Kunst ist ein Begriff, der eine verschiedene Reihe von menschlichen Tätigkeiten und die Produkte jener Tätigkeiten beschreibt, aber meistenteils verstanden wird, sich auf Malerei, Film, Fotografie, Skulptur und andere Sehmedien zu beziehen. Musik, Theater, Tanz, Literatur und interaktive Medien werden in eine breitere Definition der Kunst oder der Künste eingeschlossen. Bis zum 17. Jahrhundert, Kunst, die auf jede Sachkenntnis oder Beherrschung verwiesen ist, und wurde von Handwerken oder Wissenschaften nicht unterschieden, aber im modernen Gebrauch sind die schönen Künste von erworbenen Sachkenntnissen im Allgemeinen bemerkenswert.

Viele Definitionen der Kunst sind von Philosophen und anderen vorgeschlagen worden, die Kunst in Bezug auf mimesis, Ausdruck, Kommunikation des Gefühls oder andere Werte charakterisiert haben. Während der Romantischen Periode ist Kunst gekommen, um als "eine spezielle Fakultät des Menschenverstandes gesehen zu werden, mit der Religion und Wissenschaft klassifiziert zu werden".

Die Natur der Kunst und verwandten Konzepte wie Kreativität und Interpretation, werden in einem Zweig der als Ästhetik bekannten Philosophie erforscht.

Definition

Britannica definiert Online Kunst als "der Gebrauch der Sachkenntnis und Einbildungskraft in der Entwicklung von ästhetischen Gegenständen, Umgebungen oder Erfahrungen, die mit anderen geteilt werden können." Durch diese Definition des Wortes haben künstlerische Arbeiten für fast so lange bestanden wie Menschheit: von der frühen vorgeschichtlichen Kunst bis zeitgenössische Kunst; jedoch schränken einige Theorien das Konzept auf moderne Westgesellschaften ein. Das erste und der weiteste Sinn der Kunst sind dasjenige, das am nächsten an der älteren lateinischen Bedeutung geblieben ist, die grob zur "Sachkenntnis" oder "dem Handwerk" übersetzt. Einige Beispiele, wo sich diese Bedeutung sehr breit erweist, schließen Kunsterzeugnis, künstlich, Kunstgriff, medizinische Künste und militärische Künste ein. Jedoch gibt es vielen anderen umgangssprachlichen Gebrauch des Wortes, aller mit etwas Beziehung zu seiner Etymologie.

Die zweite und neuere Kunst der Bedeutung des Wortes ist als eine Abkürzung für die kreative feine oder Kunstkunst und ist am Anfang des 17. Jahrhunderts erschienen. Feine Kunst bedeutet, dass eine Sachkenntnis verwendet wird, um die Kreativität des Künstlers auszudrücken, oder die ästhetischen Feingefühle des Publikums zu verpflichten, oder das Publikum zur Rücksicht der feineren Dinge anzuziehen.

Die Wortkunst kann mehrere Dinge beschreiben: Eine Studie der kreativen Sachkenntnis, ein Prozess, die kreative Sachkenntnis, ein Produkt der kreativen Sachkenntnis oder die Erfahrung des Publikums mit der kreativen Sachkenntnis zu verwenden. Die kreativen Künste (Kunst als Disziplin) sind eine Sammlung von Disziplinen, die Gestaltungsarbeiten erzeugen (Kunst als Gegenstände), die durch einen persönlichen Laufwerk (Kunst als Tätigkeit) gezwungen werden und eine Nachricht, Stimmung oder Symbolik für den Zuschauer befördern um (Kunst als Erfahrung) zu dolmetschen. Kunst ist etwas, was Gedanken einer Person, Gefühle, Glauben oder Ideen durch die Sinne stimuliert. Gestaltungsarbeiten können für diesen Zweck ausführlich gemacht oder auf der Grundlage von Images oder Gegenständen interpretiert werden. Obwohl die Anwendung wissenschaftlicher Kenntnisse, um eine neue wissenschaftliche Theorie abzuleiten, Sachkenntnis einschließt und auf die "Entwicklung" von etwas Neuem hinausläuft, vertritt das Wissenschaft nur und wird als Kunst nicht kategorisiert.

Häufig, wenn die Sachkenntnis auf eine allgemeine oder praktische Weise verwendet wird, werden Leute es als ein Handwerk statt der Kunst betrachten. Ebenfalls, wenn die Sachkenntnis auf eine kommerzielle oder industrielle Weise verwendet wird, kann es als Werbegrafik statt der feinen Kunst betrachtet werden. Andererseits werden Handwerke und Design manchmal als angewandte Kunst betrachtet. Einige Kunstanhänger haben behauptet, dass der Unterschied zwischen dem feinen Kunst- und gegolten hat, hat Kunst mehr, um mit Werturteilen zu tun, die über die Kunst gemacht sind als jeder klare definitorische Unterschied. Jedoch hat sogar feine Kunst häufig Absichten außer der reinen Kreativität und dem Selbstausdruck. Der Zweck von Kunstwerken kann sein, Ideen, solcher als in politisch, geistig, oder philosophisch motivierte Kunst mitzuteilen; ein Schönheitsempfinden zu schaffen (sieh Ästhetik); die Natur der Wahrnehmung zu erforschen; für das Vergnügen; oder starke Gefühle zu erzeugen. Der Zweck kann auch anscheinend nicht existierend sein.

Die Natur der Kunst ist vom Philosophen Richard Wollheim als "einer der am meisten schwer erfassbaren von den traditionellen Problemen der menschlichen Kultur" beschrieben worden. Kunst ist als ein Fahrzeug für den Ausdruck oder die Kommunikation von Gefühlen und Ideen, einem Mittel definiert worden, um formelle Elemente um ihretwillen, und als mimesis oder Darstellung zu erforschen und zu schätzen. Kunst als mimesis hat tiefe Wurzeln in der Philosophie von Aristoteles. Goethe hat Kunst als ein anderer resp. eine zweite Natur gemäß seinem Ideal eines Stils definiert, der auf dem grundlegenden fundaments der Scharfsinnigkeit und auf dem innersten Charakter von Dingen gegründet ist. Leo Tolstoy hat sich identifiziert die Kunst als ein Gebrauch von indirekten bedeutet, von einer Person zu einem anderen zu kommunizieren. Benedetto Croce und R.G. Collingwood haben die Idealist-Ansicht vorgebracht, dass Kunst Gefühle ausdrückt, und dass das Kunststück deshalb im Wesentlichen in der Meinung des Schöpfers besteht. Die Theorie der Kunst als Form hat seine Wurzeln in der Philosophie von Immanuel Kant, und wurde am Anfang des zwanzigsten Jahrhunderts von Roger Fry und Clive Bell entwickelt. Mehr kürzlich haben Denker unter Einfluss Martin Heideggers Kunst als die Mittel interpretiert, durch die eine Gemeinschaft für sich ein Medium für den Selbstausdruck und die Interpretation entwickelt. George Dickie hat eine Institutionstheorie der Kunst angeboten, die ein Kunststück als jedes Kunsterzeugnis definiert, auf das eine qualifizierte Person oder Einrichtung "den Status des Kandidaten für die Anerkennung" zugeteilt haben.

