Mittelalterliche Musik ist während des Mittleren Alters geschriebene Westmusik. Dieses Zeitalter beginnt mit dem Fall des römischen Reiches und endet einmal am Anfang des fünfzehnten Jahrhunderts. Das Herstellen des Endes des mittelalterlichen Zeitalters und des Anfangs der Renaissance ist schwierig; der Gebrauch in diesem Artikel ist von Musikwissenschaftlern gewöhnlich angenommener derjenige.

Übersicht

Instrumente

Instrumente haben gepflegt zu leisten mittelalterliche Musik bestehen noch, aber in verschiedenen Formen. Die Flöte wurde einmal aus Holz aber nicht Silber oder anderem Metall gemacht, und konnte als ein seitengeblasenes oder endgeblasenes Instrument gemacht werden. Der Recorder hat mehr oder weniger seine vorige Form behalten. Der gemshorn ist dem Recorder ähnlich, indem er Finger-Löcher auf seiner Vorderseite hat, obwohl es wirklich ein Mitglied der Okarina-Familie ist. Einer der Vorgänger der Flöte, der Panflöte, war in mittelalterlichen Zeiten populär, und ist vielleicht des hellenischen Ursprungs. Die Pfeifen dieses Instrumentes wurden aus Holz gemacht, und wurden in der Länge in Grade eingeteilt, um verschiedene Würfe zu erzeugen.

Mittelalterliche Musik verwendet viele abgerissene Saiteninstrumente wie der Kitt, mandore, gittern und Psalter. Die Hackbretter, die in der Struktur zum Psalter und der Zither ähnlich sind, wurden ursprünglich abgerissen, aber sind geschlagen im 14. Jahrhundert nach der Ankunft der neuen Technologie geworden, die Metallschnuren möglich gemacht hat.

Der gebeugte lyra des byzantinischen Reiches war das erste registrierte europäische gebeugte Saiteninstrument. Der persische Geograph Ibn Khurradadhbih des 9. Jahrhunderts (d. 911) hat den byzantinischen lyra in seiner lexikografischen Diskussion von Instrumenten als ein gebeugtes Instrument zitiert, das zum arabischen rabāb und typischen Instrument der Byzantiner zusammen mit dem urghun (Organ), shilyani (wahrscheinlich ein Typ der Harfe oder Leier) und der salandj (wahrscheinlich ein Dudelsack) gleichwertig ist. Der Leierkasten war (und ist noch) eine mechanische Geige mit einem rosined einer Kurbel beigefügten Holzrad, um seine Schnuren "zu beugen". Instrumente ohne gesunde Kästen wie die Kiefer-Harfe waren auch in der Zeit populär. Frühe Versionen des Organs, Geige (oder vielle), und Posaune (hat die Posaune genannt), haben bestanden.

Genres

Mittelalterliche Musik war sowohl heilig als auch weltlich. Während der früheren mittelalterlichen Periode war das liturgische Genre, vorherrschend Gregorianischer Gesang, monoakustisch. Polyfone Genres haben begonnen, sich während des hohen mittelalterlichen Zeitalters zu entwickeln, überwiegend durch den späteren 13. und Anfang des 14. Jahrhunderts werdend. Die Entwicklung solcher Formen wird häufig mit Ars nova vereinigt.

Die frühsten Neuerungen auf monoakustischen plainchant waren heterophonic. Der Organum hat sich zum Beispiel auf die plainchant Melodie mit einer Begleitlinie ausgebreitet, die an einem festen Zwischenraum mit einem resultierenden Wechsel zwischen der Polyfonie gesungen ist und monofalsch ist. Die Grundsätze des organum gehen auf eine anonyme Fläche des 9. Jahrhunderts, Musica enchiriadis zurück, der die Tradition gegründet hat, ein Vorherexistieren plainchant in der parallelen Bewegung am Zwischenraum einer Oktave, eines fünften oder eines Viertels zu kopieren.

Der größeren Kultiviertheit war die Motette, die sich vom clausula Genre von mittelalterlichem plainchant entwickelt hat und die populärste Form der mittelalterlichen Polyfonie werden würde. Während frühe Motetten liturgisch oder am Ende des dreizehnten Jahrhunderts heilig waren, hatte sich das Genre ausgebreitet, um weltliche Themen wie vornehme Liebe einzuschließen.

Während der Renaissance ist das italienische weltliche Genre des Madrigals auch populär geworden. Ähnlich dem polyfonen Charakter der Motette haben Madrigale größere Flüssigkeit und Bewegung in der Hauptlinie gezeigt. Die Madrigal-Form hat auch Kanons besonders in Italien verursacht, wo sie laut des Titels Caccia zusammengesetzt wurden. Das waren dreistimmige weltliche Stücke, die die zwei höheren Stimmen im Kanon mit einer zu Grunde liegenden instrumentalen Begleitung des langen Zeichens gezeigt haben.

Schließlich hat sich rein instrumentale Musik auch während dieser Periode sowohl im Zusammenhang einer wachsenden Theatertradition als auch für den Gerichtsverbrauch entwickelt. Tanzmusik, die häufig um vertraute Tropen improvisiert ist, war das größte rein instrumentale Genre. Weltlicher Ballata, der sehr populär im Trecento Italien geworden ist, hatte seine Ursprünge zum Beispiel in der mittelalterlichen instrumentalen Tanzmusik.

Theorie und Notation

Während der Mittelalterlichen Periode wurde das Fundament für den notational und die theoretischen Methoden gelegt, die Westmusik darin gestalten würden, was es heute ist. Der offensichtlichste von diesen ist die Entwicklung eines umfassenden notational Systems; jedoch sind die theoretischen Fortschritte, besonders hinsichtlich des Rhythmus und der Polyfonie, für die Entwicklung der Westmusik ebenso wichtig.

Notation

Die frühste Mittelalterliche Musik hatte keine Art des notational Systems. Die Melodien waren in erster Linie monoakustisch und durch die mündliche Tradition übersandt. Jedoch hat diese Form der Notation nur als ein Hilfsmittel für einen Sänger gedient, der bereits die Melodie gewusst hat. Außerdem, da Rom versucht hat, die verschiedenen Liturgien zu zentralisieren und den römischen Ritus als die primäre Tradition zu gründen, war das Bedürfnis, diese Singsang-Ideen über riesengroße Entfernungen zu übersenden, effektiv ebenso grell. Der erste Schritt, dieses Problem zu befestigen, ist mit der Einführung von verschiedenen Zeichen gekommen, die über den Singsang-Texten geschrieben sind, genannt neumes. Der Ursprung von neumes ist unklar und etwas Debatte unterworfen; jedoch geben die meisten Gelehrten zu, dass ihre nächsten Vorfahren die klassischen griechischen und römischen grammatischen Zeichen sind, die wichtige Punkte der Deklamation durch die Aufnahme des Anstiegs und Falls der Stimme angezeigt haben. Die zwei grundlegenden Zeichen der klassischen Grammatiker waren der acutus,/, eine Aufhebung der Stimme und den gravis, \anzeigend, ein Senken anzeigend. Diese haben sich schließlich zu den grundlegenden Symbolen für die neumatic Notation, der virga entwickelt (oder "Stange"), der ein höheres Zeichen anzeigt und noch wie der acutus ausgesehen hat, aus dem es gekommen ist; und der punctum (oder "Punkt"), der ein niedrigeres Zeichen anzeigt, und, weil deutet der Name an, hat das gravis Symbol auf einen Punkt reduziert. Diese der acutus und der gravis konnten verbunden werden, um grafische stimmliche Beugungen auf der Silbe Diese Art der Notation zu vertreten, scheinen, sich nicht früher entwickelt zu haben, als das achte Jahrhundert, aber durch das neunte wurde es als die primäre Methode der Musiknotation fest gegründet. Die grundlegende Notation des virga und des punctum ist die Symbole für individuelle Zeichen geblieben, aber anderer bald entwickelter neumes, der mehrere Zeichen gezeigt hat, ist zusammengetroffen. Diese neuen neumes — genannt Binden — sind im Wesentlichen Kombinationen der zwei ursprünglichen Zeichen. Diese grundlegende neumatic Notation konnte nur die Zahl von Zeichen angeben, und ob sie gestiegen sind oder unten. Es gab keine Weise, genauen Wurf, jeden Rhythmus oder sogar das Startzeichen anzuzeigen. Diese Beschränkungen sind weitere Anzeige, dass die neumes als Werkzeuge entwickelt wurden, um die Praxis der mündlichen Tradition zu unterstützen, anstatt es zu verdrängen. Jedoch, wenn auch es als ein bloßes Hilfsmittel angefangen hat, ist der Wert, spezifischere Notation zu haben, bald offensichtlich geworden.

