Modernismus, in seiner breitesten Definition, ist moderner Gedanke, Charakter oder Praxis. Mehr spezifisch beschreibt der Begriff die Modernist-Bewegung in den Künsten, seinem Satz von kulturellen Tendenzen und hat kulturelle Bewegungen vereinigt, ursprünglich aus der breiten Skala und den weit reichenden Änderungen zur Westgesellschaft in den späten 19. und frühen 20. Jahrhunderten entstehend. Insbesondere waren die Entwicklung von modernen Industriegesellschaften und das schnelle Wachstum von Städten, gefolgt dann vom Entsetzen des Ersten Weltkriegs, unter den Faktoren, die Modernismus gestaltet haben.

Zusammenhängende Begriffe, sind Modernist modern, zeitgenössisch, und postmodern.

Im Kunstmodernismus weist ausführlich die Ideologie des Realismus zurück, und macht von den Arbeiten der Vergangenheit, durch die Anwendung von Wiederprämie, Integration, Neuschreiben, Zusammenfassung, Revision und Parodie in neuen Formen Gebrauch. Modernismus weist auch die verweilende Gewissheit des Erläuterungsdenkens, sowie die Idee von einem mitleidsvollen, allmächtigen Schöpfer zurück.

Im Allgemeinen umfasst der Begriff Modernismus die Tätigkeiten und Produktion von denjenigen, die gefunden haben, dass die "traditionellen" Formen von Kunst, Architektur, Literatur, religiösem Glauben, sozialer Organisation und täglichem Leben überholt in den neuen wirtschaftlichen, sozialen und politischen Bedingungen eines Auftauchens wurden, völlig hat Welt industrialisiert. Die einstweilige 1934-Verfügung des Dichters Ezra Pound, um es neu "zu machen!" war von der Annäherung der Bewegung zum veralteten paradigmatisch. Eine andere paradigmatische Ermahnung wurde vom Philosophen und Komponisten Theodor Adorno artikuliert, der in den 1940er Jahren herkömmliche Oberflächenkohärenz und Äußeres der für die Vernunft des Erläuterungsdenkens typischen Harmonie herausgefordert hat. Eine hervorspringende Eigenschaft des Modernismus ist Befangenheit. Diese Befangenheit hat häufig zu Experimenten mit der Form und Arbeit geführt, die Aufmerksamkeit auf die Prozesse und Materialien verwendet (und auf die weitere Tendenz der Abstraktion) lenkt.

Die Modernist-Bewegung, am Anfang des 20. Jahrhunderts, hat das erste Mal gekennzeichnet, dass der Begriff Avantgarde, mit der die Bewegung bis zum Wort "Modernismus" etikettiert wurde, vorgeherrscht hat, wurde für die Künste (aber nicht in seinem ursprünglichen militärischen und politischen Zusammenhang) verwendet.

Heutige Perspektiven

Einige Kommentatoren definieren Modernismus als eine sozial progressive Tendenz des Gedankens, der die Macht von Menschen versichert, ihre Umgebung mithilfe vom praktischen Experimentieren, den wissenschaftlichen Kenntnissen oder der Technologie zu schaffen, zu verbessern und neu zu formen. Von dieser Perspektive hat Modernismus die Nachprüfung jedes Aspekts der Existenz, vom Handel bis Philosophie, mit der Absicht der Entdeckung dass gefördert, der Fortschritt 'zurückhielt', und ihn durch neue Weisen ersetzte, dasselbe Ende zu erreichen. Andere konzentrieren sich auf Modernismus als eine ästhetische Selbstbeobachtung. Das erleichtert Rücksicht von spezifischen Reaktionen zum Gebrauch der Technologie im Ersten Weltkrieg und antitechnologische und nihilistische Aspekte der Arbeiten von verschiedenen Denkern und Künstlern, die die Periode von Friedrich Nietzsche (1844-1900) Samuel Beckett (1906-1989) abmessen.

Geschichte

Anfänge: das 19. Jahrhundert

Die erste Hälfte des 19. Jahrhunderts für Europa wurde durch mehrere Kriege und Revolutionen gekennzeichnet, die zu einem Drehen von den Realien der politischen und sozialen Zersplitterung beigetragen haben, die, und eine weitere Tendenz zur Romantik stattfanden. Romantik, war in den späten 18. und frühen 19. Jahrhunderten, einer Revolte gegen die Effekten der Industriellen Revolution und bürgerlichen Werte gewesen, während sie individuelle, subjektive Erfahrung, das erhabene, und die Überlegenheit "der Natur", als Themen für die Kunst, und Revolutionär, oder radikale Erweiterungen des Ausdrucks und individuelle Freiheit betont hat.

