Manierismus ist eine Periode der europäischen Kunst, die von den späteren Jahren der italienischen Hohen Renaissance 1520 erschienen ist. Es hat ungefähr bis 1580 in Italien gedauert, als ein Barockerer Stil begonnen hat, es zu ersetzen, aber Nördlicher Manierismus hat in den Anfang des 17. Jahrhunderts überall in viel Europa weitergegangen. Stilistisch umfasst Manierismus eine Vielfalt von Annäherungen unter Einfluss, und auf, die harmonischen Ideale und der zurückgehaltene Naturalismus reagierend, der mit Künstlern wie Leonardo da Vinci, Raphael und früher Michelangelo vereinigt ist. Manierismus ist für seine intellektuelle Kultiviertheit sowie sein künstliches (im Vergleich mit dem naturalistischen) Qualitäten bemerkenswert.

Die Definition des Manierismus und die Phasen innerhalb ihrer, setzen fort, das Thema der Debatte unter Kunsthistorikern zu sein. Zum Beispiel haben einige Gelehrte das Etikett auf bestimmte frühe moderne Formen der Literatur (besonders Dichtung) und Musik der 16. und 17. Jahrhunderte angewandt. Der Begriff wird auch gebraucht, um sich auf einige Verstorbene gotische Maler zu beziehen, die in Nordeuropa ungefähr von 1500 bis 1530, besonders Antwerpen Mannerists — eine Gruppe arbeiten, die zur italienischen Bewegung ohne Beziehung ist. Manierismus ist auch analog auf das Silberalter des Lateins angewandt worden.

Nomenklatur

Der Wortmanierismus ist auf den italienischen maniera zurückzuführen, "Stil" oder "Weise" bedeutend. Wie das englische Wort "Stil" kann maniera entweder verwendet werden, um einen spezifischen Typ des Stils (ein schöner Stil, ein abschleifender Stil) anzuzeigen oder verwendet zu werden, um ein Absolutes anzuzeigen, das keine Qualifikation braucht (jemand 'hat Stil').

In der zweiten Ausgabe seiner Leben der Ausgezeichnetesten Maler, Bildhauer und Architekten (1568), hat Giorgio Vasari maniera in drei verschiedenen Zusammenhängen verwendet: Eine Weise eines Künstlers oder Methode zu besprechen, zu arbeiten; einen Personal- oder Gruppenstil, wie der Begriff maniera greca zu beschreiben, um sich auf den byzantinischen Stil oder einfach auf den maniera von Michelangelo zu beziehen; und ein positives Urteil der künstlerischen Qualität zu versichern. Vasari war auch ein Künstler von Mannerist, und er hat die Periode beschrieben, in der er als "la maniera moderna" oder der "moderne Stil" gearbeitet hat. James V. Mirollo beschreibt, wie "bella maniera" Dichter versucht hat, an der Virtuosität die Sonette von Petrarch zu übertreffen. Der Begriff "bella maniera" weist darauf hin, dass mit seinem Geist angesteckte Künstler auf das Kopieren und Verbessern ihrer Vorgänger geachtet haben, anstatt Natur direkt gegenüberzustehen. Hauptsächlich "hat bella maniera" das beste von mehreren Quellmaterialien, sythesizing es in etwas Neues verwertet. Die kreative Annäherung von Shakespeare konnte auf diese Weise definiert werden.

Als ein stilistisches Etikett wird "Manierismus" nicht leicht eingeordnet. Es wurde vom schweizerischen Historiker Jacob Burckhardt verwendet und von deutschen Kunsthistorikern am Anfang des 20. Jahrhunderts verbreitet, um anscheinend uncategorizable Kunst des italienischen 16. Jahrhunderts — Kunst zu kategorisieren, die, wie man nicht mehr wahrnahm, die harmonischen und vernünftigen mit der Hohen Renaissance vereinigten Annäherungen ausgestellt hat. "Hohe Renaissance" hat eine Periode der Harmonie, Großartigkeit und des Wiederauflebens der klassischen Altertümlichkeit angedeutet, und der Begriff wurde 1967 von John Shearman wiederdefiniert. Das Etikett "Mannerism" wurde während des 16. Jahrhunderts verwendet, um sich über soziales Verhalten zu äußern und eine raffinierte Virtuose-Qualität zu befördern oder eine bestimmte Technik zu bedeuten.