Die folgende Entwicklung in der Musiknotation war "heighted neumes", in den neumes an verschiedenen Höhen in Bezug auf einander sorgfältig gelegt wurden. Das hat dem neumes erlaubt, eine raue Anzeige der Größe eines gegebenen Zwischenraums sowie der Richtung zu geben. Das hat schnell zu einer oder zwei Linien, jeder geführt, ein besonderes Zeichen vertretend, auf der Musik mit allen neumes gelegt werden, die sich zurück auf sie beziehen. Zuerst hatten diese Linien keine besondere Bedeutung und haben stattdessen einen Brief am Anfang legen lassen anzeigend, welches Zeichen vertreten wurde. Jedoch sind die Linien, die Mitte C und den F ein fünfter unten langsam anzeigen, am meisten üblich geworden. Auf dem Pergament zuerst bloß gekratzt, wurden die Linien jetzt in zwei verschiedenen farbigen Tinten gezogen: gewöhnlich rot für F, und gelb oder grün für C. Das war der Anfang des Musikpersonals, weil wir es heute wissen. Die Vollziehung des Vier-Linien-Personals wird gewöhnlich Guido d' Arezzo kreditiert (c. 1000-1050) einer der wichtigsten Musiktheoretiker des Mittleren Alters. Während ältere Quellen die Entwicklung des Personals Guido zuschreiben, schlagen einige moderne Gelehrte vor, dass er mehr als ein codifier eines Systems gehandelt hat, das bereits entwickelt wurde. Auf jede Weise hat diese neue Notation einem Sänger erlaubt, Stücke zu erfahren, die ihm in einer viel kürzeren Zeitdauer völlig unbekannt sind. Jedoch, wenn auch Singsang-Notation auf viele Weisen fortgeschritten war, ist ein grundsätzliches Problem geblieben: Rhythmus. Der neumatic notational System, sogar in seinem völlig entwickelten Staat, hat keine Art des Rhythmus für das Singen von Zeichen klar definiert.

Musik-Theorie

Die Musik-Theorie der Mittelalterlichen Periode hat mehrere Fortschritte über die vorherige Praxis sowohl hinsichtlich des Tonmaterials, der Textur als auch hinsichtlich des Rhythmus gesehen. Bezüglich des Rhythmus hatte diese Periode mehrere dramatische Änderungen sowohl in seiner Vorstellung als auch in Notation. Während der frühen Mittelalterlichen Periode gab es keine Methode, Rhythmus in Notenschrift zu schreiben, und so ist die rhythmische Praxis dieser frühen Musik der erhitzten Debatte unter Gelehrten unterworfen. Die erste Art des schriftlichen rhythmischen Systems, das während des 13. Jahrhunderts entwickelt ist, und hat auf einer Reihe von Weisen basiert. Dieser rhythmische Plan wurde vom Musik-Theoretiker Johannes de Garlandia, Autor des De Mensurabili Musicas (c.1250), die Abhandlung kodifiziert, die definiert hat und am meisten völlig diese rhythmischen Weisen aufgehellt hat. In seiner Abhandlung beschreibt Johannes de Garlandia sechs Arten der Weise oder sechs verschiedene Wege, auf die longs und Kürzezeichen eingeordnet werden können. Jede Weise gründet ein rhythmisches Muster darin schlägt (oder tempora) innerhalb einer allgemeinen Einheit von drei tempora (ein perfectio), der immer wieder wiederholt wird. Außerdem basiert die Notation ohne Text auf Ketten von Binden (die charakteristischen Notationen, durch die Gruppen von Zeichen zu auf einem anderen gebunden werden). Die rhythmische Weise kann allgemein durch die Muster von verwendeten Binden bestimmt werden. Sobald eine rhythmische Weise einer melodischen Linie zugeteilt worden war, gab es allgemein kleine Abweichung von dieser Weise, obwohl rhythmische Anpassungen durch Änderungen im erwarteten Muster von Binden sogar in Höhe vom Ändern zu einer anderen rhythmischen Weise angezeigt werden konnten. Der nächste Schritt vorwärts bezüglich des Rhythmus ist aus dem deutschen Theoretiker Franco Kölns gekommen. In seiner Abhandlung Ars cantus mensurabilis ("Die Kunst der Messbaren Musik"), geschrieben 1280, beschreibt er ein System der Notation, in der Zeichen in der verschiedenen Form völlig verschiedene rhythmische Werte haben. Das ist eine bemerkenswerte Änderung vom früheren System von de Garlandia. Wohingegen bevor die Länge des individuellen Zeichens nur von der Weise selbst gesammelt werden konnte, hat diese neue umgekehrte Beziehung den Weise-Abhängigen auf gemacht — und hat durch — die individuellen Zeichen oder figurae bestimmt, die unbestreitbare Durational-Werte, eine Neuerung haben, die einen massiven Einfluss auf die nachfolgende Geschichte der europäischen Musik hatte. Der grösste Teil der in Notenschrift geschriebenen Musik des Überlebens des 13. Jahrhunderts verwendet die rhythmischen Weisen, wie definiert, durch Garlandia. Der Schritt in der Evolution des Rhythmus ist nach der Umdrehung des 13. Jahrhunderts mit der Entwicklung des Stils von Ars Nova gekommen.

