Ein stiller Film ist ein Film ohne synchronisierten registrierten Ton besonders ohne gesprochenen Dialog. In stillen Filmen für die Unterhaltung wird der Dialog durch gedämpfte Gesten, Pantomime und Titelkarten übersandt. Die Idee, Filme mit dem registrierten Ton zu verbinden, ist fast so alt wie Film selbst, aber wegen der technischen Herausforderungen wurde beteiligter, synchronisierter Dialog nur praktisch gegen Ende der 1920er Jahre mit der Vollkommenheit der Audion-Verstärker-Tube und der Einführung des Systems von Vitaphone gemacht. Nach der Ausgabe Des Jazzsängers 1927 sind "Tonfilme" immer mehr gewöhnlich geworden. Innerhalb eines Jahrzehnts hatte die populäre weit verbreitete Produktion von stillen Filmen aufgehört.

Elemente (1894 - 1929)

Der erste geplante primäre Proto-Film wurde von Eadweard Muybridge eine Zeit zwischen 1877 und 1880 gemacht. Der erste Bericht-Film wurde vom Prinzen von Louis Le 1888 geschaffen. Es war ein zwei Sekunde Film von Leuten, die im Eichenholz-Straßengarten, betitelter Roundhay Garten-Szene spazieren gehen. Die Kunst von Filmen ist in volle Reife im "stillen Zeitalter" (1894-1929) hineingewachsen, bevor stille Filme "die Unterhaltung von Bildern" gegen Ende der 1920er Jahre ersetzt wurden. Viele Filmgelehrte und Kenner behaupten, dass die ästhetische Qualität des Kinos seit mehreren Jahren bis zu Direktoren, Schauspielern und an die neuen "Tonfilme" angepasstem Produktionspersonal abgenommen hat.

Die Sehqualität des stillen Kinos — besonders derjenigen, die in den 1920er Jahren erzeugt sind — war häufig hoch. Jedoch gibt es eine weit gehaltene falsche Auffassung, dass diese Filme primitiv waren und kaum watchable nach modernen Standards. Diese falsche Auffassung kommt infolge stiller Filme, die mit der falschen Geschwindigkeit und ihrer verschlechterten Bedingung abspielen werden. Viele stille Filme bestehen nur im zweiten - oder der dritten Generation Kopien, die häufig von bereits dem beschädigten und verwahrlosten Rohfilm kopiert sind.

Außerdem können viele Drucke unter Zensur-Kürzungen leiden, hinauslaufend, was scheint, das schlechte Redigieren zu sein.

Zwischentitel

Als in der Länge schließlich vergrößerte Filme war ein Ersatz für den innerbetrieblichen Dolmetscher erforderlich, der Teile des Films erklären würde. Weil stille Filme keinen synchronisierten Ton für den Dialog hatten, onscreen Zwischentitel wurden verwendet, um Geschichte-Punkte, gegenwärtigen Schlüsseldialog zu erzählen und manchmal sogar sich über die Handlung für das Kino-Publikum zu äußern. Der Titelschriftsteller ist ein Schlüsselfachmann im stillen Film geworden und war häufig vom Drehbuchautor getrennt, wer die Geschichte geschaffen hat. Zwischentitel (oder Titel, wie sie allgemein zurzeit genannt wurden) sind häufig grafische Elemente selbst geworden, Illustrationen oder abstrakte Dekoration zeigend, die sich über die Handlung geäußert hat.

Lebende Musik und Ton

Showings von stillen Filmen hat fast immer lebende Musik gezeigt, mit dem Pianisten beim ersten öffentlichen Vorsprung des Kinos durch Lumière Brothers am 28. Dezember 1895 in Paris anfangend. Vom Anfang wurde Musik als notwendig anerkannt, zur Atmosphäre beitragend und dem Publikum emotionale Lebensstichwörter gebend. (Musiker haben manchmal auf Drehorten während des Schießens aus ähnlichen Gründen gespielt.) Kleine städtisch- und Nachbarschaft-Filmtheater hatten gewöhnlich einen Pianisten. Mitte der 1910er Jahre beginnend, haben Theater der Großstadt dazu geneigt, Organisten oder Ensembles von Musikern zu haben. Massive Theaterorgane wurden entworfen, um eine Lücke zwischen einem einfachen Klavier-Solisten und einem größeren Orchester zu schließen. Theater-Organe hatten eine breite Reihe von speziellen Effekten; Theaterorgane wie der berühmte "Mächtige Wurlitzer" konnten einige Orchestertöne zusammen mit mehreren Schlagzeug-Effekten wie Basstrommeln und Becken und Geräuscheffekte im Intervall von galoppierenden Pferden zum rollenden Donner vortäuschen.

