Ein gesunder Film ist ein Film mit dem synchronisierten Ton oder Ton, der technologisch mit dem Image im Vergleich mit einem stillen Film verbunden ist. Die erste bekannte öffentliche Ausstellung von geplanten gesunden Filmen hat in Paris 1900 stattgefunden, aber Jahrzehnte würden gehen, bevor gesunde Filme gewerblich praktisch gemacht wurden. Zuverlässige Synchronisation war schwierig, mit den frühen Systemen des Tons auf der Scheibe zu erreichen, und Erweiterungs- und Aufnahme-Qualität war auch unzulänglich. Neuerungen im Ton auf dem Film haben zur ersten kommerziellen Abschirmung von kurzen Filmen mit der Technologie geführt, die in New York City im April 1923 stattgefunden hat.

Die primären Schritte in der Kommerzialisierung des gesunden Kinos wurden in den Vereinigten Staaten Mitte - zum Ende der 1920er Jahre gemacht. Zuerst waren die gesunden Filme, die synchronisierten Dialog — bekannt als "Unterhaltung von Bildern" oder "Tonfilmen" vereinigen — exklusiv Shorts; das frühste abendfüllende Kino mit dem registrierten Ton eingeschlossen nur Musik und Effekten. Der erste als ein Tonfilm ursprünglich präsentierte Hauptfilm war Der Jazzsänger, befreit im Oktober 1927. Ein Haupterfolg, es wurde mit Vitaphone, der Hauptmarke der Technologie des Tons auf der Scheibe gemacht. Ton auf dem Film würde bald jedoch der Standard werden, um Bilder zu reden.

Bis zum Anfang der 1930er Jahre waren die Tonfilme ein globales Phänomen. In den Vereinigten Staaten haben sie geholfen, Hollywoods Position als eines der stärksten kulturellen/kommerziellen Systeme in der Welt zu sichern (sieh Kino der Vereinigten Staaten). In Europa (und, zu einem kleineren Grad, anderswohin) wurde die neue Entwicklung mit Argwohn von vielen Filmemachern und Kritikern behandelt, die sich Sorgen gemacht haben, dass ein Fokus auf dem Dialog die einzigartigen ästhetischen Vorteile des lautlosen Kinos stürzen würde. In Japan, wo die populäre Filmtradition stillen Film und lebende stimmliche Leistung integriert hat, waren Unterhaltungsbilder langsam, um Wurzel zu schlagen. In Indien war Ton das umgestaltende Element, das zur schnellen Vergrößerung der Filmindustrie der Nation — das produktivste solche Industrie in der Welt seit dem Anfang der 1960er Jahre geführt hat.

Geschichte

Frühe Schritte

Die Idee, Filme mit dem registrierten Ton zu verbinden, ist fast so alt wie das Konzept des Kinos selbst. Am 27. Februar 1888 ein paar Tage, nachdem fotografischer Pionier Eadweard Muybridge einen Vortrag nicht weit vom Laboratorium von Thomas Edison, den zwei privat getroffenen Erfindern gegeben hat. Muybridge hat später behauptet, dass bei dieser Gelegenheit, sechs Jahre vor der ersten kommerziellen Film-Ausstellung, er ein Schema für das gesunde Kino vorgeschlagen hat, das sein Bildgussteil zoopraxiscope mit der Technologie des registrierten Tons von Edison verbinden würde. Keine Vereinbarung wurde getroffen, aber innerhalb eines Jahres hat Edison die Entwicklung von Kinetoscope, im Wesentlichen ein System "der Blick-Show" als eine Sehergänzung zu seinem Zylinderplattenspieler beauftragt. Die zwei Geräte wurden als Kinetophone 1895 zusammengebracht, aber Person, die Kabinettsbetrachtung von Filmen sollte bald durch Erfolge im Filmvorsprung unmodern sein. 1899 wurde ein geplantes System des gesunden Films bekannt als Cinemacrophonograph oder Phonorama, gestützt in erster Linie auf der Arbeit des Erfinders schweizerischen Ursprungs François Dussaud, in Paris ausgestellt; ähnlich Kinetophone hat das System individuellen Gebrauch von Ohrhörern verlangt. Ein verbessertes zylinderbasiertes System, Phono-Cinéma-Théâtre, wurde von Clément-Maurice Gratioulet und Henri Lioret aus Frankreich entwickelt, kurzen Filmen des Theaters, der Oper und der Ballett-Exzerpte erlaubend, auf der Pariser Ausstellung 1900 präsentiert zu werden. Diese scheinen, die ersten öffentlich ausgestellten Filme mit dem Vorsprung sowohl des Images als auch registrierten Tons zu sein. Phonorama und noch ein anderes System des gesunden Films — Théâtroscope — wurden auch auf der Ausstellung präsentiert.

Drei Hauptprobleme haben angedauert, zu Filmen und Ton führend, der größtenteils registriert, getrennte Pfade für eine Generation nehmend. Das primäre Problem war Synchronisation: Bilder und Ton wurden registriert und durch getrennte Geräte abgespielt, die schwierig waren, anzufangen und im Tandem aufrechtzuerhalten. Genügend Play-Back-Volumen war auch hart zu erreichen. Während Film-Kinoprojektoren bald Film erlaubt haben, zu großen Theaterzuschauern, Audiotechnologie gezeigt zu werden, bevor die Entwicklung der elektrischen Erweiterung nicht vorspringen konnte, um große Räume hinreichend zu füllen. Schließlich gab es die Herausforderung, Treue zu registrieren. Die primitiven Systeme des Zeitalters haben Ton der sehr niedrigen Qualität erzeugt, wenn die Darsteller direkt vor den beschwerlichen Aufnahme-Geräten (akustische Hörner, größtenteils) nicht aufgestellt wurden, strenge Grenzen auf der Sorte von Filmen festsetzend, die mit dem lebend registrierten Ton geschaffen werden konnten.

Filmische Neuerer haben versucht, mit dem grundsätzlichen Synchronisationsproblem in einer Vielfalt von Wegen fertig zu werden. Eine steigende Zahl von Film-Systemen hat sich auf Langspielplatten — bekannt als Technologie des Tons auf der Scheibe verlassen; die Aufzeichnungen selbst sind häufig "Scheiben von Berliner", nach einem der primären Erfinder im Feld, deutsch-amerikanischen Emile Berliners genannt geworden. 1902 hat Léon Gaumont seinen Ton auf der Scheibe Chronophone demonstriert, eine elektrische Verbindung einschließend, die er kürzlich zur französischen Fotografischen Gesellschaft patentiert hatte. Vier Jahre später hat Gaumont Elgéphone, ein Druckluft-Erweiterungssystem eingeführt, das auf Auxetophone gestützt ist, der von britischen Erfindern Horace Short und Charles Parsons entwickelt ist. Trotz

hohe Erwartungen, die gesunden Neuerungen von Gaumont hatten nur kommerziellen Erfolg beschränkt — obwohl Verbesserungen, sie noch die drei grundlegenden Probleme mit dem gesunden Film nicht hinreichend gerichtet haben und ebenso teuer waren. Seit einigen Jahren war Cameraphone des amerikanischen Erfinders E. E. Norton der primäre Mitbewerber zum System von Gaumont (Quellen unterscheiden sich darauf, ob Cameraphone Scheibe - oder zylinderbasiert war); es hat schließlich aus vielen derselben Gründe gescheitert, die Chronophone zurückgehalten haben.

1913 hat Edison einen neuen zylinderbasierten synch-gesunden Apparat bekannt gerade wie sein 1895-System als Kinetophone eingeführt; statt Filme, die individuellen Zuschauern im Kabinett von Kinetoscope zeigen werden, wurden sie jetzt auf einen Schirm geplant. Der Plattenspieler wurde durch eine komplizierte Einordnung von Rollen zum Kinoprojektoren verbunden — unter idealen Bedingungen — für die Synchronisation erlaubend. Bedingungen waren jedoch selten ideal, und neuer, verbesserter Kinetophone war nach wenig mehr als einem Jahr pensioniert. Durch die Mitte der 1910er Jahre hatte sich die Dünung in der kommerziellen gesunden Film-Ausstellung gesenkt. 1914 beginnend wurde Das Photodrama der Entwicklung, die Vorstellung von Zeugen Jehovas der Entstehung der Menschheit fördernd, um die Vereinigten Staaten geschirmt: Der Wert von acht Stunden von geplantem visuals, der beides Gleiten und lebende Handlung einschließt, wurde mit getrennt registrierten Vorträgen und auf dem Plattenspieler abgespielten Musikleistungen synchronisiert.

Inzwischen haben Neuerungen eine andere bedeutende Vorderseite fortgesetzt. 1907 wurde Londoner Eugene Lauste französischen Ursprungs — wer am Laboratorium von Edison zwischen 1886 und 1892 gearbeitet hatte — dem ersten Patent für den Ton auf der Filmtechnik zuerkannt, die Transformation des Tons in leichte Wellen einschließend, die direkt auf das Zelluloid fotografisch registriert werden. Wie beschrieben, durch den Historiker Scott Eyman,

Es war ein doppeltes System, d. h. der Ton war auf einem verschiedenen Stück des Films aus dem Bild.... Hauptsächlich wurde der Ton durch ein Mikrofon gewonnen und in leichte Wellen über eine leichte Klappe, ein dünnes Zierband von empfindlichem Metall über einen winzigen Schlitz übersetzt. Der Ton, der dieses Zierband erreicht, würde ins Licht durch den Schauer des Diaphragmas umgewandelt, die resultierenden leichten Wellen durch den Schlitz einstellend, wo es auf der Seite des Films auf einem Streifen über ein Zehntel von ein Zoll breit fotografiert würde.

Obwohl Ton auf dem Film schließlich der universale Standard für das synchronisierte gesunde Kino werden würde, hat Lauste nie erfolgreich seine Neuerungen ausgenutzt, die zu einem wirksamen toten Punkt gekommen sind. 1914 wurde finnischer Erfinder Eric Tigerstedt gewährt Deutsch patentieren 309,536 für seine Arbeit des Tons auf dem Film; dass dasselbe Jahr er anscheinend einen Film demonstriert hat, der mit dem Prozess zu einem Publikum von Wissenschaftlern in Berlin gemacht ist. Ungarische Ingenieur-Dünen Mihaly haben seinen Ton auf dem Film Konzept von Projectofon dem Königlichen ungarischen Offenen Gericht 1918 vorgelegt; der offene Preis wurde vier Jahre später veröffentlicht. Ob Ton auf dem Zylinder, der Scheibe oder dem Film gewonnen wurde, war keine der verfügbaren Technologie zur großen Liga kommerzielle Zwecke entsprechend, und viele Jahre lang haben die Leiter des Hauptfilmstudios von Hollywood wenig Vorteil im Produzieren gesunder Filme gesehen.

Entscheidende Neuerungen

Mehrere technologische Entwicklungen beigetragen, gesundes bis zum Ende der 1920er Jahre gewerblich lebensfähiges Kino machend. Zwei beteiligte sich abhebende Annäherungen an die synchronisierte gesunde Fortpflanzung oder Play-Back:

Fortgeschrittener Ton auf dem Film - 1919, amerikanischer Erfinder Lee De Forest wurde mehreren Patenten zuerkannt, die zum ersten Ton auf der Filmtechnik mit der kommerziellen Anwendung führen würden. Im System von De Forest wurde die Tonspur auf beiseite des Streifens des Film-Films fotografisch registriert, um eine Zusammensetzung zu schaffen, oder, Druck "geheiratet". Wenn die richtige Synchronisation des Tons und Bildes in der Aufnahme erreicht wurde, konnte es auf im Play-Back absolut aufgezählt werden. Im Laufe der nächsten vier Jahre hat er sein System mit der Hilfe der Ausrüstung und Patente verbessert, die von einem anderen amerikanischen Erfinder im Feld, Theodore Case lizenziert sind.

