goldgräber von 1933 (1933) hat Berkeley mehrere Filme in seinem einzigartigen Stil choreografiert. Die Zahlen von Berkeley beginnen normalerweise auf einer Bühne, aber überschreiten allmählich die Beschränkungen des Theaterraums: Seine genialen Routinen, menschliche Körper einschließend, die Muster wie ein Kaleidoskop bilden, konnten auf eine echte Bühne nie passen, und die beabsichtigte Perspektive sieht von gerade oben an.

Musiksterne

Musiksterne wie Fred Astaire und Ginger Rogers waren unter den populärsten und hoch respektierten Anzüglichkeiten in Hollywood während des klassischen Zeitalters; der Fred und Ginger, der sich paart, waren besonders erfolgreich, auf mehrere klassische Filme, wie Zylinder (1935), Schwingen-Zeit (1936) hinauslaufend, und Werden Wir Tanz (1937). Viele dramatische Schauspieler haben froh an Musicals als eine Weise teilgenommen, sich von ihrem Festlegen loszureißen. Zum Beispiel hatte sich der mehrtalentierte James Cagney zur Berühmtheit als ein Bühne-Sänger und Tänzer ursprünglich erhoben, aber sein wiederholtes Gussteil im "zähen Kerl" Rollen und Gangster-Kino hat ihm wenige Chancen gegeben, diese Talente zu zeigen. Die Oskar gewinnende Rolle von Cagney im Yankee-Kritzelei-Dandy (1942) hat ihm erlaubt, zu singen und zu tanzen, und er hat gedacht, dass es einer seiner feinsten Momente war.

Viele Komödien (und einige Dramen) haben ihre eigenen Musikzahlen eingeschlossen. Das Kino von Marx Brothers hat eine Musikzahl in fast jeden Film eingeschlossen, den Brüdern erlaubend, ihre Musiktalente hervorzuheben. Ihr Endfilm, betitelte Liebe Glücklich (1949), hat Vera-Ellen, betrachtet gezeigt, der beste Tänzer unter ihren Kollegen und Fachleuten in der Hälfte des Jahrhunderts zu sein.

Die befreite Einheit

Während des Endes der 1940er Jahre und in die 1950er Jahre hat eine Produktionseinheit an von Arthur Freed angeführtem Metro-Goldwyn-Mayer den Übergang von altmodischen Musikfilmen gemacht, deren Formel wiederholend zu etwas Neuem geworden war. (Jedoch haben sie auch Farbfilm-Remakes solcher Musicals wie Show-Boot erzeugt, das vorher in den 1930er Jahren gefilmt worden war.) 1939 wurde Freed als Miterzeuger für die Filmbabys in Armen angestellt. Das Starten 1944 damit Trifft Mich in St. Louis, die Einheit von Freed hat etwas unabhängig von seinem eigenen Studio gearbeitet, um einige der populärsten und wohl bekannten Beispiele des Genres zu erzeugen. Die Produkte dieser Einheit schließen Osternparade (1948), Auf der Stadt (1949), Ein Amerikaner in Paris (1951), Singin' im Regen (1952) und Der Band-Wagen (1953) ein. Dieses Zeitalter hat Musiksterne gesehen Begriffe, einschließlich Judy Garlands, Gene Kellys, Ann Millers, Donald O'Connors, Cyd Charisses, Mickey Rooneys, Veras-Ellens, Jane Powells, Howard Keels und Kathryn Graysons werden. Fred Astaire wurde auch aus dem Ruhestand für die Osternparade geschmeichelt und ein dauerhaftes Come-Back gemacht.

Das postklassische Zeitalter

In den 1960er Jahren sind die 1970er Jahre und bis zu heute dem Musikfilm weitergehend, weniger von einem bankfähigen Genre geworden, das für todsichere Erfolge darauf gebaut werden konnte. Zuschauer für sie vermindert und weniger Musikfilme wurden erzeugt, weil das Genre weniger Hauptströmung und mehr spezialisiert geworden ist.