Filmhunderte für frühe stille Filme wurden entweder improvisiert oder von der klassischen oder theatralischen Repertoire-Musik kompiliert. Sobald volle Eigenschaften gewöhnlich jedoch geworden sind, wurde Musik aus der Photospiel-Musik vom Pianisten, Organisten, Orchester-Leiter oder dem Filmstudio selbst kompiliert, das eine Stichwort-Platte mit dem Film eingeschlossen hat. Diese Platten waren häufig, mit ausführlichen Zeichen über Effekten und Stimmungen lang, dafür zuzusehen. Als es mit der größtenteils ursprünglichen Kerbe angefangen hat, die von Joseph Carl Breil für das groundbreaking Epos von D. W. Griffith Die Geburt einer Nation (die USA, 1915) zusammengesetzt ist, ist es relativ für die am größten vorgesehenen Filme üblich geworden, um das ausstellende Theater mit dem ursprünglichen, besonders gelassenen Hunderten zu erreichen. Jedoch wurden die ersten benannten vollen geblasenen Hunderte früher, 1908, von Camille Saint-Saëns, für Den Mord des Herzogs der Gestalt, und von Michail Ippolitov-Ivanov für Stenka Razin zusammengesetzt.

Als Organisten oder Pianisten Notenblätter verwendet haben, könnten sie noch Improvisatory-Schwenken hinzufügen, um das Drama auf dem Schirm zu erhöhen. Selbst wenn spezielle Effekten in der Kerbe nicht angezeigt wurden, wenn ein Organist ein Theaterorgan spielen würde, das zu einem ungewöhnlichen Geräuscheffekt, solcher als "galoppierende Pferde" Wirkung fähig ist, würde sie für den dramatischen verwendet zu Pferd jagt nach.

Durch die Höhe des stillen Zeitalters war Kino die einzelne größte Quelle der Beschäftigung für instrumentale Musiker (mindestens in Amerika). Aber die Einführung von Tonfilmen, die gleichzeitig mit dem Anfall der Weltwirtschaftskrise geschehen sind, war vielen Musikern verheerend.

Einige Länder haben andere Weisen ausgedacht, Ton zu stillen Filmen zu bringen. Das frühe Kino Brasiliens hat fitas Kantaten gezeigt: Gefilmte Operetten mit Sängern, die hinter dem Schirm leisten. In Japan hatten Filme nicht nur lebende Musik sondern auch den benshi, ein lebender Erzähler, der Kommentar und Charakter-Stimmen zur Verfügung gestellt hat. Der benshi ist ein Hauptelement im japanischen Film, sowie der Versorgungsübersetzung für das ausländische (größtenteils amerikanische) Kino geworden. Die Beliebtheit des benshi war ein Grund, warum stille Filme gut in die 1930er Jahre in Japan angedauert haben.

Wenige Filmhunderte überleben intakt von dieser Periode, und Musikwissenschaftler stellen sich noch durch Fragen, wenn sie versuchen, diejenigen genau wieder aufzubauen, die bleiben. Hunderte können als ganze Rekonstruktionen von gelassenen Hunderten bemerkenswert sein, haben kürzlich für die Gelegenheit gedichtet, die von bereits vorhandenen Musik-Bibliotheken gesammelt ist, oder haben sogar improvisiert.

Das Interesse am Zählen von stillen Filmen ist etwas unmodern während der 1960er Jahre und der 1970er Jahre gefallen. Es gab einen Glauben an viele Universitätsfilmprogramme und Repertoire-Kinos, dass Zuschauer stillen Film als ein reines Sehmedium erfahren sollten, das vor der Musik unwahnsinnig ist. Dieser Glaube kann durch die schlechte Qualität der auf vielen stillen Filmnachdrücken der Zeit gefundenen Musik-Spuren gefördert worden sein. Mehr kürzlich hat es ein Wiederaufleben von Interesse im Bieten stillen Filmen mit Qualitätsmusical-Hunderten, entweder Überarbeiten von Periode-Hunderten oder Stichwort-Platten oder Zusammensetzung von passenden ursprünglichen Hunderten gegeben. Ein Wasserscheide-Ereignis in diesem Zusammenhang war die 1980-Wiederherstellung von Kevin Brownlow von Napoléon von Abel Gance (1927), eine Kerbe durch Carl Davis zeigend. Die Wiederherstellung von Brownlow wurde später in Amerika verteilt, das neu herausgegeben und von Francis Ford Coppola mit einer lebenden von seinem Vater Carmine Coppola zusammengesetzten Orchesterkerbe verkürzt ist.