An der Universität Illinois Forschungsingenieur polnischen Ursprungs Joseph arbeitete Tykociński-Tykociner unabhängig an einem ähnlichen Prozess. Am 9. Juni 1922 hat er die erste berichtete amerikanische Demonstration eines Films des Tons auf dem Film Mitgliedern des amerikanischen Instituts für Elektroingenieure gegeben. Als mit Lauste und Tigerstedt würde das System von Tykociner gewerblich nie ausgenutzt; De Wald würde jedoch bald.

Am 15. April 1923, an New York Citys Rivoli Theater, ist die erste kommerzielle Abschirmung von Filmen mit dem Ton auf dem Film, dem zukünftigen Standard gekommen: eine Reihe von Shorts unter der Schlagzeile von De Forest Phonofilms, eine stille Eigenschaft begleitend. In diesem Juni ist De Forest in einen verlängerten gesetzlichen Kampf mit einem Angestellten, Freeman Harrison Owens für den Titel zu einem der entscheidenden Patente von Phonofilm eingetreten. Obwohl De Forest schließlich den Fall in den Gerichten gewonnen hat, wird Owens heute als ein Hauptneuerer im Feld anerkannt. Im nächsten Jahr hat das Studio von De Forest den ersten kommerziellen dramatischen Filmschuss als ein Unterhaltungsbild — das Alte Süße Lied der zwei-reeler Liebe veröffentlicht, das von J. Searle Dawley und Aufmachung von Una Merkel geleitet ist. Das Lager von Phonofilm im Handel war jedoch nicht ursprüngliche Dramen, aber Berühmtheitsdokumentarfilme, Taten der volkstümlichen Musik und Komödie-Leistungen. Präsident Calvin Coolidge, Opernsängerin Abbie Mitchell und Varieté-Sterne wie Phil Baker, Ben Bernie, Eddie Cantor und Oskar Levant sind in den Bildern des Unternehmens erschienen. Hollywood ist misstrauisch, sogar ängstlich der neuen Technologie geblieben. Wie Photospiel-Redakteur James Quirk im März 1924 gesagt hat, "Werden Unterhaltungsbilder vervollkommnet, sagt Dr Lee De Forest. So ist Kastoröl." Der Prozess von De Forest hat fortgesetzt, im Laufe 1927 in den Vereinigten Staaten für Dutzende von kurzem Phonofilms verwendet zu werden; im Vereinigten Königreich wurde es ein paar Jahre verwendet, die sowohl für Shorts als auch für Eigenschaften durch britische Gesunde Filmproduktionen, eine Tochtergesellschaft von British Talking Pictures länger sind, die das primäre Vermögen von Phonofilm gekauft hat. Am Ende von 1930 würde das Geschäft von Phonofilm liquidiert.

In Europa arbeiteten andere auch an der Entwicklung des Tons auf dem Film. 1919 hat dasselbe Jahr, die Entwalden, seine ersten Patente im Feld erhalten, drei deutsche Erfinder haben die Tri-Ergon Tonanlage patentiert. Am 17. September 1922 hat die Tri-Ergon Gruppe eine öffentliche Abschirmung des Tons auf den Filmproduktionen — einschließlich eines dramatischen Tonfilms, Der Brandstifter (Der Brandstifter) — vor einem eingeladenen Publikum an Alhambra Kino in Berlin gegeben. Am Ende des Jahrzehnts würde Tri-Ergon die dominierende europäische Tonanlage sein. 1923 haben zwei dänische Ingenieure, Axel Petersen und Arnold Poulsen, ein System patentiert, in dem Ton auf einem getrennten Stehfilm registriert wurde, der mit der Bildhaspel parallel verläuft. Gaumont würde lizenzieren und kurz die Technologie zum kommerziellen Gebrauch unter dem Namen Cinéphone stellen.

Es war Innenkonkurrenz jedoch, der zur Eklipse von Phonofilm geführt hat. Vor dem September 1925 waren De Wald und die Arbeitseinordnung des Falls misslungen. Im nächsten Juli hat sich Fall dem Fuchs-Film, Hollywoods drittem größtem Studio, zum gefundenen Fox-Case Corporation angeschlossen. Das System, das durch den Fall und seinen Helfer, Earl Sponable, in Anbetracht des Namens Movietone entwickelt ist, ist so der erste lebensfähige von einem Hollywood-Film-Studio kontrollierte Ton auf der Filmtechnik geworden. Im nächsten Jahr hat Fuchs die nordamerikanischen Rechte auf das Tri-Ergon System gekauft, obwohl die Gesellschaft es untergeordnet Movietone und eigentlich unmöglich gefunden hat, die zwei verschiedenen Systeme zum Vorteil zu integrieren. 1927, ebenso, hat Fuchs die Dienstleistungen von Freeman Owens behalten, der besonderes Gutachten im Konstruieren von Kameras für den synch-gesunden Film hatte.

Fortgeschrittener Ton auf der Scheibe - Parallele mit Verbesserungen im Ton auf der Filmtechnik, mehrere Gesellschaften machten Fortschritte mit Systemen, in denen Filmton auf Plattenspieler-Scheiben registriert wurde. In der Technologie des Tons auf der Scheibe vom Zeitalter wird ein Plattenspieler-Plattenteller durch einen mechanischen verbunden greifen zu einem besonders modifizierten Kinoprojektoren ineinander, Synchronisation berücksichtigend. 1921 wurde das von Orlando Kellum entwickelte System des Tons auf der Scheibe von Photokinema verwendet, um synchronisierte gesunde Folgen zum erfolglosen stillen Film von D. W. Griffith die Dream Street hinzuzufügen. Ein Liebe-Lied, das durch den Stern Ralph Graves durchgeführt ist, wurde registriert, wie eine Folge von lebenden stimmlichen Effekten war. Anscheinend wurden Dialog-Szenen auch registriert, aber die Ergebnisse waren unbefriedigend, und der Film wurde nie öffentlich geschirmt, sie vereinigend. Am 1. Mai 1921 wurde die Dream Street, mit dem Liebe-Lied hinzugefügt an New York Citys Rathaus-Theater wiederveröffentlicht, es — jedoch willkürlich — als der erste abendfüllende Film mit einer lebend registrierten stimmlichen Folge qualifizierend. Es würde keine anderen seit mehr als sechs Jahren geben.

1925 haben Warner Bros., dann ein kleines Studio von Hollywood mit großen Bestrebungen, begonnen, mit Systemen des Tons auf der Scheibe an New Yorks Vitagraph Studio zu experimentieren, das sie kürzlich gekauft hatten. Die Technologie von Warner Bros., genannt Vitaphone, wurde am 6. August 1926 mit der Premiere des fast dreistundenlangen Don Juans öffentlich eingeführt; der erste abendfüllende Film, um eine synchronisierte Tonanlage jedes Typs überall zu verwenden, hat sein Soundtrack eine Musikkerbe und Geräuscheffekte enthalten, aber kein registrierter Dialog — mit anderen Worten, es war inszeniert worden und hat als ein stiller Film geschossen. Das Begleiten von Don Juan war jedoch acht Shorts von Musikleistungen, größtenteils klassisch, sowie eine vierminutige gefilmte Einführung durch Will H. Hays, Präsidenten der Film-Vereinigung Amerikas, aller mit dem lebend registrierten Ton. Das waren die ersten wahren gesunden von einem Studio von Hollywood ausgestellten Filme. Warner Bros. ' Besser 'Ole, der technisch Don Juan ähnlich ist, ist im Oktober gefolgt.

Ton auf dem Film würde über den Ton auf der Scheibe wegen mehrerer grundsätzlicher technischer Vorteile schließlich gewinnen:

• Synchronisation: Greifen Sie nicht ineinander System war völlig zuverlässig, und gesund konnte aus dem synch wegen der Scheibe hüpfend oder Minutenänderungen in der Filmempfindlichkeit fallen, unveränderliche Aufsicht und häufige manuelle Anpassung verlangend
• Das Redigieren: Scheiben konnten nicht direkt editiert werden, streng die Fähigkeit beschränkend, Modifizierungen in ihren Begleitfilmen zu machen, nachdem die ursprüngliche Ausgabe geschnitten

hat

• Vertrieb: Plattenspieler-Scheiben haben Aufwand und Komplikation hinzugefügt, um Vertrieb zu filmen
• Abnutzung: Der physische Prozess, die Scheiben zu spielen, hat sie erniedrigt, ihren Ersatz nach etwa zwanzig Abschirmungen verlangend

Dennoch, in den frühen Jahren, hat Ton auf der Scheibe über den Ton auf dem Film auf zwei wesentliche Weisen einen Vorteil gehabt:

• Produktion und Kapital kosten: Es war allgemein weniger teuer, Ton auf die Scheibe zu registrieren, als auf den Film und die Ausstellung systems—turntable/interlock/projector—were preiswerter, um zu verfertigen, als das komplizierte Image und die Audiomuster-Lesen-Kinoprojektoren, die durch den Ton auf dem Film erforderlich

sind

• Audioqualität: Plattenspieler-Scheiben, Vitaphone insbesondere hatten höhere dynamische Reihe zu den meisten Prozessen des Tons auf dem Film des Tages mindestens während der ersten paar playings; während Ton auf dem Film dazu geneigt hat, bessere Frequenzantwort zu haben, wurde das durch die größere Verzerrung und das Geräusch überwogen

Da sich Ton auf der Filmtechnik verbessert hat, wurden beide dieser Nachteile überwunden.

Der dritte entscheidende Satz von Neuerungen hat einen größeren Schritt vorwärts sowohl in der lebenden Aufnahme des Tons als auch in seinem wirksamen Play-Back gekennzeichnet:

Treue elektronische Aufnahme und Erweiterung - 1922, der Forschungszweig AT&T Elektrische Westproduktionsabteilung Beginnend, hat begonnen, intensiv an der Aufnahme der Technologie sowohl für den Ton auf der Scheibe als auch für Ton - auf dem Film zu arbeiten. 1925 hat die Gesellschaft öffentlich ein sehr verbessertes System des elektronischen Audios, einschließlich empfindlicher Kondensator-Mikrofone und Gummilinie-Recorder eingeführt. In diesem Mai hat die Gesellschaft Unternehmer Walter J. Rich lizenziert, um das System für kommerzielle Filme auszunutzen; er hat Vitagraph gegründet, an dem Warner Bros. ein halbes Interesse gerade einen Monat später erworben haben. Im April 1926 hat Warners einen Vertrag mit AT&T für den exklusiven Gebrauch seiner Filmton-Technologie für die wiedersynchronisierte Operation von Vitaphone unterzeichnet, zur Produktion von Don Juan und seinen Begleitshorts im Laufe der folgenden Monate führend. Während der Periode, als Vitaphone exklusiven Zugang zu den Patenten hatte, war die Treue von für Filme von Warners gemachten Aufnahmen als diejenigen deutlich höher, die um die Mitbewerber des Tons auf dem Film der Gesellschaft gemacht sind. Inzwischen Glockenlaboratorien — der neue Name für AT&T arbeitete Forschungsoperation — mit einem wütenden Schritt an der hoch entwickelten gesunden Erweiterungstechnologie, die Aufnahmen erlauben würde, über Lautsprecher am theaterfüllenden Volumen abgespielt zu werden. Der neue Sprecher der bewegenden Rolle System wurde in New Yorks Theater von Warners am Ende des Julis und seiner offenen Vorlage installiert, weil, was Westlich Elektrisch den Empfänger Nr. 555 genannt hat, wurde am 4. August gerade zwei Tage vor der Premiere von Don Juan abgelegt.

