Das Kino in Deutschland kann zurück zum Ende des 19. Jahrhunderts verfolgt werden. Deutsches Kino hat künstlerische und technische Hauptbeiträge geleistet, um sich verfilmen zu lassen.

Verschieden von irgendwelchen anderen nationalen Kinos, die sich im Zusammenhang von relativ dauernden und stabilen politischen Systemen entwickelt haben, bezeugt Deutschland Hauptänderungen zu seiner Identität während des 20. Jahrhunderts. Das ändert sich hat den periodisation des nationalen Kinos in eine Folge von verschiedenen Zeitaltern und Bewegungen bestimmt.

1895-1918 deutsches Reich

Die Geschichte des Kinos in Deutschland kann zurück zum Jahr der Geburt des Mediums verfolgt werden. Am 1. November 1895 haben Max Skladanowsky und sein Bruder Emil ihren selbsterfundenen Kinoprojektoren Bioscop am Varietee von Wintergarten in Berlin demonstriert. Diese Leistung hat die erste zahlende öffentliche Anzeige der Brüder von Lumière Cinematographe in Paris am 28. Dezember desselben Jahres, eine Leistung zurückdatiert, der Max Skladanowsky beigewohnt hat, und an dem er im Stande gewesen ist festzustellen, dass Cinematographe als sein Bioscop technisch höher war. Andere deutsche Filmpioniere haben die Berliner Oskar Messter und Max Gliewe, zwei von mehreren Personen eingeschlossen, die unabhängig 1896 zuerst einen Genfer Laufwerk verwendet haben (der dem Film erlaubt, periodisch auftretend ein Rahmen auf einmal fortgeschritten zu sein), in einem Kinoprojektor und dem Kameramann Guido Seeber.

In seinen frühsten Tagen wurde der Kinematograph als eine Anziehungskraft für obere Klassenzuschauer wahrgenommen, aber die Neuheit von bewegenden Bildern hat lange nicht gedauert. Bald wurden triviale kurze Filme als Festplatz-Sehenswürdigkeiten gezeigt, die auf das Arbeiten und die untere Mittelschicht gerichtet sind. Die Kabinen, in denen diese Filme gezeigt wurden, waren in Deutschland etwas verächtlich als Kintopps bekannt. Filmemacher mit einer künstlerischen Begabung, die versucht ist, um diese Ansicht vom Kino mit dem längeren Kino zu entgegnen, das auf literarischen Modellen und den ersten deutschen "künstlerischen" Filmen gestützt ist, haben begonnen, ungefähr von 1910, ein Beispiel erzeugt zu werden, das die Anpassung von Edgar Allan Poe Der Student Prags (1913) ist, der co-directed durch Paul Wegener und Stellan Rye war, der von Guido Seeber und die Hauptrolle spielenden Schauspielern von der Gesellschaft von Max Reinhardt fotografiert ist.

Vor 1914, jedoch, wurden viele Auslandsfilme importiert. Im Zeitalter des stillen Films gab es keine Sprachengrenzen, und dänische und italienische Filme waren in Deutschland besonders populär. Der Wunsch des Publikums, mehr Filme mit besonderen Schauspielern zu sehen, hat zur Entwicklung in Deutschland als anderswohin des Phänomenes des Filmstars geführt; die Schauspielerin Henny Porten war einer der frühsten deutschen Sterne. Öffentlicher Wunsch, populäre Filmgeschichten zu sehen, fortgesetzt werden hat die Produktion von Filmreihen besonders im Genre von Mysterium-Filmen gefördert, das ist, wo der Direktor Fritz Lang seine berühmte Karriere begonnen hat.

Der Ausbruch des Ersten Weltkriegs und der nachfolgende Boykott, zum Beispiel, haben französische Filme eine erkennbare Lücke auf dem Markt verlassen. Vor 1916, dort hat bereits ungefähr 2000 feste Treffpunkte für Filmleistungen bestanden, und am Anfang hatten Filmabschirmungen zum ergänzten oder sogar ersetzt durch Vielfalt-Umdrehungen. 1917 haben ein Prozess der Konzentration und teilweiser nationalisation der deutschen Filmindustrie mit der Gründung von Universum Film AG (UFA) begonnen, die teilweise eine Reaktion zum sehr wirksamen Gebrauch war, den die Verbündeten Mächte für das neue Medium zum Zweck der Propaganda gefunden hatten. Unter der Ägide militärischen, so genannten Vaterland wurden Filme erzeugt, der den Filmen der Verbündeten hinsichtlich der Propaganda und Entwürdigung des Feinds gleichgekommen ist. Zuschauer haben jedoch nicht Wert darauf gelegt, die patriotische Medizin ohne den Begleitzucker der Filme der leichten Unterhaltung der, folglich, auch geförderter Ufa zu schlucken. Die deutsche Filmindustrie ist bald das größte in Europa geworden.

1918-1933 Weimarer Republik

Drei Erfinder haben mit dem Tri-Ergon System des Tons auf dem Film 1918 empfangen. Von 1922 bis 1926 haben sie versucht, den Prozess in die Filmproduktion einzuführen, und UFA hat ein Interesse, aber vielleicht wegen Finanzschwierigkeiten gezeigt, nie hat einen gesunden Film gemacht. In der Periode sofort im Anschluss an den Ersten Weltkrieg ist die Filmindustrie, geholfen durch die deutsche Inflation der 1920er Jahre gestiegen. Das hat Filmemachern ermöglicht, Geld in Papiermark zu leihen, der gewaltig abgewertet würde, als es zurückgezahlt werden musste. Dennoch waren Filmbudgets dicht, und das Bedürfnis, Geld zu sparen, war ein beitragender Faktor zum Anstieg des deutschen Expressionismus, wie der Wunsch war, voranzukommen und die Zukunft zu umarmen, die den grössten Teil Europas zurzeit gekehrt hat. Expressionistisches Kino hat sich schwer auf die Symbolik und die künstlerischen Bilder aber nicht den steifen Realismus verlassen, um ihre Geschichten zu erzählen. In Anbetracht der grimmigen Stimmung im post-WWI Deutschland war es nicht überraschend, dass sich diese Filme schwer auf das Verbrechen und Entsetzen konzentriert haben. Der Film, der gewöhnlich das Befeuern der Beliebtheit des Expressionismus zugeschrieben ist, ist Robert Wiene Das Kabinett von Dr Caligari (1920). Es hat ein Bild auf dem Kino-Schirm mit nichtrealistischen Sätzen gemalt, die mit der übertriebenen Geometrie, Images gebaut sind, die auf den Stöcken und Wänden gemalt sind, um Gegenstände (und häufig Licht und Schatten), und eine Geschichte zu vertreten, die die dunklen Halluzinationen eines wahnsinnigen Mannes einschließt. Ein übertriebener stellvertretender Stil und unnatürliches Kostüm-Design sind andere Handelsmarken dieser Bewegung. Andere bemerkenswerte Arbeiten des Expressionismus sind der Nosferatu von Friedrich Wilhelm Murnau (1922), und Carl Boese und Paul Wegener (1920). Die expressionistische Bewegung hat während der Mitte der 1920er Jahre nachgelassen, aber es hat fortgesetzt, Weltkino seit Jahren später zu beeinflussen. Sein Einfluss ist in amerikanischen Horrorfilmen und Film noir und den Arbeiten von europäischen Direktoren so verschieden besonders bemerkenswert wie Jean Cocteau und Ingmar Bergman.