1984 war eine Wiederherstellung der Metropole (1927) mit der neuen Kerbe durch den Produktions-Komponisten Giorgio Moroder ein anderer Wendepunkt im modern-tägigen Interesse an stillen Filmen. Obwohl die zeitgenössische Kerbe, die Schlager durch Freddy Mercury von Königin, Pat Benatar und Jon Anderson von Ja eingeschlossen hat, umstritten war, war die Tür für eine neue Annäherung an die Präsentation von klassischen "stillen" Filmen geöffnet worden. Einer der wenigen Schauspieler des stillen Zeitalters noch aktiv war im 21. Jahrhundert holländisch-deutscher Filmstar Johannes Heesters (1903-2011).

Musik-Ensembles führen zurzeit traditionelle und zeitgenössische Hunderte für stille Filme durch. Lieferanten der traditionellen Annäherung schließen Organisten und Pianisten wie Dennis James, Schober-Freund, Chris Elliott, Dennis Scott, Clark Wilson und Jim Riggs ein. Orchesterleiter wie Gillian B. Anderson, Carl Davis, Carl Daehler und Robert Israel haben geschrieben und Hunderte für zahlreiche stille Filme kompiliert. Zusätzlich zum Bestehen neuer Filmhunderte hat Timothy Brock viele Hunderte von Charlie Chaplin wieder hergestellt.

Zeitgenössische Musik-Ensembles helfen, klassische stille Filme in ein breiteres Publikum durch eine breite Reihe von Musikstilen und Annäherungen einzuführen. Einige Darsteller schaffen neue Zusammensetzungen mit traditionellen Musikinstrumenten, während andere elektronische Töne, moderne Harmonien, Rhythmen, Improvisation und gesunde Designelemente hinzufügen, um den Film zu erhöhen, Erfahrung beobachtend. Unter den zeitgenössischen Ensembles in dieser Kategorie sind Legierungsorchester, Klub-Fußorchester, Stilles Orchester, Mont Altstimme-Film-Orchester und Das Haspel-Musik-Ensemble. Legierungsorchester, das begonnen hat, 1990 zu leisten, ist unter der ersten von der neuen Welle von stillen Filmmusik-Ensembles.

Stellvertretende Techniken

Stille Filmschauspieler haben Körpersprache und Gesichtsausdruck betont, so dass das Publikum besser verstehen konnte, was ein Schauspieler fühlte und auf dem Schirm porträtierte. Viel stiller stellvertretender Film ist passend, modern-tägige Zuschauer als vereinfacht oder übertrieben zu schlagen. Der melodramatische stellvertretende Stil war in einigen Fällen eine Gewohnheit von ihrer ehemaligen Bühne-Erfahrung übertragene Schauspieler. Die Durchdringen-Anwesenheit von Bühne-Schauspielern im Film war die Ursache dieses Ausbruchs von Direktor Marshall Neilan 1917: "Je eher die Bühne-Leute, die in Bilder eingetreten sind, desto besser für die Bilder herauskommen." In anderen Fällen haben Direktoren wie John Griffith Wray verlangt, dass ihre Schauspieler als Leben größere Ausdrücke für die Betonung geliefert haben. Schon in 1914 hatten amerikanische Zuschauer begonnen, bekannt ihre Vorliebe für die größere Natürlichkeit auf dem Schirm zu machen.