Gegen Ende des Jahres, AT&T/Western Elektrisch hat eine Genehmigen-Abteilung, Electrical Research Products Inc. (ERPI) geschaffen, um Rechte auf die filmzusammenhängende Audiotechnologie der Gesellschaft zu behandeln. Vitaphone hatte noch gesetzliche Exklusivität, aber in seinen Königtum-Zahlungen verstrichen, war die wirksame Kontrolle der Rechte in den Händen von ERPI. Am 31. Dezember 1926 hat Warners Fuchs-Fall eine Unterlizenz für den Gebrauch des Elektrischen Westsystems gewährt; als Entgelt für die Unterlizenz haben sowohl Warners als auch ERPI einen Anteil der zusammenhängenden Einnahmen des Fuchses erhalten. Die Patente aller drei Sorgen wurden quer-lizenziert. Höhere Aufnahme- und Erweiterungstechnologie war jetzt für zwei Studio von Hollywood verfügbar, zwei sehr verschiedene Methoden der gesunden Fortpflanzung verfolgend. Das Neujahr würde schließlich das Erscheinen des gesunden Kinos als ein bedeutendes kommerzielles Medium sehen.

Triumph der "Tonfilme"

Im Februar 1927 wurde ein Vertrag von fünf Haupthollywood-Film-Gesellschaften geschlossen: die so genannten Großen Zwei — Paramount und MGM — ein Paar des Studios in der folgenden Reihe — Universal und verwelkende First National — und kleine, aber renommierte Producers Distributing Corporation (PDC) von Cecil B. DeMille. Das fünf Studio hat zum insgesamt ausgesuchten gerade einen Versorger für die gesunde Konvertierung abgestimmt. Die Verbindung hat sich dann zurückgelehnt und hat gewartet, um zu sehen, welche Ergebnisse die Vorzeichen präsentiert haben. Im Mai haben Warner Bros. zurück seine Exklusivitätsrechte auf ERPI (zusammen mit der Unterlizenz des Fuchs-Falls) verkauft und haben unterzeichnet ein neues Königtum ziehen sich ähnlich dem Fuchs für den Gebrauch der Elektrischen Westtechnologie zusammen. Als Fox und Warners vorwärts mit dem gesunden Kino in verschiedenen Richtungen, sowohl technologisch als auch gewerblich — Fuchs mit Wochenschauen gedrückt haben und dann Dramen, Warners mit der Unterhaltung von Eigenschaften — so ERPI eingekerbt haben, der sich bemüht hat, den Markt in die Enge zu treiben, indem er das fünf verbündete Studio vertraglich verpflichtet worden ist.

Die großen gesunden Filmsensationen des Jahres haben alle die vorher existierende Berühmtheit ausgenutzt. Am 20. Mai 1927, an New Yorks Theater von Roxy, Fuchs hat Movietone einen gesunden Film des Take-Offs des berühmten Flugs von Charles Lindbergh nach Paris, registriert früher an diesem Tag präsentiert. Im Juni, ein Fuchs lassen Wochenschau erklingen, die seine Rückgrüsse in New York und Washington, D.C zeichnet., wurde gezeigt. Das waren die zwei am meisten mit Jubel begrüßten gesunden Filme bis heute. Im Mai, ebenso, hatte Fuchs den ersten Fiktionsfilm von Hollywood mit dem synchronisierten Dialog veröffentlicht: Das kurze Kommen Sie, um Mich Zu bekommen, Komiker Chic Sale in der Hauptrolle zeigend. Nach der Wiederausgabe einiger stiller Eigenschaft-Erfolge, wie der Siebente Himmel, mit der Schallplattenmusik, ist Fuchs mit seiner ersten ursprünglichen Eigenschaft von Movietone am 23. September herausgekommen: Sonnenaufgang, durch den mit Jubel begrüßten deutschen Direktor F. W. Murnau. Als mit Don Juan hat der Soundtrack des Films aus einer Musikkerbe und Geräuscheffekten (einschließlich, in einigen Menge-Szenen, "wilden", nichtspezifischen Vokalen) bestanden.

Dann, am 6. Oktober 1927, Warner Bros.' Der Jazzsänger premiered. Es war ein Zerkrachen-Kasse-Erfolg für die Mitte Niveau-Studio, insgesamt $ 2.625 Millionen in den Vereinigten Staaten und auswärts, fast eine Million Dollar mehr verdienend, als die vorherige Aufzeichnung für einen Film von Warners. Erzeugt mit dem System von Vitaphone enthält der grösste Teil des Films lebend registriertes Audio, das Verlassen, wie Sonnenaufgang und Don Juan, auf einer Kerbe und Effekten nicht. Wenn der Stern des Films, Al Jolson, jedoch, die Filmverschiebungen singt, um registriert auf dem Satz, sowohl einschließlich seiner Musikleistungen als auch einschließlich zwei Szenen mit der improvisierten Rede — einer des Charakters von Jolson, Jakie Rabinowitz (Jack Robin) zu klingen, ein Kabarett-Publikum anredend; der andere ein Austausch zwischen ihm und seiner Mutter. Die "natürlichen" Töne der Einstellungen waren auch hörbar. Obwohl der Erfolg Des Jazzsängers größtenteils Jolson, bereits gegründet als einer von Amerikas größten Musik-Sternen erwartet war, und sein beschränkter Gebrauch des synchronisierten Tons es kaum als ein innovativer gesunder Film qualifiziert hat (ganz zu schweigen vom "ersten"), waren die Gewinne des Films Beweis genug zur Industrie, in die sich die Technologie lohnte, zu investieren.

Die Entwicklung des kommerziellen gesunden Kinos war stoßweise weitergegangen, bevor Der Jazzsänger und der Erfolg des Films Dinge über Nacht nicht geändert haben. Erst als der Mai 1928 hat die Gruppe von vier großem Studio getan (PDC war aus der Verbindung herausgefallen), zusammen mit Vereinigten Künstlern und anderen, Zeichen mit ERPI für die Konvertierung von Produktionsmöglichkeiten und Theatern für den gesunden Film. Am Anfang wurden alle ERPI-verdrahteten Theater Vitaphone-vereinbar gemacht; die meisten wurden ausgestattet, um Haspeln von Movietone ebenso zu planen. Sogar mit dem Zugang zu beiden Technologien, jedoch, sind die meisten Gesellschaften von Hollywood langsam geblieben, um Unterhaltungseigenschaften ihres eigenen zu erzeugen. Kein Studio neben Warner Bros. hat sogar eine Teil redende Eigenschaft bis zu den billig orientierten Filmfahrkartenschaltern Amerikas (FBO) premiered Das Vollkommene Verbrechen am 17. Juni 1928 acht Monate nach Dem Jazzsänger veröffentlicht. FBO war unter der wirksamen Kontrolle eines Elektrischen Westmitbewerbers, der RCA Abteilung des General Electric gekommen, die achtete, sein neues System des Tons auf dem Film, Phototelefon auf den Markt zu bringen. Verschieden vom Movietone des Fuchs-Falls und den Phonofilm des De Waldes, die Systeme der variablen Dichte waren, war Phototelefon ein System des variablen Gebiets — eine Verbesserung in der Weise, wie das Audiosignal auf dem Film eingeschrieben wurde, der die Regel schließlich werden würde. (In beiden Sorten des Systems wird eine besonders bestimmte Lampe, deren Aussetzung vom Film durch den Audioeingang bestimmt wird, verwendet, um Ton fotografisch als eine Reihe von Minuskellinien zu registrieren. In einem Prozess der variablen Dichte sind die Linien der unterschiedlichen Dunkelheit; in einem Prozess des variablen Gebiets sind die Linien der unterschiedlichen Breite.) Vor dem Oktober würde die FBO-RCA Verbindung zur Entwicklung von Hollywoods neuestem Hauptstudio, RKO Pictures führen.

Inzwischen hatten Warner Bros. noch drei Tonfilme, alle gewinnbringend, wenn nicht am Niveau Des Jazzsängers veröffentlicht: Im März ist Das Zarte Lendenstück erschienen; es wurde von Warners als die erste Eigenschaft in Rechnung gestellt, in der Charaktere ihre Teile gesprochen haben, obwohl nur 15 seiner 88 Minuten Dialog hatten. Ruhmvolle Betsy ist im April, und Der Löwe und die Maus (31 Minuten des Dialogs) im Mai gefolgt. Am 6. Juli 1928, die erste vollsprechende Eigenschaft, Lichter New Yorks, premiered. Der Film hat Warner Bros. nur 23,000 $ gekostet, um zu erzeugen, aber hat $ 1.252 Millionen, eine Rekordrate der Rückkehr hervorragende 5,000 % brutto verdient. Im September hat das Studio ein anderes Bild der Teil-Unterhaltung von Al Jolson, Den Singenden Dummkopf veröffentlicht, die mehr als verdoppelt der Ertrag des Jazzsängers für einen Film von Warners registrieren. Dieses zweite Schirm-Zerkrachen von Jolson hat die Filmmusical-Fähigkeit unter Beweis gestellt, ein Lied in einen nationalen Erfolg zu verwandeln: innerhalb von neun Monaten hatte die Zahl von Jolson "Sonny Boy" 2 Millionen Aufzeichnung und 1.25 Millionen Notenblätter-Verkäufe gestreckt. September 1928 hat auch die Ausgabe der Tischzeit von Paul Terry unter den ersten mit dem synchronisierten Ton erzeugten Zeichentrickfilmen gesehen. Kurz nachdem er es gesehen hat, hat Walt Disney sein erstes gesundes Bild, die Mickymaus kurzer Steamboat Willie veröffentlicht.

Über den Kurs von 1928, weil Warner Bros. begonnen haben, riesige Gewinne wegen der Beliebtheit seiner gesunden Filme zu kassieren, hat das andere Studio den Schritt ihrer Konvertierung zur neuen Technologie beschleunigt. Paramount, der Industrieführer, hat seinen ersten Tonfilm gegen Ende September, Bettler des Lebens ausgestellt; obwohl es gerade einige Linien des Dialogs hatte, hat es die Anerkennung des Studios der Macht des neuen Mediums demonstriert. Einmischung, der erste Vollsprecher des Paramount, hat im November debütiert. Der Prozess, der als "Ziege glanding" kurz bekannt ist, ist weit verbreitet geworden: Soundtracks, manchmal einschließlich eines smatter des postsynchronisierten Dialogs oder Liedes, wurden zum Kino hinzugefügt, das geschossen, und in einigen Fällen, als silents veröffentlicht worden war. Ein paar Minuten des Singens konnten solch einen kürzlich gestifteten Film als ein "Musical" qualifizieren. (Die Dream Street von Griffith war im Wesentlichen eine "Ziege-Drüse gewesen.") Erwartungen haben sich schnell geändert, und der gesunde "Modeschrei" von 1927 ist Standardverfahren vor 1929 geworden. Im Februar 1929, sechzehn Monate nach dem Debüt des Jazzsängers, ist Columbia Pictures das letzte vom acht Studio geworden, das, wie man bekannt, als "Majore" während Hollywoods Goldenen Zeitalters seine erste Teil redende Eigenschaft, die Tochter des einsamen Wolfs veröffentlichte. Gegen Ende Mai, die erste Vollfarbe, Eigenschaft, Warner Bros.' Auf mit der Show vollredend! premiered.