UFA war 1921 durch einen Verkauf des Vermögens des Staates zur Deutschen Bank privatisiert worden und war die Hauptstütze einer Industrie geworden, die bis zu 600 Hauptfilme pro Jahr in den 1920er Jahren erzeugt hat. Zusätzlich zu UFA gab es ungefähr 230 Filmgesellschaften im Geschäft in in dieser Zeit allein Berlin. Jedoch war Filmindustrie-Finanzierung ein zerbrechliches Geschäft in der nicht stabilen Wirtschaft der Weimarer Republik und dessen, das mit der Tendenz der Industrie verbunden ist, sich finanziell zu übernehmen (solcher, weil in der Produktion der Metropole von Fritz Lang (1927), vielleicht der berühmteste deutsche Film dieser Periode), oft zu Bankrotten und Finanzruine geführt hat. UFA selbst wurde gezwungen, in eine nachteilige Partnerschaft genannt Parufamet mit dem amerikanischen Studio Paramount und MGM 1925 einzutreten, bevor er durch den nationalistischen Industriellen und Zeitungseigentümer Alfred Hugenberg 1927 übernommen wird. Die Finanzschindereien der Gesellschaft haben es nicht davon abgehalten, zahlreiche bedeutende Filme im Laufe dieser Periode, unter ihnen, gnädige Frau Du Barry von Ernst Lubitsch (1919) zu erzeugen, die epische Produktion von Lang dessen Sterben Nibelungen und Murnau Das Letzte Lachen (1925), und die Entwicklung des Studios an Babelsberg, ursprünglich gegründet 1912, aber später übernommen durch UFA und ausgebreitet massiv, um das Filmen der Metropole anzupassen, hat der deutschen Filmindustrie eine hoch entwickelte Infrastruktur gegeben.

Zusätzlich zu Entwicklungen in der Industrie selbst hat die Weimarer Periode die Geburt der Filmkritik als eine ernste Disziplin gesehen, deren Praktiker Rudolf Arnheim darin eingeschlossen haben, Sterben Weltbühne und in den Film als Kunst (1932), Béla Balázs in Der Sichtbare Mensch (1924), Siegfried Kracauer in Frankfurter Zeitung und Lotte H. Eisner in Filmkurier.

Nachdem der Einfluss des Expressionismus begonnen hat, eine Vielfalt anderer Genres und Stile entwickelt in den 1920er Jahren abzunehmen. Das Kino unter Einfluss der Neuen Objektivität mit sozial betroffenen Themen und einer Rückkehr zum Realismus, unter ihnen Filme von Georg Wilhelm Pabst wie die Joyless Street (Sterben Freudlose Gasse) (1925), Büchse der Pandora (1929), und Das Lieben von Jeanne Ney ist weit verbreitet in den späteren 1920er Jahren geworden. Die Bewegung wird am besten durch die Tendenz charakterisiert, Wirklichkeit und Charaktere in Bezug auf leblose Gegenstände und persönliches Eigentum zu verstehen. Häufig vereinigt mit "Straßenfilmen." Der Einfluss der Neuen Objektivität kann auch in der Tendenz zu so genannten "Asphalt-" und "Moral"-Filmen gesehen werden, die sich "mit skandalösen" Themen wie Abtreibung, Prostitution, Homosexualität, Oralverkehr und Hingabe befasst haben. Contrastingly, in derselben Periode das Genre von Bergfilm wurde auch hauptsächlich vom Direktor Arnold Fanck entwickelt, in dem Personen gezeigt wurden, gegen die Natur in den Bergen kämpfend. Zeichner von Trickfilmen und Direktoren des experimentellen Films wie Lotte Reiniger, Oskar Fischinger und Walter Ruttmann waren auch in Deutschland in den 1920er Jahren sehr energisch. Der experimentelle Dokumentarfilm von Ruttman (1927) verkörpert die Energie der 1920er Jahre Berlin. Die polarisierte Politik der Weimarer Periode wurde auch in einem seinem Kino widerspiegelt. Eine Reihe von patriotischen Filmen auf der preußischen Geschichte, die Otto Gebühr als Frederick in der Hauptrolle zeigt, wurde das Große im Laufe der 1920er Jahre erzeugt und war beim nationalistischen rechten Flügel populär, der stark die "Asphalt"-Filme "Dekadenz" kritisiert hat.

Viele der Filme während dessen sind aus Deutschland in dieser Zeit gekommen waren historische Brillen, die entworfen sind, um in einer großen Menge und internationaler Ausgabe alle zu ziehen, während sie an einem kleineren Budget kleben. Gnädige Frau DuBarry von Ernst Lubitsch hat die französische Revolution durch das Fenster des vertrauten Lebens der Herrin von König Louis erforscht. Viele seiner Filme haben dazu geneigt, wie die vertrauten und unbedeutenden Leidenschaften der Reichen und stark für riesige historische Ereignisse im öffentlichen Bereich ironisch verantwortlich sind.

Der vierte Schlüssel künstlerische Bewegung des deutschen Kinos in dieser Zeit war der von Kammerspiel oder "Raum-Drama." Vereinigt insbesondere mit dem Drehbuchautor Carl Meyer und den Filmen wie das Letzte Lachen von Murnau war diese Bewegung auf viele Weisen eine Reaktion gegen das Schauspiel und den Expressionismus. Diese Filme haben dazu geneigt, um gewöhnliche Leute zu kreisen, die in häufig tristen, gewöhnlichen Einstellungen leben. Häufig genannt "belebte" Filme, weil sie die Impulse und vertraute Psychologie der Charaktere betont haben. Die Zahl von Sätzen wurde häufig zu einer kleinen Zahl ebenso behalten. Diese Bewegung hat sich auch schwer auf den Gebrauch von Kamerabewegungen verlassen, um die ziemlich vertrauten und einfachen Räume zu erforschen.

Die Ankunft des Tons am wirklichen Ende der 1920er Jahre hat ein künstlerisches Endschwenken des deutschen Films vor dem Zusammenbruch der Weimarer Republik 1933 erzeugt. Gesunde Produktion und Vertrieb wurden durch die deutsche Filmindustrie schnell aufgenommen, und vor 1932 hatte Deutschland 3,800 Kinos, die ausgestattet sind, um gesunde Filme zu spielen. Der blaue Engel (1930) durch den österreichischen Direktor Josef von Sternberg war Deutschlands erster Tonfilm (Schuss gleichzeitig auf Deutsch und Englisch) und hat einen internationalen Stern von Marlene Dietrich gemacht. Andere frühe gesunde Filme des Zeichens schließen Berlin Alexanderplatz, die Anpassung von Bertolt Brecht von Pabst Die Dreipenceoper und die M von Lang (den ganzen 1931) sowie der Razzia von Hochbaum in Sankt Pauli & erzeugt von Justin Rosenfeld (1932) ein. Brecht war auch einer der Schöpfer des ausführlich kommunistischen Films Kuhle Wampe (1932), der bald nach seiner Ausgabe verboten wurde.

Beiseite von den Hauptbewegungen bereits waren angeredete, deutsche Filmemacher in dieser Zeit als Neuerer für ihren kreativen Gebrauch von Mise-en-scene und Kamerabewegung bekannt.