Jedoch, für spätere Schriftsteller, wie das 17. Jahrhundert Gian Pietro Bellori, war "la maniera" ein abschätziger Begriff für den Niedergang der Kunst nach Raphael besonders in den 1530er Jahren und 1540er Jahren. Vom Ende des 19. Jahrhunderts auf haben Kunsthistoriker den Begriff allgemein gebraucht, um Kunst zu beschreiben, die Renaissanceklassizismus folgt und dem Barock vorangeht. Und doch unterscheiden sich Historiker in der Meinung, betreffs, ob Manierismus ein Stil, eine Bewegung, oder eine Periode ist, und während der Begriff umstritten bleibt, wird es allgemein verwendet, um europäische Kunst und Kultur des 16. Jahrhunderts zu identifizieren.

Früher Manierismus

Abhängig von der historischen Rechnung hat sich Manierismus zwischen 1510 und 1520 entweder in Florenz, Rom oder in beiden Städten entwickelt. Früher Mannerists in Florenz — besonders die Studenten von Andrea del Sarto: Jacopo da Pontormo und Rosso Fiorentino — sind für verlängerte Formen, unsicher erwogene Posen, eine zusammengebrochene Perspektive, vernunftwidrige Einstellungen und Theaterbeleuchtung bemerkenswert. Parmigianino (ein Student von Correggio) und Giulio Romano (der Haupthelfer von Raphael) bewegten sich in ähnlich stilisierten ästhetischen Richtungen in Rom. Diese Künstler waren unter dem Einfluss der Hohen Renaissance reif geworden, und ihr Stil ist als eine Reaktion oder übertriebene Erweiterung davon charakterisiert worden. Anstatt Natur direkt zu studieren, haben jüngere Künstler begonnen, hellenistische Skulpturen und Bilder von Mastern vorbei zu studieren. Deshalb wird dieser Stil häufig als "antiklassisch" identifiziert. noch zurzeit wurde es als ein natürlicher Fortschritt von der Hohen Renaissance betrachtet. Die frühste experimentelle Phase des Manierismus, der für seine "antiklassischen" Formen bekannt ist, hat ungefähr bis 1540 oder 1550 gedauert. Marcia B. Hall, Professor der Kunstgeschichte an der Tempel-Universität, den Zeichen in ihrem Buch 'Nach Raphael' der Frühtod von Raphael hat den Anfang des Manierismus in Rom gekennzeichnet.

Michelangelo war eine der großen kreativen Hochzahlen des Manierismus. Seine Sixtinische Kapelle-Decke hat Beispiele für andere Künstler zur Verfügung gestellt, um, insbesondere die Zahlen von ignudi und der libyschen Sibylle zu folgen. Michelangelo selbst könnte unter Einfluss des "Sommerhaus-Rumpfs gewesen sein," der auch andere Maler beeinflusst hat.

"Lo Spasimo di Sicilia" von Raphael zeichnet ein Ereignis in der christlichen Geschichte, wenn Christus fällt, während er das Kreuz trägt, seine Mutter in der Qual sieht und von Simon von Cyrene geholfen wird. Die Zusammensetzung wird durch die Diagonalen der Speere der Soldaten und des Holzkreuzes verbunden. Jedoch kann Christus nicht sofort unter den sich versammelnden Zahlen im Vordergrund ausgesucht werden, wohingegen Simon ganz prominent hervortritt. Die Augen des Zuschauers sehen die Zusammensetzung zum Drama und der Anklage des Berichts herab.

Der Wettbewerbsgeist, der von Schutzherren angespornt wurde, die die Künstler dazu ermuntert haben, mit ihrer Virtuose-Malerei zu protzen. Als in Florence Leonardo und Michelangelo jeder eine Kommission von Gonfaloniere Piero Soderini gegeben wurden, um eine Wand im "Saal Fünfhundert" zu schmücken. Diese zwei Künstler wurden veranlasst, nebeneinander zu malen und sich gegen einander zu bewerben, dem Ansporn Brennstoff liefernd, so innovativ zu sein, wie möglich. Später in Rom wurde Raphael beauftragt, "Die Transfiguration" durch Kardinal Gioulio di Medici zu malen, der zum Bogen-Bischof von Narbonne im Süden Frankreichs ernannt worden war. In dieser Zeit war Raphael auch beschäftigt, Stanze, verschiedene Altarbilder malend, Versionen von Madonna und Kind malend und der Hauptarchitekt in Rom nach dem Tod von Bramante seiend, der ihm wenig Zeit gegeben hat, um "Die Transfiguration" zu tun. Deshalb hat der Kardinal Sebastiano del Piombo beauftragt, der großer venezianischer Farbenkünstler und ein Freund von Michelangelo war, um "Die Aufhebung von Lazarus" zu malen. Das hat Raphael angespornt, um die Kommission zu vollenden.