Und doch wurden die meisten amerikanischen Filmtheater, besonders außerhalb städtischer Gebiete, für den Ton noch immer nicht ausgestattet: Während die Zahl von gesunden Kinos von 100 bis 800 zwischen 1928 und 1929 gewachsen ist, wurde ihnen noch von stillen Theatern gewaltig zahlenmäßig überlegen gewesen, die wirklich in der Zahl ebenso, von 22,204 bis 22,544 gewachsen waren. Das Studio, in der Parallele, war von der universalen Bitte der Tonfilme — durch die Mitte 1930 noch immer nicht völlig überzeugt, die Mehrheit von Hollywood-Filmen wurden in Doppelversionen erzeugt, still sowie sprechend. Obwohl wenige in der Industrie es, stiller Film vorausgesagt haben, weil ein lebensfähiges kommerzielles Medium in den Vereinigten Staaten bald ein wenig mehr als ein Gedächtnis sein würde. Punkte nach Westen, eine Schrei Gibson Westlich veröffentlicht von Universal Pictures im August 1929, waren die letzte rein stille von einem Hauptstudio von Hollywood ausgestellte Hauptströmungseigenschaft.

Übergang: Europa

Der Jazzsänger hatte seine europäische gesunde Premiere am Piccadilly Theater in London am 27. September 1928. Gemäß dem Filmhistoriker Rachael Low, "Haben viele in der Industrie sofort begriffen, dass eine Änderung, um Produktion erklingen zu lassen, unvermeidlich war." Am 16. Januar 1929, der erste europäische Hauptfilm mit einer synchronisierten stimmlichen Leistung und registrierter Kerbe premiered: die deutsche Produktion Ich küsse Ihre Hand, Gnädige Frau (ich Kuss Ihre Hand, Gnädige Frau). Dialogueless, es enthält nur einige von Richard Tauber durchgeführte Lieder. Der Film wurde mit dem System des Tons auf dem Film gemacht, das vom deutsch-holländischen Unternehmen Tobis, korporative Erben die Tri-Ergon-Sorge kontrolliert ist. Mit einem Auge zum Befehlen dem erscheinenden europäischen Markt für den gesunden Film ist Tobis in einen kompakten mit seinem Hauptmitbewerber, Klangfilm, einer gemeinsamen Tochtergesellschaft von Deutschlands zwei elektrischen Hauptherstellern eingetreten. Anfang 1929 haben Tobis und Klangfilm comarketing ihre Aufnahme- und Play-Back-Technologien begonnen. Da ERPI begonnen hat, Theater um Europa anzuschließen, hat Tobis-Klangfilm behauptet, dass das Elektrische Westsystem in die Tri-Ergon-Patente eingegriffen hat, die Einführung der amerikanischen Technologie in vielen Plätzen einstellend. Da RCA ins Filmgeschäft eingegangen war, um seinen Aufnahme-Systemwert zu maximieren, hat Tobis auch seine eigenen Produktionsoperationen eingesetzt.

Während 1929 haben die meisten europäischen Hauptfilmherstellungsländer begonnen, sich Hollywood beim Wechsel anzuschließen, um zu klingen. Viele der zukunftsweisenden europäischen Tonfilme wurden auswärts geschossen, weil Produktionsgesellschaften Studio gepachtet haben, während ihre eigenen umgewandelt wurden, oder als sie absichtlich Märkte ins Visier genommen haben, verschiedene Sprachen sprechend. Einer von Europas ersten zwei abendfüllenden dramatischen Tonfilmen wurde in noch einer verschiedenen Sorte der Drehung auf multinationalem moviemaking geschaffen: Der Karminrote Kreis war ein coproduction zwischen der Efzet-Filmgesellschaft von Direktor Friedrich Zelnik und British Sound Film Productions (BSFP). 1928 war der Film als der stille Der Rote Kreis in Deutschland veröffentlicht worden, wo es geschossen wurde; englischer Dialog wurde anscheinend im viel späteren Verwenden des vom korporativen Elternteil von BSFP kontrollierten Prozesses von De Forest Phonofilm synchronisiert. Es wurde ein britischer Handel gegeben, der sich im März 1929 filmen lässt, wie ein Teil redender Film gemacht völlig im Vereinigten Königreich war: Der Hinweis der Neuen Nadel, eine britische Löwe-Produktion mit den Briten des Tons auf der Scheibe Phototelefonsystem. Im Mai hat Schwarzes Wasser, British and Dominions Film Corporation hat als der erste Vollsprecher des Vereinigten Königreichs gefördert, seine anfängliche Handelsabschirmung erhalten; es war völlig in Hollywood mit einem Elektrischen Westsystem des Tons auf dem Film geschossen worden. Keines dieser Bilder hat viel Einfluss gemacht.

Der erste erfolgreiche europäische dramatische Tonfilm war die vollbritische Erpressung. Geleitet von neunundzwanzigjährigem Alfred Hitchcock hatte der Film sein Londoner Debüt am 21. Juni 1929. Ursprünglich Schuss als ein stiller, Erpressung wurde wiederinszeniert, um Dialog-Folgen, zusammen mit einer Kerbe und Geräuscheffekten vor seiner Premiere einzuschließen. Eine Produktion von British International Pictures (BIP), es wurde auf dem RCA-Phototelefon, General Electric registriert, der einen Anteil von AEG gekauft hat, um Zugang zu den Tobis-Klangfilm Märkten zu gewinnen. Erpressung war ein wesentlicher Erfolg; kritische Antwort war auch positiv — notorisches Schloss des Brummbärs Hugh hat sie zum Beispiel "vielleicht die intelligenteste Mischung des Tons und Schweigens genannt, das wir noch gesehen haben."

Am 23. August ist die bescheiden-große österreichische Filmindustrie mit einem Tonfilm herausgekommen: G'schichten aus der Steiermark (Geschichten von der Steiermark), eine Film-Ottoton Adler-Filmproduktion. Am 30. September, der erste abendfüllende dramatische Tonfilm völlig deutscher Herstellung, Das Land ohne Frauen (Land Ohne Frauen), premiered. Eine Tobis Filmkunst Produktion, über das ein Viertel des Films hat Dialog enthalten, der von den speziellen Effekten und der Musik ausschließlich getrennt war. Die Antwort war underwhelming. Schwedens erster Tonfilm, Konstgjorda Svensson (Künstlicher Svensson), premiered am 14. Oktober. Acht Tage später ist Franco-Film von Aubert mit Le Collier de la reine herausgekommen (die Kette der Königin), hat nach dem Studio von Épinay in der Nähe von Paris geschossen. Konzipiert als ein stiller Film wurde es eine Tobis-registrierte Kerbe und eine einzelne sprechende Folge — die erste Dialog-Szene in einer französischen Eigenschaft gegeben. Am 31. Oktober haben Maskenspiele von Les Trois debütiert; ein Pathé-Natan Film, es wird allgemein als der anfängliche französische Eigenschaft-Tonfilm betrachtet, obwohl es wie Erpressung am Studio von Elstree gerade außerhalb Londons geschossen wurde. Die Produktionsgesellschaft hatte sich mit dem RCA-Phototelefon zusammengezogen, und Großbritannien hatte dann die nächste Möglichkeit mit dem System. Der Braunberger-Richebé Tonfilm La Route est belle, hat auch nach Elstree geschossen, ist ein paar Wochen später gefolgt.

Bevor das Pariser Studio — ein Prozess völlig Ton-ausgestattet wurde, der sich gut in 1930 gestreckt hat — wurden mehrere andere frühe französische Tonfilme in Deutschland geschossen. Die erste deutsche vollsprechende Eigenschaft, Atlantik, hatte premiered in Berlin am 28. Oktober. Und doch ein anderer GeElstree-machter Film, es war eher weniger Deutscher im Innersten, als Maskenspiele von Les Trois und La Route est belle französisch waren; eine BIP Produktion mit einem britischen Drehbuchautoren und dem deutschen Direktor, es wurde auch in Englisch als der Atlantik geschossen. Die völlig deutsche Aafa-Filmproduktion Dich hab ich geliebt (Weil ich Sie Geliebt habe) hat sich dreieinhalb Wochen später geöffnet. Es war nicht "Deutschlands Erster sprechender Film", weil das Marketing es hatte, aber es war erst, um in den Vereinigten Staaten veröffentlicht zu werden.

1930, die ersten polnischen Tonfilme premiered, mit Systemen des Tons auf der Scheibe: Moralność pani Dulskiej (Die Moral von Frau Dulska) im März und die vollsprechenden Römer von Niebezpieczny (Gefährliche Liebelei) im Oktober. In Italien, dessen sobald vibrierende Filmindustrie dem Tode geweiht bis zum Ende der 1920er Jahre geworden war, ist der erste Tonfilm, La Canzone dell'amore (Das Lied der Liebe), auch im Oktober herausgekommen; innerhalb von zwei Jahren würde italienisches Kino ein Wiederaufleben genießen. Der erste in Tschechisch gesprochene Film hat 1930 ebenso, Tonka Šibenice (Tonka des Galgens) debütiert. Mehrere europäische Nationen mit geringen Positionen im Feld haben auch ihre ersten sprechenden Bilder — Belgien (in Französisch), Dänemark, Griechenland und Rumänien erzeugt. Die robuste Filmindustrie der Sowjetunion ist mit seinen ersten gesunden Eigenschaften im Dezember 1930 herausgekommen: Die Sachliteratur von Dziga Vertov Entuziazm hatte einen experimentellen, dialogueless Soundtrack; Der Dokumentarplan von Abram Room velikikh rabot (Der Plan der Großen Arbeiten) hatte Musik und gesprochene Off-Kommentare. Beide wurden mit lokal entwickelten Systemen des Tons auf dem Film, zwei der ungefähr zweihundert Filmtonanlagen dann verfügbar irgendwo in der Welt gemacht. Im Juni 1931, das Drama von Nikolai Ekk Putevka v zhizn (Die Straße zum Leben oder Einem Anfang im Leben), premiered als das erste wahre sprechende Bild der Sowjetunion.

Überall in viel Europa ist die Konvertierung von Ausstellungstreffpunkten ganz hinter der Produktionskapazität langsam vergangen, Tonfilme verlangend, in parallelen stillen Versionen erzeugt oder einfach ohne Ton in vielen Plätzen gezeigt zu werden. Während der Schritt der Konvertierung in Großbritannien — mit mehr als 60 Prozent von Theatern relativ schnell, die für den Ton am Ende von 1930 ausgestattet sind, der amerikanischen Zahl — in Frankreich im Vergleich ähnlich war, mehr als Hälfte von Theatern sprangen noch landesweit im Schweigen bis zum Ende 1932 vor. Gemäß dem Gelehrten Colin G. Crisp, "Wurde die Angst über das Wiederbeleben des Flusses von stillen Filmen oft in der [französischen] Industriepresse und einer großen Abteilung der Industrie noch ausgedrückt, hat das stille als eine lebensfähige künstlerische und kommerzielle Aussicht ungefähr bis 1935 gesehen." Die Situation war in der Sowjetunion besonders akut; bezüglich des Mais 1933 wurden weniger als ein aus jedem Hundert Kinoprojektoren im Land bis jetzt für den Ton ausgestattet.