Durch die Mitte des Jahrhunderts, jedoch, war eine Synthese der Ideen von der Romantik mit stabileren politischen Ideen teilweise in der Reaktion zu den erfolglosen Romantischen und demokratischen Revolutionen von 1848 erschienen. Es wurde durch die Realpolitik von Otto von Bismarck und durch die "praktischen" philosophischen Ideen vom Positivismus von Auguste Comte veranschaulicht. Diese Stabilisierungssynthese des Realisten politische und Romantische ästhetische Ideologie, wurde durch verschiedene Namen genannt: In Großbritannien ist es das viktorianische Zeitalter. Zentral zu dieser Synthese waren allgemeine Annahmen und Institutionsbezugssysteme einschließlich der religiösen Normen, die im Christentum, wissenschaftliche Normen gefunden sind, die in der klassischen Physik, sowie der Idee gefunden sind, dass das Bild der Außenwirklichkeit von einer objektiven Einstellung nicht nur möglich, aber wünschenswert war. Kulturelle Kritiker und Historiker haben diese Ideologie, Realismus genannt, obwohl dieser Begriff nicht universal ist. In der Philosophie haben der Rationalist, der Materialist und die positivist Bewegungen den Primaten des Grunds eingesetzt.

Gegen diesen Strom hat jedoch eine andere Reihe von Ideen geführt, von denen einige eine direkte Verlängerung von Romantischen Schulen des Gedankens waren. Unter denjenigen, die diesen Ideen gefolgt sind, waren die englischen Dichter und Maler, die die Präraffaelit-Bruderschaft eingesetzt haben, die ungefähr von 1850 der dominierenden Tendenz des industriellen viktorianischen Englands wegen ihrer "Opposition gegen die technische Sachkenntnis ohne Inspiration entgegengesetzt hat", waren Sie unter Einfluss der Schriften des Kunstkritikers John Ruskin (1819-1900), wer starke Gefühle über die Rolle der Kunst im Helfen hatte, die Leben der städtischen Arbeiterklassen in den schnell dehnbaren Industriestädten Großbritanniens zu verbessern. Rationalismus wurde auch andere Gegner gehabt. Insbesondere Reaktion dem Philosophen Hegel (1770-1831)) dialektische Ansicht von der Zivilisation und Geschichte von Friedrich Nietzsche und Søren Kierkegaard. Zusammen sind diese verschiedenen Reaktionen, herausgefordert die beruhigenden Ideen von der Gewissheit auf einen Glauben an die Zivilisation, die Geschichte oder den reinen Grund zurückzuführen gewesen.

Tatsächlich von den 1870er Jahren vorwärts ist die Idee, dass Geschichte und Zivilisation von Natur aus progressiv waren, und dass Fortschritt immer gut war, unter dem zunehmenden Angriff gekommen. Der Komponist Richard Wagner (1813-83) (Der Ring des Nibelungen, 1853-70) und Dramatiker Henrik Ibsen (1828-1906) war in ihren Kritiken der zeitgenössischen Zivilisation und für Warnungen prominent, dass Beschleunigung "des Fortschritts" zur Entwicklung von Personen führen würde, hat sich von sozialen Werten gelöst und hat von ihren Mitmenschen isoliert. Argumente sind entstanden, dass die Werte des Künstlers und diejenigen der Gesellschaft nicht bloß verschieden waren, aber diese Gesellschaft war zum Fortschritt antithetisch, und konnte in seiner gegenwärtigen Form nicht vorankommen. Außerdem hat der Philosoph Schopenhauer (1788-1860) (Die Welt, wie Wird und Idee, 1819) den vorherigen Optimismus in Zweifel gezogen, und seine Ideen hatten einen wichtigen Einfluss auf spätere Denker einschließlich Nietzsches.

Zwei der bedeutendsten Denker der Periode waren Biologe Charles Darwin (1809-82), Autor Auf dem Ursprung der Arten mittels der Zuchtwahl (1859), und politischer Wissenschaftler Karl Marx (1818-83), Autor des Kapitals (1867). Die Evolutionstheorie von Darwin durch die Zuchtwahl hat religiöse Gewissheit und die Idee von der menschlichen Einzigartigkeit untergraben. Insbesondere der Begriff, dass Menschen durch dieselben Impulse wie "niedrigere Tiere" gesteuert wurden, hat sich erwiesen, schwierig zu sein, sich mit der Idee von einer adelnden Spiritualität zu versöhnen. Karl Marx hat behauptet, dass es grundsätzliche Widersprüche innerhalb des kapitalistischen Systems gab, und dass die Arbeiter alles andere als frei waren. Beide Denker waren Haupteinflüsse auf die Entwicklung des Modernismus. Das soll nicht sagen, dass alle Modernisten oder Modernist-Bewegungen zurückgewiesen entweder Religion oder alle Aspekte der Erläuterung eher gedacht haben, hat dieser Modernismus die Axiome des vorherigen Alters infrage gestellt.