Jedenfalls haben die große Bildgröße und beispiellose Intimität der mit dem Publikum genossene Schauspieler begonnen, stellvertretenden Stil zu betreffen, für mehr Subtilität des Ausdrucks machend. Schauspielerinnen wie Mary Pickford in allen ihren Filmen, Eleonora Duse im italienischen Film Cenere (1916), Janet Gaynor im Sonnenaufgang, Priscilla Dean in der Außenseite der Weiße und Gesetztiger, und Lillian Gish und Greta Garbo in den meisten ihrer Leistungen haben Selbstbeherrschung und leichten Naturalismus im Handeln eines Vorteils gemacht. Direktoren wie Albert Capellani (ein französischer Direktor, der auch in Amerika gearbeitet hat, das Filme von Alla Nazimova leitet) und Maurice Tourneur haben auf Naturalismus in ihren Filmen beharrt. Tourneur war gerade solch ein Minimalist in seiner vorherigen Bühne-Produktion gewesen. Durch die Mitte der 1920er Jahre hatten viele amerikanische stille Filme einen naturalistischeren stellvertretenden Stil angenommen, obwohl nicht alle Schauspieler und Direktoren das naturalistische, gedämpfte Handeln sofort akzeptiert haben; erst wurden 1927, Filme, die expressionistische stellvertretende Stile wie Metropole zeigen, noch veröffentlicht. Einige Zuschauer haben das extravagante Handeln für seinen Flucht-Wert gemocht, und einige Länder waren später als die Vereinigten Staaten im Umfassen naturalistischen Stils in ihren Filmen. Gerade als heute hat ein Erfolg eines Films von der Einstellung, der Stimmung, der Schrift, den Sachkenntnissen des Direktors und dem gesamten Talent des Wurfs abgehangen.

Vorsprung-Geschwindigkeit

Bis zur Standardisierung der Vorsprung-Geschwindigkeit von 24 Rahmen pro Sekunde (fps) für gesunde Filme zwischen 1926 und 1930 wurden stille Filme mit variablen Geschwindigkeiten (oder "Rahmenraten") überall von 12 bis 26 fps, abhängig vom Jahr und Studio gedreht. "Stille Standardfilmempfindlichkeit" wird häufig gesagt, 16 fps infolge der Brüder von Lumière Cinematographé, aber Industriepraxis geändert beträchtlich zu sein; es gab keinen wirklichen Standard. Kameramänner des Zeitalters haben darauf bestanden, dass ihre Kröpfen-Technik genau 16 fps war, aber die moderne Überprüfung der Filme zeigt das, um irrtümlicherweise zu sein, den sie häufig schneller gekröpft haben. Wenn sorgfältig nicht gezeigt, mit ihren beabsichtigten Geschwindigkeiten können stille Filme unnatürlich schnell scheinen. Jedoch waren einige Szenen absichtlich undercranked während des Schießens, um die Handlung — besonders für Komödien und Handlungsfilme zu beschleunigen.

Der langsame Vorsprung eines Zellulose-Nitrat-Grundfilms hat eine Gefahr des Feuers getragen, weil jeder Rahmen seit einer längeren Zeit zur intensiven Hitze der Vorsprung-Lampe ausgestellt wurde; aber es gab andere Gründe, einen Film mit einem größeren Schritt zu planen. Häufig haben Operateure allgemeine Instruktionen von den Verteilern auf der Stichwort-Platte des Musikdirektors betreffs erhalten, wie schnell besondere Haspeln oder Szenen geplant werden sollten. In seltenen Beispielen, gewöhnlich für die größere Produktion, haben Stichwort-Platten spezifisch für den Operateur einem ausführlichen Handbuch zum Präsentieren des Films zur Verfügung gestellt. Theater auch — um Gewinn zu maximieren — haben manchmal Vorsprung-Geschwindigkeiten abhängig von der Zeit des Tages oder Beliebtheit eines Films geändert, und einen Film einen vorgeschriebenen Zeitschlitz einzubauen.

Durch das Verwenden von Kinoprojektoren mit dem Doppel- und Verschlüsse der dreifachen Klinge wurde die geplante Rate zwei oder dreimal höher multipliziert als die Zahl von Filmrahmen — jeder Rahmen wurde zwei- oder dreimal auf dem Schirm aufblitzen lassen. Frühe Studien durch Thomas Edison haben beschlossen, dass jede Rate unter 46 Images pro Sekunde "das Auge spannen wird." Ein Drei-Klingen-Verschluss, der einen 16 fps Film plant, würde dieses Zeichen ein bisschen übertreffen, dem Publikum 48 Images pro Sekunde gebend. Eine 35-Mm-Filmrahmenrate von 24 fps übersetzt zu einer Filmempfindlichkeit pro Sekunde. Eine Haspel verlangt, dass 11 Minuten und 7 Sekunden an 24 fps geplant werden, während ein 16 fps Vorsprung derselben Haspel 16 Minuten und 40 Sekunden nehmen würde; pro Sekunde.