Diese Periode ist sowohl als eine natürliche Erweiterung der Kunst von Andrea del Sarto, Michelangelo, als auch als Raphael, sowie ein Niedergang der classicizing Ergebnisse jener derselben Künstler beschrieben worden. In vorigen Analysen ist es bemerkt worden, dass Manierismus am Anfang des 16. Jahrhunderts neben mehreren anderen sozialen, wissenschaftlichen, religiösen und politischen Bewegungen wie das kopernikanische Modell, der Sack Roms und die zunehmende Herausforderung der Protestantischen Wandlung an die Macht der katholischen Kirche entstanden ist. Wegen dessen wurden die verlängerten Formen des Stils und verdrehte Formen einmal als eine Reaktion zu den idealisierten in der Hohen Renaissancekunst überwiegenden Zusammensetzungen interpretiert. Diese Erklärung für die radikale stilistische Verschiebung c. 1520 ist aus wissenschaftlicher Bevorzugung gefallen, obwohl frühe Mannerists noch in der steifen Unähnlichkeit zur Hohen Renaissancevereinbarung gesetzt werden; die Unmittelbarkeit und das Gleichgewicht, das von der Schule von Raphael Athens erreicht ist, sind nicht mehr interessant jungen Künstlern geschienen. Tatsächlich hat Michelangelo selbst Tendenzen zum Manierismus, namentlich in seinem Flur zur Laurentian Bibliothek, in den Figuren auf seinen Grabstätten von Medici, und vor allem in seinem Letzten Urteil gezeigt.

Hoher maniera

Die zweite Periode des Manierismus wird von der früheren, so genannten "antiklassischen" Phase allgemein unterschieden.

Nachfolgender mannerists hat intellektuelle Eitelkeiten und künstlerische Virtuosität, Eigenschaften betont, die spätere Kritiker dazu gebracht haben, sie des Arbeitens auf eine unnatürliche und betroffene "Weise" (maniera) anzuklagen. Künstler von Maniera haben ihren älteren zeitgenössischen Michelangelo als ihr Hauptbeispiel gehalten; ihriger war eine Kunstnachahmen-Kunst, aber nicht eine Kunstnachahmen-Natur. Freedberg behauptet, dass der intellectualizing Aspekt der maniera Kunst im Künstler kommt, der sein Publikum annimmt, diese Sehverweisung, die vertraute Zahl in einer fremden Einstellung zu bemerken und zu verstehen, die durch umgeben ist, "ungesehenen, aber gefühlten, Anführungszeichen." Der höchste Kunstgriff kommt in der Maler-Liebe von Maniera, absichtlich einen Kostenvoranschlag zu unterschlagen. Agnolo Bronzino und Giorgio Vasari veranschaulichen diese Beanspruchung von Maniera, der ungefähr von 1530 bis 1580 gedauert hat. Gestützt größtenteils an Gerichten und in intellektuellen Kreisen um Europa verbindet Kunst von Maniera übertriebene Anmut mit der exquisiten Aufmerksamkeit, um zu erscheinen und ausführlich zu berichten: Porzellan-häutige Zahlen lehnen sich in sogar, gehärtetes Licht, bezüglich des Zuschauers mit einem kühlen flüchtigen Blick, wenn überhaupt zurück. Das Maniera-Thema zeigt selten ein Übermaß am Gefühl, und wird häufig aus diesem Grund als 'Kälte' oder 'fern' interpretiert, und wird häufig den "eleganten" Stil oder Maniera genannt.