Der Theoretiker, der hinsichtlich dieses neuen Stils am meisten gut anerkannt wird, ist Philippe de Vitry, der berühmt ist, wegen der Ars Nova ("Neue Kunst") Abhandlung 1320 zu schreiben. Diese Abhandlung auf der Musik hat seinen Namen dem Stil dieses kompletten Zeitalters gegeben. In mancher Hinsicht hat das moderne System der rhythmischen Notation mit Vitry begonnen, der sich völlig von der älteren Idee von den rhythmischen Weisen freigemacht hat. Die notational Vorgänger von modernen Zeitmetern entstehen auch in der Ars Nova. Dieser neue Stil wurde klar nach der Arbeit von Franco aus Köln gebaut. Im System von Franco war die Beziehung zwischen einem Kürzezeichen und ganze Noten (d. h. Hälfte von Kürzezeichen) dazu zwischen einem Kürzezeichen und einem langen gleichwertig: Und seitdem für ihn war Modus immer (gruppiert in Dreien), der tempus vollkommen oder hat geschlagen war auch von Natur aus vollkommen und hat deshalb drei ganze Noten enthalten. Manchmal würde der Zusammenhang der Weise eine Gruppe von nur zwei ganzen Noten jedoch verlangen, diese zwei ganzen Noten würden immer eine der normalen Länge und eine der doppelten Länge sein, dadurch denselben Zeitraum nehmend, und so die vollkommene Unterteilung des tempus bewahrend. Diese dreifältige Abteilung hat für alle Zeichen-Werte gehalten. Im Gegensatz hat die Periode von Ars Nova zwei wichtige Änderungen eingeführt: Das erste war eine noch kleinere Unterteilung von Zeichen (ganze Noten, konnte jetzt in die halbe Note geteilt werden), und das zweite war die Entwicklung von "mensuration". Mensurations konnte in verschiedenen Manieren verbunden werden, um metrische Gruppierungen zu erzeugen. Diese Gruppierungen von mensurations sind die Vorgänger des einfachen und zusammengesetzten Meters. Zurzeit Ars Novas war die vollkommene Abteilung des tempus nicht die einzige Auswahl, weil zweifache Abteilungen mehr akzeptiert geworden sind. Für Vitry konnte das Kürzezeichen, für eine komplette Zusammensetzung oder Abteilung von einer in Gruppen von zwei oder drei kleineren ganzen Noten geteilt werden. Auf diese Weise konnte der tempus (der Begriff, der gekommen ist, um die Abteilung des Kürzezeichens anzuzeigen), (Tempus perfectus) mit der dreifältigen Unterteilung, oder "Imperfekt", (Tempus imperfectus) mit der binären Unterteilung entweder "vollkommen" sein. Auf eine ähnliche Mode konnte die Abteilung der ganzen Note (hat prolation genannt), in drei Minima (prolatio perfectus oder größerer prolation) oder zwei Minima (prolatio imperfectus oder geringer prolation) und am höheren Niveau geteilt werden, die longs Abteilung (genannt Modus) konnte drei oder zwei Kürzezeichen (Modus perfectus oder vollkommene Weise, oder Modus imperfectus oder unvollständige Weise beziehungsweise) sein. Vitry hat das ein Schritt weiter genommen, indem er die richtige Abteilung eines gegebenen Stückes am Anfang durch den Gebrauch "mensuration Zeichen," gleichwertig zu unserer modernen "Taktart angezeigt hat. Tempus perfectus wurde durch einen Kreis angezeigt, während tempus imperfectus durch einen Halbkreis angezeigt wurde (unser Strom "C", weil ein Stellvertreter für die 4/4 Taktart wirklich ein Überbleibsel von dieser Praxis, nicht einer Abkürzung für die "allgemeine Zeit", wie populär geglaubt, ist). Während viele dieser Neuerungen Vitry zugeschrieben, und in der Abhandlung von Ars Nova etwas anwesend werden, war es ein Zeitgenosse — und persönliche Bekanntschaft — von de Vitry, genannt Johannes de Muris (Jehan des Mars), der die umfassendste und systematische Behandlung der neuen mensural Neuerungen der Ars Novas angeboten hat (für eine kurze Erklärung der mensural Notation im Allgemeinen, sieh die Musik des Artikels Renaissance). Viele Gelehrte, einen Mangel an positiven attributory Beweisen zitierend, denken jetzt, dass die Abhandlung "von Vitry" anonym ist, aber das verringert seine Wichtigkeit für die Geschichte der rhythmischen Notation nicht. Jedoch macht das den ersten bestimmt identifizierbaren Gelehrten, um das mensural System zu akzeptieren und zu erklären, um de Muris zu sein, der, wie man sagen kann, dafür getan hat, was Garlandia für die rhythmischen Weisen getan hat.

Für die Dauer der mittelalterlichen Periode würde der grösste Teil der Musik in erster Linie in vollkommenem tempus mit speziellen Effekten zusammengesetzt, die durch Abteilungen des Imperfekts tempus geschaffen sind; es gibt eine große aktuelle Meinungsverschiedenheit unter Musikwissenschaftlern betreffs, ob solche Abteilungen mit einem Kürzezeichen der gleichen Länge durchgeführt wurden, oder ob es sich und wenn so, woran Verhältnis geändert hat. Dieser Stil von Ars Nova ist das primäre rhythmische System bis zu den hoch synkopierten Arbeiten der Arss subtilior am Ende des 14. Jahrhunderts geblieben, das durch Extreme von notational und rhythmischer Kompliziertheit charakterisiert ist. Das Subklassen hat die rhythmische Freiheit gestoßen, die von Ars Nova seinen Grenzen mit einigen Zusammensetzungen zur Verfügung gestellt ist, die verschiedene Stimmen in verschiedenen tempus Unterschriften gleichzeitig schreiben lassen. Die rhythmische Kompliziertheit, die in dieser Musik begriffen wurde, ist damit im 20. Jahrhundert vergleichbar.

Der gleichen Wichtigkeit zur gesamten Geschichte der Westmusik war die Theorie die strukturellen Änderungen, die mit dem Advent der Polyfonie gekommen sind. Diese Praxis hat Westmusik in die harmonisch beherrschte Musik gestaltet, die wir heute wissen. Die ersten Rechnungen dieser Textentwicklung wurden in zwei anonymen noch weit in Umlauf gesetzte Abhandlungen auf der Musik, Musica und Scolica enchiriadis gefunden. Zu diesen Texten wird einmal innerhalb der letzten Hälfte des neunten Jahrhunderts datiert. Die Abhandlungen beschreiben eine Technik, die bereits geschienen ist, in der Praxis gut gegründet zu werden. Diese frühe Polyfonie basiert auf drei einfachen und drei zusammengesetzten Zwischenräumen. Die erste Gruppe umfasst Viertel, Fünftel und Oktaven; während die zweite Gruppe Oktave plus die Viertel, Oktave plus die Fünftel und doppelte Oktaven hat. Dieser neuen Praxis wird der Name organum vom Autor der Abhandlungen gegeben. Organum kann weiter abhängig vom Zeitabschnitt klassifiziert werden, in dem er geschrieben wurde. Der frühe organum, wie beschrieben, im enchiriadis kann "strenger organum" Strenger organum genannt werden kann abwechselnd in zwei Typen unterteilt werden: diapente (organum am Zwischenraum eines fünften) und diatesseron (organum am Zwischenraum eines Viertels). Jedoch hatten beide dieser Arten von strengem organum Probleme mit den Musikregeln der Zeit. Wenn jeder von ihnen einem ursprünglichen Singsang für den zu langen anpassen würde (abhängig von Weise), würde ein tritone resultieren. Dieses Problem wurde mit dem Gebrauch eines zweiten Typs von organum etwas überwunden. Dieser zweite Stil von organum wurde "freien organum" genannt. Sein Unterscheiden des Faktors besteht darin, dass sich die Teile nur in der parallelen Bewegung nicht bewegen mussten, aber sich auch in der schiefen oder gegensätzlichen Bewegung bewegen konnten. Das hat es viel leichter gemacht, den gefürchteten tritone zu vermeiden. Der Endstil von organum, der sich entwickelt hat, war als "melismatic organum" bekannt, der eine ziemlich dramatische Abfahrt vom Rest der polyfonen Musik bis zu diesem Punkt war. Dieser neue Stil war nicht bemerken gegen das Zeichen, aber war eher eine anhaltende durch eine blühende melismatic Linie begleitete Linie. Diese Endart von organum wurde auch vom berühmtesten polyfonen Komponisten dieser Zeit — Léonin vereinigt. Er hat diesen Stil mit gemessenen Diskant-Durchgängen vereinigt, die die rhythmischen Weisen verwendet haben, um den Gipfel der organum Zusammensetzung zu schaffen. Diese Endbühne von organum wird manchmal Notre Dame Schule der Polyfonie genannt, seitdem das war, wo Léonin (und sein Student Pérotin) aufgestellt wurden. Außerdem hat diese Art der Polyfonie alle nachfolgenden Stile mit den späteren polyfonen Klassen von Motetten beeinflusst, die als ein Tropus der vorhandenen Notre Dame organums anfangen.