Historiker und Schriftsteller in verschiedenen Disziplinen, haben verschiedene Daten als Startpunkte für den Modernismus vorgeschlagen. William Everdell hat zum Beispiel behauptet, dass Modernismus in den 1870er Jahren, mit mathamatician Richard Dedekind (1831-1916) (Kürzung von Dedekind) und Ludwig Boltzmann (1844-1906) statistische Thermodynamik begonnen hat. Andererseits ist Clement Greenberg genannt Immanuel Kant (1724-1804) "der erste echte Modernist", obwohl er auch, "Geschrieben hat, was Modernismus sicher genannt werden kann, in der Mitte des letzten Jahrhunderts — und eher lokal, in Frankreich, mit Baudelaire in der Literatur und Manet in der Malerei, und vielleicht mit Flaubert auch in der Prosa-Fiktion erschienen. (Es war eine Weile später, und nicht so lokal, dass Modernismus in der Musik und Architektur erschienen ist)."

Der Anfang des 20. Jahrhunderts hat das erste Mal gekennzeichnet, als eine Bewegung in den Künsten als "Avantgarde" — ein Begriff beschrieben wurde, der vorher in militärischen und politischen Zusammenhängen gebraucht ist, die Bewegungen haben beschreiben müssen, die sich als das Versuchen identifizieren, etwas Aspekt der Tradition oder des Status quo zu stürzen. Surrealismus hat die Berühmtheit unter dem Publikum gewonnen, die am meisten äußerste Form des Modernismus, oder "die Avantgarde des Modernismus" zu sein.

Getrennt, in den Künsten und Briefen, würden zwei Ideen, die in Frankreich entstehen, besonderen Einfluss haben. Das erste war Impressionismus, eine Schule der Malerei, die sich am Anfang auf geleistete Arbeit konzentriert hat, nicht im Studio, aber draußen (Luft von en plein). Impressionistische Bilder haben demonstriert, dass Menschen Gegenstände nicht sehen, aber stattdessen Licht selbst sehen. Die Schule hat Anhänger trotz innerer Abteilungen unter seinen Hauptpraktikern gesammelt, und ist immer einflussreicher geworden. Am Anfang zurückgewiesen von der wichtigsten kommerziellen Show der Zeit, des regierungsgesponserten Pariser Salons, haben die Impressionisten jährliche Gruppenausstellungen in kommerziellen Treffpunkten während der 1870er Jahre und der 1880er Jahre organisiert, sie zeitlich festlegend, um mit dem offiziellen Salon zusammenzufallen. Ein bedeutendes Ereignis von 1863 war der Salon des Refusés, der von Kaiser Napoleon III geschaffen ist, um alle durch den Pariser Salon zurückgewiesenen Bilder zu zeigen. Während die meisten in Standardstilen waren, aber durch untergeordnete Künstler hat die Arbeit von Manet enorme Aufmerksamkeit angezogen, und hat kommerzielle Türen zur Bewegung geöffnet.

Die zweite französische Schule war Symbolik, welche literarische Historiker Anfang mit dem Dichter Charles Baudelaire (1861-67) (Fleur du mal, 1857), und einschließlich der späteren Dichter, Arthur Rimbauds (1854-91), Paul Verlaines (1844-96), Stephane Mallarmes (1842-98) und Paul Valerys (1871-1945) sehen. Die Symbolisten "haben den Vorrang des Vorschlags und der Anrufung über die direkte Beschreibung und ausführliche Analogie betont," und haben sich besonders für "die Musikeigenschaften der Sprache interessiert."