Geschichte

Skulpturen, Höhlenmalereien, Felsen-Bilder und petroglyphs von der Oberen Altsteinzeit, die zu vor ungefähr 40,000 Jahren datiert, sind gefunden worden, aber die genaue Bedeutung solcher Kunst wird häufig diskutiert, weil so wenig über die Kulturen bekannt ist, die sie erzeugt haben. Die ältesten Kunstgegenstände in der Welt — eine Reihe der winzigen, exerzierten Schnecke schält ungefähr 75,000 Jahre alt — wurden in einer südafrikanischen Höhle entdeckt. Behälter, die verwendet worden sein können, um Farben zu halten, sind gefunden worden, schon zu Lebzeiten von 100,000 Jahre datierend.

Viele große Traditionen in der Kunst haben ein Fundament in der Kunst von einer der großen alten Zivilisationen: Das Alte Ägypten, Mesopotamia, Persien, Indien, das chinesische, Alte Griechenland, Rom, sowie Inca, die Maya-Sprache und Olmec. Jedes dieser Zentren der frühen Zivilisation hat einen einzigartigen und charakteristischen Stil in seiner Kunst entwickelt. Wegen der Größe und Dauer dieser Zivilisationen haben mehr von ihren Kunstarbeiten überlebt, und mehr von ihrem Einfluss ist anderen Kulturen und spätere Zeiten übersandt worden. Einige haben auch die ersten Aufzeichnungen dessen zur Verfügung gestellt, wie Künstler gearbeitet haben. Zum Beispiel hat diese Periode der griechischen Kunst eine Verehrung der menschlichen physischen Form und die Entwicklung von gleichwertigen Sachkenntnissen gesehen, Muskulatur, Gleichgewicht, Schönheit und anatomisch richtige Verhältnisse zu zeigen.

In der byzantinischen und Mittelalterlichen Kunst des Westlichen Mittleren Alters hat sich viel Kunst auf den Ausdruck von biblischen und religiösen Wahrheiten konzentriert, und hat Stile verwendet, die den höheren Ruhm einer himmlischen Welt, wie der Gebrauch von Gold im Vordergrund Bilder oder Glases in Mosaiken oder Fenstern gezeigt haben, die auch Zahlen im idealisierten präsentiert haben, (flache) Formen gestaltet haben. Dennoch hat eine klassische Realist-Tradition auf kleinen byzantinischen Arbeiten angedauert, und Realismus ist fest in der Kunst des katholischen Europas gewachsen.

Renaissancekunst hatte eine sehr vergrößerte Betonung auf dem realistischen Bild der materiellen Welt und dem Platz von Menschen darin, widerspiegelt im corporeality des menschlichen Körpers und der Entwicklung einer systematischen Methode der grafischen Perspektive, Zurücktreten in einem dreidimensionalen Bilderraum zu zeichnen.

In der Verwerfung der östlichen, islamischen Kunst der Ikonographie hat zu Betonung auf geometrischen Mustern, Kalligrafie und Architektur geführt. Weiterer Osten, Religion hat künstlerische Stile und Formen auch beherrscht. Indien und Tibet haben Betonung auf gemalten Skulpturen und Tanz gesehen, während religiöse Malerei viele Vereinbarung von der Skulptur geliehen hat und zu hellen sich abhebenden Farben mit der Betonung auf Umrissen geneigt hat. China hat das Blühen von vielen Kunstformen gesehen: Das jadegrüne Schnitzen, bronzework, Töpferwaren (einschließlich der atemberaubenden Terrakottaarmee von Kaiser Qin), Dichtung, Kalligrafie, Musik, Malerei, Drama, Fiktion, usw. ändern sich chinesische Stile außerordentlich vom Zeitalter bis zum Zeitalter, und jeder wird nach der herrschenden Dynastie traditionell genannt. Also, zum Beispiel sind Bilder von Tang-Dynastie monochromatisch und spärlich, idealisierte Landschaften betonend, aber Bilder von Ming-Dynastie sind beschäftigt und bunt, und konzentrieren sich darauf, Geschichten über das Setzen und die Zusammensetzung zu erzählen. Japan nennt seine Stile nach Reichsdynastien auch, und hat auch viel Wechselspiel zwischen den Stilen der Kalligrafie und Malerei gesehen. Holzschnitt-Druck ist wichtig in Japan nach dem 17. Jahrhundert geworden.

Das Westalter der Erläuterung hat im 18. Jahrhundert künstlerische Bilder von physischen und vernünftigen Gewissheiten des Uhrwerk-Weltalls, sowie politisch revolutionären Visionen einer postmonarchistischen Welt, wie die Beschreibung von Blake von Newton als ein göttlicher geometer oder die propagandistischen Bilder von David gesehen. Das hat zu Romantischen Verwerfungen davon für Bilder der emotionalen Seite und Individualität von Menschen geführt, die in den Romanen von Goethe veranschaulicht sind. Das Ende des 19. Jahrhunderts hat dann einen Gastgeber von künstlerischen Bewegungen, wie akademische Kunst, Symbolik, Impressionismus und fauvism unter anderen gesehen.