Ein anderes wichtiges Element der Mittelalterlichen Musik-Theorie war das einzigartige Tonsystem, durch das Würfe eingeordnet und verstanden wurden. Während des Mittleren Alters war diese systematische Einordnung einer Reihe von ganzen Schritten und Halbtönen, was wir jetzt eine Skala nennen, als eine Weise bekannt. Das modale System hat wie die Skalen heute gearbeitet, dermaßen dass es die Regeln und das Material für das melodische Schreiben zur Verfügung gestellt hat. Die acht Kirchweisen sind: Dorisch, Hypodorisch, phrygisch, Hypophrygisch, lydisch, Hypolydisch, Mixolydisch, und Hypomixolydisch. Viel von der Information bezüglich dieser Weisen, sowie die praktische Anwendung von ihnen, wurde im 11. Jahrhundert vom Theoretiker Johannes Afflighemensis kodifiziert. In seiner Arbeit beschreibt er drei Definieren-Elemente zu jeder Weise. Der finalis, der rezitierende Ton und die Reihe. Der finalis ist der Ton, der als der Brennpunkt für die Weise dient. Es wird auch fast immer als der Endton (folglich der Name) verwendet. Der rezitierende Ton (manchmal gekennzeichnet als der Tenor oder confinalis) ist der Ton, der als der primäre Brennpunkt in der Melodie (besonders innerlich) dient. Es ist allgemein auch der Ton, der meistenteils im Stück wiederholt ist, und schließlich ist die Reihe (oder ambitus) die maximalen geächteten Töne für eine gegebene Weise. Die acht Weisen können weiter in vier Kategorien geteilt werden, die auf ihrem Finale (finalis) gestützt sind. Mittelalterliche Theoretiker haben diese Paare maneriae genannt und haben sie gemäß den griechischen Ordinalzahlen etikettiert. Jene Weisen, die d, e, f, und g als ihr Finale haben, werden in die Gruppen protus, deuterus, tritus, und tetrardus beziehungsweise gestellt. Diese können dann weiter gestützt darauf geteilt werden, ob die Weise "authentisch" ist oder "plagal". Diese Unterscheidungen befassen sich mit der Reihe der Weise in Bezug auf das Finale. Die authentischen Weisen haben eine Reihe, die über eine Oktave ist (ein Ton oben oder unten erlaubt wird), und der Anfang auf dem Finale, wohingegen die plagal Weisen, während sie noch über eine Oktave bedecken, ein vollkommenes Viertel unter dem authentischen anfangen. Ein anderer interessanter Aspekt des modalen Systems ist die universale Erlaubnis dafür, B zu Bb egal was die Weise zu verändern. Die Einschließung dieses Tons hat mehreren Nutzen, aber derjenige, der besonders üblich scheint, ist, um melodische Schwierigkeiten verursacht wieder durch den tritone zu vermeiden.

Diese kirchlichen Weisen, obwohl sie griechische Namen haben, haben wenig Beziehung zu den Weisen, wie dargelegt, durch griechische Theoretiker. Eher scheint der grösste Teil der Fachsprache, eine Veruntreuung seitens der mittelalterlichen Theoretiker zu sein, Obwohl die Kirchweisen keine Beziehung zu den alten griechischen Weisen haben, weist das Übermaß der griechischen Fachsprache wirklich zu einem interessanten möglichen Ursprung in den liturgischen Melodien der byzantinischen Tradition hin. Dieses System wird oktoechos genannt und wird auch in acht Kategorien, genannt echoi geteilt.

Für spezifische mittelalterliche Musik-Theoretiker, sieh auch: Isidore aus Sevilla, Aurelian von Réôme, Odo von Cluny, Guido von Arezzo, Hermannus Contractus, Johannes Cotto (Johannes Afflighemensis), Johannes de Muris, Franco aus Köln, Johannes de Garlandia (Johannes Gallicus), Anonym IV, Marchetto da Padova (Marchettus von Padua), Jacques von Liège, Johannes de Grocheo, Petrus de Cruce (Pierre de la Croix) und Philippe de Vitry.

Früh mittelalterliche Musik (vor 1150)

Frühe Singsang-Traditionen

Singsang (oder Choralgesang) ist eine monoakustische heilige Form, die die frühste bekannte Musik der christlichen Kirche vertritt. Die jüdische Synagoge-Tradition des Singens von Psalmen war ein starker Einfluss auf das christliche Singen.

Singsang hat sich getrennt in mehreren europäischen Zentren entwickelt. Obwohl die wichtigsten Rom, Hispania, Gaul, Mailand und Irland waren, gab es andere ebenso. Dieser Singsang wurde alles entwickelt, um die verwendeten Regionalliturgien zu unterstützen, als man die Masse dort gefeiert hat. Jedes Gebiet hat seinen eigenen Singsang und Regeln für das Feiern entwickelt. In Spanien und Portugal wurde Singsang von Mozarabic verwendet und zeigt den Einfluss der afrikanischen Nordmusik. Die Mozarabic Liturgie hat sogar durch die moslemische Regel überlebt, obwohl das ein isoliertes Ufer war und diese Musik später in einem Versuch unterdrückt wurde, Anpassung bei der kompletten Liturgie geltend zu machen. In Mailand war Singsang von Ambrosian, genannt nach Ambrosius von Mailand, der Standard, während sich Singsang von Beneventan um Benevento, ein anderes italienisches liturgisches Zentrum entwickelt hat. Singsang von Gallican wurde in Gaul und keltischem Singsang in Irland und Großbritannien verwendet.

Ungefähr 1011 n.Chr. hat die Römisch-katholische Kirche die Masse und den Singsang standardisieren wollen. In dieser Zeit war Rom das religiöse Zentrum Westeuropas, und Paris war das politische Zentrum. Die Standardisierungsanstrengung hat hauptsächlich daraus bestanden, diese zwei (Römer und Gallican) Regionalliturgien zu verbinden. Dieser Körper des Singsangs ist bekannt als Gregorianischer Gesang geworden. Vor den 12. und 13. Jahrhunderten hatte Gregorianischer Gesang alle anderen Westsingsang-Traditionen, mit Ausnahme vom Singsang von Ambrosian in Mailand und dem Singsang von Mozarabic in einigen besonders benannten spanischen Kapellen ersetzt.

Frühe Polyfonie: organum

Um das Ende des neunten Jahrhunderts haben Sänger in Klostern wie St. Gall in der Schweiz begonnen, mit dem Hinzufügen eines anderen Teils zum Singsang, allgemein eine Stimme in der parallelen Bewegung zu experimentieren, größtenteils in vollkommenen Vierteln oder Fünfteln über der ursprünglichen Melodie singend (sieh Zwischenraum). Diese Entwicklung wird organum genannt und vertritt die Anfänge der Harmonie und schließlich des Kontrapunkts. Im Laufe der nächsten mehreren Jahrhunderte hat sich organum auf mehrere Weisen entwickelt.