Zur gleichen Zeit waren soziale, politische und wirtschaftliche Kräfte bei der Arbeit, die die Basis werden würde, um für eine radikal verschiedene Art der Kunst und des Denkens zu argumentieren. Unter diesen war dampfangetriebene Industrialisierung, und besonders die Entwicklung von Eisenbahnen, in Großbritannien in den 1830er Jahren, und den nachfolgenden Förderungen in der Technik und damit vereinigten Architektur anfangend. Ein Haupttechnikzu-Stande-Bringen des 19. Jahrhunderts war Der Kristallpalast, das riesige Gusseisen und die Spiegelglas-Messehalle, die für Die Große Ausstellung von 1851 in London gebaut ist. Glas und Eisen wurden in einem ähnlichen kolossalen Stil im Aufbau von Haupteisenbahnterminals in London, wie Paddington-Station (1854) und die Böse Station des Königs (1852) verwendet. Diese technologischen Fortschritte haben zum Gebäude von späteren Strukturen wie die Brooklyn Bridge (1883) und der Eiffel Turm (1889) geführt. Die Letzteren haben alle vorherigen Beschränkungen darauf gebrochen, wie hohe künstliche Gegenstände sein konnten. Diese Technikwunder haben radikal das 19. Jahrhundert städtische Umgebung und die täglichen Leben von Leuten verändert.

Das menschliche Elend von voll gestopften Industriestädten, sowie, andererseits, die neuen durch die Wissenschaft geschaffenen Möglichkeiten, hat Änderungen gebracht, die europäische Zivilisation schütteln würden, die bis dahin sich betrachtet hatte als, eine dauernde und progressive Linie der Entwicklung von der Renaissance zu haben. Außerdem wurde die menschliche Erfahrung der Zeit selbst, mit der Entwicklung des elektrischen Telegrafen von 1837 und der Adoption der Standardzeit von britischen Eisenbahngesellschaften von 1845, und im Rest in der ganzen Welt der nächsten fünfzig Jahre verändert.

Die Änderungen, die am Anfang des 20. Jahrhunderts stattgefunden haben, werden durch die Tatsache betont, dass viele moderne Disziplinen, einschließlich der Physik, Volkswirtschaft, und Künste wie Ballett und Architektur, ihre vor20. Jahrhundertformen klassisch nennen.

Spät 19. zu frühen 20. Jahrhunderten

In den 1880er Jahren hat ein Ufer des Denkens begonnen zu behaupten, dass es notwendig war, vorherige Normen völlig beiseite zu schieben, anstatt vorige Kenntnisse im Licht von zeitgenössischen Techniken bloß zu revidieren. Die wachsende Bewegung in der Kunst hat Entwicklungen in der Physik wie die Spezielle Relativitätstheorie (1905) von Einstein angepasst; Neuerungen in der Industrie, wie die Entwicklung des inneren Verbrennungsmotors; und die vergrößerte Rolle der Sozialwissenschaften in der Rechtsordnung. Tatsächlich wurde es behauptet, dass, wenn die Natur der Wirklichkeit selbst zur Debatte gestanden ist, und wenn sich vorherige Beschränkungen, die im Platz um die menschliche Tätigkeit gewesen waren dann auflösten, sich Kunst auch würde radikal ändern müssen. So in den ersten zwanzig Jahren des 20. Jahrhunderts haben viele Schriftsteller, Denker und Künstler mit den traditionellen Mitteln Schluss gemacht, Literatur, Malerei und Musik zu organisieren; die Ergebnisse waren abstrakte atonale Kunstmusik und der Strom der Bewusstsein-Technik im Roman.

Einflussreich in den frühen Tagen des Modernismus waren die Theorien von Sigmund Freud (1856-1939) und Ernst Mach (1838-1916). Mach hat gestritten, in den 1880er Jahren mit Der Wissenschaft der Mechanik (1883) beginnend, dass die Meinung eine grundsätzliche Struktur hatte, und dass subjektive Erfahrung auf dem Wechselspiel von Teilen der Meinung basiert hat. Die erste Hauptarbeit von Freud war Studien auf der Hysterie (mit Josef Breuer) (1895). Gemäß den Ideen von Freud hat die ganze subjektive Wirklichkeit auf dem Spiel von grundlegenden Laufwerken und Instinkten basiert, durch die die Außenwelt wahrgenommen wurde. Als ein Philosoph der Wissenschaft war Ernst Mach ein Haupteinfluss auf den logischen Positivismus, und durch seine Kritik von Isaac Newton, einem Vorzeichen der Relativitätstheorie von Einstein. Gemäß diesen Ideen von Mach wurden die Beziehungen von Gegenständen in der Natur nicht versichert, aber nur durch eine Art geistige Schnellschrift bekannt. Das hat eine Unterbrechung mit der Vergangenheit vertreten, darin vorher wurde es geglaubt, dass äußerliche und absolute Wirklichkeit sich beeindrucken konnte, wie es, auf einer Person, als, zum Beispiel, in John Locke (1632-1704) Empirismus war, der die Meinung gesehen hat als ein tabula rasa (Aufsatz bezüglich des Menschlichen Verstehens, 1690) beginnen. Die Beschreibung von Freud von subjektiven Staaten, eine unbewusste Meinung einschließend, die mit ursprünglichen Impulsen voll ist, und selbst auferlegte Beschränkungen ausgleichend, wurde von Carl Jung (1875-1961) mit der Idee vom gesammelten Unbewussten verbunden, mit dem der Verstand gekämpft hat oder sich umarmt hat. Während die Arbeit von Charles Darwin das aristotelische Konzept des "Mannes, das Tier" in der öffentlichen Meinung wieder gemacht hat, hat Jung vorgeschlagen, dass menschliche Impulse zum Brechen sozialer Normen nicht das Produkt der Kinderei oder Unerfahrenheit waren, aber eher auf die wesentliche Natur des menschlichen Tieres zurückzuführen gewesen sind.