Ausbreitung des Manierismus

Zentren von Mannerist in Italien waren Rom, Florenz und Mantua. Venezianische Malerei, in seiner getrennten "Schule", hat einen getrennten Kurs verfolgt, der in der langen Karriere von Titian vertreten ist. Mehrere frühste Künstler von Mannerist, die in Rom während der 1520er Jahre gearbeitet hatten, sind aus der Stadt nach dem Sack Roms 1527 geflohen. Da sie sich über den Kontinent auf der Suche nach der Beschäftigung ausbreiten, wurde ihr Stil überall in Italien und Europa verteilt. Das Ergebnis war der erste internationale künstlerische Stil seit dem gotischen. Andere Teile Nordeuropas sind im Vorteil solchen intensiven Kontakts mit italienischen Künstlern nicht gewesen, aber der Stil von Mannerist hat seine Anwesenheit gefühlt durch Drucke gemacht und hat Bücher, die Käufe von italienischen Arbeiten von Linealen, und anderen, dem Reisen von Künstlern nach Italien illustriert, und das Beispiel von individuellen italienischen Künstlern, die im Norden arbeiten, wird Nördlichen Manierismus genannt. In besonderem Francis I aus Frankreich wurde die Venus von Bronzino, Amorette, Albernheit und Zeit geboten.

Der Stil hat in Italien nach 1580 abgenommen, weil eine neue Generation von Künstlern, einschließlich der Brüder von Carracci, Caravaggios und Cigolis, Naturalismus wiederbetont hat. Walter Friedlaender hat diese Periode als "Antimanierismus" identifiziert, gerade als die frühen mannerists in ihrer Reaktion zur Hohen Renaissance "antiklassisch" waren.

Außerhalb Italiens, jedoch, hat Manierismus ins 17. Jahrhundert weitergegangen. In Frankreich, wohin Rosso gereist ist, um für das Gericht an Fontainebleau zu arbeiten, ist es als der "Stil von Henry II" bekannt, und es hatte einen besonderen Einfluss auf Architektur. Andere wichtige Kontinentalzentren schließen das Gericht von Rudolf II in Prag, sowie Haarlem und Antwerpen ein. Der Manierismus als eine stilistische Kategorie wird weniger oft auf englische visuelle und dekorative Künste angewandt, wo lokale Kategorien solcher als "elisabethanisch" und "jakobinisch" üblicher sind. Handwerker-Manierismus des siebzehnten Jahrhunderts ist eine Ausnahme, die auf die Architektur angewandt ist, die sich auf Muster-Bücher aber nicht direkte Präzedenzfälle im Kontinentalen Europa verlässt.

Von besonderer Wichtigkeit ist die flämische Infektion an Fontainebleau, der die Erotik des französischen Stils mit einem Vorgänger der vanitas Tradition verbunden hat, die das siebzehnte Jahrhundert Netherlandish und flämische Malerei beherrschen würde. Überwiegend in dieser Zeit war "pittore vago" jene Maler aus dem Norden, der in die Werkstätten in Frankreich und Italien eingegangen ist, um einen aufrichtig internationalen Stil in der Kunst zu schaffen.

Frühe Theoretiker

Giorgio Vasari

Die Meinungen von Giorgio Vasari über die Kunst der Malerei durchgekommen in seinem Lob von Mitkünstlern im großen Buch, die hinter diesem Titelbild liegen: Er hat geglaubt, dass die Vorzüglichkeit in der Malerei der geforderten Verbesserung, des Reichtums der Erfindung (invenzione), ausgedrückt durch die Virtuose-Technik (maniera) und den Witz und studiert, der in der beendeten Arbeit, alle Kriterien erschienen ist, die das Intellekt des Künstlers und das Feingefühl des Schutzherrn betont haben. Der Künstler war jetzt nicht mehr gerade ein Handwerker-Mitglied einer lokalen Gilde von St. Lukas. Jetzt hat er seinen Platz am Gericht mit Gelehrten, Dichtern und Humanisten in einem Klima genommen, das eine Anerkennung für die Anmut und Kompliziertheit gefördert hat. Das Wappen der Schutzherren von Medici von Vasari erscheint an der Oberseite von seinem Bildnis ganz, als ob sie der eigene Künstler waren.

Das Gestalten des Holzschnitt-Images von Leben des Künstlers von Mannerist Giorgio Vasari der Künstler (Illustration, verlassen) würde "jakobinisch" in einem englisch sprechenden Zusammenhang genannt. Darin begeistern die Grabstätten von Medici von Michelangelo die antiarchitektonischen "architektonischen" Eigenschaften oben, den papierähnlichen durchstoßenen Rahmen, der Satyr nudes an der Basis. In der Vignette Florenz an der Basis wird papierähnliches oder einem Velin ähnliches Material geschnitten und gestreckt und in eine Kartusche (cartoccia) gescrollt. Das Design, ist zu viel berechnete mit dem reichen, künstlich "natürlichen" Detail in physisch unwahrscheinlichen Nebeneinanderstellungen von misstönenden Skala-Änderungen, überwältigend als ein bloßer Rahmen befangen: Mannerist.