Die Geschichte der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts ist ein Bericht von endlosen Möglichkeiten und der Suche nach neuen Standards, jeder, in der Folge durch das folgende niedergerissen werden. So können die Rahmen von Impressionismus, Expressionismus, Fauvism, Kubismus, Dadaismus, Surrealismus, nicht usw. sehr viel außer der Zeit ihrer Erfindung aufrechterhalten werden. Erhöhung der globalen Wechselwirkung hat während dieser Zeit einen gleichwertigen Einfluss anderer Kulturen in die Westkunst wie Pablo Picasso gesehen, der unter Einfluss der afrikanischen Skulptur ist. Japanische Holzschnitt-Drucke (der selbst unter Einfluss der Westrenaissance draftsmanship gewesen war) hatten einen riesigen Einfluss auf den Impressionismus und die nachfolgende Entwicklung. Später wurden afrikanische Skulpturen von Picasso und einigermaßen von Matisse aufgenommen. Ähnlich hat der Westen riesige Einflüsse auf Ostkunst in den 19. und 20. Jahrhunderten, mit ursprünglich westlichen Ideen wie Kommunismus und Postmodernismus gehabt, der einen starken Einfluss auf künstlerischen Stilen nimmt.

Modernismus, die idealistische Suche nach Wahrheit, hat in der letzten Hälfte des 20. Jahrhunderts zu einer Verwirklichung seiner Unerreichbarkeit nachgegeben. Theodor W. Adorno hat 1970 gesagt, "Es wird jetzt als selbstverständlich betrachtet, dass nichts, was Kunst betrifft, mehr als selbstverständlich betrachtet werden kann: Weder Kunst selbst, noch Kunst in der Beziehung zum Ganzen, noch sogar das Recht auf die Kunst zu bestehen." Relativismus wurde als eine unvermeidliche Wahrheit akzeptiert, die zur Periode der zeitgenössischen postmodernen und Kunstkritik geführt hat, wo Kulturen der Welt und der Geschichte als das Ändern von Formen gesehen werden, die geschätzt und von nur mit der Ironie gezogen werden können. Außerdem wird die Trennung von Kulturen zunehmend verschmiert, und einige behaupten, dass es jetzt passender ist, in Bezug auf eine globale Kultur, aber nicht Regionalkulturen zu denken.

Formen, Genres, Medien und Stile

Die kreativen Künste werden häufig in spezifischere Kategorien, jeder geteilt, der mit seiner Technik oder Medium, wie dekorative Künste, Plastikkünste, darstellende Künste oder Literatur verbunden ist. Verschieden von wissenschaftlichen Feldern ist Kunst eines der wenigen Themen, die gemäß der Technik http://www.rchoetzlein.com/quanta/theory/theory-new-media.htm akademisch organisiert werden. Ein künstlerisches Medium ist die Substanz oder das Material, das die künstlerische Arbeit davon gemacht wird, und sich auch auf die verwendete Technik beziehen kann. Zum Beispiel ist Farbe ein Medium, das in der Malerei verwendet ist, und Papier ist ein in der Zeichnung verwendetes Medium.

Eine Kunstform ist die spezifische Gestalt oder Qualität, die ein künstlerischer Ausdruck nimmt. Die Medien haben verwendet häufig beeinflussen die Form. Zum Beispiel muss die Form einer Skulptur im Raum in drei Dimensionen bestehen, und auf den Ernst antworten. Die Einschränkungen und Beschränkungen eines besonderen Mediums werden so seine formellen Qualitäten genannt. Um ein anderes Beispiel anzuführen, sind die formellen Qualitäten der Malerei die Leinwand-Textur, Farbe und Pinseltextur. Die formellen Qualitäten von Videospielen sind Nichtlinearität, Zwischentätigkeit und virtuelle Anwesenheit.

Die Form eines besonderen Kunststücks wird durch die formellen Qualitäten der Medien bestimmt, und ist mit den Absichten des Künstlers oder den Reaktionen des Publikums in jedem Fall was auch immer nicht verbunden, weil diese Eigenschaften mit dem Inhalt aber nicht der Form verbunden sind.

Ein Genre ist eine Reihe der Vereinbarung und Stile innerhalb eines besonderen Mediums. Zum Beispiel sind gut anerkannte Genres im Film, Entsetzen und romantische Komödie westlich. Genres in der Musik schließen Todesmetall und Reisesprung ein. Genres in der Malerei schließen Stillleben und Schäferlandschaft ein. Ein besonderes Kunststück kann biegen oder Genres verbinden, aber jedes Genre hat eine erkennbare Gruppe der Vereinbarung, Klischees und Tropen. (Ein Zeichen: Das Wortgenre hat eine zweite ältere Bedeutung innerhalb der Malerei; Genremalerei war ein Ausdruck, der im 17. an 19. Jahrhunderte verwendet ist, um sich spezifisch auf Bilder von Szenen des täglichen Lebens zu beziehen, und wird noch auf diese Weise verwendet.)

Der Stil einer Gestaltungsarbeit, Künstlers oder Bewegung ist die kennzeichnende Methode und von der jeweiligen Kunst gefolgte Form. Irgendwelcher schießt gestrüppartig, hat getropft oder ist geströmt abstrakte Malerei wird expressionistisch genannt. Häufig wird ein Stil mit einer besonderen historischen Periode, Satz von Ideen und besonderer künstlerischer Bewegung verbunden. So wird Jackson Pollock einen Abstrakten Expressionisten genannt.

Ein besonderer Stil kann spezifische kulturelle Bedeutungen haben. Zum Beispiel, Roy Lichtenstein — ein Maler hat mit der amerikanischen Pop-Art-Bewegung der 1960er Jahre verkehrt — war nicht ein Pointillist trotz seines Gebrauches von Punkten. Lichtenstein hat gleichmäßig Ben-tägige Punkte unter Drogeneinfluss verwendet (der Typ hat gepflegt, Farbe in Cartoons wieder hervorzubringen), als ein Stil, die "hohe" Kunst der Malerei mit der "niedrigen" Kunst von Comics infrage zu stellen, so sich über Klassenunterschiede in der Kultur äußernd. Pointillismus, eine Technik im späten Impressionismus (die 1880er Jahre) entwickelt besonders vom Künstler Georges Seurat, verwendet Punkte, um Schwankung in der Farbe und Tiefe in einem Versuch zu schaffen, der Weise näher zu kommen, wie Leute wirklich Farbe sehen. Beide Künstler verwenden Punkte, aber der besondere Stil und die Technik beziehen sich auf die künstlerische von jedem Künstler angenommene Bewegung.