Das Musical der 1960er Jahre

In den 1960er Jahren Ergreift der Erfolg der Filme nach Westen Geschichte, Der Musik-Mann, Meine Schöne Dame, Mary Poppins Partei, und Der Ton der Musik hat darauf hingewiesen, dass das traditionelle Musical in der guten Gesundheit war. Jedoch wurden populäre Musikgeschmäcke durch den Rock 'n' Roll und die Freiheit und Jugend schwer betroffen, die damit vereinigt ist, und tatsächlich hat Elvis Presley einiges Kino gemacht, das mit den alten Musicals in Bezug auf die Form ausgeglichen worden ist. Die meisten Musikfilme der 1950er Jahre und der 1960er Jahre wie Oklahoma! und Der Ton der Musik war aufrichtige Anpassungen oder restagings der erfolgreichen Bühne-Produktion. Das erfolgreichste Musical der 1960er Jahre geschaffen spezifisch für den Film war Mary Poppins, einer der größten Erfolge von Disney.

Trotz des Erfolgs dieser Musicals hat Hollywood auch eine Reihe von Musikmisserfolgen gegen Ende der 1960er Jahre und Anfang der 1970er Jahre erzeugt, die geschienen sind, öffentlichen Geschmack ernstlich falsch zu urteilen. Gewerblich und/oder kritisch erfolglose Filme hat Camelot, den Regenbogen von Finian, Hallo Püppchen eingeschlossen! Süße Wohltätigkeit, Arzt Dolittle, Stern!, Liebling Lili, Farbe Ihr Wagen, Lied Norwegens, An einem Klaren Tag Können Sie Für immer, Mann von La Mancha, Verlorenem Horizon und Mame Sehen. Insgesamt und individuell haben diese Misserfolge mehreres des Hauptstudios verkrüppelt.

Die 1970er Jahre

In den 1970er Jahren haben Filmkultur und die sich ändernden demographischen Daten von Kinobesuchern größeren Wert auf den kiesigen Realismus gelegt, während die reine Unterhaltung und theatricality des klassischen Zeitalters Musicals von Hollywood als altmodisch gesehen wurden. Das Ändern kultureller Sitten und des Aufgebens des Heu-Codes 1968 auch beigetragen sich ändernde Geschmäcke in Filmzuschauern. Der 1973-Film von Andrew Lloyd Webber und dem Superstar von Jesus Christus von Tim Rice wurde mit etwas Kritik von religiösen Gruppen entsprochen, aber wurde gut erhalten. Durch die Mitte der 1970er Jahre haben Filmemacher das Genre für das Verwenden der Musik durch den populären Felsen oder die Knall-Bänder als Hintergrundmusik teilweise vermieden, in der Hoffnung auf ein Soundtrack-Album Anhängern zu verkaufen. Die Felsige Entsetzen-Bildershow wurde 1975 ursprünglich veröffentlicht und war ein kritischer Misserfolg, bis sie Mitternachtabschirmungen in den 1980er Jahren angefangen hat, wo sie Kultstatus erreicht hat. 1976 hat die Ausgabe des billigen komischen Musicals, Des Ersten Nacktfrosch-Musicals gesehen, das von Paramount veröffentlicht ist. Die 1978-Filmversion des Fetts wurde als ein Bombenerfolg betrachtet; seine Lieder waren ursprüngliche in einem Knall-Stil der 1950er Jahre getane Zusammensetzungen. Jedoch, das Fortsetzungsfett 2 bombardierte an der Kasse. Filme über Darsteller, die kiesiges Drama und als ein diegetic Teil der Handlung der Geschichte verwebte Musikzahlen vereinigt haben, wurden wie Ganzer Dieser Jazz, in der Samstagsnacht Fieber, und New York, New York erzeugt. Einige in der Neuen Periode von Hollywood veröffentlichte Musicals haben mit der Form, wie Bugsy Malone und Lisztomania experimentiert. Die Filmmusicals, die noch gemacht wurden, waren finanziell und kritisch weniger erfolgreich als auf ihrem Höhepunkt. Sie schließen Den Wiz, Endlich Liebe, die Komische Dame (die Fortsetzung von Barbra Streisand dem Komischen Mädchen), Wenig Nachtmusik und Haar unter anderen ein. Der kritische Zorn gegen Endlich die Liebe war insbesondere so stark, dass es auf dem Hausvideo nie veröffentlicht wurde.