Die bedeutendste von diesen Entwicklungen war die Entwicklung "blühenden organum" 1100, manchmal bekannt als die Schule von St. Martial (genannt nach einem Kloster im südzentralen Frankreich, das das am besten bewahrte Manuskript dieses Repertoires enthält). In "blühendem organum" würde die ursprüngliche Melodie in langen Zeichen gesungen, während eine Begleitstimme viele Zeichen zu jedem des Originals häufig auf eine hoch wohl durchdachte Mode singen würde, die ganze Zeit die vollkommenen Gleichklänge (Viertel, Fünftel und Oktaven), als in früher organa betonend. Spätere Entwicklungen von organum sind in England vorgekommen, wo der Zwischenraum des dritten besonders bevorzugt wurde, und wo organa wahrscheinlich gegen eine vorhandene Singsang-Melodie, und an der Notre Dame in Paris improvisiert wurden, das das Zentrum der kreativen Musiktätigkeit im Laufe des dreizehnten Jahrhunderts sein sollte.

Viel von der Musik von der frühen mittelalterlichen Periode ist anonym. Einige der Namen können Dichter und lyrische Schriftsteller und die Melodien gewesen sein, für die sie geschrieben haben, Wörter können durch andere zusammengesetzt worden sein. Die Zuweisung der monoakustischen Musik der mittelalterlichen Periode ist nicht immer zuverlässig. Überlebende Manuskripte von dieser Periode schließen Musica Enchiriadis, Kodex Calixtinus von Santiago de Compostela und Winchester Troper ein.

Für die Information über spezifische Komponisten oder Dichter, die während der frühen mittelalterlichen Periode schreiben, sieh Papst Gregory I, St. Godric, Hildegard von Bingen, Hucbald, Notker Balbulus, Odo von Arezzo, Odo von Cluny und Tutilo.

Liturgisches Drama

Eine andere Musiktradition Europas, das während des frühen Mittleren Alters entsteht, war das liturgische Drama. In seiner ursprünglichen Form kann es ein Überleben des römischen Dramas mit christlichen Geschichten - hauptsächlich dem Evangelium, der Leidenschaft, und den Leben der Heiligen - gepfropft darauf vertreten. Jeder Teil Europas hatte eine Art Tradition des Musik- oder Halbmusikdramas im Mittleren Alter, das Handeln, das Sprechen einschließend, singend, und die instrumentale Begleitung in einer Kombination. Diese Dramen wurden wahrscheinlich von reisenden Schauspielern und Musikern durchgeführt. Viele sind genug bewahrt worden, um moderne Rekonstruktion und Leistung zu erlauben (zum Beispiel das Spiel von Daniel, der kürzlich registriert worden ist).

Goliards

Die Goliards waren beruflich reisende Dichter-Musiker Europas vom zehnten bis die Mitte des dreizehnten Jahrhunderts. Die meisten waren Gelehrte oder Geistliche, und sie haben geschrieben und haben in Latein gesungen. Obwohl viele der Gedichte überlebt haben, hat sehr wenig von der Musik. Sie waren vielleicht — sogar entscheidend so — auf der Tradition des Troubadours-trouvère einflussreich, die folgen sollte. Der grösste Teil ihrer Dichtung ist weltlich und, während einige der Lieder religiöse Ideale feiern, sind andere offen gesagt profan, sich mit Betrunkenheit, Liederlichkeit und Lüsternheit befassend.

Hohe mittelalterliche Musik (1150-1300)

Ars antiwas

Die Blüte der Notre Dame-Schule der Polyfonie ungefähr von 1150 bis 1250 hat den ebenso eindrucksvollen Ergebnissen in der gotischen Architektur entsprochen: Tatsächlich war das Zentrum der Tätigkeit an der Kathedrale der Notre Dame selbst. Manchmal wird die Musik dieser Periode die Pariser Schule oder Pariser organum genannt, und vertritt den Anfang dessen, was als Ars antiwas herkömmlich bekannt ist. Das war die Periode, in der rhythmische Notation zuerst in der Westmusik, hauptsächlich eine Zusammenhang-basierte Methode der rhythmischen als die rhythmischen Weisen bekannten Notation erschienen ist.

Das war auch die Periode, in der sich Konzepte der formellen Struktur entwickelt haben, die gegenüber dem Verhältnis, der Textur und der architektonischen Wirkung aufmerksam waren. Komponisten der Periode haben blühend und Diskant organum (mehr Zeichen-gegen-Zeichen-, im Vergleich mit der Folge des Vielzeichens melismas gegen lange gehaltene Zeichen abgewechselt, die im blühenden Typ gefunden sind), und haben mehrere neue Musikformen geschaffen: Clausulae, die melismatic Abteilungen von organa waren, der herausgezogen und mit neuen Wörtern und weiterer Musikweiterentwicklung ausgerüstet ist; conductus, der ein Lied für eine oder mehr Stimmen war, die rhythmisch am wahrscheinlichsten in einem Umzug von einer Sorte zu singen sind; und Tropen, die Hinzufügungen neuer Wörter und manchmal neuer Musik zu Abteilungen des älteren Singsangs waren. Alle diese Genres sparen man hat auf den Singsang basiert; d. h. eine der Stimmen, (gewöhnlich drei, obwohl manchmal vier) fast immer das niedrigste (der Tenor an diesem Punkt) hat eine Singsang-Melodie gesungen, obwohl mit frei gelassenen Zeichen-Längen, über die die anderen Stimmen organum gesungen haben. Die Ausnahme zu dieser Methode war der conductus, eine zweistimmige Zusammensetzung, die vollständig frei zusammengesetzt wurde.

Die Motette, eine der wichtigsten Musikformen des hohen Mittleren Alters und der Renaissance, hat sich am Anfang während der Notre Dame-Periode aus dem clausula, besonders die Form mit vielfachen Stimmen, wie sorgfältig ausgearbeitet, durch Pérotin entwickelt, der dafür den Weg geebnet hat, indem besonders er viele von seinem Vorgänger (als Kanon der Kathedrale) der lange blühende clausulae von Léonin mit dem Ersatz in einem Diskant-Stil ersetzt hat. Allmählich, dort ist gekommen, um komplette Bücher dieses Ersatzes, verfügbar zu sein, um eingefügt zu werden, und aus dem verschiedenen Singsang. Seitdem, tatsächlich, gab es mehr, als es vielleicht im Zusammenhang verwendet worden sein kann, ist es wahrscheinlich, dass der clausulae gekommen ist, um unabhängig, entweder in anderen Teilen der Masse, oder in privaten Hingaben durchgeführt zu werden. Der clausulae, so geübt, ist die Motette geworden, als troped mit nichtliturgischen Wörtern, und weiter in eine Form der großen Weiterentwicklung, Kultiviertheit und Subtilität im vierzehnten Jahrhundert, die Periode von Ars nova entwickelt wurden.

Überlebende Manuskripte von diesem Zeitalter schließen den Montpellier Kodex, Bamberg Kodex und Las Huelgas Codex ein.