Das 1933-1945 nazistische Deutschland

Die unsichere wirtschaftliche und politische Situation in Weimar Deutschland hatte bereits zu mehreren Filmemachern und Darstellern geführt, die das Land in erster Linie für die Vereinigten Staaten verlassen; Ernst Lubitsch hat sich nach Hollywood schon in 1923, der Michael Curtiz ungarischen Ursprungs 1926 bewegt. Ungefähr 1,500 Direktoren, Erzeuger, Schauspieler und andere Filmfachleuten sind in den Jahren emigriert, nachdem die Nazis an die Macht gekommen sind. Unter ihnen waren solche Schlüsselfiguren wie der Erzeuger Erich Pommer, der Studio-Leiter von Ufa, Sterne Marlene Dietrich und Peter Lorre und Direktor Fritz Lang. Der Exodus von Lang nach Amerika ist legendär; es wird gesagt, dass Metropole so außerordentlich Joseph Goebbels beeindruckt hat, dass er Lang gebeten hat, der Leiter seiner Propaganda-Filmeinheit zu werden. Lang ist nach Amerika statt dessen geflohen, wo er eine lange und wohlhabende Karriere hatte. Viele aufstrebende deutsche Direktoren sind auch in die Vereinigten Staaten geflohen, einen Haupteinfluss auf den amerikanischen Film infolgedessen habend. Mehrere Universale Horrorfilme der 1930er Jahre wurden durch deutschen emigrees, einschließlich Karl Freunds, Joe Mays und Robert Siodmaks geleitet. Direktoren Edgar Ulmer und Douglas Sirk und der Drehbuchautor österreichischen Ursprungs (und später Direktor) Billy Wilder sind auch vom nazistischen Deutschland zum Erfolg von Hollywood emigriert. Nicht alle sind diejenigen in der durch das nazistische Regime bedrohten Filmindustrie im Stande gewesen zu flüchten; der Schauspieler und Direktor Kurt Gerron sind zum Beispiel in einem Konzentrationslager zugrunde gegangen.

Innerhalb von Wochen Machtergreifung hatte Alfred Hugenberg Ufa zu den Enden der Nazis effektiv umgesetzt, Juden von der Beschäftigung in der Gesellschaft im März 1933, mehrere Monate vor dem Fundament im Juni von Reichsfilmkammer (Reich-Raum des Films), der Körper des nazistischen Staates ausschließend, der wegen der Kontrolle der Filmindustrie angeklagt ist, die den offiziellen Ausschluss von Juden und Ausländern von der Beschäftigung in der deutschen Filmindustrie gekennzeichnet hat. Als ein Teil des Prozesses von Gleichschaltung war die ganze Filmproduktion in Deutschland Reichsfilmkammer untergeordnet, der zum Propaganda-Ministerium von Goebbel und allen direkt verantwortlich war, was diejenigen, die in der Industrie verwendet sind, Mitglieder des Reichsfachschaft Films sein mussten." Nichtarische" Filmfachleuten und diejenigen, deren Politik oder persönliches Leben für die Nazis unannehmbar waren, wurden von Reichsfachschaft und so bestrittener Beschäftigung in der Industrie ausgeschlossen. Ungefähr 3,000 Personen wurden durch dieses Arbeitsverbot betroffen. Außerdem, weil Journalisten auch als eine Abteilung des Propaganda-Ministeriums organisiert wurden, ist Goebbels im Stande gewesen, Filmkritik 1936 abzuschaffen und es durch Filmbeobachtung (Filmbeobachtung) zu ersetzen; Journalisten konnten nur über den Inhalt eines Films berichten, Urteil auf seinem künstlerischen oder anderen Wert nicht anbieten.

Mit der deutschen Filmindustrie jetzt effektiv ein Arm des totalitären Staates konnten keine Filme gemacht werden das war nicht scheinbar gemäß den Ansichten vom herrschenden Regime. Jedoch, trotz der Existenz der antisemitischen Propaganda arbeitet wie Der Ewige Jude (1940) — der ein Kassenmisserfolg — und hoch entwickelterer, aber ebenso antisemitischer Jud Süß (1940) war, der kommerziellen Erfolg zuhause und anderswohin in Europa erreicht hat, die Mehrheit von deutschen Filmen von der Nationalen Sozialistischen Periode waren hauptsächlich als Arbeiten der Unterhaltung beabsichtigt. Der Import von Auslandsfilmen wurde nach 1936 und die deutsche Industrie gesetzlich eingeschränkt, die 1937 effektiv eingebürgert wurde, musste die fehlenden Auslandsfilme (vor allem amerikanische Produktion) wettmachen. Unterhaltung ist auch immer wichtiger in den späteren Jahren des Zweiten Weltkriegs geworden, als das Kino eine Ablenkung von der Verbündeten Bombardierung und einer Reihe von deutschen Niederlagen zur Verfügung gestellt hat. Sowohl in 1943 als auch in 1944 Kino-Bekenntnissen in Deutschland hat eine Milliarde überschritten, und die größten Kassenerfolge der Kriegsjahre waren Sterben große Liebe (1942) und Wunschkonzert (1941), der sowohl Elemente des Musicals, der patriotischen als auch romanischen Kriegspropaganda, Frauen sind doch bessere Diplomaten (1941), ein komisches Musical verbinden Sie, das einer der frühsten deutschen Filme in der Farbe und Wiener Blut (1942), die Anpassung einer Komiker-Operette von Johann Strauß war. Die Wichtigkeit vom Kino als ein Werkzeug des Staates, sowohl für seinen Propaganda-Wert als auch für seine Fähigkeit, das Volk unterhalten zu halten, kann in der sich verfilmen lassenden Geschichte des Kolberg von Veit Harlan (1945), der teuerste Film des nazistischen Zeitalters gesehen werden, für dessen Schießen Zehntausende von Soldaten von ihren militärischen Positionen abgelenkt wurden, als Extras zu erscheinen.

Trotz der Auswanderung von vielen Filmemachern und den politischen Beschränkungen war die Periode nicht ohne technische und ästhetische Neuerungen, die Einführung der Filmproduktion von Agfacolor, die ein bemerkenswertes Beispiel ist. Technisches und ästhetisches Zu-Stande-Bringen konnte auch zu den spezifischen Enden des nazistischen Staates am meisten eindrucksvoll in der Arbeit von Leni Riefenstahl gedreht werden. Der Triumph von Riefenstahl des Willens (1935), 1934 dokumentierend, den Nürnberger Versammlung und Olympia (1938), die Olympischen 1936-Sommerspiele dokumentierend, für Techniken der Kamerabewegung den Weg gebahnt haben und editierend, die viele spätere Filme beeinflusst haben. Beide Filme, besonders Triumph des Willens, bleiben hoch umstritten, weil ihr ästhetisches Verdienst von ihrem Propagieren von nazistischen Idealen untrennbar ist.