Die 1980er Jahre zu den 1990er Jahren

Vor den 1980er Jahren sind Finanzmänner immer überzeugter im Musikgenre gewachsen, das teilweise durch die Verhältnisgesundheit des Musicals auf Broadway und Londons Westende durch Bojen markiert ist. Die Produktion der 1980er Jahre und der 1990er Jahre hat Annie, Das Beste Kleine Bordell in Texas, Victor Victoria, Wenig Geschäft von Schrecken, Absoluten Anfängern und Evita eingeschlossen. Jedoch, Kann die Musik nicht Aufhören, Die Dorfleute in der Hauptrolle zeigend, war ein katastrophaler Versuch, das alt-artige Musical wieder zu beleben, und wurde zur Publikum-Teilnahmslosigkeit 1980 veröffentlicht. Wenig Geschäft von Schrecken hat auf von - Broadway Musikanpassung eines 1960-Films von Roger Corman, ein Vorgänger des späteren Films zur Bühne basiert, um Anpassungen einschließlich Der Erzeuger zu filmen.

Vieles belebtes Kino der Periode - predominately von Disney - hat traditionelle Musikzahlen eingeschlossen. Howard Ashman, Alan Menken und Stephen Schwartz ließen vorheriges Musiktheater erfahren und haben Lieder für belebte Filme während dieser Zeit geschrieben, Arbeitspferde von Disney Sherman Brothers verdrängend. Mit dem 1989 Die Kleine Meerjungfrau anfangend, hat die Renaissance von Disney neues Leben dem Filmmusical gegeben. Andere erfolgreiche belebte Musicals haben Aladdin, Den Buckligen von Notre Dame und Pocahontas von Disney richtig, Der Albtraum Vor Weihnachten von der Abteilung von Disney Touchstone Pictures, Der Prinz Ägyptens von DreamWorks, Anastasia vom Fuchs und Don Bluth, und von Paramount eingeschlossen.

(Schönheit und das Biest und Der Löwe-König wurden an die Bühne nach ihrem Kassenerfolg-Erfolg angepasst.)

Das Musical der 2000er Jahre

In den 2000er Jahren hat der Musikfilm begonnen, sich in der Beliebtheit noch einmal mit neuen Arbeiten wie die Moulin Rouge zu erheben! Über das Weltall, und Verzaubert; Filmanpassungen von Bühne-Shows, wie Chicago, Der Gespenst der Oper, Miete, Berühmtheit, Repo! Die Genetische Oper, Dreamgirls, und Mamma Mia!; und sogar Filmversionen der Bühne zeigen, dass das selbst auf Nichtmusikfilmen, wie Die Erzeuger, das Haarspray, der Peajacket-Wahnsinn, und Neun gestützt wurde. Über das Weltall, die Moulin Rouge! und Mamma Mia! fortgesetzt die Tendenz, vertraute Erfolg-Lieder im als Musikbox-Musicals bekannten Subgenre zu vereinigen. Unter dem Hauptströmungsradar, dort sind unabhängige Musikfilme, wie Hedwig und der Böse Zoll und Tänzer in der Dunkelheit mit Jubel begrüßt worden; und Auslandsmusikfilme, wie 8 Frauen, Die Andere Seite des Betts und Ja Krankenschwester! Keine Krankenschwester!. Einige Musical-Filme des Jahrzehnts sind Erfolge geworden, ohne eine Theaterausgabe, wie die ersten zwei für das Fernsehen gemachten Musical-Filme der Höheren Schule und die Webreihe zu erhalten, die Dr Horrible - Entlang Blog Singt. 2004 hat das New Yorker Musical-Theater Fest ein einwöchiges Fest von modernen Filmmusicals präsentiert, die 10 unabhängige Eigenschaften gemacht seit 1996, sowie mehrere Programme von kurzen Filmmusicals eingeschlossen haben. Im Gegensatz zu den 1990er Jahren haben weniger belebte Haupteigenschaften der 2000er Jahre Musikzahlen eingeschlossen, weil der Erfolg des Computers von Pixar und DreamWorks Filme belebt hat (die nicht Musicals waren), wirft die Überlegenheit von Disney um. 2009 filmt Die Prinzessin, und der Frosch wurde als ein Atavismus zum Musical-Stil von Disney betrachtet.