Das sind alle Weisen zu beginnen, ein Kunststück zu definieren, es zu beschränken." Stellen Sie sich vor, dass Sie ein Kunstkritiker sind, dessen Mission ist, die Bedeutungen zu vergleichen, die Sie in einer breiten Reihe von individuellen Gestaltungsarbeiten finden. Wie würden Sie mit Ihrer Aufgabe fortfahren? Eine Weise zu beginnen ist, die Materialien jeder Künstler zu untersuchen, der im Bilden eines Gegenstands, Bildvideos oder Ereignisses ausgewählt ist. Die Entscheidung, eine Skulptur in Bronze zu werfen, bewirkt zum Beispiel unvermeidlich seine Bedeutung; die Arbeit wird etwas anderes davon, wie es sein könnte, wenn es in Gold oder Plastik oder Schokolade geworfen worden war, selbst wenn etwas anderes über die Gestaltungsarbeit dasselbe bleibt. Dann könnten Sie untersuchen, wie die Materialien in jeder Gestaltungsarbeit eine Einordnung von Gestalten, Farben, Texturen und Linien geworden sind. Diese werden abwechselnd in verschiedene Muster und compositional Strukturen organisiert. In Ihrer Interpretation würden Sie sich äußern, wie hervorstechende Eigenschaften der Form zur gesamten Bedeutung der beendeten Gestaltungsarbeit beitragen. [Aber schließlich] die Bedeutung von den meisten Gestaltungsarbeiten. .. wird durch eine Diskussion von Materialien, Techniken und Form nicht erschöpft. Die meisten Interpretationen schließen auch eine Diskussion der Ideen und Gefühle ein, die die Gestaltungsarbeit erzeugt."

Sachkenntnis und Handwerk

Kunst kann einen Sinn der erzogenen Fähigkeit oder Beherrschung eines Mediums implizieren. Kunst kann sich auch einfach auf den entwickelten und effizienten Gebrauch einer Sprache beziehen, um Bedeutung mit der Unmittelbarkeit und oder Tiefe zu befördern. Kunst ist eine Tat, Gefühle, Gedanken und Beobachtungen auszudrücken.

Es gibt ein Verstehen, das mit dem Material infolge des Berührens davon erreicht wird, der jemandes Gedanke-Prozesse erleichtert.

Eine allgemeine Ansicht besteht darin, dass die "Kunst", die in seinem Hochsinn besonder ist, ein bestimmtes Niveau des kreativen Gutachtens durch den Künstler verlangt, ob das eine Demonstration der technischen Fähigkeit, einer Originalität in der stilistischen Annäherung oder einer Kombination dieser zwei ist. Traditionell wurde die Sachkenntnis der Ausführung als eine Qualität angesehen, die von der Kunst untrennbar ist und so für seinen Erfolg notwendig ist; für Leonardo da Vinci war Kunst, weder mehr noch weniger als seine anderen Versuche, eine Manifestation der Sachkenntnis. Die Arbeit von Rembrandt, die jetzt für seine ephemeren Vorteile gelobt ist, wurde von seinen Zeitgenossen für seine Virtuosität am meisten bewundert. Am Ende des 20. Jahrhunderts wurden die geschickten Leistungen von John Singer Sargent abwechselnd bewundert und mit der Skepsis für ihre manuelle Geläufigkeit angesehen, noch in fast derselben Zeit vollendete der Künstler, der der am meisten anerkannte und umherwandelnde Bilderstürmer des Zeitalters, Pablo Picasso werden würde, eine traditionelle akademische Ausbildung, in der er hervorgeragt hat.

Eine allgemeine zeitgenössische Kritik von etwas moderner Kunst kommt entlang den Linien des Einwendens gegen den offenbaren Mangel an der Sachkenntnis oder in der Produktion des künstlerischen Gegenstands erforderlichen Fähigkeit vor. In der Begriffskunst ist "der Brunnen" von Marcel Duchamp unter den ersten Beispielen von Stücken, worin der Künstler gefundene Gegenstände ("gebrauchsfertig") verwendet hat und keinen traditionell anerkannten Satz von Sachkenntnissen ausgeübt hat. Mein Bett von Tracey Emin, oder Damien Hirst Die Physische Unmöglichkeit des Todes in der Meinung von Jemandem das Leben folgt diesem Beispiel und manipuliert auch die Massenmedien. Emin hat geschlafen (und hat sich mit anderen Tätigkeiten beschäftigt) in ihrem Bett vor dem Stellen des Ergebnisses in einer Galerie als Kunststück. Hirst hat die Konzeption für die Gestaltungsarbeit präsentiert, aber hat den grössten Teil der schließlichen Entwicklung von vielen Arbeiten angestellten Handwerkern verlassen. Die Berühmtheit von Hirst wird völlig auf seiner Fähigkeit gegründet, schockierende Konzepte zu erzeugen. Die wirkliche Produktion in vielen begrifflichen und zeitgenössischen Kunstwerken ist eine Sache des Zusammenbaues von gefundenen Gegenständen. Jedoch gibt es viele Modernist und zeitgenössische Künstler, die fortsetzen, in den Sachkenntnissen der Zeichnung und Malerei und im Schaffen spielerischer Kunstwerke hervorzuragen.

Werturteil

Etwas in Bezug auf das obengenannte wird die Wortkunst auch verwendet, um Urteile des Werts, als in solchen Ausdrücken wie anzuwenden, "dass Mahlzeit ein Kunststück" war (der Koch ist ein Künstler), oder "die Kunst des Betrugs" (wird das hoch erreichte Niveau der Sachkenntnis des Betrügers gelobt). Es ist dieser Gebrauch des Wortes als ein Maß der hohen Qualität und des hohen Werts, der dem Begriff seinen Geschmack nach der Subjektivität gibt.

Das Bilden von Urteilen des Werts verlangt eine Basis für die Kritik. Am einfachsten Niveau besteht eine Weise zu bestimmen, ob der Einfluss des Gegenstands auf den Sinnen den Kriterien entspricht, die als Kunst zu betrachten sind, darin, ob, wie man wahrnimmt, es attraktiv oder abstoßend ist. Obwohl Wahrnehmung immer durch die Erfahrung gefärbt wird und notwendigerweise subjektiv ist, wird es allgemein verstanden, dass, was nicht irgendwie ästhetisch befriedigt, Kunst nicht sein kann. Jedoch appelliert "gute" Kunst sogar regelmäßig an eine Mehrheit von Zuschauern nicht immer oder ästhetisch. Mit anderen Worten braucht eine Hauptmotivation eines Künstlers nicht die Verfolgung des ästhetischen zu sein. Außerdem zeichnet Kunst häufig schreckliche aus sozialen, moralischen oder nachdenklichen Gründen gemachte Images. Zum Beispiel ist die Malerei von Francisco Goya, die das spanische Schießen vom 3. Mai 1808 zeichnet, ein grafisches Bild eines Exekutionskommandos, das mehrere flehende Bürger hinrichtet. Und doch zur gleichen Zeit stellen die schrecklichen Bilder die scharfe künstlerische Fähigkeit von Goya in der Zusammensetzung und Ausführung unter Beweis und erzeugen passendes soziales und politisches Verbrechen. So geht die Debatte betreffs weiter, welche Weise der ästhetischen Befriedigung falls etwa, erforderlich ist, 'Kunst' zu definieren.