Übergang: Asien

Während der 1920er Jahre und der 1930er Jahre war Japan einer der zwei größten Erzeuger in der Welt von Filmen zusammen mit den Vereinigten Staaten. Obwohl die Filmindustrie des Landes unter dem ersten war, um sowohl Ton als auch sprechende Eigenschaften zu erzeugen, ist der volle Wechsel, um zu klingen, viel langsamer weitergegangen als im Westen. Es scheint, dass der erste japanische gesunde Film, Reimai (Morgendämmerung), 1926 mit dem System von De Forest Phonofilm gemacht wurde. Mit dem Ton auf der Scheibe System von Minatoki hat das Hauptstudio von Nikkatsu ein Paar von Tonfilmen 1929 erzeugt: Taii kein musume (die Tochter des Kapitäns) und Furusato (Heimatstadt), die von Kenji Mizoguchi geleiteten Letzteren. Das konkurrierende Studio von Shochiku hat begonnen die erfolgreiche Produktion von Tonfilmen des Tons auf dem Film 1931 mit einem Prozess der variablen Dichte hat Tsuchibashi genannt. Zwei Jahre später, jedoch, waren mehr als 80 Prozent des im Land gemachten Kinos noch silents. Zwei von führenden Direktoren des Landes, Mikio Naruse und Yasujiro Ozu, haben ihre ersten gesunden Filme bis 1935 und 1936 beziehungsweise nicht gemacht. Erst wurden 1938, mehr als ein Drittel des ganzen in Japan erzeugten Kinos ohne Dialog geschossen.

Die fortdauernde Beliebtheit des stillen Mediums im japanischen Kino hat im großen Teil zur Tradition des benshi, ein lebender Erzähler Schulden gehabt, der als Begleitung zu einer Filmabschirmung geleistet hat. Wie Direktor Akira Kurosawa später beschrieben hat, hat der benshi "nicht nur den Anschlag der Filme nachgezählt, sie haben den emotionalen Inhalt erhöht, indem sie die Stimmen und Geräuscheffekte durchgeführt haben und sinnträchtige Beschreibungen von Ereignissen und Images auf dem Schirm zur Verfügung gestellt haben.... Die populärsten Erzähler waren Sterne in ihrem eigenen Recht, das allein für die Schirmherrschaft von einem besonderen Theater verantwortlich ist." Filmhistoriker Mariann Lewinsky, streitet

Das Ende des stillen Films im Westen und in Japan wurde durch die Industrie und den Markt auferlegt, nicht durch jedes innere Bedürfnis oder natürliche Evolution.... Stilles Kino war eine hoch angenehme und völlig reife Form. Es hat an nichts, meist in Japan Mangel gehabt, wo es immer die menschliche Stimme gab, die die Dialoge und den Kommentar tut. Gesunde Filme waren nicht besser, gerade mehr wirtschaftlich. Als ein Kino-Eigentümer mussten Sie die Löhne von Musikern und benshi nicht mehr bezahlen. Und ein guter benshi war ein Stern anspruchsvolle Sternzahlung.

Aus dem gleichen Grunde hat die Lebensfähigkeit des benshi Systems einen allmählichen Übergang zum Ton — das Erlauben das Studio erleichtert, die Kapitalkosten der Konvertierung und ihrer Direktoren und technische Mannschaft-Zeit auszudehnen, um vertraut mit der neuen Technologie zu werden.

Der mit der Mandarine sprachige Gēnǚ hóng mǔdān (eintöniges Mädchen Rote Pfingstrose), Butterfly Wu, premiered als Chinas erster Eigenschaft-Tonfilm 1930 in der Hauptrolle zeigend. Vor dem Februar dieses Jahres wurde Produktion anscheinend auf einer gesunden Version des Spielplatzes des Teufels vollendet, wohl es als der erste australische sprechende Film qualifizierend; jedoch ist die Maipresseabschirmung des Filmstreit-Preisträgers von Commonwealth Fellers die erste nachprüfbare öffentliche Ausstellung eines australischen Tonfilms. Im September 1930 wurde ein Lied, das durch den Indianerstern Sulochana durchgeführt ist, der von der stillen Eigenschaft Madhuri (1928) exzerpiert ist, als ein synchronisierter Ton kurz, das Land zuerst veröffentlicht. Im nächsten Jahr hat Ardeshir Irani die erste sprechende Indianereigenschaft, das Hindi-Urdu Alam Ara geleitet, und hat Kalidas in erster Linie in Tamilisch mit einem Telugu erzeugt. Neunzehn einunddreißig hat auch den ersten bengalisch-sprachigen Film, Jamai Sasthi und den ersten Film gesehen, der völlig in Telugu, Bhakta Prahlada gesprochen ist. 1932 ist Ayodhyecha Radscha der erste Film geworden, in dem Marathi gesprochen wurde, um veröffentlicht zu werden (obwohl Sant Tukaram erst war, um den offiziellen Zensur-Prozess durchzugehen); der erste Gujarati-sprachige Film, Narsimha Mehta, und volltamilischer Tonfilm, Kalava, hat ebenso debütiert. Im nächsten Jahr hat Ardeshir Irani den ersten persisch-sprachigen Tonfilm, Dukhtar-e-loor erzeugt. Auch 1933 wurden die ersten kantonesisch-sprachigen Filme in Hongkong — Sha zai dongfang (die Hochzeitsnacht des Idioten) und Liang xing (Gewissen) erzeugt; innerhalb von zwei Jahren hatte sich die lokale Filmindustrie zum Ton völlig umgewandelt. Korea, wo pyonsa (oder byun-sa) eine Rolle und diesem der japanischen benshi ähnlichen Status gehalten hat, 1935 ist das letzte Land mit einer bedeutenden Filmindustrie geworden, um sein erstes sprechendes Bild zu erzeugen: Chunhyangjeon (/) basiert auf dem siebzehnten Jahrhundert pansori Volksmärchen "Chunhyangga", dessen nicht weniger als fünfzehn Filmversionen durch 2009 gemacht worden sind.

Folgen

Technologie

Kurzfristig hat die Einführung des lebenden Tons, der registriert, Hauptschwierigkeiten in der Produktion verursacht. Kameras waren laut, so wurde ein soundproofed Kabinett in vielen der frühsten Tonfilme verwendet, um die laute Ausrüstung von den Schauspielern auf Kosten der drastischen Verminderung der Fähigkeit zu isolieren, die Kamera zu bewegen. Einige Zeit wurde das Schießen der vielfachen Kamera verwendet, um den Verlust der Beweglichkeit zu ersetzen, und innovative Studio-Techniker konnten häufig Weisen finden, die Kamera für besondere Schüsse zu befreien. Die Notwendigkeit des Bleibens innerhalb der Reihe von noch Mikrofonen hat bedeutet, dass Schauspieler auch häufig ihre Bewegungen unnatürlich beschränken mussten. Das Showgirl in Hollywood (1930), von First National Pictures (dessen Warner Bros. Kontrolle dank seines gewinnbringenden Abenteuers in den Ton genommen hatten), gibt einen Blick hinter den Kulissen auf einige der am Schießen früher Tonfilme beteiligten Techniken. Mehrere der grundsätzlichen Probleme, die durch den Übergang zum Ton verursacht sind, wurden bald mit neuen Kameraumkleidungen behoben, die als "kleine unstarre Luftschiffe" bekannt sind, entworfen, um Geräusch und Boom-Mikrofone zu unterdrücken, die gerade aus dem Rahmen gehalten und mit den Schauspielern bewegt werden konnten. 1931 wurde eine Hauptverbesserung in der Play-Back-Treue eingeführt: Dreiseitige Sprecher-Systeme, in denen Ton in niedrige, mittlere und hohe Frequenzen getrennt und beziehungsweise an einen großen Bass"Tieftonlautsprecher", einen Fahrer des mittleren Bereichs und einen dreifachen "Hochtöner" gesandt wurde.

Es gab Folgen ebenso für andere technologische Aspekte des Kinos. Richtige Aufnahme und Play-Back des Tons haben genaue Standardisierung der Kamera- und Kinoprojektor-Geschwindigkeit verlangt. Vor dem Ton waren 16 Rahmen pro Sekunde (fps) die angenommene Norm, aber Praxis geändert weit. Kameras waren häufig undercranked oder haben übergekröpft, um Aussetzungen oder für die dramatische Wirkung zu verbessern. Kinoprojektoren wurden zu schnell allgemein geführt, um Laufzeit zu verkürzen und Extrashows hineinzuzwängen. Variable Rahmenrate, jedoch, gemachter Ton unlistenable und ein neuer, strenger Standard von 24 fps wurde bald gegründet. Klingen Sie auch gezwungen das Aufgeben der lauten Kreisbogen-Lichter, die verwendet sind, um sich im Studio-Innere verfilmen zu lassen. Der Schalter, um Glühbeleuchtung zu beruhigen, hat der Reihe nach einen Schalter zum teureren Rohfilm verlangt. Die Empfindlichkeit des neuen panchromatischen Films hat höherem Image Tonqualität geliefert und hat Direktoren die Freiheit gegeben, Szenen an niedrigeren leichten Niveaus zu schießen, als vorher praktisch war.

Wie David Bordwell beschreibt, haben technologische Verbesserungen mit einem schnellen Schritt weitergegangen: "Zwischen 1932 und 1935, [Westlich Elektrisch und RCA] hat Richtungsmikrofone geschaffen, hat die Frequenzreihe der Filmaufnahme, reduziertes Boden-Geräusch vergrößert... und hat die Volumen-Reihe erweitert." Diese technischen Fortschritte haben häufig neue ästhetische Gelegenheiten bedeutet: "Die Erhöhung der Treue der Aufnahme hat... die dramatischen Möglichkeiten des stimmlichen Timbres, des Wurfs und der Lautheit erhöht." Ein anderes grundlegendes Problem — berühmt spoofed im 1952-Film, der Singin' im Regen — war, dass einige Schauspieler des stillen Zeitalters einfach attraktive Stimmen nicht hatten; obwohl dieses Problem oft übertrieben wurde, dort wurden Sorgen über die allgemeine stimmliche Qualität und das Gussteil von Darstellern für ihre dramatischen Sachkenntnisse in Rollen verbunden, die auch das Singen des Talents außer ihrem eigenen verlangen. Vor 1935 war das Wiederregistrieren Vokale durch die ursprünglichen oder verschiedenen Schauspieler in der Postproduktion, einem als "das Schlingen" bekannten Prozess, praktisch geworden. Das ultraviolette Aufnahme-System, das durch RCA 1936 eingeführt ist, hat die Fortpflanzung von Zischlauten und hohen Zeichen verbessert.