Musikfilme heute

Guy und Madeline auf dem Park Bench, der Burleske, Rio, und Verwirrt sind Filme veröffentlicht in den 2010er Jahren, die Musikzahlen einschließen. Erfolgreiche Broadway Musicals werden Filmanpassungen - wie Felsen von Altern, amerikanischem Idioten, Spring Awakening, Aida, Les Misérables und Dem Buch des Mormonen erhalten. Remakes von klassischen Musikfilmen werden auch einschließlich Annie geplant, Ein Stern Ist für 2012, und Superstar von Jesus Christus 2014 Geboren.

Spanische Musikfilme

Spanien hat eine Geschichte und Tradition von Musikfilmen, die unabhängig des Einflusses von Hollywood gemacht wurden. Die ersten Filme entstehen während der Zweiten spanischen Republik der 1930er Jahre und des Advents von gesunden Filmen. Einige zarzuelas (spanische Operette) wurden sogar als Drehbuch während des stillen Zeitalters angepasst. Die Anfänge des spanischen Musicals wurden auf romantische spanische Archetypen eingestellt: Andalusische Dörfer und Landschaften, gypsys, "bandoleros", und copla und andere populäre Volkslieder in die Geschichte-Entwicklung eingeschlossen. Diese Filme hatten noch mehr Kassenschlager als Premieren von Hollywood in Spanien. Die ersten spanischen Filmstars sind aus dem Musikgenre gekommen: Imperio Argentinien, Estrellita Castro, Florián Rey (Direktor) und, später, Lola Flores, Sara Montiel und Carmen Sevilla. Das spanische Musical hat angefangen, sich auszubreiten und zu wachsen. Jugendliche Sterne erscheinen und übersteigen die Kasse. Marisol, Joselito, Pili & Mili und Rocío Dúrcal waren die Hauptzahlen von Musikfilmen von den 60er Jahren bis zu den 70er Jahren. Wegen des spanischen Übergangs zur Demokratie und Anstiegs der "Kultur von Movida" hat sich das Musikgenre in eine Dekadenz der Produktion und Kasse gefühlt, die nur von Carlos Saura und seinen Flamenco-Musical-Filmen gerettet ist.

Indianermusikfilme

Eine Ausnahme zum Niedergang des Musikfilms ist Indianerkino, besonders die in Mumbai gestützte Filmindustrie von Bollywood (früher Bombay), wo die Mehrheit von Filmen gewesen ist und noch Musicals ist. Die Mehrheit von Filmen, die in der tamilischen Industrie erzeugt sind, die in Chennai (früher Madras) und in Hyderabad gestützter Industrie von Telugu gestützt ist, ist auch Musicals.

Einfluss auf Westfilme

In den 2000er Jahren haben Musicals von Bollywood eine instrumentale Rolle im Wiederaufleben des Musikfilmgenres in der Westwelt gespielt. Baz Luhrmann hat dass sein erfolgreicher Musikfilm die Moulin Rouge festgestellt! (2001) wurde durch Musicals von Bollywood direkt begeistert. Der Film bezahlt so Huldigung nach Indien, ein unter einem bestimmten Thema stehendes Spiel vereinigend, das auf dem alten sanskritischen Drama Der Kleine Tonkarren und eine Bollywood-artige Tanzfolge mit einem Lied aus dem Film Tor von China gestützt ist. Der Guru und Die 40-jährige Jungfrau zeigen auch indianerartige Lied-Und-Tanzfolgen; das Musical von Bollywood Lagaan (2001) wurde für den Oscar für den Besten fremdsprachigen Film berufen; zwei andere Filme von Bollywood Devdas (2002) und Rang De Basanti (2006) wurden für den BAFTA-Preis für den Besten fremdsprachigen Film berufen; und der Oscar von Danny Boyle, Slumdog Millionär (2008) auch Eigenschaften eine Bollywood-artige Lied-Und-Tanzzahl während der Endkredite des Films gewinnend.