Die Annahme von neuen Werten oder dem Aufruhr gegen akzeptierte Begriffe dessen, was ästhetisch höher ist, braucht gleichzeitig mit einem ganzen Aufgeben der Verfolgung dessen nicht vorzukommen, was ästhetisch appelliert. Tatsächlich ist die Rückseite häufig wahr, dass die Revision dessen, was als ästhetisch ansprechend seiend populär konzipiert wird, eine Wiederkräftigung des ästhetischen Feingefühls und eine neue Anerkennung für die Standards der Kunst selbst berücksichtigt. Unzählige Schulen haben ihre eigenen Weisen vorgeschlagen, Qualität zu definieren, noch scheinen sie alle, in mindestens einem Punkt zuzustimmen: Sobald ihre ästhetischen Wahlen akzeptiert werden, wird der Wert des Kunststücks durch seine Kapazität bestimmt, die Grenzen seines gewählten Mediums zu überschreiten, um einen universalen Akkord durch die Seltenheit der Sachkenntnis des Künstlers oder in seinem genauen Nachdenken darin zu schlagen, was der zeitgeist genannt wird.

Kunst ist häufig beabsichtigt, um zu appellieren an und mit dem menschlichen Gefühl in Verbindung zu stehen. Es kann ästhetische oder moralische Gefühle aufwecken, und kann als eine Weise verstanden werden, diese Gefühle mitzuteilen. Künstler drücken etwas aus, so dass ihr Publikum einigermaßen aufgeweckt wird, aber sie müssen so bewusst nicht tun. Kunst kann als eine Erforschung der menschlichen Bedingung betrachtet werden; d. h. was es menschlich sein soll.

Zweck der Kunst

Kunst hat eine große Zahl von verschiedenen Funktionen überall in seiner Geschichte gehabt, seinen Zweck schwierig zum Auszug machend, oder misst zu jedem einzelnen Konzept. Das deutet nicht an, dass der Zweck der Kunst "vage" ist, aber dass es viele einzigartige, verschiedene Gründe dafür gehabt hat, geschaffen zu werden. Einige dieser Funktionen der Kunst werden im folgenden Umriss zur Verfügung gestellt. Die verschiedenen Zwecke der Kunst können gemäß denjenigen gruppiert werden, die nichtmotiviert werden und denjenigen, die (Levi Strauss) motiviert werden.

Nichtmotivierte Funktionen der Kunst

Die nichtmotivierten Zwecke der Kunst sind diejenigen, die dazu integriert sind, menschlich zu sein, die Person überschreiten, oder keinen spezifischen Außenzweck erfüllen. In diesem Sinn ist Kunst, als Kreativität, etwas, was Menschen durch ihre wirkliche Natur tun müssen (d. h. keine andere Art schafft Kunst), und ist deshalb außer dem Dienstprogramm.

1. Grundlegender menschlicher Instinkt für die Harmonie, das Gleichgewicht, den Rhythmus. Die Kunst an diesem Niveau ist nicht eine Handlung oder ein Gegenstand, aber eine innere Anerkennung des Gleichgewichtes und der Harmonie (Schönheit), und deshalb ein Aspekt, außer dem Dienstprogramm menschlich zu sein.
2. Erfahrung des mysteriösen. Kunst stellt eine Weise zur Verfügung, jemandes selbst in Bezug auf das Weltall zu erfahren. Diese Erfahrung kann häufig ungerechtfertigt kommen, weil man Kunst, Musik oder Dichtung schätzt.
3. Ausdruck der Einbildungskraft. Kunst stellt ein Mittel zur Verfügung, die Einbildungskraft auf non-grammatic Weisen auszudrücken, die an die Formalität der gesprochenen oder geschriebenen Sprache nicht gebunden werden. Verschieden von Wörtern, die in Folgen kommen, und von denen jeder eine bestimmte Bedeutung haben, stellt Kunst eine Reihe von Formen, Symbolen und Ideen mit Bedeutungen zur Verfügung, die verformbar sind.
4. Ritualistische und symbolische Funktionen. In vielen Kulturen wird Kunst in Ritualen, Leistungen und Tänzen als eine Dekoration oder Symbol verwendet. Während diese häufig (motivierten) Zweck keines spezifischen Utilitaristen haben, wissen Anthropologen, dass sie häufig einem Zweck am Niveau der Bedeutung innerhalb einer besonderen Kultur dienen. Diese Bedeutung wird von keiner Person ausgestattet, aber ist häufig das Ergebnis von vielen Generationen der Änderung, und einer kosmologischen Beziehung innerhalb der Kultur.

Motivierte Funktionen der Kunst

Motivierte Zwecke der Kunst beziehen sich auf absichtliche, bewusste Handlungen seitens der Künstler oder des Schöpfers. Diese können sein, politische Änderung zu verursachen, sich über einen Aspekt der Gesellschaft zu äußern, ein spezifisches Gefühl oder Stimmung zu befördern, persönliche Psychologie zu richten, eine andere Disziplin, zu (mit Werbegrafiken) zu illustrieren, um ein Produkt, oder einfach als eine Form der Kommunikation zu verkaufen.