Gian Paolo Lomazzo

Eine andere literarische Quelle von der Periode ist Gian Paolo Lomazzo, der zwei Arbeiten — eine praktische und eine metaphysische erzeugt hat — der geholfen hat, die befangene Beziehung des Künstlers von Mannerist zu seiner Kunst zu definieren. Sein Trattato dell'arte della pittura, scoltura und architettura (Mailand, 1584) sind teilweise ein Handbuch zu zeitgenössischen Konzepten des Anstands, auf den die Renaissance teilweise von der Altertümlichkeit, aber dem Manierismus geerbt hat, der sorgfältig ausgearbeitet ist. Die systematische Kodifizierung von Lomazzo der Ästhetik, die für die mehr formalisierten und akademischen für das spätere 16. Jahrhundert typischen Annäherungen typisch ist, hat einen Gleichklang zwischen den Funktionen des Inneres und den Arten von gemalten und geformten Dekors kontrolliert, die passend sein würden. Ikonographie, häufig spiralig und schwer verständlich, ist ein prominenteres Element in den Stilen von Mannerist. Sein weniger praktisches und mehr metaphysischer Idea del tempio della pittura ("Der ideale Tempel der Malerei", Mailand, 1590) bieten eine Beschreibung entlang den Linien der "vier Temperamente" Theorie der menschlichen Natur und Persönlichkeit an, die Erklärungen der Rolle der Individualität im Urteil und der künstlerischen Erfindung enthaltend.

Einige mannerist Beispiele

Jacopo da Pontormo

Joseph von Jacopo da Pontormo in Ägypten hat darin gestanden, was betrachtet worden sein würde, Farben und disunified Zeit und Raum in der Renaissance widersprechend. Weder die Kleidung noch die Gebäude — nicht sogar die Farben — haben genau die Bibel-Geschichte von Joseph vertreten.

Rosso Fiorentino und die Schule von Fontainebleau

Rosso Fiorentino, der ein Mit-Schüler von Pontormo im Studio von Andrea del Sarto gewesen war, hat florentinischen Manierismus zu Fontainebleau 1530 gebracht, wo er einer der Gründer des französischen Manierismus des 16. Jahrhunderts geworden ist, hat die "Schule von Fontainebleau" genannt.

Die Beispiele eines reichen und hektischen dekorativen Stils an Fontainebleau haben den italienischen Stil durch Gravieren nach Antwerpen und darauf überall in Nordeuropa von London nach Polen übertragen, und haben Design von Mannerist in Luxusgüter wie Silber gebracht und haben Möbel geschnitzt. Ein Sinn des angespannten kontrollierten Gefühls, das in der wohl durchdachten Symbolik und der Allegorie und den verlängerten Verhältnissen der weiblichen Schönheit ausgedrückt ist, ist Eigenschaften seines Stils.

Agnolo Bronzino

Bildnisse von Mannerist durch Agnolo Bronzino sind durch eine stille Anmut und peinlich genaue Aufmerksamkeit auf das Detail bemerkenswert. Infolgedessen, wie man gesagt hat, haben die Sitzenden von Bronzino (am linken) einen verschlossenen Abgrund zwischen Thema und Zuschauer gestellt, sich auf die Übergabe des genauen Musters und den Glanz von reichen Textilwaren konzentrierend.

Alessandro Allori

Alessandro Allori (1535-1607) Susanna und die Älteren (unter) dem Gebrauch künstliche, wächserne Erotik und bewusst hervorragendes Stillleben-Detail, in einer voll gestopften verdrehten Zusammensetzung.

Tintoretto

Das letzte Abendessen von Tintoretto (am Recht) verkörpert Manierismus durch die Einnahme von Jesus und dem Tisch aus der Mitte des Zimmers. Er hat alles gezeigt, was geschah. Die Malerei betont Licht und Bewegung, das Image dramatisierend. Verschieden von traditionelleren Ansichten vom Letzten Abendessen zeichnet er Himmel, der ins Zimmer und die Engel öffnet, die in der Ehrfurcht pro altes katholisches Sprichwort betrachten, dass, "Wenn die Engel zum Neid fähig waren, sie die Eucharistie beneiden würden."