Mit Hollywoods Großhandelsadoption der Tonfilme wurde die Konkurrenz zwischen den zwei grundsätzlichen Annäherungen an die gesunde Filmproduktion bald aufgelöst. Über den Kurs 1930-31 haben die einzigen Hauptspieler, die Ton auf der Scheibe, Warner Bros. und First National verwenden, auf Aufnahme des Tons auf dem Film umgestellt. Die vorherrschende Anwesenheit von Vitaphone in Ton-ausgestatteten Theatern hat jedoch bedeutet, dass seit kommenden Jahren das ganze Studio von Hollywood gedrückt hat, und verteilte Versionen des Tons auf der Scheibe ihrer Filme neben dem Ton auf dem Film druckt. Fuchs Movietone ist bald Vitaphone in den Nichtgebrauch als eine Aufnahme und Reproduktionstechnik gefolgt, zwei amerikanische Hauptsysteme verlassend: das variable Gebiet RCA der eigene Prozess der variablen Dichte von Westlichem und Phototelefonelectric, eine wesentliche Verbesserung auf quer-lizenziertem Movietone. Unter der Anregung von RCA haben die zwei Muttergesellschaften ihre Vorsprung-Ausrüstung gemacht vereinbare, bedeutende mit einem System gedrehte Filme konnten in für den anderen ausgestatteten Theatern geschirmt werden. Dieser verlassene großes Problem — die Tobis-Klangfilm-Herausforderung. Im Mai 1930, Westlich Elektrisch hat eine österreichische Rechtssache gewonnen, die Schutz für bestimmte Tri-Ergon-Patente geräumt hat, das Helfen bringen Tobis-Klangfilm zum Verhandlungstisch. Im nächsten Monat wurde eine Übereinstimmung auf dem Patent-Quer-Genehmigen, der vollen Play-Back-Vereinbarkeit und der Abteilung der Welt in drei Teile für die Bestimmung der Ausrüstung erreicht. Weil ein zeitgenössischer Bericht beschreibt:

Tobis-Klangfilm hat die exklusiven Rechte, Ausrüstung zur Verfügung zu stellen, für: Deutschland, Danzig, Österreich, Ungarn, die Schweiz, die Tschechoslowakei, Holland, der holländische Indies, Dänemark, Schweden, Norwegen, Bulgarien, Rumänien, Jugoslawien und Finnland. Die Amerikaner haben die exklusiven Rechte für die Vereinigten Staaten, Kanada, Australien, Neuseeland, Indien und Russland. Alle anderen Länder, unter ihnen Italien, Frankreich, und England, sind für beide Parteien offen.

Die Abmachung hat alle offenen Streite nicht aufgelöst, und weitere Verhandlungen wurden übernommen, und Übereinstimmungen über den Kurs der 1930er Jahre unterzeichnet. Während dieser Jahre, ebenso, hat das amerikanische Studio begonnen, das Elektrische Westsystem für die Annäherung des variablen Gebiets des RCA Phototelefons — am Ende von 1936, nur Paramount, MGM aufzugeben, und Vereinigte Künstler hatten noch Verträge mit ERPI.

Arbeit

Während die Einführung des Tons zu einem Boom in der Film-Industrie geführt hat, hatte es eine nachteilige Wirkung auf die Arbeitsfähigkeit eines Gastgebers von Schauspielern von Hollywood der Zeit. Plötzlich wurden diejenigen ohne Bühne-Erfahrung als Verdächtiger vom Studio betrachtet; wie angedeutet, oben waren diejenigen, deren schwere Akzente oder sonst nicht miteinander harmonierende Stimmen vorher verborgen worden waren, besonders gefährdet. Die Karriere des stillen Hauptsterns Norma Talmadge ist effektiv auf diese Weise abgelaufen. Der berühmte deutsche Schauspieler Emil Jannings ist nach Europa zurückgekehrt. Kinobesucher haben die Stimme von John Gilbert ein ungeschicktes Match mit seinem prahlerischen Charakter gefunden, und sein Stern ist auch verwelkt. Zuschauer sind jetzt geschienen, bestimmte Sterne des stillen Zeitalters als altmodisch, sogar diejenigen wahrzunehmen, die das Talent hatten, im gesunden Zeitalter erfolgreich zu sein. Die Karriere von Harold Lloyd, einer der Spitzenschirm-Komiker der 1920er Jahre, hat sich überstürzt geneigt. Lillian Gish ist zurück zur Bühne fortgegangen, und andere Leitfiguren haben bald das Handeln völlig verlassen: Colleen Moore, Gloria Swanson, und Hollywoods berühmtestes Aufführungspaar, Douglas Fairbanks und Mary Pickford. Wie Schauspielerin Louise Brooks vorgeschlagen hat, gab es andere Probleme ebenso:

Studio-Leiter, die jetzt in beispiellose Entscheidungen gezwungen sind, haben sich dafür entschieden, mit den Schauspielern, dem am wenigsten schmackhaften, dem verwundbarsten Teil der Filmproduktion zu beginnen. Es war solch eine herrliche Gelegenheit irgendwie, um Verträge zu brechen, Gehälter schneidend, und die Sterne zähmend.... Ich haben sie die Gehalt-Behandlung gegeben. Ich konnte ohne das Erheben meines Vertrags verlangt länger bleiben, oder, [oberster Studio-Chef B. P.] aufhören, Schulberg, hat mit dem zweifelhaften Trick dessen gesagt, ob ich für die Tonfilme gut sein würde. Zweifelhaft sage ich, weil ich anständiges Englisch in einer anständigen Stimme gesprochen habe und aus dem Theater gekommen bin. So ohne Zögern habe ich aufgehört.

Ähnlich wurde die sprechende Stimme von Clara Bow manchmal für die Besitzübertragung ihrer Karriere von Hollywood verantwortlich gemacht, obwohl die echten Probleme ihre Zusammenstöße mit Studio-Managern eingeschlossen haben, und was Filmhistoriker David Thomson als der "Rückstoß der bürgerlichen Heuchelei" gegen einen Lebensstil beschreibt, der für einen männlichen Stern unbeachtlich gewesen wäre. Buster Keaton war eifrig, das neue Medium zu erforschen, aber als sein Studio, MGM, den Wechsel gemacht hat, um zu klingen, wurde er der kreativen Kontrolle schnell beraubt. Obwohl die frühe Tonfilme mehreren Keatons eindrucksvolle Gewinne gemacht haben, waren sie künstlerisch düster.

Mehrere der größten Attraktionen des neuen Mediums sind aus dem Varieté und dem Musiktheater gekommen, wo Darsteller wie Jolson, Eddie Cantor, Jeanette MacDonald und Marx Brothers an die Anforderungen sowohl des Dialogs als auch Liedes gewöhnt wurden. James Cagney und Joan Blondell, die sich auf Broadway zusammengetan hatte, wurden Westen von Warner Bros. 1930 zusammengebracht. Einige Schauspieler waren Hauptsterne sowohl während des stillen als auch während die gesunden Zeitalter: Richard Barthelmess, Clive Brook, Bebe Daniels, Norma Shearer, die Komödie-Mannschaft von Stan Laurel und Oliver Hardy und dem unvergleichbaren Charlie Chaplin, dessen Stadtlichter (1931) und Moderne Zeiten (1936) Ton fast exklusiv für die Musik und Effekten verwendet haben. Janet Gaynor ist ein Spitzenstern mit dem Synch-Ton geworden, aber der dialogueless Siebente Himmel und Sonnenaufgang, wie Joan Crawford mit technologisch ähnlich Unsere Tanzenden Töchter (1928) getan hat. Greta Garbo war ein nichtgeborener englischer Sprecher, um Berühmtheit von Hollywood auf beiden Seiten des großen Tons zu erreichen, teilen sich.

Da Unterhaltung von Bildern mit ihren bespielten Musikspuren erschienen ist, hat sich eine steigende Zahl von moviehouse Orchester-Musikern arbeitslos gefunden. Mehr als gerade ihre Position als Film Begleiter wurde widerrechtlich angeeignet; gemäß dem Historiker Preston J. Hubbard, "Während der 1920er Jahre sind lebende Musikleistungen an erst-geführten Theatern ein außerordentlich wichtiger Aspekt des amerikanischen Kinos geworden." Mit dem Kommen von den Tonfilmen wurden jene gestalteten Leistungen — gewöhnlich inszeniert als Einleitungen — ebenso größtenteils beseitigt. Die amerikanische Föderation von Musikern hat Zeitungsanzeigen weggenommen, die gegen den Ersatz von lebenden Musikern mit mechanischen spielenden Geräten protestieren. Eine 1929-Anzeige, die in der Pittsburger Presse erschienen ist, zeigt ein Image einer Dose etikettiert "Konservierte Musik / Große Geräuschmarke / Versichert, um Keine Intellektuelle oder Emotionale Reaktion Was auch immer Zu erzeugen", und liest teilweise:

Konservierte Musik auf dem Prüfstand

Das ist von der Kunst gegen die Mechanische Musik in Theatern der Fall. Der Angeklagte steht angeklagt vor den amerikanischen Leuten der versuchten Bestechung der Musikanerkennung und Niedergeschlagenheit der Musikausbildung. Theater in vielen Städten bieten synchronisierte mechanische Musik als ein Ersatz für die Echte Musik an. Wenn der Theater in eine Aktiengesellschaft umgewandelt werdende diesen vitiation seines Unterhaltungsprogramms akzeptiert, ist ein beklagenswerter Niedergang in der Kunst der Musik unvermeidlich. Musikbehörden wissen, dass die Seele der Kunst in der Mechanisierung verloren wird. Es kann nicht sonst sein, weil die Qualität der Musik von der Stimmung des Künstlers auf den menschlichen Kontakt abhängig ist, ohne den die Essenz der intellektuellen Anregung und des emotionalen Entzückens verloren wird.

Vor dem folgenden Jahr berichtete 22,000 hatten amerikanische moviehouse Musiker ihre Jobs verloren.

Handel

Im September 1926 wurde Jack Warner, Leiter von Warner Bros., zitiert des Inhalts, dass Unterhaltung von Bildern nie lebensfähig sein würde: "Sie scheitern, die internationale Sprache der stillen Bilder und den unbewussten Anteil jedes Zuschauers im Schaffen des Spieles, der Handlung, des Anschlags und des vorgestellten Dialogs für sich in Betracht zu ziehen." Viel zum Vorteil seiner Gesellschaft würde er sehr falsch — zwischen den 1927-28 und 1928-29 Geschäftsjahren bewiesen, die Gewinne von Warners haben von $ 2 Millionen bis $ 14 Millionen gedrängt. Gesunder Film war tatsächlich ein klarer Segen allen Hauptspielern in der Industrie. Während dieser derselben zwölfmonatigen Spanne haben sich die Gewinne des Paramount um $ 7 Millionen, Fuchs um $ 3.5 Millionen und Loew's/MGM's um $ 3 Millionen erhoben. RKO, der im September 1928 nicht sogar bestanden hatte, und dessen Elternteilproduktionsgesellschaft, FBO, in Hollywood geringe Ligen war, am Ende von 1929 wurde als eines von Amerikas Hauptunterhaltungsgeschäften gegründet. Dem Boom Brennstoff zu liefern, war das Erscheinen eines wichtigen neuen filmischen Genres gemacht möglich durch den Ton: das Musical. Mehr als sechzig Musicals von Hollywood wurden 1929, und mehr als achtzig im nächsten Jahr veröffentlicht.