Komponisten dieser Zeit schließen Léonin, Pérotin, W. de Wycombe, Adam de St. Victor und Petrus de Cruce (Pierre de la Croix) ein. Petrus wird die Neuerung zugeschrieben, mehr als drei ganze Noten zu schreiben, um die Länge eines Kürzezeichens zu passen. Vor der Neuerung des Imperfekts tempus kommend, hat diese Praxis das Zeitalter dessen eröffnet, was jetzt "Petronian" Motetten genannt wird. Diese späten Arbeiten des 13. Jahrhunderts sind in drei bis vier Teilen und ließen vielfache Texte gleichzeitig singen. Ursprünglich hat die Tenor-Linie (vom lateinischen tenere, "um" zu halten), eine vorher existierende liturgische Singsang-Linie im ursprünglichen Latein, während der Text des eines, zwei, oder sogar drei Stimmen oben, genannt den voces organales, zur Verfügung gestellten Kommentar zum liturgischen Thema entweder in Latein oder in den einheimischen Franzosen gehalten. Die rhythmischen Werte des voces organales vermindert als die Teile, haben mit dem duplum (der Teil über dem Tenor) multipliziert kleinere rhythmische Werte zu haben, als der Tenor, der triplum (die Linie über dem duplum) kleinere rhythmische Werte zu haben, als der duplum und so weiter. Als Zeit vorbeigegangen ist, sind die Texte des voces organales immer weltlicher in der Natur geworden und hatten immer weniger offene Verbindung zum liturgischen Text in der Tenor-Linie.

Die Petronian Motette ist ein hoch kompliziertes Genre, in Anbetracht seiner Mischung von mehreren Kürzezeichen der ganzen Note mit rhythmischen Weisen und manchmal (mit der zunehmenden Frequenz) Ersatz von weltlichen Liedern für den Singsang im Tenor. Tatsächlich würde ständig steigende rhythmische Kompliziertheit eine grundsätzliche Eigenschaft des 14. Jahrhunderts sein, obwohl die Musik in Frankreich, Italien und England ziemlich verschiedene Pfade während dieser Zeit nehmen würde.

Troubadoure und trouvères

Die Musik der Troubadoure und trouvères war eine einheimische Tradition des monoakustischen weltlichen Liedes, das wahrscheinlich durch Instrumente begleitet ist, die vom Fachmann gelegentlich gesungen sind, beruflich reisend, Musiker, die so erfahren waren wie Dichter, weil sie Sänger und Instrumentalisten waren. Die Sprache der Troubadoure war Occitan (auch bekannt als der langue d'oc oder Provençal); die Sprache des trouvères war Altes Französisch (auch bekannt als langue d'oil). Die Periode der Troubadoure hat der Blüte des kulturellen Lebens in der Provence entsprochen, die im Laufe des zwölften Jahrhunderts und ins erste Jahrzehnt des dreizehnten gedauert hat. Typische Themen des Troubadour-Liedes waren Krieg, Ritterlichkeit und vornehme Liebe. Die Periode der Troubadoure hat nach dem Albigensian Kreuzzug, der wilden Kampagne durch Papst Innocent III heruntergekurbelt, die Ketzerei von Cathar (und der Wunsch der nördlichen Barons zu beseitigen, den Reichtum des Südens zu verwenden). Das Überleben von Troubadouren ist entweder nach Portugal, Spanien, dem nördlichen Italien oder nach dem nördlichen Frankreich gegangen (wo die trouvère Tradition von gelebt hat), wo ihre Sachkenntnisse und Techniken zu den späteren Entwicklungen der weltlichen Musikkultur in jenen Plätzen beigetragen haben.

Die Musik des trouvères war diesem der Troubadoure ähnlich, aber ist im Stande gewesen, ins durch den Albigensian Kreuzzug ungekünstelte dreizehnte Jahrhundert zu überleben. Der grösste Teil des mehr als zweitausend Überlebens trouvère Lieder schließt Musik ein, und zeigt eine Kultiviertheit als groß als diese der Dichtung, die es begleitet.

Die Minnesinger Tradition war die germanische Kopie zur Tätigkeit der Troubadoure und trouvères nach Westen. Leider überleben wenige Quellen von der Zeit; die Quellen von Minnesang sind größtenteils aus zwei oder drei Jahrhunderten nach der Spitze der Bewegung, zu einer Meinungsverschiedenheit über ihre Genauigkeit führend. Unter Minnesingers mit der überlebenden Musik sind Wolfram von Eschenbach, Walther von der Vogelweide und Niedhart von Reuenthal.

Troubadoure mit überlebenden Melodien

• Aimeric de Belenoi
• Aimeric de Peguilhan
• Albertet de Sestaro
• Arnaut Daniel
• Arnaut de Maruoill
• Beatritz de Dia
• Berenguier de Palazol
• Bernart de Ventadorn
• Bertran de Born
• Blacasset
• Cadenet
• Daude de Pradas
• Denis aus Portugal
• Folquet de Marselha
• Gaucelm Faidit
• Gui d'Ussel
• Guilhem Ademar
• Guilhem Augier Novelle
• Guilhem Magret
• Guilhem de Saint Leidier
• Guiraut de Bornelh
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Komponisten des hohen und spätmittelalterlichen Zeitalters

Spätmittelalterliche Musik (1300-1400)

Frankreich: Ars nova

Der Anfang von Ars nova ist eine der wenigen sauberen chronologischen Abteilungen in der mittelalterlichen Musik, da es der Veröffentlichung des Roman de Fauvels, einer riesigen Kompilation der Dichtung und Musik, 1310 und 1314 entspricht. Der Roman de Fauvel ist eine Satire auf Missbräuche in der mittelalterlichen Kirche, und wird mit mittelalterlichen Motetten, lais, Rondeaus und anderen neuen weltlichen Formen gefüllt. Während der grösste Teil der Musik anonym ist, enthält sie mehrere Stücke durch Philippe de Vitry, einen der ersten Komponisten der isorhythmic Motette, eine Entwicklung, die das vierzehnte Jahrhundert unterscheidet. Die isorhythmic Motette wurde von Guillaume de Machaut, dem feinsten Komponisten der Zeit vervollkommnet.

Während des Zeitalters von Ars nova hat weltliche Musik eine polyfone Kultiviertheit erworben früher hat nur in der heiligen Musik, eine Entwicklung gefunden, die nicht das Betrachten des weltlichen Charakters der frühen Renaissance überrascht (während diese Musik normalerweise "mittelalterlich" betrachtet wird, waren die sozialen Kräfte, die es erzeugt haben, für den Anfang der literarischen und künstlerischen Renaissance in Italien verantwortlich — die Unterscheidung zwischen Mittlerem Alter und Renaissance ist eine verschwommene, besonders Künste als verschieden als Musik denkend und malend). Der Begriff "nova von Ars" (neue Kunst oder neue Technik) wurde von Philippe de Vitry in seiner Abhandlung dieses Namens ins Leben gerufen (wahrscheinlich geschrieben 1322), um die Praxis aus der Musik des sofort vorhergehenden Alters zu unterscheiden.

Das dominierende weltliche Genre der Ars Novas war der chanson, als es fortsetzen würde, in Frankreich seit weiteren zwei Jahrhunderten zu sein. Diese chansons wurden in Musikformen entsprechend der Dichtung zusammengesetzt, die sie setzen, die in den so genannten formes üblen Lagen des Rondeaus, der Ballade und virelai waren. Diese Formen haben bedeutsam die Entwicklung der Musikstruktur auf Weisen betroffen, die sogar heute gefühlt werden; zum Beispiel hat das ouvert-clos durch alle drei geteilte Reim-Schema eine Musikverwirklichung gefordert, die direkt zum modernen Begriff von vorhergehenden und folgenden Ausdrücken beigetragen hat. Es war in dieser Periode auch, in dem die lange Tradition begonnen hat, das Massenübliche zu setzen. Diese Tradition hat um die Mitte des Jahrhunderts mit isolierten oder paarweise angeordneten Einstellungen von Kyries, Glorias usw. angefangen, aber Machaut hat zusammengesetzt, was, wie man denkt, die erste ganze als eine Zusammensetzung konzipierte Masse ist. Die gesunde Welt der Musik von Ars Nova ist sehr viel einer des geradlinigen Primaten und der rhythmischen Kompliziertheit." Sich ausruhende" Zwischenräume sind fünft und Oktave, mit Dritteln und Sechsteln betrachtet als Dissonanzen. Sprünge mehr als eines sechsten in individuellen Stimmen sind ziemlich üblich, zu Spekulation der instrumentalen Teilnahme mindestens in der weltlichen Leistung führend.