In den 1950er Jahren können viele telecine Konvertierungen von stillen Filmen an äußerst falschen Rahmenquoten für das Sendungsfernsehen Zuschauer entfremdet haben. Filmempfindlichkeit ist häufig ein ärgerliches Problem unter Gelehrten und Filmkennern in der Präsentation von silents heute besonders, wenn es zu DVD-Ausgaben von wieder hergestellten Filmen kommt; die 2002-Wiederherstellung der Metropole (Deutschland, 1927) kann das am wildesten diskutierte Beispiel sein.

Leicht zu färben

Mit dem Mangel an der Naturfarbe, die verfügbar in einer Prozession geht, wurden Filme des stillen Zeitalters oft in Färbemittel getaucht und haben verschiedene Schatten und Farbtöne gefärbt, um einer Stimmung Zeichen zu geben oder eine Zeit des Tages zu vertreten. Blaue vertretene Nachtszenen, gelber oder beabsichtigter Bernsteintag. Rotes vertretenes Feuer und grün hat eine mysteriöse Atmosphäre vertreten. Ähnlich das Harmonieren des Films (wie die allgemeine stille Filmgeneralisation des Abtönens der Sepia) mit speziellen Lösungen hat die Silberpartikeln im Rohfilm mit Salzen oder Färbemitteln von verschiedenen Farben ersetzt. Eine Kombination davon, leicht zu färben, und dem Harmonieren konnte als eine Wirkung verwendet werden, die schlagen konnte.

Einige Filme, waren wie Annabelle Serpentine Dance (1894), vom Studio von Edison mit der Hand leicht gefärbt. Darin wird Annabelle Whitford, ein junger Tänzer von Broadway, in weiße Schleier angekleidet, die scheinen, Farben zu ändern, weil sie tanzt. Hand, die sich färbt, wurde häufig im frühen "Trick" und den Fantasie-Filmen Europas, besonders diejenigen von Georges Méliès verwendet.

Am Anfang der 1910er Jahre, mit dem Anfall von abendfüllenden Filmen, leicht zu färben, wurde als ein anderer Stimmungssetter verwendet, genauso gewöhnlich wie Musik. Der Direktor D. W. Griffith hat ein unveränderliches Interesse und Sorge über die Farbe gezeigt und hat verwendet als eine spezielle Wirkung in vielen seiner Filme leicht zu färben. Sein 1915-Epos, Die Geburt einer Nation, hat mehrere Farben, einschließlich des Bernstein-, Blaus, Lavendels und einer bemerkenswerten roten Tönung für Szenen wie das "Brennen Atlantas" und die Fahrt des Ku-Klux-Klans am Höhepunkt des Bildes verwendet. Griffith hat später ein Farbensystem erfunden, in dem gefärbt Lichter auf Gebieten des Schirms geblinkt hat, um eine Farbenwirkung zu erreichen.

Stille brutto verdienende Spitzenfilme in den Vereinigten Staaten

Der folgende ist die stillen Filme vom stillen Filmzeitalter, das das höchste grobe Einkommen in der Filmgeschichte verdient hat. Die Dollarbeträge werden für die Inflation nicht angepasst.

1. Die Geburt einer Nation (1915) - 10,000,000 $
2. Die große Parade (1925) - 6,400,000 $
3. Ben-Hur (1925) - 5,500,000 $
4. Weg unten Osten (1920) - 5,000,000 $
5. Der Goldsturm (1925) - 4,250,000 $
6. Die vier Reiter der Apokalypse (1921) - 4,000,000 $
7. Der Zirkus (1928) - 3,800,000 $
8. Der bedeckte Wagen (1923) - 3,800,000 $
9. Der Bucklige der Notre Dame (1923) - 3,500,000 $
10. Die zehn Gebote (1923) - 3,400,000 $
11. Waisen des Sturms (1921) - 3,000,000 $
12. Für den Sake des Himmels (1926) - 2,600,000 $
13. Der siebente Himmel (1926) - 2,400,000 $
14. Das Irisch von Abie hat sich (1928) - 1,500,000 $ erhoben

Während des gesunden Zeitalters

Übergang

Obwohl Versuche, synchronisiert-gesunde Filme zu schaffen, zum Laboratorium von Edison 1896 zurückgehen, ist die Technologie gut entwickelt nur am Anfang der 1920er Jahre geworden. Die nächsten paar Jahre haben eine Rasse gesehen, um mehreren konkurrierenden Ton auf der Scheibe und Ton-Formate des Tons auf dem Film, wie Photokinema (1921), Phonofilm (1923), Vitaphone (1926), Fuchs Movietone (1927), und RCA Phototelefon (1928) zu entwerfen, durchzuführen, und auf den Markt zu bringen.