1. Kommunikation. Kunst, an seinem einfachsten, ist eine Form der Kommunikation. Da die meisten Formen der Kommunikation eine Absicht oder zu einer anderen Person geleitete Absicht haben, ist das ein motivierter Zweck. Veranschaulichende Künste, wie wissenschaftliche Illustration, sind eine Form der Kunst als Kommunikation. Karten sind ein anderes Beispiel. Jedoch, das zufriedene Bedürfnis nicht, wissenschaftlich sein. Gefühle, Stimmungen und Gefühle werden auch durch die Kunst mitgeteilt.
2. Kunst als Unterhaltung. Kunst kann sich bemühen, ein besonderes Gefühl oder Stimmung zum Zweck zu verursachen, sich zu entspannen oder unterhaltend der Zuschauer. Das ist häufig die Funktion der Kunstindustrien von Filmen und Videospielen.
3. Der Avante-Garde. Kunst für die politische Änderung. Eine der Definieren-Funktionen des Anfangs der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts hat Sehimages verwenden sollen, um politische Änderung zu verursachen. Kunstbewegungen, die diese Absicht — Dadaismus, Surrealismus, russischen Constructivism, und Abstrakten Expressionismus, unter anderen hatten — werden insgesamt die avante-garde Künste genannt.
4. Kunst zu psychologischen und Heilzwecken. Kunst wird auch von Kunsttherapeuten, Psychotherapeuten und klinischen Psychologen als Kunsttherapie verwendet. Die Diagnostische Zeichnungsreihe wird zum Beispiel verwendet, um die Persönlichkeit und emotionale Wirkung eines Patienten zu bestimmen. Das Endprodukt ist nicht die Hauptabsicht in diesem Fall, aber eher wird ein Prozess der Heilung, durch kreative Taten, gesucht. Das resultierende Stück der Gestaltungsarbeit kann auch Scharfsinnigkeit in die Schwierigkeiten anbieten, die durch das Thema erfahren sind, und kann passende Annäherungen andeuten, in herkömmlicheren Formen der psychiatrischen Therapie verwendet zu werden.
5. Kunst für die soziale Untersuchung, den Umsturz und/oder die Anarchie. Während ähnlich, der Kunst für die politische Änderung kann sich umstürzlerische oder deconstructivist Kunst bemühen, Aspekte der Gesellschaft ohne jede spezifische politische Absicht infrage zu stellen. In diesem Fall kann die Funktion der Kunst einfach sein, etwas Aspekt der Gesellschaft zu kritisieren. Graffiti-Kunst und andere Typen der Straßenkunst sind Grafik und Images, die Spray-gemalt werden oder stencilled auf öffentlich viewable Wände, Gebäude, Busse, Züge und Brücken gewöhnlich ohne Erlaubnis. Bestimmte Kunstformen, wie Graffiti, können auch ungesetzlich sein, wenn sie Gesetze (in diesem Fall Vandalismus) übertreten.
6. Kunst für die Propaganda oder Kommerzialismus. Kunst wird häufig als eine Form der Propaganda verwertet, und kann so verwendet werden, um populäre Vorstellungen oder Stimmung subtil zu beeinflussen. Auf eine ähnliche Weise beeinflusst Kunst, die versucht, ein Produkt auch zu verkaufen, Stimmung und Gefühl. In beiden Fällen ist der Zweck der Kunst hier, den Zuschauer in eine besondere emotionale oder psychologische Antwort zu einer besonderen Idee oder Gegenstand subtil zu manipulieren.
7. Kunst als ein Fitnesshinweis. Es ist behauptet worden, dass die Fähigkeit des menschlichen Gehirns bei weitem überschreitet, was für das Überleben in der Erbumgebung erforderlich war. Eine Entwicklungspsychologie-Erklärung dafür besteht darin, dass das menschliche Gehirn und die verbundenen Charakterzüge (wie künstlerische Fähigkeit und Kreativität) die menschliche Entsprechung vom Schwanz des Pfaus sind. Der Zweck des ausschweifenden Schwanzes des Pfaus männlichen Geschlechts ist diskutiert worden, um zu sein, um Frauen anzuziehen (sieh auch Ausreißer von Fisherian und behindern Sie Grundsatz). Gemäß dieser Theorie war die höhere Ausführung der Kunst wichtig evolutionär, weil es Genossen angezogen hat.

Die Funktionen der Kunst, die oben beschrieben ist, sind nicht gegenseitig exklusiv, weil viele von ihnen überlappen können. Zum Beispiel kann sich die Kunst zum Zweck der Unterhaltung auch bemühen, ein Produkt, d. h. den Film oder das Videospiel zu verkaufen.

Umstrittene Kunst

Das Rettungsfloß von Théodore Géricault von Medusa (c. 1820), war ein sozialer Kommentar zu einem aktuellen Ereignis, beispiellos zurzeit. Der Le Déjeuner sur l'Herbe von Édouard Manet (1863), wurde Schande nicht wegen der nackten Frau betrachtet, aber weil sie folgend Männern gesetzt wird, die völlig in die Kleidung der Zeit, aber nicht in Roben der antiken Welt angekleidet sind. Gnädige Frau Pierre Gautreau von John Singer Sargent (Frau X) (1884), hat einen riesigen Krawall über das rötliche Rosa veranlasst, das verwendet ist, den Ohr-Lappen der Frau zu färben, betrachtet zu andeutend und vermutlich zerstörend des Highsociety-Musterrufs.

Im zwanzigsten Jahrhundert hat der Guernica von Pablo Picasso (1937) das Aufhalten von kubistischen Techniken und steifen monochromatischen Ölen verwendet, um die grauenhaften Folgen einer zeitgenössischen Bombardierung einer kleinen, alten baskischen Stadt zu zeichnen. Die Befragung von Leon Golub III (1981), zeichnet einen weiblichen nackten, mit einer Kapuze bekleideten Häftling, der zu einem Stuhl, ihre Beine festgeschnallt ist, die offen sind, um ihre Genitalien zu offenbaren, die von zwei in die tägliche Kleidung angekleideten Peinigern umgeben sind. Die Pisse von Andres Serrano Christus (1989) ist eine Fotographie eines Kruzifixes, der der christlichen Religion und dem Darstellen-Opfer von Christus und dem Endleiden heilig ist, das in einem Glas des eigenen Urins des Künstlers untergetaucht ist. Der resultierende Krawall hat zu Anmerkungen im USA-Senat über die öffentliche Finanzierung der Künste geführt.

Kunsttheorien

Im neunzehnten Jahrhundert sind Künstler in erster Linie mit Ideen von der Wahrheit und Schönheit beschäftigt gewesen. Der ästhetische Theoretiker John Ruskin, der verfochten hat, was er als der Naturalismus von J. M. W. Turner gesehen hat, hat die Rolle der Kunst als die Kommunikation durch den Kunstgriff einer wesentlichen Wahrheit gesehen, die nur in der Natur gefunden werden konnte.