Sowjetischer Musikfilm unter Stalin

Verschieden von den Musikfilmen Hollywoods und Bollywood, der populär mit dem Eskapismus identifiziert ist, war das sowjetische Musical in erster Linie eine Form der Propaganda. Vladimir Lenin hat gesagt, dass Kino von den Künsten "am wichtigsten war." Sein Nachfolger, Joseph Stalin, hat auch die Macht des Kinos im effizienten Verbreiten der Doktrin der kommunistischen Partei anerkannt. Kino war in den 1920er Jahren weit populär, aber es war Auslandskino, das den sowjetischen moviegoing Markt beherrscht hat. Filme von Deutschland und den Vereinigten Staaten haben sich unterhaltender erwiesen als die historischen Dramen des sowjetischen Direktors Sergei Eisenstein. Vor den 1930er Jahren war es klar, dass, wenn sich das sowjetische Kino mit seinen Westkollegen bewerben sollte, es Zuschauer würde geben müssen, was sie gewollt haben: Der Zauber und die Fantasie sind sie von Hollywood gekommen. Der Musikfilm, der in den 1930er Jahren erschienen ist, hat die ideale Kombination der Unterhaltung und offiziellen Ideologie aufgenommen.

Ein Kampf zwischen Gelächter für den sake des Gelächters und Unterhaltung mit einer klaren ideologischen Nachricht würde das Goldene Zeitalter des sowjetischen Musicals der 1930er Jahre und der 1940er Jahre definieren. Dann Haupt-der Filmindustrie hat sich Boris Shumyatsky bemüht, mit Hollywoods Förderband-Methode der Produktion wettzueifern, gehend, so weit man die Errichtung sowjetischen Hollywoods vorschlägt.

Die lustigen Gefährten

1930 ist der geschätzte sowjetische Filmregisseur Sergei Eisenstein in die Vereinigten Staaten mit Gefährten Direktor Grigori Aleksandrov gegangen, um Hollywoods Filmherstellungsprozess zu studieren. Die amerikanischen Filme haben außerordentlich Aleksandrov, besonders die Musicals zusammengepresst. Er ist 1932 zurückgekehrt, und 1934 hat Die Lustigen Gefährten, das erste sowjetische Musical geleitet. Der Film war auf dem Anschlag leicht und hat sich mehr auf die Komödie und Musikzahlen konzentriert. Parteibeamte haben zuerst den Film mit der großen Feindschaft entsprochen. Aleksandrov hat seine Arbeit verteidigt, indem er den Begriff des Gelächters für den sake des Gelächters diskutiert hat. Schließlich, als Aleksandrov den Film Stalin gezeigt hat, hat der Führer entschieden, dass Musicals ein wirksames Mittel der sich ausbreitenden Propaganda waren. Nachrichten wie die Wichtigkeit von der gesammelten Arbeit und den Geschichten der Lumpen zu den Reichtümern würden die Anschläge von den meisten sowjetischen Musicals werden.

"Kino für die Millionen"

Der Erfolg Der Lustigen Gefährten hat einen Platz im sowjetischen Kino für das Musikformat gesichert, aber sofort stellen Shumyatsky strenge Richtlinien auf, um sicherzustellen, dass die Filme Kommunistische Werte gefördert haben. Die Verordnung von Shumyatsky "Kino für die Millionen" geforderte herkömmliche Anschläge, Charaktere und Montage, um Sozialistischen Realismus (die Verherrlichung der Industrie und der Arbeiterklasse) auf dem Film erfolgreich zu porträtieren.

Die erste erfolgreiche Mischung einer sozialen Nachricht und Unterhaltung war der Zirkus von Aleksandrov (1936). Es hat seine Frau, Lyubov Orlova in der Hauptrolle gezeigt (ein Opernsänger, der auch in Den Lustigen Gefährten erschienen war) als ein amerikanischer Zirkus-Darsteller, der in die UDSSR von den Vereinigten Staaten immigrieren muss, weil sie ein Mischrasse-Kind hat, das sie mit einem schwarzen Mann hatte. Mitten unter der Kulisse der großzügigen Musikproduktion findet sie schließlich Liebe und Annahme in der UDSSR, die Nachricht zur Verfügung stellend, dass Rassentoleranz nur in der Sowjetunion gefunden werden kann.

Der Einfluss der Choreografie von Busby Berkeley auf der Richtung von Aleksandrov kann in der Musikzahl gesehen werden, die bis zum Höhepunkt führt. Ein anderer ist die offensichtlichere Verweisung nach Hollywood der Darsteller von Charlie Chaplin, der komische Erleichterung überall im Film zur Verfügung stellt. Vier Millionen Menschen in Moskau und Leningrad sind gegangen, um Zirkus während seines ersten Monats in Theatern zu sehen.