Das 1945-1989 Ostdeutschland

Ostdeutsches Kino hat am Anfang von der Tatsache profitiert so viel Filminfrastruktur des Landes, namentlich das ehemalige UFA Studio, legt die sowjetische Beruf-Zone an, die Filmproduktion ermöglicht hat, aus dem Boden schneller auszusteigen, als in den Westsektoren. Die Behörden in der sowjetischen Zone waren sehr interessiert, die Filmindustrie in ihrem Sektor wieder herzustellen, und eine Ordnung wurde ausgegeben, um Kinos in Berlin im Mai 1945 innerhalb von drei Wochen der deutschen Kapitulation wiederzueröffnen. Die Filmproduktionsgesellschaft wurden Deutsche Film-Aktiengesellschaft oder DEFA am 17. Mai 1946 gegründet und haben Kontrolle der Filmproduktionsmöglichkeiten in der sowjetischen Zone genommen, die durch die Ordnung der sowjetischen Militärischen Regierung in Deutschland im Oktober 1945 beschlagnahmt worden war. Theoretisch eine Aktiengesellschaft, das Majoritätsinteresse an DEFA wurde wirklich von der Sozialistischen Einheitspartei Deutschland (SED) gehalten, der die herrschende Partei der Deutschen Demokratischen Republik (GDR) nach 1949 geworden ist, formell DEFA als das staatliche Monopol für die Filmproduktion in Ostdeutschland legend. Eine Schwester "Gesellschaft", Fortschritt Filmverleih, war auch als ein ähnliches Monopol für den Innenfilmvertrieb, seine Haupt"Konkurrenz" gegründet worden Sovexportfilm zu sein, der Vertrieb von sowjetischen Filmen behandelt hat.

In ganzem DEFA hat ungefähr 900 Hauptfilme während seiner Existenz sowie ungefähr 800 belebte Filme und mehr als 3000 Dokumentarfilme und kurze Filme erzeugt. In seinen frühen Jahren wurde Produktion wegen strenger Steuerungen beschränkt, die von den Behörden auferlegt sind, die den Gegenstand von Filmen zu Themen eingeschränkt haben, die direkt zum Kommunistischen Projekt des Staates beigetragen haben. Als man Wochenschauen und Lehrfilme ausgeschlossen hat, wurden nur 50 Filme zwischen 1948 und 1953 erzeugt. Jedoch in späteren Jahren wurden zahlreiche Filme auf einer Vielfalt von Themen erzeugt. DEFA hatte besondere Kräfte in den Filmen von Kindern, namentlich Märchen-Anpassungen wie Drei Haselnüsse für Aschenbrödel (Drei Nüsse für Aschenputtel) (1973), aber es hat auch andere Genre-Arbeiten versucht: Sciencefiction, zum Beispiel Der schweigende Stern (Der Stille Stern) (1960), eine Anpassung eines Romans von Stanislaw Lem, oder "roter westerns" wie Die Söhne des Großen Mutter-Bären (1966) in der, im Gegensatz zum typischen westlichen Amerikaner, haben die Helden dazu geneigt, Indianer zu sein. Viele dieser Genre-Filme waren Co-Produktion mit anderen Warschauer Pakt-Ländern.

Bemerkenswerte durch DEFA erzeugte Nichtgenre-Filme schließen die Anpassung von Wolfgang Staudte des Der Untertan von Heinrich Mann (1951) ein; der Der geteilte Himmel von Konrad Wolf (Geteilter Himmel) (1964), eine Anpassung des Romans von Christa Wolf; die Anpassung von Frank Beyer von Jacob von Jurek Becker, dem Lügner (1973), der einzige ostdeutsche für einen Oskar zu berufende Film; die Legende Von Paul Und Paula (1973), geleitet von Heiner Carow aus dem Roman von Ulrich Plenzdorf; und Solo Sonnig (1980), wieder die Arbeit von Konrad Wolf.

Jedoch wurde die Filmherstellung in der DDR immer beschränkt und an der politischen Situation im Land zu jeder vorgegebenen Zeit orientiert. Ernst Thälmann, der kommunistische Führer in der Weimarer Periode, war das Thema von mehreren hagiographical Filmen in den 1950er Jahren, und obwohl ostdeutsche Filmherstellung von dieser offen Stalinistischen Annäherung in den 1960er Jahren abgerückt ist, waren Filmemacher noch den sich ändernden politischen Positionen, und tatsächlich den Launen der SED Führung unterworfen. Zum Beispiel, der volle Schiefer von DEFA von zeitgenössischen Filmen von 1966 wurden Vertrieb, unter ihnen die Spuren von Frank Beyer von Steinen (1966) bestritten, der vom Vertrieb nach drei Tagen gezogen wurde, nicht weil es kommunistischen Grundsätzen abgeneigt war, aber weil es gezeigt hat, dass solche Grundsätze, die es gefördert hat, zu jeder Zeit in Ostdeutschland nicht in die Praxis umgesetzt wurden. Die riesige Kasse hat Die Legende von Paul geschlagen, und Paula wurde mit einem Vertriebsverbot wegen seiner satirischen Elemente am Anfang bedroht und vermutlich nur eine Ausgabe auf der bloßen Behauptung von Parteigeneralsekretär Erich Honecker erlaubt.

Gegen Ende der 1970er Jahre haben zahlreiche Filmemacher die DDR für den Westen infolge Beschränkungen ihrer Arbeit, unter ihnen Direktor Egon Günther und Schauspieler Angelika Domröse, Eva-Maria Hagen, Katharina Thalbach, Hilmar Thate, Manfred Krug und Armin Mueller-Stahl verlassen. Viele waren Unterzeichner einer 1976-Bitte gewesen, die der Ausbürgerung des sozial kritischen Liedermachers Wolf Biermann entgegensetzt, und hatten ihre Arbeitsfähigkeit infolgedessen einschränken lassen.

In den letzten Jahren der DDR, der Verfügbarkeit des Fernsehens und der Programmierung und Filme auf Fernsehsendungen, die in die DDR über den unkontrollierbaren Äther reichen, wurde die Wichtigkeit der Produktion von DEFA reduziert, obwohl seine ständige Rolle im Produzieren von Shows für den ostdeutschen Fernsehkanal geblieben ist. Im Anschluss an die Wende hatte DEFA Produktion zusammen aufgehört, und sein Studio und Ausrüstung wurden von Treuhand 1992 ausverkauft, aber seine Rechte des geistigen Eigentums wurden dem karitativen DEFA-Stiftung gereicht (DEFA Fundament), der diese Rechte in Verbindung mit einer Reihe von privaten Gesellschaften, besonders schnell privatisierter Progress Film GmbH ausnutzt, die mehrere ostdeutsche Filme mit englischen Untertiteln seit der Mitte der 1990er Jahre ausgegeben hat.

Die 1945-1989 Bundesrepublik Deutschland

1945-1960 Rekonstruktion

Der Beruf und die Rekonstruktion Deutschlands durch die Vier Mächte in der Periode sofort nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs haben eine größere und andauernde Änderung zu den Wirtschaftsbedingungen gebracht, unter denen die Industrie in Deutschland vorher funktioniert hatte. Das Vermögen von Ufa wurde von den Verbündeten beschlagnahmt und, weil ein Teil des Prozesses von decartelisation, Lizenzen, um Filme zu erzeugen, zwischen einer Reihe von viel kleineren Gesellschaften geteilt wurden. Außerdem hat das Beruf-Statut von 1949, der teilweise Unabhängigkeit in die kürzlich geschaffene Bundesrepublik Deutschland gewährt hat, spezifisch der Auferlegung von Importquoten verboten, deutsche Filmproduktion vor der Auslandskonkurrenz, dem Ergebnis des Lobbyismus durch die amerikanische Industrie, wie vertreten, durch den MPAA zu schützen.