Überlebende französische Manuskripte schließen den Ivrea Kodex und den Passenden Kodex ein.

Für die Information über spezifische französische Komponisten, die im spätmittelalterlichen Zeitalter schreiben, sieh Jehan de Lescurel, Philippe de Vitry, Guillaume de Machaut, Borlet, Solage und François Andrieu.

Italien: Trecento

Der grösste Teil der Musik von Ars nova war im Ursprung französisch; jedoch wird der Begriff häufig auf die ganze Musik des vierzehnten Jahrhunderts lose angewandt, um besonders die weltliche Musik in Italien einzuschließen. Dort ist diese Periode häufig Trecento genannt geworden.

Italienische Musik hat immer, es, scheint gewesen bekannt für seinen lyrischen oder melodischen Charakter, und das geht zum 14. Jahrhundert in vieler Hinsicht zurück. Italienische weltliche Musik dieser Zeit (wie wenig überlebende liturgische Musik dort ist, ist den Franzosen abgesehen von der etwas verschiedenen Notation ähnlich) hat gezeigt, was den cantalina Stil mit einer blühenden Spitzenstimme genannt worden ist, die durch zwei unterstützt ist (oder sogar ein; ein schöner Betrag der italienischen Trecento Musik ist für nur zwei Stimmen), die das regelmäßigere und langsamere Bewegen sind. Dieser Typ der Textur ist eine Eigenschaft der italienischen Musik im populären 15. und das 16. Jahrhundert den weltlichen Genres ebenso geblieben, und war ein wichtiger Einfluss auf die schließliche Entwicklung der Trio-Textur, die Musik im 17. revolutioniert hat.

Es gab drei Hauptformen für weltliche Arbeiten in Trecento. Man war das Madrigal, nicht dasselbe als dass 150-250 Jahre später, aber mit einer Verse/refrain-Like-Form. Drei-Linien-Strophen, jeder mit verschiedenen Wörtern, haben mit einem Zwei-Linien-ritornello mit demselben Text an jedem Äußeren abgewechselt. Vielleicht können wir die Samen der nachfolgenden späten Renaissance und des Barocks ritornello in diesem Gerät sehen; es kehrt auch immer wieder, erkennbar jedes Mal im Vergleich mit seinen ungleichen Umgebungsabteilungen zurück. Eine andere Form, der caccia ("Verfolgung",) wurde für zwei Stimmen in einem Kanon am Einklang geschrieben. Manchmal hat diese Form auch einen ritornello gezeigt, der gelegentlich auch in einem kanonischen Stil war. Gewöhnlich hat der Name dieses Genres eine doppelte Bedeutung zur Verfügung gestellt, seitdem die Texte von caccia in erster Linie über Jagden waren und Außentätigkeiten, oder mindestens geHandlungsfüllte Szenen verbunden haben. Die dritte Hauptform war der ballata, der zum französischen virelai grob gleichwertig war.

Überlebende italienische Manuskripte schließen den Squarcialupi Kodex und den Kodex von Rossi ein.

Für die Information über spezifische italienische Komponisten, die im spätmittelalterlichen Zeitalter schreiben, sieh Francesco Landini, Gherardello da Firenze, Andrea da Firenze, Lorenzo da Firenze, Giovanni da Firenze (auch bekannt als Giovanni da Cascia), Bartolino da Padova, Jacopo da Bologna, Donato da Cascia, Lorenzo Masini, Niccolò da Perugia und Maestro Piero.

Deutschland: Geisslerlieder

Die Geisslerlieder waren die Lieder von wandernden Bändern von flagellants, die sich bemüht haben, den Zorn eines bösen Gottes durch die reuige durch die Demütigung ihrer Körper begleitete Musik zu beruhigen. Es gab zwei getrennte Perioden der Tätigkeit von Geisslerlied: Ein um die Mitte des dreizehnten Jahrhunderts, aus dem, leider, keine Musik überlebt (obwohl zahlreiche Lyrik tut); und ein anderer von 1349, für den beide Wörter und Musik intakt wegen der Aufmerksamkeit eines einzelnen Priesters überleben, der über die Bewegung geschrieben hat und seine Musik registriert hat. Diese zweite Periode entspricht der Ausbreitung des Schwarzen Todes in Europa und der Dokumente eines der schrecklichsten Ereignisse in der europäischen Geschichte. Beide Perioden der Tätigkeit von Geisslerlied waren hauptsächlich in Deutschland.

Es gab auch von den Franzosen beeinflusste Polyfonie, die in deutschen Gebieten in dieser Zeit geschrieben ist, aber es war etwas weniger hoch entwickelt als seine Modelle. Gerechterweise den größtenteils anonymen Komponisten dieses Repertoires, jedoch, scheinen die meisten überlebenden Manuskripte, mit der äußersten Unfähigkeit kopiert worden zu sein, und werden mit Fehlern gefüllt, die eine aufrichtig gründliche Einschätzung der Qualität der Musik unmöglich machen.

Manierismus und Ars subtilior

Wie häufig gesehen, am Ende jedes Musikzeitalters wird das Ende des mittelalterlichen Zeitalters durch hoch manneristic Stil bekannt als Ars subtilior gekennzeichnet. In mancher Hinsicht war das ein Versuch zu meld die französischen und italienischen Stile. Diese Musik wurde mit einer rhythmischen Kompliziertheit hoch stilisiert, die bis zum 20. Jahrhundert nicht verglichen wurde. Tatsächlich, war nicht nur die rhythmische Kompliziertheit dieses Repertoires, das seit fünfeinhalb Jahrhunderten, mit äußersten Synkopen, mensural List größtenteils unvergleichlich ist, und sogar Beispiele von augenmusik (wie ein chanson durch Baude Cordier, der im Manuskript in Form eines Herzens ausgeschrieben ist), sondern auch sein melodisches Material, waren ebenso besonders in seiner Wechselwirkung mit den rhythmischen Strukturen ziemlich kompliziert. Bereits besprochen unter Ars Nova ist die Praxis von isorhythm gewesen, der fortgesetzt hat, sich im Laufe des späten Jahrhunderts zu entwickeln, und tatsächlich seinen höchsten Grad der Kultiviertheit bis am Anfang des 15. Jahrhunderts nicht erreicht hat. Anstatt isorhythmic Techniken in einer oder zwei Stimmen zu verwenden, oder sie unter Stimmen zu tauschen, sind einige Arbeiten gekommen, um ein Durchdringen isorhythmic Textur zu zeigen, die mit dem integrierten serialism des 20. Jahrhunderts in seiner systematischen Einrichtung von rhythmischen und tonalen Elementen konkurriert. Der Begriff "Manierismus" wurde von späteren Gelehrten angewandt, wie es häufig als Antwort auf einen Eindruck der Kultiviertheit ist, die um seinetwillen, eine Erkrankung wird übt, die sich einige Autoren angesteckt die Ars subtilior gefühlt haben.