Gerade als der Unfall von Wall Street des Oktobers 1929 geholfen hat, die Vereinigten Staaten und schließlich die Weltwirtschaft in Depression zu tauchen, ist die Beliebtheit der Tonfilme zuerst geschienen, Hollywood geschützt zu halten. Die 1929-30 Ausstellungsjahreszeit war für die Film-Industrie noch besser als das vorherige, mit Karte-Verkäufen und gesamten Gewinnen, die neue Höhen schlagen. Wirklichkeit hat schließlich später 1930 geschlagen, aber Ton hatte klar Hollywoods Position als eines der wichtigsten Industriefelder sowohl gewerblich als auch kulturell in den Vereinigten Staaten gesichert. 1929 haben Filmkassenquittungen 16.6 Prozent von Gesamtausgaben durch Amerikaner auf der Unterhaltung umfasst; vor 1931 hatte die Zahl 21.8 Prozent erreicht. Das Film-Geschäft würde ähnlichen Zahlen für das nächste einhalb Jahrzehnt befehlen. Hollywood hat auf der größeren Bühne ebenso geherrscht. Die amerikanische Filmindustrie — bereits brechen die stärksten in der Welt — einen Exportrekord 1929, dass, durch das angewandte Maß von Gesamtfüßen des ausgestellten Films, um 27 Prozent höher war als das Jahr vorher. Sorgen, dass Sprachunterschiede amerikanische Filmexporte behindern würden, haben sich erwiesen, größtenteils grundlos zu sein. Tatsächlich war der Aufwand der gesunden Konvertierung ein Haupthindernis für viele überseeische Erzeuger, die nach Standards von Hollywood relativ unterfinanziert sind. Die Produktion von vielfachen Versionen von exportgebundenen Tonfilmen auf verschiedenen Sprachen, eine einheitliche Methode zuerst, größtenteils aufgehört durch die Mitte 1931, die durch die Postnachsynchronisation und das Untertiteln ersetzt ist. Trotz Handelsbeschränkungen, die auf den meisten Auslandsmärkten vor 1937 auferlegt sind, haben amerikanische Filme ungefähr 70 Prozent der Schirm-Zeit um den Erdball befohlen.

Da das Hauptstudio von Hollywood vom Ton in Bezug auf ihre ausländischen Mitbewerber gewonnen hat, haben sie zuhause dasselbe gemacht. Wie Historiker Richard B. Jewell beschreibt, "Hat die gesunde Revolution viele kleine Filmgesellschaften und Erzeuger zerquetscht, die unfähig waren, die Finanznachfragen der gesunden Konvertierung zu befriedigen." Die Kombination des Tons und der Weltwirtschaftskrise hat zu einer Großhandelsgesundschrumpfung im Geschäft geführt, auf die Hierarchie der Großen Fünf einheitlichen Gesellschaften (MGM, Paramount, Fuchs, Warners, RKO) und das drei kleinere Studio auch genannt "Majore" hinauslaufend (Columbia, Universale, Vereinigte Künstler), der im Laufe der 1950er Jahre vorherrschen würde. Historiker Thomas Schatz beschreibt die Hilfseffekten:

Weil das Studio gezwungen wurde, Operationen zu rationalisieren und sich auf ihre eigenen Mittel zu verlassen, sind ihre individuellen Hausstile und korporative Anzüglichkeiten in viel schärferen Fokus eingetreten. So hat die Wasserscheide-Periode vom Kommen von Ton in die frühe Depression das Studio-System gesehen schließlich mit dem individuellen Studio verschmelzen, das sich mit ihrer eigenen Identität und ihren jeweiligen Positionen innerhalb der Industrie einigt.

Das andere Land, in dem gesundes Kino einen unmittelbaren kommerziellen Haupteinfluss hatte, war Indien. Wie ein Verteiler der Periode gesagt hat, "Mit dem Kommen von den Tonfilmen ist der Indianerfilm in sein eigenes als ein bestimmtes und kennzeichnendes Stück der Entwicklung eingetreten. Das wurde durch die Musik erreicht." Von seinen frühsten Tagen ist gesundes Indianerkino durch das Musical definiert worden — Alam Ara hat sieben Lieder gezeigt; ein Jahr später würde Indrasabha siebzig zeigen. Während die europäischen Filmindustrien mit einem endlosen Kampf gegen die Beliebtheit und den Wirtschaftsmuskel Hollywoods zehn Jahre gekämpft haben, nachdem das Debüt von Alam Ara, mehr als 90 Prozent der Filme, die sich auf Indianerschirmen zeigen, innerhalb des Landes gemacht wurden.

Die meisten Indiens frühen Tonfilme wurden in Bombay geschossen, das das Hauptproduktionszentrum, aber die gesunde über die mehrsprachige Nation bald ausgebreitete Filmherstellung bleibt. Innerhalb gerade ein paar Wochen der Premiere im März 1931 von Alam Ara hatte Kalkuttaer Madan Pictures sowohl das Hindi Shirin Farhad als auch den bengalischen Jamai Sasthi veröffentlicht. Der hindustanische Heer Ranjha wurde in Lahore, Punjab im nächsten Jahr erzeugt. 1934 wurde Sati Sulochana, erster Kannada, zu veröffentlichendes Bild redend, in Kolhapur, Maharashtra geschossen; Srinivasa Kalyanam ist der erste tamilische in tamilischem Nadu wirklich geschossene Tonfilm geworden. Sobald die ersten Tonfilm-Eigenschaften, die Konvertierung zur vollen gesunden Produktion zufällig so schnell in Indien erschienen sind, wie es in den Vereinigten Staaten getan hat. Bereits vor 1932, die Mehrheit der Eigenschaft-Produktion waren im Ton; zwei Jahre später redeten 164 der 172 Indianerhauptfilme Bilder. Seit 1934, mit der alleinigen Ausnahme von 1952, ist Indien unter den drei ersten filmerzeugenden Ländern in der Welt jedes einzelne Jahr gewesen.

Ästhetische Qualität

Im ersten, 1930 Ausgabe seines globalen Überblicks Der Film Bis jetzt, hat britischer Kino-Pandit Paul Rotha erklärt, "Ein Film, in dem die Rede und Geräuscheffekte vollkommen synchronisiert werden und mit ihrem Sehimage auf dem Schirm zusammenfallen, ist absolut gegen die Ziele des Kinos. Es ist ein degenerierter und unangebrachter Versuch, den echten Gebrauch des Films zu zerstören, und kann als Ankunft innerhalb der wahren Grenzen des Kinos nicht akzeptiert werden." Solche Meinungen waren unter denjenigen nicht selten, die sich über das Kino als eine Kunstform gesorgt haben; Alfred Hitchcock, obwohl er den ersten gewerblich erfolgreichen in Europa erzeugten Tonfilm geleitet hat, hat gemeint, dass "die stillen Bilder die reinste Form des Kinos waren" und über viele frühe gesunde Filme als liefernd wenig neben "Fotographien von Leuten gespottet haben, die sprechen". In Deutschland hat Max Reinhardt, Bühne-Erzeuger und Filmregisseur, den Glauben ausgedrückt, dass die Tonfilme, "zu den Schirm-Bühne-Spielen bringend... dazu neigen, diese unabhängige Kunst eine Tochtergesellschaft des Theaters zu machen und wirklich es nur einen Ersatz für das Theater statt einer Kunst an sich... wie Fortpflanzung von Bildern zu machen."

Nach der Meinung von vielen Filmhistorikern und Fans, sowohl zurzeit als auch nachher, hatte stiller Film eine ästhetische Spitze bis zum Ende der 1920er Jahre erreicht, und die frühen Jahre des gesunden Kinos haben wenig geliefert, der mit dem besten vom silents vergleichbar war. Zum Beispiel trotz des Verblassens in die Verhältniszweideutigkeit sobald war sein Zeitalter gegangen, stilles Kino wird durch elf Filme im Jahrhundert der Unterbrechung des Kinos Hundert Erste Wahl, gehalten 1995 vertreten. Das erste Jahr, in dem gesunde Filmproduktion über den stillen Film — nicht nur in den Vereinigten Staaten, sondern auch im Westen als Ganzes vorgeherrscht hat — war 1929; noch werden die Jahre 1929 bis 1933 durch drei dialogueless Bilder (Büchse der Pandora [1929], Zemlya [1930], Stadtlichter [1931]) und Nulltonfilme in der Unterbrechungswahl vertreten. (Stadtlichter, wie Sonnenaufgang, wurden mit einer registrierten Kerbe und Geräuscheffekten veröffentlicht, aber werden jetzt gewöhnlich auf von Historikern und Industriefachleuten als ein "stiller" — gesprochener Dialog verwiesen, der als der entscheidende unterscheidende Faktor zwischen dem stillen betrachtet ist, und lassen Sie dramatisches Kino erklingen.) Der frühste gesunde Film, um zu legen, ist der French L'Atalante (1934), geleitet von Jean Vigo; der frühste Ton-Film von Hollywood, um sich zu qualifizieren, Erzieht Baby (1938), geleitet von Howard Hawks.

Der erste gesunde Hauptfilm, um nah-universale kritische Genehmigung zu erhalten, war Der Blaue Engel (Der Blaue Engel); premiering am 1. April 1930, es wurde von Josef von Sternberg sowohl in deutschen als auch in englischen Versionen für Berlins UFA Studio geleitet. Der erste amerikanische weit zu beachtende Tonfilm war Alles auf der Westvorderseite Ruhig, die von Lewis Milestone, der premiered am 21. April geleitet ist. Das andere international mit Jubel begrüßte gesunde Drama des Jahres war Westfront 1918, der von G. W. Pabst für den Nero-Film Berlins geleitet ist. Historiker Anton Kaes weist dazu als ein Beispiel "der neuen Wahrscheinlichkeit hin [die] die ehemalige Betonung des stillen Kinos auf dem hypnotischen Blick und der Symbolik des Lichtes und Schattens, sowie seiner Vorliebe für allegorische Charaktere, anachronistisch gemacht hat." Kulturelle Historiker denken den French L'Âge d'Or, der von Luis Buñuel geleitet ist, der gegen Ende 1930 geschienen ist, vom großen ästhetischen Import zu sein; zurzeit hat sein erotischer, blasphemischer, antibürgerlicher Inhalt einen Skandal verursacht. Schnell verboten von Pariser Hauptkommissar Jean Chiappe war es seit fünfzig Jahren nicht verfügbar. Der frühste gesunde Film, der jetzt von den meisten Filmhistorikern als ein Meisterwerk anerkannt ist, ist die M des Nero-Films, geleitet von Fritz Lang, der premiered am 11. Mai 1931. Wie beschrieben, durch Roger Ebert, "Haben viele frühe Tonfilme gefunden, dass sie die ganze Zeit sprechen mussten, aber Lang erlaubt seiner Kamera, durch die Straßen und das Tauchen umherzuschleichen, eine Ansicht des Ratte-Auges zur Verfügung stellend."

Filmische Form

"Unterhaltung des Films ist so wenig erforderlich wie ein Singen-Buch." Solcher war die stumpfe Deklaration des Kritikers Viktor Shklovsky, einer der Führer der russischen Formalist-Bewegung 1927. Während ein betrachteter mit der Filmkunst so unvereinbarer Ton, andere es gesehen haben wie Öffnung eines neuen Feldes der kreativen Gelegenheit. Im nächsten Jahr hat eine Gruppe von sowjetischen Filmemachern, einschließlich Sergei Eisensteins, öffentlich verkündigt, dass der Gebrauch des Images und Tons in der Nebeneinanderstellung, der so genannten kontrapunktischen Methode, das Kino zur "beispiellosen Macht und kulturellen Höhe erheben würde. Solch eine Methode, für den gesunden Film zu bauen, wird es auf einen nationalen Markt nicht beschränken, wie es mit dem Fotografieren von Spielen geschehen muss, aber eine größere Möglichkeit geben wird als jemals, bevor für den Umlauf weltweit eines filmically Idee ausgedrückt hat." So weit ein Segment des Publikums jedoch betroffen wurde, hat die Einführung des Tons ein virtuelles Ende zu solchem Umlauf gebracht: Elizabeth C. Hamilton schreibt, "Stille Filme haben Leuten angeboten, die eine seltene Gelegenheit taub waren, an einem öffentlichen Gespräch, Kino unter gleichen Bedingungen mit hörenden Leuten teilzunehmen. Das Erscheinen des gesunden Films hat sich effektiv taub davon getrennt, Publikum-Mitglieder wieder zu hören."