Obwohl die Ausgabe Des Jazzsängers (1927) durch Warner Brothers den ersten gewerblich erfolgreichen gesunden Film gekennzeichnet hat, waren stille Filme die Mehrheit von Eigenschaften, die sowohl 1927 als auch 1928 zusammen mit so genannten Filmen der Ziege-glanded veröffentlicht sind: silents mit einer Abteilung des gesunden Films eingefügt. So kann das moderne gesunde Filmzeitalter als Ankunft zur Überlegenheit betrachtet werden, die 1929 beginnt.

Für eine Auflistung von bemerkenswerten stillen Zeitalter-Filmen, sieh Liste von Jahren im Film seit den Jahren zwischen dem Anfang des Films und 1928. Die folgende Liste schließt nur Filme ein, die im gesunden Zeitalter mit der spezifischen künstlerischen Absicht erzeugt sind, still zu sein.

• Un Chien Andalou, Salvador Dalí/Luis Buñuel, 1929
• Stadtmädchen, F. W. Murnau, 1930
• Grenzlinie, Kenneth MacPherson, 1930
• Erde, Aleksandr Dovzhenko, 1930
• Stadtlichter, Charlie Chaplin, 1931
• Tabu, F. W. Murnau, Robert Flaherty, 1931
• Ich bin Geboren gewesen, Aber..., Yasujiro Ozu, 1932
• Eine Geschichte des Schwimmunkrauts, Yasujiro Ozu, der 1934
• Die Göttin, Wu Yonggang, 1934
• Moderne Zeiten, Charlie Chaplin, 1936

Spätere Huldigungen

Mehrere Filmemacher haben Huldigung den Komödien des stillen Zeitalters, einschließlich Jacques Tatis mit seinem Les Vacances de Monsieur Hulot (1953) und Mel Brooks mit dem Stillen Film (1976) bezahlt. Das mit Jubel begrüßte Drama von Direktor Hou Hsiao-Hsien von Taiwanese Dreimal (2005) ist während seines mittleren Drittels still, mit Zwischentiteln abgeschlossen; Stanley Tucci Der Impostors hat eine öffnende stille Folge im Stil von frühen stillen Komödien. Das Bankett von Margarette des brasilianischen Filmemachers Renato Falcão (2003) ist still. Schriftsteller / Direktor Michael Pleckaitis stellt seine eigene Drehung auf das Genre mit dem Stillen (2007). Während nicht still die TV-Show von Herrn Bean und das Kino die nichtgesprächige Natur des Charakters des Titels verwendet haben, um einen ähnlichen Stil des Humors zu schaffen.

1990 hat Charles Lane befohlen und hat in Gehsteig-Geschichten, einem niedrigen preisgünstigen Gruß zu sentimentalen stillen Komödien besonders Charlie Chaplin Das Kind die Hauptrolle gespielt.

Der deutsche 1999-Film Tuvalu ist größtenteils still; der kleine Betrag des Dialogs ist eine sonderbare Mischung von europäischen Sprachen, die Allgemeinheit des Films vergrößernd. Guy Maddin hat Preise für seine Huldigung zum sowjetischen Zeitalter stille Filme mit seinem kurzen Das Herz der Welt gewonnen, nach der er einen abendfüllenden stillen, Marke Auf das Gehirn gemacht hat! (2006), lebende Künstler von Foley, Narration und Orchester an ausgesuchtem showings vereinigend. Der Schatten des Vampirs (2000) ist hoch fictionalized Bild des Filmens des klassischen stillen Vampir-Films von Friedrich Wilhelm Murnau Nosferatu (1922). Werner Herzog hat denselben Film in seiner eigenen Version, (1979) beachtet.

Einige Filme ziehen eine direkte Unähnlichkeit zwischen dem stillen Filmzeitalter und dem Zeitalter von Tonfilmen. Der Sunset Boulevard zeigt das Trennen zwischen den zwei Zeitaltern im Charakter von Norma Desmond, die vom stillen Filmstar Gloria Swanson gespielt ist, und Singin' im Regen befasst sich mit der Periode, wo die Leute Hollywoods gegenüberstehen mussten, sich davon zu ändern, silents zu Tonfilmen zu machen. Der liebevolle 1976-Film von Peter Bogdanovich Musikautomat befasst sich mit dem Aufruhr der stillen Filmherstellung in Hollywood während des Anfangs der 1910er Jahre, bis zur Ausgabe des 1915-Epos von D. W. Griffith Die Geburt einer Nation führend.