El Greco

El Greco hat versucht, die religiöse Spannung mit dem übertriebenen Manierismus auszudrücken. Diese Überspitztheit würde dienen, um die Linie von Mannerist hinüberzugehen und auf den Klassizismus angewandt zu werden. Nach dem realistischen Bild der menschlichen Form und der Beherrschung der im hohen Renaissanceklassizismus erreichten Perspektive haben einige Künstler angefangen, Verhältnisse im zusammenhanglosen, vernunftwidrigen Raum für die emotionale und künstlerische Wirkung absichtlich zu verdrehen. Schlüsselaspekte des Manierismus in El Greco schließen den misstönenden "sauren" Farbensinn, die verlängerte und gefolterte Anatomie, die vernunftwidrige Perspektive und das Licht und die dunkle und sich beunruhigende Ikonographie ein.

Benvenuto Cellini

Benvenuto Cellini hat das Salzfässchen von Cellini von Gold und Email geschaffen, 1540 Poseidon und Amphitrite (Wasser und Erde) in der verlängerten Form und den unbehaglichen Positionen zeigend. Es wird als ein Meisterwerk der Skulptur von Mannerist betrachtet.

Joachim Wtewael

Der Stil von Joachim Wtewael wird für die bestimmte Ähnlichkeit mit der Naturforscher-Zusammensetzung von Da Vinci und Wechselwirkung des Charakters/Landschaft obgleich mit normalerweise mannerist Palette von Pastelltönen bemerkt. Das Zitieren von Gérard de Nerval Art Historian Jean-Yves Heurtebise hat weiter vorgeschlagen, dass holländischer Manierismus normalerweise einen sonst allgemeinen Grundsatz von Art History verwenden würde, der aus "der Fähigkeit besteht zu gewinnen, was verschieden ist und verschieden selbst in diesem Prozess" zu werden

Giuseppe Arcimboldo

Giuseppe Arcimboldo (hat auch Arcimboldi buchstabiert), ist für seine Bildnisse mit einer Stillleben-Zusammensetzung bekannt, an der späterer Surrealismus erinnernd sein würde. Arcimboldo wird namentlich deutschen Maler Michael Mathias Prechtl (1929-2003) in seinem Bildnis von Franz Kafka beeinflussen

File:Arcimboldo,_Giuseppe_~_Autumn,_1573,_oil_on_canvas,_Musée_du_Louvre,_Paris.jpg| Giuseppe Arcimboldo Autumn, 1573, Öl auf der Leinwand, dem Museum von Louvre, Paris

File:Angelo Bronzino 037.jpg|Bronzino, Bildnis von Bia de' Medici

File:AlloriSusanna.jpg|Alessandro Allori, Susanna und die Älteren

File:Elgreco.christ.200pix.jpg|El Greco, Taufe

File:Persee-florence.jpg|Benvenuto Cellini, Perseus mit dem Kopf von Medusa

Architektur von Mannerist

Ein Beispiel der mannerist Architektur ist die Villa Farnese an Caprarola in der rauen Landseite außerhalb Roms. Die Proliferation von Graveuren während des 16. Jahrhunderts hat Stile von Mannerist schneller ausgebreitet als irgendwelche vorherigen Stile. Ein Zentrum des Designs von Mannerist war Antwerpen während seines Booms des 16. Jahrhunderts. Durch Antwerpen wurden Renaissance und Stile von Mannerist in England, Deutschland, und Nordeuropa und Osteuropa im Allgemeinen weit eingeführt. Dicht mit der Verzierung "der römischen" Detaillierung veranschaulicht die Anzeigetüröffnung am Schloss Colditz (Illustration, verlassen) diesen nördlichen Stil, charakteristisch angewandt als ein isoliertes "Satz-Stück" gegen das anspruchslose einheimische Ummauern.