Die Definition und Einschätzung der Kunst sind besonders problematisch seit dem 20. Jahrhundert geworden. Richard Wollheim unterscheidet drei Annäherungen an das Festsetzen des ästhetischen Werts der Kunst: Der Realist, wodurch ästhetische Qualität ein absoluter jeder menschlichen Ansicht unabhängiger Wert ist; Objectivist, wodurch es auch ein absoluter Wert ist, aber von der allgemeinen menschlichen Erfahrung abhängig ist; und die Relativist-Position, wodurch es nicht ein absoluter Wert ist, aber abhängt, und ändert sich mit, die menschliche Erfahrung von verschiedenen Menschen.

Die Ankunft des Modernismus gegen Ende des neunzehnten Jahrhunderts führt zu einem radikalen Einbruch der Vorstellung der Funktion der Kunst, und andererseits gegen Ende des zwanzigsten Jahrhunderts mit dem Advent des Postmodernismus. Der 1960-Artikel "Modernist Painting" von Clement Greenberg definiert moderne Kunst als "der Gebrauch von charakteristischen Methoden einer Disziplin, die Disziplin selbst zu kritisieren". Greenberg hat ursprünglich diese Idee zur Abstrakten expressionistischen Bewegung angewandt und hat es als eine Weise verwendet, Wohnung (non-illusionistic) abstrakte Malerei zu verstehen und zu rechtfertigen:

Nach Greenberg sind mehrere wichtige Kunsttheoretiker, wie Michael Fried, T. J. Clark, Rosalind Krauss, Linda Nochlin und Griselda Pollock unter anderen erschienen. Obwohl nur ursprünglich beabsichtigt als eine Weise, einen spezifischen Satz von Künstlern zu verstehen, die Definition von Greenberg der modernen Kunst für viele der Ideen von der Kunst innerhalb der verschiedenen Kunstbewegungen des 20. Jahrhunderts und Anfang des 21. Jahrhunderts wichtig ist.

Knallen Sie Künstler wie Andy Warhol sind sowohl beachtenswert als auch einflussreich durch die Arbeit einschließlich und vielleicht das Kritisieren der populären Kultur, sowie der Kunstwelt geworden. Künstler der 1980er Jahre, der 1990er Jahre und der 2000er Jahre haben diese Technik der Selbstkritik außer der hohen Kunst zum ganzen kulturellen Bildbilden, einschließlich der Mode Images, Comics, Werbetafeln und Pornografie ausgebreitet.

Klassifikationsstreite

Streite betreffs, ob man etwas als ein Kunststück klassifiziert, werden Classificatory-Streite über die Kunst genannt.

Classificatory streitet im 20. Jahrhundert haben kubistische und impressionistische Bilder, den Brunnen von Duchamp, das Kino, die unübertrefflichen Imitationen von Banknoten, Begriffskunst und Videospielen eingeschlossen.

Philosoph David Novitz hat behauptet, dass die Unstimmigkeit über die Definition der Kunst selten das Herz des Problems ist. Eher "sind die leidenschaftlichen Sorgen und Interessen, die Menschen in ihrem sozialen Leben bekleiden", "so viel ein Teil aller Classificatory-Streite über die Kunst" (Novitz, 1996). Gemäß Novitz, classificatory Streite sind öfter Streite über gesellschaftliche Werte, und wo Gesellschaft versucht zu gehen, als sie über die richtige Theorie sind. Zum Beispiel, als der Daily Mail die Arbeit von Hirst und Emins durch das Argumentieren "Seit 1,000 Jahren kritisiert hat, ist Kunst eine unserer großen zivilisierenden Kräfte gewesen. Heute drohen marinierte Schafe und beschmutzte Betten, Barbaren von uns allen zu machen", sie bringen keine Definition oder Theorie über die Kunst vor, aber stellen den Wert der Arbeit von Hirst und Emins infrage. 1998, Arthur Danto, hat ein Gedanke-Experiment angedeutet zeigend, dass "der Status eines Kunsterzeugnisses weil sich Kunststück aus den Ideen ergibt, die eine Kultur darauf, aber nicht seine innewohnenden physischen oder wahrnehmbaren Qualitäten anwendet. Kulturelle Interpretation (eine Kunsttheorie von einer Art) ist deshalb von einem arthood eines Gegenstands bestimmend."

Antikunst ist ein Etikett für die Kunst, die absichtlich die feststehenden Rahmen und Werte der Kunst herausfordert; es ist Begriff, der mit dem Dadaismus vereinigt ist und Marcel Duchamp kurz vor dem Ersten Weltkrieg zugeschrieben ist, als er Kunst von gefundenen Gegenständen machte. Einer von diesen, Brunnen (1917), eine gewöhnliche Bedürfnisanstalt, hat beträchtliche Bekanntheit und Einfluss auf die Kunst erreicht. Antikunst ist eine Eigenschaft der Arbeit von Situationist International, der lo-fi Postkunstbewegung und der Jungen britischen Künstler, obwohl es eine Form ist, die noch von Stuckists zurückgewiesen ist, die sich als anti-anti-art beschreiben.

Kunst, Klasse und Wert

Kunst wird manchmal als das Gehören exklusiv höheren sozialen Klassen wahrgenommen. In diesem Zusammenhang wird Kunst als eine Tätigkeit aus der Oberschicht gesehen, die mit dem Reichtum, die Fähigkeit vereinigt ist, Kunst, und die Freizeit zu kaufen, die erforderlich ist, es zu verfolgen oder zu genießen. Der Palast von Versailles und die Klause in St.Petersburg illustrieren diese Ansicht: Solche riesengroßen Sammlungen der Kunst sind die Konserve der Reichen, Regierungen und wohlhabender Organisationen.

Feine und teure Waren sind populäre Anschreiber des Status in vielen Kulturen gewesen, und sie setzen fort, also heute zu sein. Es hat einen kulturellen Stoß in der anderen Richtung seitdem mindestens 1793 gegeben, als der Louvre, der ein privater Palast der Könige Frankreichs gewesen war, zum Publikum als ein Kunstmuseum während der französischen Revolution geöffnet wurde. Die meisten modernen öffentlichen Museen und Kunstausbildungsprogramme für Kinder in Schulen können zurück zu diesem Impuls verfolgt werden, für jeden verfügbare Kunst zu haben. Museen in den Vereinigten Staaten neigen dazu, Geschenke vom sehr reichen bis die Massen zu sein (Das Metropolitanmuseum der Kunst in New York City, zum Beispiel, wurde von John Taylor Johnston, ein Gleise-Manager geschaffen, dessen persönliche Kunstsammlung das Museum entsamt hat.), Aber trotz all dessen bleiben mindestens eine der wichtigen Funktionen der Kunst im 21. Jahrhundert als ein Anschreiber des Reichtums und sozialen Status.