Am 12. März 1929 hatte das erste abendfüllende sprechende in Deutschland gemachte Bild seine Premiere. Die Eröffnungsproduktion von Tobis Filmkunst, es war nicht ein Drama, aber ein durch eine Schifffahrtsgesellschaft gesponserter Dokumentarfilm: Melodie der Welt (Melodie der Welt), geleitet von Walter Ruttmann. Das war auch vielleicht der erste Hauptfilm überall, um die künstlerischen Möglichkeiten bedeutsam zu erforschen, sich dem Film mit dem registrierten Ton anzuschließen. Wie beschrieben, durch den Gelehrten William Moritz ist der Film "kompliziert, dynamisch... juxtapos [ing] ähnliche kulturelle Gewohnheiten aus Ländern um die Welt, mit einer herrlichen Orchesterkerbe... und vielen synchronisierten Geräuscheffekten schnell durchschritten." Komponist Lou Lichtveld war unter mehreren zeitgenössischen durch den Film geschlagenen Künstlern: "Melodie der Welt ist der erste wichtige gesunde Dokumentarfilm, das erste geworden, in dem Musical und unmusikalische Töne in eine einzelne Einheit zusammengesetzt wurden, und in dem Image und Ton von einem und demselben Impuls kontrolliert werden." Melodie der Welt war ein direkter Einfluss auf den Industriefilm Philips Radio (1931), geleitet vom holländischen avantgardistischen Filmemacher Joris Ivens und hat durch Lichtveld gezählt, der seine audiovisuellen Ziele beschrieben hat:

Die Halbmusikeindrücke der Fabrik zu machen, klingt in einer komplizierten Audiowelt, die sich von der absoluten Musik bis die rein dokumentarischen Geräusche der Natur bewegt hat. In diesem Film kann jede Zwischenbühne gefunden werden: Solcher als die Bewegung der Maschine, die durch die Musik, die Geräusche der Maschine interpretiert ist, die den Musikhintergrund beherrscht, ist die Musik selbst der Dokumentarfilm und jene Szenen, wohin der reine Ton der Maschine Solo geht.

Viele ähnliche Experimente wurden von Dziga Vertov in seinen 1931 Entuziazm und von Chaplin in Modernen Zeiten ein Halbjahrzehnt später verfolgt.

Einige innovative kommerzielle Direktoren haben sofort die Wege gesehen, auf die Ton als ein integraler Bestandteil der filmischen Erzählkunst außer der offensichtlichen Funktion verwendet werden konnte, Rede zu registrieren. In der Erpressung hat Hitchcock die Fortpflanzung eines Monologs eines Charakters manipuliert, so würde das Wort "Messer" aus einem verschwommenen Strom des Tons springen, den subjektiven Eindruck der Hauptfigur widerspiegelnd, die dringend ihre Beteiligung an einer tödlichen Messerstecherei verbergen muss. In seinem ersten Film, der Oberste Beifall (1929), hat Rouben Mamoulian das Trugbild der akustischen Tiefe geschaffen, indem er das Volumen des umgebenden Tons im Verhältnis zur Entfernung von Schüssen geändert hat. An einem bestimmten Punkt hat Mamoulian gewollt, dass das Publikum einen Charakter gehört hat, der zur gleichen Zeit singt, weil ein anderer betet; gemäß dem Direktor, "Haben sie gesagt, dass wir die zwei Dinge — das Lied und das Gebet — auf einem Mikrophon und einem Kanal nicht registrieren konnten. So sagte ich dem gesunden Mann, ', Zwei mikes und zwei Kanäle warum nicht verwenden und die zwei Spuren im Druck verbinden?'" Solche Methoden würden schließlich Standardverfahren in der populären Filmherstellung werden.

Einer der ersten kommerziellen Filme, um vollen Vorteil der neuen durch den registrierten Ton zur Verfügung gestellten Gelegenheiten zu nehmen, war Le Million, der von René Clair geleitet ist, und hat durch die französische Abteilung von Tobis erzeugt. Premiering in Paris im April 1931 und New York einen Monat später, das Bild war sowohl ein kritischer als auch populärer Erfolg. Eine musikalische Komödie mit einem Barebones-Anschlag, es ist für seine formellen Ausführungen, insbesondere seine nachdrücklich künstliche Behandlung des Tons denkwürdig. Wie beschrieben, durch den Gelehrten Donald Crafton,

Le Million lässt uns nie vergessen, dass der akustische Bestandteil so viel ein Aufbau ist wie die getünchten Sätze. [Es] hat Dialog durch Schauspieler ersetzt, die singen und in reimenden Reimpaaren sprechen. Clair hat neckende Verwirrungen zwischen auf - und Ton außer Schirm geschaffen. Er hat auch mit asynchronen Audiotricks, als in der berühmten Szene experimentiert, in der eine Verfolgung nachdem ein Mantel synched zu den Beifallsrufen eines unsichtbaren Fußballs (oder Rugby) Menge ist.

Diese und ähnlichen Techniken sind ein Teil des Vokabulars des gesunden Komödie-Films, obwohl als spezielle Effekten und "Farbe" geworden, nicht als die Basis für die Art des umfassenden, nichtnaturalistischen von Clair erreichten Designs. Außerhalb des comedic Feldes würde die Sorte des kühnen Spieles mit dem Ton, der durch Melodie der Welt und Le Million veranschaulicht ist, sehr selten in der kommerziellen Produktion verfolgt. Hollywood hat insbesondere Ton in ein zuverlässiges System von Genre-basiertem moviemaking vereinigt, in dem die formellen Möglichkeiten des neuen Mediums den traditionellen Absichten der Sternbestätigung und aufrichtigen Erzählkunst untergeordnet wurden. Wie genau vorausgesagt, 1928 durch Frank Woods, Sekretär der Akademie von Film-Künsten und Wissenschaften, "Werden die Unterhaltungsbilder der Zukunft der allgemeinen Linie der durch das stille Drama ehemals entwickelten Behandlung folgen.... Die Unterhaltungsszenen werden das verschiedene Berühren verlangen, aber der allgemeine Aufbau der Geschichte wird ziemlich gleich sein."

Siehe auch

• Geschichte des Films
• Gesunde Bühne
• Filmsoundtrack

• für Artikel bezüglich der Entwicklung des filmischen Tons, der registriert
• Teil-Tonfilm
• Liste von Filmtonanlagen

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Quellen

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• Filmton-Geschichte gut aufgezogene Bibliografie von Online-Artikeln und Mitteln; ein Teil der Website von FilmSound
• Hollywood Geht für Gesunde Karten, Übergang zeigend, um Produktion durch das Studio von Hollywood, 1928-1929 erklingen zu lassen; ein Teil der Erde-Mediawebsite
• Progressive Silent Film List (PSFL) / Frühe Sound Films umfassende und ausführlich berichtete Auflistung der ersten Generation von gesunden Filmen von der ganzen Welt; ein Teil der Stillen Zeitalter-Website
• Die Aufnahme der Technologiegeschichte umfassende Chronologie von Entwicklungen, einschließlich Subseiten, durch Steven E. Schoenherr; sieh insbesondere Film-Ton
• Eine Ausgewählte Bibliografie des Tons und Musik für Moving Pictures, die von Miguel Mera, Königlicher Musikschule, London kompiliert ist; ein Teil der Schule der Gesunden Website
• Das Stille Filmbücherregal verbindet sich zu entscheidenden primären und sekundären Quelldokumenten, mehrere, die das Zeitalter des Übergangs bedecken, um erklingen zu lassen
• Gesunde Bühne — Die Geschichte des Film-Tons informativer illustrierter Überblick; ein Teil der amerikanischen Museum-Website von WideScreen

Historische Schriften

• "Die Kunst des Gesunden" Aufsatzes im Mai 1929 vom Filmemacher und Kritiker René Clair
• "Asynchronism als ein Grundsatz des Gesunden Films" 1934-Aufsatz vom Filmemacher und Theoretiker Vsevolod Pudovkin
• "Dialog und Gesunder" Aufsatz vom Filmhistoriker und Kritiker Siegfried Kracauer; zuerst veröffentlicht in seinem Buch Theorie des Films: Die Tilgung der Physischen Wirklichkeit (1960)
• "Der Film um", Aufsatz vom Erzeuger und Komponisten Guido Bagier Zu kommen; zuerst veröffentlicht im Film-Kurier, am 7. Januar 1928
• Handbuch für Operateure technisches Handbuch, das alle amerikanischen Hauptsysteme bedeckt; ausgegeben durch das RCA-Phototelefon, 1930
• "Historische Entwicklung von Sound Films" Chronologie durch den Pionier des gesunden Films E. I. Sponable; zuerst veröffentlicht in der Zeitschrift der Gesellschaft von Film-Ingenieuren, April/können 1947
• Artikel "Madam, Will You Talk?" über die Geschichte der frühen Forschung von Laboratorien der Glocke in den gesunden Film, durch Stanley Watkins, Elektrischen Westingenieur; zuerst veröffentlicht in der Glockenlaboraufzeichnung, August 1946
• "Fusion der Gesunden Filmindustrie — Die Gründungstagesordnung von Tobis" korporatives Manifest, das zuerst im Film-Kurier, am 20. Juli 1928 veröffentlicht ist
• Artikel "The Official Communiqué: Foundations of the Sound-Film Accord Sales Prospects for the German Electronics Industry", der zuerst im Film-Kurier, am 23. Juli 1930 veröffentlicht ist
• Das Funktionieren von Instruktionen für die Gleichzeitige sich Vermehrende Ausrüstung technisches Handbuch für das gesunde Elektrische Westtheaterkinoprojektor-System; ausgegeben durch ERPI, Dezember 1928
• Artikel "Outcome of Paris: Accord Signed/Total Interchangeability — Globe Divided into Three Patent Zones — Patent Exchange", der zuerst im Film-Kurier, am 22. Juli 1930 veröffentlicht ist
• "Der Singen-Dummkopf" prüft durch den Filmtheoretiker und Kritiker Rudolf Arnheim, ca nach. 1929
• "Gesunder Film Verwirrung" 1929-Aufsatz von Rudolf Arnheim
• "Klingen Sie Hier und Dort" Aufsatz vom Komponisten Paul Dessau; zuerst veröffentlicht in Der Film, am 1. August 1929
• "Ton in Filmen" Aufsatz von Direktor Alberto Cavalcanti; zuerst veröffentlicht in Filmen, November 1939
• "Theorie des Films: Gesunder" 1945-Aufsatz vom Filmtheoretiker und Kritiker Béla Balázs
• "Welches Radio zur Unterhaltung des Kinos" vorherwissenden Aufsatz vom Universalen Tontechniker Charles Feldstead Vorgehabt Hat; zuerst veröffentlicht in Radionachrichten, April 1931

Historische Filme

• Ben Bernie und Alle Junge-Exzerpte von ca. 1924 Phonofilm lassen Film erklingen; auf Der Roten Heißen Jazzarchiv-Website
• Ein paar Minuten mit Eddie Cantor 1924 Phonofilm lassen Film erklingen; auf Archive.org
• Gus Visser und Seine singende Ente 1925; auf YouTube
• Präsident Coolidge, Übernommen der Rasen vom Weißen Haus 1924 Phonofilm lässt Film erklingen; auf Archive.org