1999 hat der finnische Filmemacher Aki Kaurismäki Juha erzeugt, der den Stil eines stillen Films mit Zwischentiteln im Platz des gesprochenen Dialogs gewinnt. In Indien der 1988-Film war Pushpak, Kamal Hassan in der Hauptrolle zeigend, eine schwarze am Dialog völlig leere Komödie. Der australische 2007-Film Dr Plonk, war eine stille von Rolf de Heer geleitete Komödie. Bühne-Spiele haben auf stille Filmstile und Quellen gezogen. Actor/writers Billy Van Zandt & Jane Milmore hat ihren Von - Broadway Pritsche-Komödie Stilles Gelächter als eine lebende Handlungshuldigung zum stillen Schirm-Zeitalter inszeniert. Geoff Sobelle und Trey Lyford haben geschaffen und haben in Allen Tragen-Bowling-Spielern (2004) die Hauptrolle gespielt, der als eine Huldigung Laurel und Hardy angefangen hat, der dann entwickelt ist, um lebensgroße stille Filmfolgen von Sobelle und Lyford zu vereinigen, die hin und her zwischen der lebenden Handlung und dem Silberschirm springen. 1940 hat Film Fantasie belebt, die vertonte Musik von Folgen des acht verschiedenen Zeichentrickfilms ist, kann als ein stiller Film mit nur einer kurzer Szene betrachtet werden, die Dialog einschließt. Die 1952-Spionage lässt sich verfilmen Der Dieb hat Musik und Geräuscheffekte, aber keinen Dialog.

2005 hat der H.P. Lovecraft Historische Gesellschaft eine stille Filmversion der Geschichte von Lovecraft Der Anruf von Cthulhu erzeugt. Dieser Film hat einen mit der Periode genauen sich verfilmen lassenden Stil aufrechterhalten, und wurde sowohl als "die beste HPL Anpassung bis heute" erhalten als auch als, sich auf die Entscheidung beziehend, es als ein stiller Film, "eine hervorragende Eitelkeit zu machen."

Die 2011-Franzosen filmen Den Künstler, der von Michel Hazanavicius, Spiele als ein stiller Film geleitet ist, und wird in Hollywood während des stillen Zeitalters gesetzt. Es schließt auch Segmente von stillen Romanfilmen ein, die seine Hauptfiguren in der Hauptrolle zeigen.

Die amerikanische Eigenschaft-Länge stiller Film Stilles 2006 angefangenes Leben, zeigt Leistungen durch Isabella Rossellini, und Galina Jovovich, Mutter von Milla Jovovich, wird Premiere 2012. Der Film basiert auf dem Leben der stillen Schirm-Ikone Rudolph Valentino, der als Hollywoods erster "Großer Geliebter" bekannt ist. Nach der Notchirurgie verliert Valentino seinen Griff der Wirklichkeit und beginnt, die Erinnerung seines Lebens in Hollywood von einer Perspektive eines Komas - als ein stiller Film zu sehen, der an einem Filmpalast, dem magischen Portal zwischen Leben und Ewigkeit, zwischen Wirklichkeit und Trugbild gezeigt ist..

Frühes Studio

Das frühe Studio wurde im Gebiet von New York City gelegen. Im Dezember 1908 hat Edison die Bildung von Motion Picture Patents Company in einem Versuch geführt, die Industrie zu kontrollieren und kleinere Erzeuger auszuschließen. Das "Vertrauen von Edison,", weil es mit einem Spitznamen bezeichnet war, wurde aus Edison, Biograph, Essanay Studio, Kalem Company, George Kleine Productions, Studio von Lubin, Georges Méliès, Pathé, Studio von Selig, und Vitagraph Studio und beherrschtem Vertrieb durch General Film Company zusammengesetzt. Motion Picture Patents Co. und General Film Co. wurden der Kartellübertretung im Oktober 1915 für schuldig erklärt und wurden aufgelöst. Studio von Edison war in West Orange, New Jersey (1892) erst, sie wurden zu Bronx, New York (1907) bewegt. Fuchs (1909) und Biograph (1906) hat in Manhattan mit dem Studio in der Insel von St George Staten angefangen. Andere Filme wurden im Fort Lee, New Jersey geschossen. Die ersten westerns wurden an der Filmranch von Scott gefilmt. Cowboys und Inder galoppieren über die Filmranch von Fred Scott im Südstrand, der Insel Staten), der eine Grenze Hauptstraße, eine breite Auswahl an Postkutschen und einem 56-Fuß-Staket hatte. Die Insel hat einem verwendbaren Stellvertreter für Positionen so verschieden zur Verfügung gestellt wie die Sahara-Wüste und ein britischer Kricket-Wurf. Kriegsszenen wurden auf der Prärie von Grasmere, der Insel Staten geschossen. Die Risikos von Pauline und seiner noch populäreren Fortsetzung Die Großtaten von Elaine wurden größtenteils auf der Insel gefilmt. So war das 1906-Kassenerfolg-Leben eines Cowboys durch Edwin S. Porter. Gesellschaften und das Filmen bewegt zur Westküste 1911.