Mitten unter der Verwüstung des Stunde Ungültigen Jahres des 1945-Kinos war die Bedienung unüberraschend unten zu einem Bruchteil seiner Kriegshöhen, aber bereits am Ende des Jahrzehnts hatte es Niveaus erreicht, die die Vorkriegsperiode überschritten haben. Zum ersten Mal in vielen Jahren hatten deutsche Zuschauer freien Zugang dem Kino von der ganzen Welt, und in dieser Periode sind die Filme von Charlie Chaplin populär geblieben, wie Melodramen von den Vereinigten Staaten waren. Dennoch ist der Anteil des Filmmarktes für deutsche Filme in dieser Periode und in die 1950er Jahre relativ groß geblieben, ungefähr 40 Prozent des Gesamtmarkts aufnehmend. Amerikanische Filme haben ungefähr 30 Prozent des Marktes aufgenommen trotz, um doppelt so viele Filme im Vertrieb als die deutsche Industrie in demselben Zeitrahmen (Schneider 1990:35, 42 & 44) zu haben.

Viele der deutschen Filme der unmittelbaren Nachkriegsperiode können als gehörend dem Genre von Trümmerfilm (wörtlich "Trümmer-Film") charakterisiert werden. Diese Filme zeigen starke Sympathien mit der Arbeit von italienischem neorealists, nicht zuletzt die neorealist Trilogie von Roberto Rossellini, die Jahr-Null (1948) von Deutschland eingeschlossen hat, und werden in erster Linie mit dem täglichen Leben im verwüsteten Deutschland und einer anfänglichen Reaktion zu den Ereignissen der nazistischen Periode betroffen (dessen volles Entsetzen zuerst von vielen in der Dokumentargesamtlänge von befreiten Konzentrationslagern erfahren wurde). Solche Filme schließen Wolfgang Staudte ein Sterben Mörder sind unter uns (Die Mörder sind unter uns) (1946), der erste Film, der im Nachkriegsdeutschland und dem Liebe von Wolfgang Liebeneiner 47 (Liebe 47) (1949), eine Anpassung des Spieles von Wolfgang Borchert Draußen vor der Tür gemacht ist.

Trotz des Advents eines regelmäßigen Fernsehdienstes in der Bundesrepublik 1952 haben Kino-Bedienungen fortgesetzt, im Laufe vieler der 1950er Jahre zu wachsen, eine Spitze von 817.5 Millionen Besuchen 1956 erreichend. Die Mehrheit der Filme dieser Periode hat begonnen zu tun nicht mehr als unterhalten das Publikum und hatte wenige Vorspiegelungen auf das Künstlertum oder die aktive Verpflichtung mit sozialen Problemen. Das Definieren-Genre der Periode war wohl Heimatfilm ("Heimatsfilm"), in dem moralisch vereinfachte Märchen der Liebe und Familie in einer ländlichen Einstellung, häufig in den Bergen Bayerns, Österreichs oder der Schweiz erschöpft wurden. An ihrem Tag sind Heimatfilms von wenig Interesse wissenschaftlicheren Filmkritikern gewesen, aber in den letzten Jahren sind sie das Thema der Studie in Bezug darauf gewesen, was sie über die Kultur der Bundesrepublik Deutschland in den Jahren von Wirtschaftswunder sagen. Andere für diese Periode typische Filmgenres waren Anpassungen von Operetten, Krankenhaus-Melodramen, Komödien und Musicals. Viele Filme waren Remakes der früheren Produktion von Ufa, die nationalistischen Blut und Charakterzüge von Boden jener Filme der nazistischen Periode geschert ist.

Wiederaufrüstung und die Gründung der Bundeswehr 1955 haben damit eine Welle von Kriegsfilmen gebracht, die dazu geneigt haben, die gewöhnlichen deutschen Soldaten des Zweiten Weltkriegs als tapfer und apolitisch zu zeichnen. Der israelische Historiker Omer Bartov hat geschrieben, dass deutsche Filme der 1950er Jahre dem durchschnittlichen deutschen Soldaten als ein heroisches Opfer gezeigt haben: Edel, zäh, tapfer, achtbar, und patriotisch, während man hart in einem gefühllosen Krieg für ein Regime kämpft, für das er sich nicht gesorgt hat. Die 08/15 Filmtrilogie von 1954-55 Sorgen ein empfindlicher junger deutscher Soldat, wer man eher das Klavier spielt, wer auf der Ostvorderseite kämpft ohne zu verstehen, warum, und keine Erwähnung aus Völkermordaspekten von Deutschlands Krieg im Osten gemacht wird. Das letzte von den 08/15 Filmenden mit von einer Bande von amerikanischen Soldaten besetztem Deutschland hat als das Knallkaugummi-Kauen, die frechen Idioten und die unkultivierten Bauernlümmel, völlig untergeordnet in jeder Hinsicht den heroischen deutschen in den 08/15 Filmen gezeigten Soldaten porträtiert. Die einzige Ausnahme ist der jüdische amerikanische Offizier, der sowohl als hyperintelligent als auch als sehr skrupellos gezeigt wird, der bemerkter Bartov scheint anzudeuten, dass die echte Tragödie des Zweiten Weltkriegs die Nazis war, hat keine Chance bekommen, alle Juden auszurotten, die jetzt mit Deutschlands Misserfolg zurückgekehrt sind, um noch einmal die Deutschen auszunutzen.

In Der Arzt von Stalingrad (1958), sich mit deutschem POWs in der Sowjetunion befassend, werden Deutsche als zivilisierter, human und intelligent porträtiert als die Sowjets, die sind, hat sich größtenteils als Mongole-Wilde gezeigt, die den deutschen POWs brutal behandelt haben. Einer der deutschen POWs verführt erfolgreich den schönen und zähen Roten Armeekapitän Alexandra Kasalniskaya (Eva Bartok), die ihn dem sadistischen Campingkommandanten bevorzugt, der weil Bartov kommentiert, auch wird gemeint, um zu zeigen, dass sogar im Misserfolg deutsche Männer sexueller männlich und stark waren als ihre russischen Kollegen. Darin (Hunde, wollen Sie für immer leben?) 1959, der sich mit dem Kampf von Stalingrad befasst, ist der Fokus auf dem Feiern des Heldentums des deutschen Soldaten in diesem Kampf, die als das tapfere Behaupten gegen überwältigende Verschiedenheit ohne Erwähnung an allem davon gezeigt werden, womit jene Soldaten, nämlich Nationale Sozialistische Ideologie oder der Holocaust kämpften. Diese Periode hat auch mehrere Filme gesehen, die den militärischen Widerstand gegen Hitler gezeichnet haben. In Des Teufels General (der General des Teufels) 1954 hat ein Luftwaffe-General Harras lose modelliert nach Ernst Udet genannt, scheint zuerst, zynischer Dummkopf zu sein, aber erweist sich einem Antinazi, der die deutsche Kriegsanstrengung heimlich sabotiert, indem er fehlerhafte Flugzeuge entwirft. Bartov hat kommentiert, dass in diesem Film das deutsche Offizier-Korps als eine Gruppe von im Wesentlichen edlen und zivilisierten Männern gezeigt wird, die zufällig einem schlechten Regime dienten, das aus einer kleinen Bande von Gangsterish-Einzelgängern zusammengesetzt ist, die die deutsche Gesellschaft völlig unvertretend sind, die gedient hat, um sowohl das Offizier-Korps als auch durch die Erweiterung Gesellschaft von Deutschland zu rechtfertigen. Bartov hat geschrieben, dass kein deutscher Film der 1950er Jahre das tiefe Engagement gezeigt hat, das von vielen deutschen Soldaten zum Nationalsozialismus, die völlige unbarmherzige Weise gefühlt ist, wie die deutsche Armee mit dem Krieg und der unbekümmerten Nihilist-Brutalität späteren Wehrmacht gekämpft hat. Bartov hat geschrieben, dass deutsche Filmemacher gern den heroischen letzten Standplatz der 6. Armee an Stalingrad zeigten, aber niemand hat, bis jetzt hat die massive Zusammenarbeit der 6. Armee mit Einsatzgruppen in der Ermordung sowjetischer Juden 1941 gezeigt.