Ein anderer der populäreren Filme von Aleksandrov war Der Helle Pfad (1940). Das war ein Überarbeiten des Märchens Satz von Aschenputtel in der zeitgenössischen Sowjetunion. Das Aschenputtel der Geschichte war wieder Orlova, die zu diesem Zeitpunkt der populärste Stern in der UDSSR war. Es war ein Fantasie-Märchen, aber die Moral der Geschichte war, dass ein besseres Leben aus der harten Arbeit kommt. Wohingegen im Zirkus die Musikzahlen das Tanzen und Schauspiel eingeschlossen haben, ist der einzige Typ der Choreografie im Hellen Pfad die Bewegung von Fabrikmaschinen. Die Musik wurde auf das Singen von Orlova beschränkt. Hier hat Arbeit das Schauspiel zur Verfügung gestellt.

Ivan Pyryev

Der andere Direktor von Musikfilmen war Ivan Pyryev. Verschieden von Aleksandrov war der Fokus der Filme von Pyryev Leben auf den gesammelten Farmen. Seine Filme, Traktor-Fahrer (1939), Der Schweinehirt und der Hirte (1941), und sein berühmtestes, Kosaken von Kuban (1949) haben alle seine Frau, Marina Ladynina in der Hauptrolle gezeigt. Wie im Hellen Pfad von Aleksandrov war die einzige Choreografie die Arbeit, die die Charaktere auf dem Film taten. Sogar die Lieder waren über die Heiterkeit des Arbeitens.

Anstatt eine spezifische Nachricht für einigen seiner Filme zu haben, ist Slogan von gefördertem Stalin von Pyryev "Leben besser geworden, Leben ist freudiger geworden." Manchmal war diese Nachricht in der steifen Unähnlichkeit mit der Wirklichkeit der Zeit. Während des Filmens von Kosaken von Kuban ging die Sowjetunion eine Nachkriegshungersnot durch. In Wirklichkeit haben die Schauspieler, die über eine Zeit des Wohlstands sangen, Hunger gehabt und waren unterernährt. Die Filme haben wirklich jedoch Eskapismus und Optimismus für das Betrachtungspublikum zur Verfügung gestellt.

Volga-Volga

Der populärste Film des kurzen Zeitalters von Stalinistischen Musicals war der 1938-Film von Alexandrov Volga-Volga. Der Stern war wieder Lyubov Orlova, und der Film hat das Singen und Tanzen gezeigt, nichts habend, um mit der Arbeit zu tun. Es ist von seinem Typ am ungewöhnlichsten. Der Anschlag umgibt eine Liebesgeschichte zwischen zwei Personen, die Musik spielen wollen. Sie sind sowjetische Werte unvertretend, in denen ihr Fokus mehr auf ihrer Musik ist als ihre Jobs. Die Knebel stoßen Spaß an den Ortsbehörden und der Bürokratie. Es gibt keine Verherrlichung der Industrie, da sie in einem kleinen ländlichen Dorf stattfindet. Arbeit wird auch nicht verherrlicht, da der Anschlag um eine Gruppe von Dorfbewohnern kreist, die ihren Urlaub verwenden, um auf einer Reise Volga zu gehen, um in Moskau zu leisten.

Volga-Volga ist den ästhetischen Grundsätzen des Sozialistischen Realismus aber nicht der ideologischen Doktrinen gefolgt. Es ist der Lieblingsfilm von Stalin geworden, und er hat es als ein Geschenk Präsidenten Roosevelt während WWII gegeben. Es ist ein anderes Beispiel von einem der Filme, die behauptet haben, dass Leben besser ist. Veröffentlicht auf dem Höhepunkt der Bereinigung von Stalin hat es Eskapismus und ein beruhigendes Trugbild für das Publikum zur Verfügung gestellt.

Listen von Musikfilmen

• Sieh und für eine Liste von Musicals in alphabetischer Reihenfolge; bemerken Sie, dass nicht alle von diesen in Filme gemacht worden sind.
• Sieh Liste von Musikfilmen vor dem Jahr für eine Liste von Musikfilmen in der zeitlichen Reihenfolge.
• Sieh Liste von Filmen von Bollywood für eine Liste von Musical-Filmen von Bollywood.

Siehe auch

• Liste des Kinos, das auf Bühne-Spielen oder Musicals gestützt ist
• Die größten Filmmusicals von AFI