Es hat Versuche durch Künstler gegeben, Kunst zu schaffen, die vom Reichen als ein Status-Gegenstand nicht gekauft werden kann. Einer der ersten ursprünglichen motivators von viel von der Kunst des Endes der 1960er Jahre und der 1970er Jahre sollte Kunst schaffen, die nicht gekauft und verkauft werden konnte. Es ist "notwendig, etwas mehr als bloße Gegenstände zu präsentieren," hat der größere deutsche Postkriegskünstler Joseph Beuys gesagt. Dieser Zeitabschnitt hat den Anstieg solcher Dinge wie Leistungskunst, Videokunst und Begriffskunst gesehen. Die Idee bestand darin, dass, wenn die Gestaltungsarbeit eine Leistung war, die nichts zurücklassen würde, oder einfach eine Idee war, konnte sie nicht gekauft und verkauft werden." Demokratische Moralprinzipien, die um die Idee kreisen, dass ein Kunststück eine Ware ist, haben die ästhetische Neuerung getrieben, die Mitte der 1960er Jahre gekeimt hat und im Laufe der 1970er Jahre geerntet wurde. Künstler haben sich weit gehend unter dem Kopfstück der Begriffskunst identifiziert, die... gegen Leistung auswechselt, und Tätigkeiten für die Verpflichtung sowohl mit den materiellen als auch mit materialistischen Sorgen der gemalten oder Skulpturform veröffentlichend, sind... bestrebt gewesen, den Kunstgegenstand zu untergraben, was protestieren."

In den Jahrzehnten seitdem sind diese Ideen etwas verloren worden, weil der Kunstmarkt gelernt hat, beschränkte Ausgabe-DVDs von Videoarbeiten, Einladungen zu exklusiven Leistungskunststücken und den Gegenständen verlassen von Begriffsstücken zu verkaufen. Viele dieser Leistungen schaffen Arbeiten, die nur von der Elite verstanden werden, die betreffs erzogen worden sind, warum eine Idee oder Video oder Stück des offenbaren Mülls als Kunst betrachtet werden können. Der Anschreiber des Status wird das Verstehen der Arbeit, anstatt es notwendigerweise zu besitzen, und die Gestaltungsarbeit bleibt eine Tätigkeit aus der Oberschicht. "Mit dem weit verbreiteten Gebrauch der DVD-Aufnahme-Technologie am Anfang der 2000er Jahre haben Künstler und das Galerie-System, das seine Gewinne vom Verkauf von Gestaltungsarbeiten ableitet, ein wichtiges Mittel gewonnen, den Verkauf des Videos und der Computergestaltungsarbeiten in beschränkten Ausgaben Sammlern zu kontrollieren."

Siehe auch

• Kunstbewegung
• Künstler im Wohnsitz
• Formelle Analyse
• Liste von künstlerischen Medien
• Umriss der bildenden Künste

Referenzen

Bibliografie

• Arthur Danto, Der Missbrauch der Schönheit: Ästhetik und das Konzept der Kunst. 2003
• Dana Arnold und Margaret Iverson (Hrsg.). Kunst und Gedanke. Oxford: Basil Blackwell, 2003.
• Michael Ann Holly und Keith Moxey (Hrsg.). Kunstgeschichte und Sehstudien. Yale Universität Presse, 2002.
• John Whitehead. Das Greifen für den Wind. 2001
• Noel Carroll, Theorien der Kunst Heute. 2000
• Evelyn Hatcher, Hrsg.-Kunst als Kultur: Eine Einführung in die Anthropologie der Kunst. 1999
• Catherine de Zegher (Hrsg.).. Innerhalb des Sichtbaren. MIT Presse, 1996.
• Nina, Felshin, Hrsg., Aber sind es Kunst? 1995
• Stephen Davies, Definitionen der Kunst. 1991
• Oskar Wilde, "Absichten".
• Jean Robertson und Craig McDaniel, "Themen der Zeitgenössischen Kunst-, Sehkunst nach 1980." 2005

Weiterführende Literatur

• Augros, Robert M., Stanciu, George N., Die Neue Geschichte der Wissenschaft: Haben Sie Acht und das Weltall, die Seetäuschung, Illinois: Regnery Tor, c1984. Internationale Standardbuchnummer 0895268337 (hat dieses Buch bedeutendes Material auf der Kunst und Wissenschaft)
• Richard Wollheim, Kunst und seine Gegenstände
• Carl Jung, Mann und seine Symbole
• Benedetto Croce, Ästhetisch als Wissenschaft des Ausdrucks und Allgemein Linguistisch, 1902
• Władysław Tatarkiewicz, Eine Geschichte von Sechs Ideen: Ein Aufsatz in der Ästhetik, die aus den Polen durch Christopher Kasparek, Den Haag, Martinus Nijhoff, 1980 übersetzt ist.
• Leo Tolstoy, Was Ist Kunst? 1897
• Kristine Stiles und Peter Selz, Hrsg., Theorien und Dokumente der Zeitgenössischen Kunst. Berkeley: Universität der Presse von Kalifornien, 1996.
• Florian Dombois, Ute Meta Bauer, Claudia Mareis und Michael Schwab, Hrsg., Intellektuelles Vogelhaus. Künstlerische Praxis als Forschung. London: Koening Bücher, 2011.
• Dana Arnold und Margaret Iverson, Hrsg., Kunst und Gedanke. London: Blackwell, 2003.
• Antony Briant und Griselda Pollock, Hrsg., Digitale und Andere Virtualität. NY: I.B.Tauris, 2010.
• Carol Armstron und Catherine de Zegher, Hrsg., Frau-Künstler an Millenium. Massachusetts: Bücher / im Oktober MIT Presse, 2006.

Links

• Kunst und Spiel aus dem Wörterbuch der Geschichte von Ideen
• Eingehendes Verzeichnis der Kunst
• Kunst und Künstler-Dateien in der Smithsonian Bibliothekssammlung (2005) Smithsonian Digitalbibliotheken
• Visual Arts Data Service (VADS) - Online-Sammlungen von Museen des Vereinigten Königreichs, Galerien, Universitäten
• Zeitschriften RevolutionArt - Art mit Weltausstellungen, callings und Konkurrenzen