Eine der wichtigsten noch vorhandenen Quellen von Ars Subtilior chansons ist der Kodex von Chantilly.

Für die Information über spezifische Komponisten, die Musik im Stil von Ars subtilior schreiben, sieh Anthonello de Caserta, Philippus de Caserta (auch bekannt als Philipoctus de Caserta), Johannes Ciconia, Matteo da Perugia, Lorenzo da Firenze, Fratze, Jacob Senleches und Baude Cordier.

Das Wechseln zur Renaissance

Das Abgrenzen des Endes des mittelalterlichen Zeitalters und des Anfangs der Renaissance, hinsichtlich der Zusammensetzung der Musik, ist problematisch. Während die Musik des vierzehnten Jahrhunderts in der Vorstellung ziemlich offensichtlich mittelalterlich ist, wird die Musik des Anfangs des fünfzehnten Jahrhunderts häufig als gehörend einer Übergangsperiode konzipiert, nicht nur einige der Ideale des Endes des Mittleren Alters behaltend (wie ein Typ des polyfonen Schreibens, in dem sich die Teile weit von einander im Charakter unterscheiden, weil jeder seine spezifische strukturelle Funktion hat), sondern auch einige der charakteristischen Charakterzüge der Renaissance (wie der internationale Stil zeigend, der sich durch die Verbreitung von Franco-flämischen Musikern überall in Europa, und in Bezug auf die Textur eine zunehmende Gleichheit von Teilen entwickelt).

Musik-Historiker einigen sich nicht, als das Renaissancezeitalter begonnen hat, aber die meisten Historiker geben zu, dass England noch eine mittelalterliche Gesellschaft am Anfang des fünfzehnten Jahrhunderts war (sieh eine Diskussion von periodization Problemen des Mittleren Alters). Während es keine Einigkeit gibt, ist 1400 ein nützlicher Anschreiber, weil es um diese Zeit war, dass die Renaissance in volles Schwingen in Italien eingetreten ist.

Das zunehmende Vertrauen auf dem Zwischenraum des dritten als ein Gleichklang ist eine der ausgesprochensten Eigenschaften des Übergangs in die Renaissance. Polyfonie, im Gebrauch seit dem 12. Jahrhundert, ist immer mehr wohl durchdacht mit hoch unabhängigen Stimmen im Laufe des 14. Jahrhunderts geworden. Mit John Dunstable und anderen englischen Komponisten, teilweise durch die lokale Technik von faburden (ein improvisatory gehen in einer Prozession, in dem eine Singsang-Melodie und ein schriftlicher Teil vorherrschend in parallelen Sechsteln darüber ornamented durch einen gesungenen in vollkommenen Vierteln unter den Letzteren sind, und der später auf dem Kontinent als "fauxbordon" ergriffen hat), erscheint der Zwischenraum des dritten als eine wichtige Musikentwicklung; wegen dieses Contenance Angloise ("englischer Gesichtsausdruck") wird die Musik der englischen Komponisten häufig als das erste betrachtet, um weniger aufrichtig bizarr zu modernen, ungeschulten Zuschauern zu klingen. Englische stilistische Tendenzen hatten sich in dieser Beziehung verwirklicht und haben begonnen, Kontinentalkomponisten schon in den 1420er Jahren zu beeinflussen, wie in Arbeiten des jungen Dufays, unter anderen gesehen werden kann. Während der Hundertjährige Krieg, englische Edelmänner, Armeen, ihre Kapellen und Gefolgschaft, und deshalb einige ihrer Komponisten weitergegangen hat, in Frankreich gereist ist und ihre Musik dort durchgeführt hat; es muss auch natürlich dass die englischen kontrollierten Teile des nördlichen Frankreichs in dieser Zeit nicht vergessen werden.

Englische Manuskripte schließen die Worcester Bruchstücke, das Alte Musik-Buch von St. Andrews, den Alten Saal Manuscript und Egerton Manuscript ein.

Für die Information über spezifische Komponisten, die Übergangs-zwischen dem mittelalterlichen und die Renaissance betrachtet werden, sieh Zacara da Teramo, Paolo da Firenze, Giovanni Mazzuoli, Antonio da Cividale, Antonius Romanus, Bartolomeo da Bologna, Roy Henry, Arnold de Lantins, Leonel Power und John Dunstaple.

Studie und Berufsausbildung

Der Schola Cantorum Basiliensis, Universität für die alte Musik in Basel, die Schweiz, stellt den einzigen praktischen Vollzeitstudienkurs für die Musik des Mittleren Alters zur Verfügung. Eine zweijährige Berufsausbildung für Musiker wird an der Akademie-Stadt Fürsteneck in Deutschland angeboten. Ausgezeichneter Experte Kees Boeke koordiniert einen neuen Master der Musik - Musik des Mittelalters und des Renaissance sowohl für Sänger als auch für Instrumentalisten in Staatliche Hochschule für Musik Trossingen auch in Deutschland.

Einfluss in der zeitgenössischen Musik

Der Einfluss der mittelalterlichen Musik kann in der klassischen Musik (als Beispiel, Johannes Brahms) gesehen werden. Es hat den klassischen Felsen seit 1950 bis 1970 beeinflusst, was in der Musik als Das Haus der Steigenden Sonne gesehen werden und, Joe Fernbleiben Kann. In Berlin hat 1989, eine Mischung der mittelalterlichen Musik und des schweren Metalls das Band Corvus Corax geschaffen, der den Stil "Metall von Mittelalter" oder Mittelalterlichen Felsen genannt hat, der von einigen als das Kombinieren des alten und das neue Schaffen von etwas nicht ganz so beschrieben ist, gut wie auch, gefolgt von In Extremo, U-Bahn Sally, Morgenstern und anderen sonst. Léonin und Pérotin haben Minimalist-Komponisten wie Steve Reich und La Monte Young beeinflusst.

Siehe auch

• Liste von frühen Musik-Ensembles
• Liste von Mittelalterlichen Komponisten
• Mittelalterlicher Tanz
• Neo mittelalterliche Musik

Referenzen

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• Caldwell, John (1978) mittelalterliche Musik Bloomington: Indiana Universität Presse.
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• Ultan, Lloyd (1977) Musik-Theorie: Probleme und Methoden im mittleren Alter und der Renaissance, Minneapolis, Minnesota: Universität der Presse von Minnesota.
• Universität von Vanderbilt (199), Online-Nachschlagewerk für mittelalterliche Studien.
• Yudkin, Jeremy (1989) Musik im mittelalterlichen Europa, oberen Sattel-Fluss, New Jersey: Saal von Prentice.

Links

• Radio von Pandora: Mittelalterliche Periode
• Altes FM (Online-Radio, das mittelalterlich und Renaissancemusik zeigt)
• Die Schøyen Sammlung: Musik (Ansehen der mittelalterlichen Musiknotation)
• Handbuch zum Mittelalterlichen und Renaissanceinstrument-Fotos, Beschreibungen und Töne von frühen Musikinstrumenten
• Mittelalterliche Musik & Kunstfundament
• Wein, Frauen und Lied: Die Lieder der mittelalterlichen lateinischen Studenten, trans. John Addington Symons (1884).
• Berufsausbildung in der mittelalterlichen Musik in Deutschland
• Répertoire International des Sources Musicales (RISM), eine freie, auffindbare Datenbank von Weltpositionen für Musik-Manuskripte bis zu ca. 1800