Die internationale Bedeutung der westdeutschen Filmindustrie der 1950er Jahre konnte nach diesem Frankreichs, Italiens oder Japans nicht mehr gleichziehen. Deutsche Filme wurden nur international selten verteilt, weil sie als provinziell wahrgenommen wurden. Die internationale Co-Produktion der Art, die in Frankreich und Italien üblich wurde, hat dazu geneigt, von deutschen Erzeugern (Schneider 1990:43) zurückgewiesen zu werden. Jedoch haben einige deutsche Filme und Filmemacher wirklich internationale Anerkennung in dieser Zeit, unter ihnen erreicht Bernhard Wicki hat von Oskars berufen Sterben Brücke (Die Brücke) (1959), und die Schauspielerinnen Hildegard Knef und Romy Schneider.

1960-1970 Kino in der Krise

Gegen Ende der 1950er Jahre hat das Wachstum in der Kino-Bedienung des vorhergehenden Jahrzehnts zuerst stagniert und ist dann in freefall im Laufe der 1960er Jahre eingetreten. Vor 1969 war die westdeutsche Kino-Bedienung bei 172.2 Millionen Besuchen pro Jahr weniger als ein Viertel seines 1956 Nachkriegsspitze. Demzufolge dessen sind zahlreiche deutsche Produktions- und Vertriebsgesellschaften aus dem Geschäft in den 1950er Jahren und 1960er Jahren gegangen, und Kinos über die Bundesrepublik haben ihre Türen geschlossen; die Zahl von Schirmen in der Bundesrepublik Deutschland, die fast zwischen dem Anfang und dem Ende des Jahrzehnts halbiert ist.

Am Anfang wurde die Krise als ein Problem der Überproduktion wahrgenommen. Folglich hat die deutsche Filmindustrie Produktion eingeschränkt. 123 deutsches Kino wurde 1955, nur 65 1965 erzeugt. Jedoch liegen die Wurzeln des Problems tiefer im Ändern wirtschaftlicher und sozialer Verhältnisse. Durchschnittliche Einkommen in der Bundesrepublik haben sich scharf erhoben, und das hat alternative Freizeitbeschäftigungen geöffnet, um sich mit dem Kino-Gehen zu bewerben. In dieser Zeit auch entwickelte sich Fernsehen in ein Massenmedium, das sich mit dem Kino bewerben konnte. 1953 gab es nur 1,000,000 Sätze in der Bundesrepublik Deutschland; vor 1962 gab es 7 Millionen (Connor 1990:49) (Hoffman 1990:69).

Die Mehrheit von Filmen, die in der Bundesrepublik in den 1960er Jahren erzeugt sind, war Genre-Arbeiten: Westerns besonders hat sich die Reihe des Kinos aus den populären Genre-Romanen von Karl May angepasst, die Pierre Brice als der Apache Winnetou und Lex Barker als sein weißer Blutsbruder Alter Shatterhand in der Hauptrolle gezeigt haben; Thriller und Verbrechen-Filme, namentlich eine Reihe des Kinos von Edgar Wallace, in dem Klaus Kinski, Heinz Drache, Wolfgang Völz und Joachim Fuchsberger unter den regelmäßigen Spielern waren; und Softsexualfilme, beide relativ ernster Aufklärungsfilme (Sexualerziehungsfilme) Oswalt Kolle und solcher Ausnutzungsfilme als Schulmädchen-Bericht (Schülerin-Bericht) (1970) und seine Nachfolger. Solches Kino war gewerblich erfolgreich und hat häufig internationalen Vertrieb genossen, aber hat wenig Beifall von Kritikern gewonnen.

1960-1980 Neues deutsches Kino

Als eine Reaktion zur künstlerischen und wirtschaftlichen Stagnation des deutschen Kinos hat eine Gruppe von jungen Filmemachern das Oberhausen Manifest am 28. Februar 1962 ausgegeben. Dieser Anruf zu Armen, die Alexander Kluge, Edgar Reitz, Peter Schamoni und Franz Josef Spieker unter seinen Unterzeichnern eingeschlossen haben, hat herausfordernd "Kleinkind von Der alte Film ist erklärt. Wir glauben ein Bastelraum neuen" ("Das alte Kino ist tot. Wir glauben an das neue Kino"). Andere aufstrebende Filmemacher haben sich mit dieser Gruppe von Oberhausen, unter ihnen verbunden Rainer Werner Fassbinder, Volker Schlöndorff, Werner Herzog, Jean-Marie Straub, Wim Wenders, Werner Schroeter und Hans-Jürgen Syberberg in ihrer Verwerfung der vorhandenen deutschen Filmindustrie und ihrem Entschluss, eine neue Industrie zu bauen, die auf der künstlerischen Vorzüglichkeit gegründet ist aber nicht kommerziell ist, diktieren.

Trotz des Fundaments des Kuratorium Junger Deutscher Films (Junges deutsches Filmkomitee) 1965, aufgestellt unter der Schirmherrschaft vom Bundesinnenministerium, um neue deutsche Filme finanziell zu unterstützen, waren die Direktoren dieses Neuen deutschen Kinos, die Zusammenarbeit mit der vorhandenen Filmindustrie zurückgewiesen haben, folglich häufig vom Geld vom Fernsehen abhängig. Junge Filmemacher hatten die Gelegenheit, ihren Eifer in solchen Programmen wie das eigenständige Drama und die Dokumentarreihe Das kleine Fernsehspiel (Das Wenige Fernsehspiel) oder die Fernsehfilme der Verbrechen-Reihe Tatort zu prüfen. Jedoch haben die Fernsehsprecher Fernsehpremieren für die Filme gesucht, die sie finanziell mit theatralischem showings unterstützt hatten, der nur später vorkommt. Demzufolge haben solche Filme dazu geneigt, an der Kasse erfolglos zu sein.