Bewahrung und verlorene Filme

Viele frühe Filme werden verloren, weil der in diesem Zeitalter verwendete Nitrat-Film äußerst nicht stabil und feuergefährlich war. Zusätzlich wurden viele Filme absichtlich zerstört, weil sie wenig Wert im Zeitalter vor dem Hausvideo hatten. Es ist häufig gefordert worden, dass ungefähr 75 % von stillen Filmen verloren worden sind, obwohl diese Schätzungen wegen eines Mangels an numerischen Daten ungenau sein können. Stille Hauptfilme haben sich verloren herausgenommen schließen Gespart vom Titanischen (1912) ein; der Apostel, der erste belebte Hauptfilm in der Welt (1917); Cleopatra (1917); Arirang (1926); Herren Bevorzugen Blondinen (1927); der Große Gatsby (1926); und London Nach der Mitternacht (1927). Obwohl am meisten verlorene stille Filme nie wieder erlangt werden, sind einige in Filmarchiven oder Privatsammlungen entdeckt worden.

1978 in Dawson City, Yukon, hat eine Planierraupe begrabene Haspeln des Nitrat-Films während der Ausgrabung einer Geländeauffüllung aufgedeckt. Dawson City war einmal das Ende der Vertriebslinie für viele Filme. Die pensionierten Titel wurden an der lokalen Bibliothek bis 1929 versorgt, als das feuergefährliche Nitrat als Geländeauffüllung in einem verurteilten Schwimmbad verwendet wurde. Versorgt seit 50 Jahren unter dem Permafrostboden von Yukon haben sich die Filme erwiesen, äußerst gut bewahrt zu werden. Eingeschlossen waren Filme durch die Perle Weiß, Harold Lloyd, Douglas Fairbanks und Lon Chaney. Diese Filme werden jetzt an der Bibliothek des Kongresses aufgenommen. Die Degradierung des alten Rohfilms kann durch das richtige Archivieren verlangsamt werden, oder Filme können der CD-ROM oder den anderen Digitalmedien für die Bewahrung übertragen werden. Stille Filmbewahrung ist ein hoher Vorrang unter Filmhistorikern gewesen.

Siehe auch

• Klassische Images
• Lorbeer und Filme von Hardy
• Die Liste des Films formatiert
• Deutscher Expressionismus
• Kammerspielfilm
• Liste von stillen Filmen, die auf 8 Mm oder Super-8-Mm-Film veröffentlicht sind
• Verlorene Filme
• Melodrama
• Gesunder Film
• Gesunde Bühne
• Etikett-Show
• Am Bewegenden Bilderball (Lied über stille Filmstars)

Weiterführende Literatur

• Davis, Lon. Stille Leben. Medien von BearManor, Albany, 2008. Internationale Standardbuchnummer 1-59393-124-7.
• Spätes Hollywood Stille Filmmelodrama-Sonderausgabe, Film International, Problem, 54, Band 9, Nummer 6 (2011), Jeffrey Crouse (Redakteur). Umfassende Analysen schließen diejenigen ein durch: George Toles, "'Kokon des Feuers: Das Erwachen, um im Sonnenaufgang von Murnau Zu lieben"; Diane Stevenson, "Drei Versionen von Stella Dallas"; und "Gods von Jonah Corne und Nobodies: Extras, das Jubiläum im Oktober, und Von Sternberg Der Letzte Befehl." Es gibt auch gezeigten Film und Buchbesprechungen, die dem stillen Film gehören.