Manierismus in der Literatur und Musik

In der englischen Literatur wird Manierismus mit den Qualitäten der "Metaphysischen" Dichter allgemein identifiziert, von denen das berühmteste John Donne ist. Der witzige Ausfall eines Barocken Schriftstellers, John Drydens, gegen den Vers von Donne in der vorherigen Generation, gewährt eine kurze Unähnlichkeit zwischen Zielen von Barock und Mannerist in den Künsten:

Die reichen Musikmöglichkeiten in der Dichtung der späten 16. und frühen 17. Jahrhunderte haben eine attraktive Grundlage für das Madrigal geschaffen, das sich schnell zur Bekanntheit als die herausragende Musikform in der italienischen Musikkultur, wie besprochen, durch Tim Carter erhoben hat:

Das Wort Manierismus ist auch verwendet worden, um den Stil der hoch blühenden und kontrapunktisch komplizierten polyfonen Musik zu beschreiben, die in Frankreich gegen Ende des 14. Jahrhunderts gemacht ist. Diese Periode wird jetzt gewöhnlich den ars subtilior genannt.

Manierismus und Theater

Früher Commedia dell'Arte (1550-1621): Der Mannerist Zusammenhang durch Paul Castagno bespricht die Infektion des Manierismus des zeitgenössischen Berufstheaters. Castagno war die erste Studie, um eine Theaterform als Mannerist zu definieren, das Vokabular des Manierismus und maniera verwendend, um den typification, übertrieben, und effetto meraviglioso des comici dell'arte zu besprechen. Sieh zweiten Teil des obengenannten Buches für eine volle Diskussion von Eigenschaften von Mannerist im commedia dell'arte.} Die Studie ist größtenteils ikonografisch, einen bildlichen Beweis liefernd, dass viele der Künstler, die gemalt haben oder commedia Images gedruckt haben, tatsächlich waren, aus den Werkstätten des Tages kommend, schwer hat in der maniera Tradition versteckt.

Die preciocity in den Minutengravieren von Jacques Callot scheinen, eine viel größere Skala der Handlung falsch darzustellen. Der Balli di Sfessania von Callot (wörtlich, Tanz der Hinterbacken) feiert die offensichtliche Erotik des commedia, mit vorspringenden Phallen, Speere, die mit dem Vorgefühl eines komischen Rieses und den äußerst übertriebenen Masken aufgestellt sind, die das tierische mit dem Menschen mischen. Die Erotik des innamorate (Geliebte) einschließlich des Lagers von Busen oder übermäßiger Verschleierung, war ganz in der Mode in den Bildern und Gravieren von der zweiten Schule an Fontainebleau, besonders diejenigen, die einen Franco-flämischen Einfluss entdecken. Castagno demonstriert ikonografische Verbindungen zwischen der Genremalerei und den Zahlen des commedia dell'arte, die demonstrieren, wie diese Theaterform innerhalb der kulturellen Traditionen des späten cinquecento eingebettet wurde.

Commedia dell'arte, disegno interno, und der discordia concors

Wichtige Folgeerscheinungen bestehen zwischen dem disegno interno, der den disegno esterno (Außendesign) in der Mannerist-Malerei ausgewechselt hat. Dieser Begriff, eine tief subjektive Ansicht als das Ersetzen der Natur oder gegründeten Grundsätze (Perspektive, zum Beispiel), hauptsächlich, die Betonung weg vom Gegenstand bis sein Thema zu planen, jetzt Ausführung, Anzeigen der Virtuosität oder einzigartige Techniken betonend. Diese innere Vision ist am Herzen der commedia Leistung. Zum Beispiel im Moment der Improvisation drückt der Schauspieler seine Virtuosität ohne Beachtung zu formellen Grenzen, Anstand, Einheit oder Text aus. Arlecchino ist emblemmatic des mannerist discordia concors (die Vereinigung von Gegenteilen) in einem Moment geworden er würde sanft und dann auf einem Zehncentstück freundlich sein, ein Dieb werden, der gewaltsam mit seinem batte vorspielt. Arlecchino konnte in der Bewegung nur im geschlagenen folgenden anmutig sein, um über seine Füße unbeholfen zu stolpern. Befreit von den Außenregeln hat der Schauspieler das Verschwinden des Moments gefeiert; viel würde der Weg Cellini seine Schutzherren durch das Drapieren seiner Skulpturen, die Enthüllung von ihnen mit sich entzündenden Effekten und einem Sinn des erstaunlichen blenden. Die Präsentation des Gegenstands ist so wichtig geworden wie der Gegenstand selbst.

Siehe auch

• Gegenmanierismus
• Architektur von Mannerist und Skulptur in Polen

Referenzen

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Weiterführende Literatur

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