Diese Situation hat sich nach 1974 geändert, als der Film-Fernseh-Abkommen (Film und Fernsehübereinstimmung) zwischen den Hauptfernsehsprechern der Bundesrepublik, ARD und ZDF und dem deutschen Bundesfilmausschuss (eine 1968 geschaffene Regierungsbehörde abgestimmt wurde, um Filmherstellung in Deutschland zu unterstützen). Diese Übereinstimmung, die bis dato wiederholt erweitert worden ist, sorgt für die Fernsehgesellschaften, um verfügbar eine jährliche Summe zu machen, um die Produktion von Filmen zu unterstützen, die sowohl für den Theatervertrieb als auch für die Fernsehpräsentation passend sind. (Der Betrag des von den öffentlichen Fernsehsprechern zur Verfügung gestellten Geldes hat sich zwischen 4.5 und 12.94 Millionen Euro pro Jahr geändert). In Form von der Übereinstimmung kann das erzeugte Verwenden von Filmen dieses Kapitals nur im Fernsehen 24 Monate nach ihrer Theaterausgabe geschirmt werden. Sie können auf dem Video oder der DVD nicht eher als sechs Monate nach der Kino-Ausgabe erscheinen. Infolge des durch den Film-Fernseh-Abkommen zur Verfügung gestellten Kapitals haben deutsche Filme, besonders diejenigen des Neuen deutschen Kinos, eine viel größere Gelegenheit gewonnen, Kassenschlager zu genießen, bevor sie im Fernsehen (Blaney 1992:204) gespielt haben.

Die künstlerisch ehrgeizigen und sozial kritischen Filme des Neuen deutschen Kinos haben sich gemüht, sich davon zu skizzieren, was gegangen war, vorher und die Arbeiten von auteur Filmemachern wie Kluge und Fassbinder sind Beispiele davon, obwohl Fassbinder in seinem Gebrauch von Sternen von der deutschen Kino-Geschichte auch eine Versöhnung zwischen dem neuen Kino und dem alten gesucht hat. Außerdem wird ein Unterschied manchmal zwischen dem avantgardistischen "Jungen deutschen Kino" der 1960er Jahre und dem zugänglicheren "Neuen deutschen Kino" der 1970er Jahre gemacht. Für ihre Einflüsse hat die neue Generation von Filmemachern auf italienischen neorealism, das französische Nouvelle Vage und die britische Neue Welle geachtet, aber hat das eklektisch mit Verweisungen auf die festen Genres des Kinos von Hollywood verbunden.

Die neue Bewegung hat deutsches Kino gesehen zur internationalen kritischen Bedeutung zum ersten Mal seit dem Ende der Weimarer Republik zurückkehren. Filme wie der Abschied von Gestern von Kluge (1966), Aguirre von Herzog, der Zorn des Gottes (1972), Isst die Angst von Fassbinder die Seele (1974) und Die Ehe von Maria Braun (1979), und das Paris von Wenders, Texas (1984) hat internationalen Beifall und kritische Billigung gefunden. Häufig wurde die Arbeit dieser auteurs zuerst auswärts aber nicht in Deutschland selbst erkannt. Die Arbeit von führenden Romanschriftstellern des Nachkriegsdeutschlands Heinrich Böll und Günter Grass hat Quellmaterial für die Anpassungen Die Verlorene Ehre von Katharina Blum (1975) (durch Schlöndorff und Margarethe von Trotta) und Die Zinntrommel (1979) (durch Schlöndorff allein) beziehungsweise, das letzte Werden der erste deutsche Film zur Verfügung gestellt, um den Oscar für den Besten fremdsprachigen Film zu gewinnen. Das Neue deutsche Kino hat auch weibliche Direktoren berücksichtigt, um hervorzutreten, und für die Entwicklung eines feministischen Kinos, das die Arbeiten von Direktoren wie Margarethe von Trotta, Helma Sanders-Brahms, Helke Sander und Cristina Perincioli umfasst hat.

1980-1989

Einige seiner Ziele, unter ihnen erreicht, die die Errichtung der Zustandfinanzierung für die Filmindustrie und erneuerte internationale Anerkennung für deutsche Filme, das Neue deutsche Kino begonnen hatte, Zeichen der Erschöpfung vor den 1980er Jahren zu zeigen, wenn auch viele seiner Befürworter fortgesetzt haben, individuellen Erfolg zu genießen. Außerdem ist die "ästhetische linke" Natur des Neuen deutschen Kinos (in den Wörtern des Kritikers Enno Patalas) nicht mehr mit dem Geist der Zeiten zusammengefallen.

Unter den kommerziellen Erfolgen für deutsche Filme der 1980er Jahre waren die Filmreihe von Otto, die 1985 beginnt, Komiker Otto Waalkes, die Anpassung von Wolfgang Petersen Der Geschichte von NeverEnding (1984), und der international erfolgreiche Das Boot (1981) in der Hauptrolle zeigend, der noch die Aufzeichnung für die meisten Oscar-Nominierungen für einen deutschen Film (sechs) hält. Andere bemerkenswerte Filmemacher, die zur Bekanntheit in den 1980er Jahren gekommen sind, schließen Erzeuger Bernd Eichinger und Direktoren Doris Dörrie, Uli Edel und Loriot ein.

Weg von der Hauptströmung, dem bespritzen Filmregisseur Jörg Buttgereit, dem experimentellen Filmregisseur Werner Nekes und dem herausfordernden Christoph Schlingensief sind alle zur Bekanntheit in den 1980er Jahren gekommen. Die Entwicklung von arthouse Kinos (Programmkinos) von den 1970er Jahren hat vorwärts einen Treffpunkt für die Arbeiten von weniger Hauptströmungsfilmemachern zur Verfügung gestellt.

Dieser Anstieg des unterirdischen Kinos ist mit Deutschlands Woge-Rauschgift-Kultur zusammengefallen und hat Pracht-Klubs verbunden, die zur Entwicklung von vielem Subkultur-Kino wie September ein Film in der eitlen von der Schmiere (London 1968) führen. Die verbundene Pracht-Szene, die dieses Genre geholfen hat zu erzeugen, hatte Hauptimplikationen für das Kunsthauskino, das aus Deutschland seit den nächsten zwanzig Jahren kommen sollte.

Von der Mitte der 1980er Jahre haben die Ausbreitung von Videokassettenrekorders und die Ankunft von privaten Fernsehkanälen wie RTL-Fernsehen neue Konkurrenz für den Theaterfilmvertrieb zur Verfügung gestellt. Kino-Bedienung, sich ein bisschen gegen Ende der 1970er Jahre nach einem aller Zeiten niedrig 115.1 Millionen Besuche 1976 gesammelt, ist scharf wieder von der Mitte der 1980er Jahre gefallen, um bei gerade 101.6 Millionen Besuchen 1989 zu enden. Jedoch hat die Verfügbarkeit eines Zurückkatalogs von Filmen auf dem Video auch eine verschiedene Beziehung zwischen dem Zuschauer und einem individuellen Film berücksichtigt, während private Fernsehkanäle neues Geld in die Filmindustrie gebracht haben und eine Abschussrampe zur Verfügung gestellt haben, von der neues Talent später in Film umziehen konnte.

1990-2010 Modernes Zeitalter

Heutige größte Erzeuger schließen Bayerischen Film, Film von Constantin, Studio Hamburg und UFA ein. Neue Filmausgaben wie Run Lola Run durch Tom Tykwer, Auf Wiedersehen Lenin! durch Wolfgang Becker, Frontal durch den Fatih Verwandt, und Untergang durch Oliver Hirschbiegel haben wohl geschafft, die herausfordernde und innovative Natur der 1970er Jahre Neues deutsches Kino wiederzuerlangen. Mehrere moderne deutsche Filme wie Untergang, Sophie Scholl - Die Letzten Tage, Die Leben von Anderen und Den Fälschern richten die Natur des Totalitarismus im 20. Jahrhundert Deutschland.

Abgesondert von den internationalen Ausgaben haben mehrere vertraute deutsche Filme kritischen Erfolg in Frankreich genossen, wo der Begriff Nouvelle Vager Allemande auf die kleinere Produktion angewandt worden ist, die größtenteils aus Berlin kommt. Ein Kreis von Direktoren des Eindringens, realistischen Studien von Beziehungen und Charakteren setzt informell die "Berliner Schule" der Filmherstellung ein. Unter jenen Direktoren sind Christian Petzold, Thomas Arslan, Valeska Grisebach, Christoph Hochhäusler, Benjamin Heisenberg, Henner Winckler und Angela Schanelec.

Andere bemerkenswerte Direktoren, die in Deutsch zurzeit arbeiten, schließen Sönke Wortmann, Verbindung von Caroline (Sieger eines Oscars), Romuald Karmakar, Harun Farocki, Hans-Christian Schmid, Andreas Dresen, Ulrich Köhler, Ulrich Seidl, und Sebastian Schipper, sowie Komödie-Direktoren Michael Herbig und Sven Unterwaldt ein.

Deutschland hat kürzlich einen Zulauf von unabhängigen und unterirdischen Filmen erfahren (größtenteils dem Entsetzen-Genre gehörend). Direktoren in diesem populären Kreis schließen Andreas Schnaas, Olaf Ittenbach, Jorg Buttgereit, Timo Rose und Daryush Shokof mit einigen hoch ursprünglichen Arbeiten ein, die mit seinen Sieben Dienern beginnen.

Das neue Jahrzehnt hat auch ein Wiederaufleben der deutschen Filmindustrie, mit Filmen des größeren Budgets und gutem Umsatz an der deutschen Kasse gesehen.

Deutsche Produktionsgesellschaften sind an der teuren französischen und italienischen Produktion von Italowesterns bis französische Anpassungen des komischen Buches ganz allgemein beteiligt worden. In den letzten Jahren sind deutsche Produktionsinteressen auch sehr beteiligt mit dem amerikanischen Fernsehen und der Filmproduktion geworden, um zu helfen, die Kosten solcher Produktion, wie gezeigt, durch die Firmenkredite in bestimmten Filmen und TV-Shows auszugleichen.

Deutschland hat eine lange Zusammenarbeit mit der schwedischen Filmindustrie, die schon in während der 1960er Jahre angefangen hat. Deutsche Filmindustrie ist in erster Linie an schwedischen Filmen wirtschaftlich beteiligt worden, aber begibt sich ins künstlerische Produkt nicht. Jedoch haben einige deutsche Schauspieler kleine Teile in schwedischen Filmen gehabt, und einige schwedische Schauspieler haben kleine Teile in deutschen Filmen gehabt. Die Zusammenarbeit ist stärker während des Endes der 1990er Jahre geworden.

Deutsche Filmakademie

Der Deutsche Filmakademie wurde 2003 in Berlin gegründet und hat zum Ziel, geborenen Filmemachern ein Forum für die Diskussion und eine Weise zur Verfügung zu stellen, den Ruf des deutschen Kinos durch Veröffentlichungen, Präsentationen, Diskussionen und regelmäßige Promotion des Themas in den Schulen zu fördern.

Preise

Seit 2005 werden die Sieger von Deutscher Filmpreis, auch bekannt als Lolas von den Mitgliedern des Deutsche Filmakademie gewählt. Mit einem Kassenpreis von drei Millionen Euro ist es der am höchsten gestiftete deutsche kulturelle Preis.

Deutscher Bundesfilmfonds

Der von governmantal Behörden zur Verfügung gestellte Hauptproduktionsansporn ist der deutsche Bundesfilmfonds (DFFF). Der DFFF ist eine Bewilligung, die vom deutschen Bundesbeauftragten für die Kultur und die Medien gegeben ist. Um die Bewilligung zu erhalten, muss ein Erzeuger verschiedene Voraussetzungen einschließlich eines kulturellen Eignungstests erfüllen. Die Fonds-Angebote 60 Millionen Euro pro Jahr, um Erzeuger und oder Co-Erzeuger und Bewilligungen zu filmen, können sich auf bis zu 20 % der genehmigten deutschen Produktionskosten belaufen. Mindestens 25 % die Produktionskosten müssen in Deutschland, oder nur 20 % ausgegeben werden, wenn die Produktionskosten höher sind als 20 Millionen Euro. Der DFFF ist 2007 gegründet worden und hat Projekte in allen Kategorien und Genres unterstützt.

Berlinale

Berlin, das Internationale Filmfestspiele auch Berlinale genannt haben, ist einer der Hauptfilmfestspiele in der Welt und achtbarsten Mediaereignisse. Es wird in Berlin, Deutschland gehalten. Gegründet in Westberlin 1951 ist das Fest jährlich im Februar seit 1978 gefeiert worden. Mit 274,000 Karten verkauft und 487,000 Bekenntnisse wird es als die größten öffentlich beigewohnten Filmfestspiele weltweit betrachtet. Bis zu 400 Filme werden in mehreren Abteilungen gezeigt, eine umfassende Reihe der filmischen Welt vertretend. Ungefähr zwanzig Filme bewerben sich um die Preise genannt die Goldenen und Silbernen Bären. Seit 2001 ist der Direktor des Festes Dieter Kosslick gewesen.

Filmschulen

Mehrere Institute, sowohl Regierung geführt als auch privat, stellen formelle Ausbildung in verschiedenen Aspekten der Filmherstellung zur Verfügung.

• Deutsche Film - und Fernsehakademie Berlin (dffb) Berlin
• Filmakademie Baden-Wuerttemberg, Ludwigsburg
• das internationale filmschool Köln, Köln
• Hochschule für Film von Fernsehen und München, München
• Film von Hochschule für und Fernsehen "Konrad Wolf", Potsdam

Siehe auch

• Europäische Filmakademie
• Kino der Welt
• Geschichte des Kinos
• Kammerspielfilm
• Liste des Filmsatzes in Berlin
• Deutsches unterirdisches Entsetzen
• Weltkino

Literatur

• Blaney, 1992-Symbiose von Martin oder Konfrontation? Bonn
• Hoffman, 1990-Am von Kay Ende Video - Video sind Ende? Berlin
• Kracauer, Siegfried. 2004 RE.. Princeton: Univ. der Presse von Princeton. Internationale Standardbuchnummer 0-691-11519-2
• Schneider, 1990-Film von Irmela, Fernsehen & Co Heidelberg.
• Fay, Jennifer. 2008. Theater des Berufs: Hollywood und die Umschulung des Nachkriegsdeutschlands. Minneapolis: Univ. der Presse von Minnesota. Internationale Standardbuchnummer 978-0-8166-4745-3

Links

• Deutsche Filmgeschichte
• Bayerischer deutscher Filmfilm & Fernseherzeuger Bayerner Film
• Lebensbeschreibungen und Autogramme des frühen deutschen Filmzeitalters
• Webportal auf dem deutschen Film des Goethe-Institut - Artikel und Nachrichten auf deutschen Filmemachern, Kino, Feste
• 7 Thought Provoking German Films Ein Blick auf das nachdenkliche moderne deutsche Kino