Friedrich Nietzsche war ein anderer Hauptvorgänger des Modernismus mit einer Philosophie, in der psychologische Laufwerke, spezifisch der 'Wille zu rasen', wichtiger waren als Tatsachen oder Dinge. Henri Bergson (1859-1941) hat andererseits den Unterschied zwischen dem wissenschaftlichen betont, zeigen Sie Zeit und die direkte, subjektive, menschliche Erfahrung der Zeit Seine Arbeit rechtzeitig und Bewusstsein "hatten einen großen Einfluss auf Romanschriftsteller des zwanzigsten Jahrhunderts," besonders jene Modernisten, die den Strom der Bewusstsein-Technik, wie Dorothy Richardson, Angespitzte Dächer, (1915), James Joyce, Ulysses (1922) und Virginia Woolf (1882-1941) Frau Dalloway (1925), Zum Leuchtturm (1927) verwendet haben. Auch wichtig in der Philosophie von Bergson war die Idee vom lebenswichtigen Schwung, die Lebenskraft, die "die kreative Evolution von allem" Seine Philosophie auch verursacht, hat einen hohen Wert auf der Intuition, obwohl gelegt, ohne die Wichtigkeit vom Intellekt zurückzuweisen. Diese verschiedenen Denker wurden durch ein Misstrauen gegen den viktorianischen Positivismus und die Gewissheit vereinigt.

Aus dieser Kollision von Idealen ist auf Romantik und einen Versuch zurückzuführen gewesen zu finden, dass ein Weg für Kenntnisse erklärt hat, dass, der bis jetzt unbekannt war, die erste Welle von Arbeiten gekommen ist, die, während ihre Autoren sie als Erweiterungen von vorhandenen Tendenzen in der Kunst betrachtet haben, den impliziten Vertrag mit der breiten Öffentlichkeit gebrochen haben, dass Künstler die Dolmetscher und Vertreter der bürgerlichen Kultur und Ideen waren. Diese "Modernist"-Grenzsteine schließen das atonale Ende von Zweitem Streichquartett von Arnold Schoenberg 1908, den expressionistischen Bildern von Wassily Kandinsky ein, der 1903 anfängt und mit seiner ersten abstrakten Malerei und der Gründung der Blauen Reiter-Gruppe in München 1911, und des Anstiegs von fauvism und der Erfindungen des Kubismus vom Studio von Henri Matisse, Pablo Picasso, Georges Braque und anderen in den Jahren zwischen 1900 und 1910 kulminiert.

Wichtige literarische Vorgänger des Modernismus waren: Fyodor Dostoevsky (1821-81) (Verbrechen und Strafe (1866), Die Brüder Karamazov (1880); Walt Whitman (1819-92) (Blätter des Grases) (1855-91); Charles Baudelaire (1821-67) (Les Fleurs du mal), Rimbaud (1854-91) (Beleuchtungen, 1874); August Strindberg (1849-1912), besonders seine späteren Spiele, das Umfassen, die Trilogie Nach Damaskus 1898-1901, Ein Traumspiel (1902), Die Geistersonate (1907).

Diese moderne Bewegung hat mit der Vergangenheit in den ersten drei Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts Schluss gemacht, und hat radikal verschiedene Kunstformen wiederdefiniert. Der folgende ist Liste von bedeutenden literarischen Zahlen zwischen 1900-1930 (obwohl es eine Zahl einschließt, deren sich Karrieren außer 1930 ausgestreckt haben):

Explosion, 1910-1930

Am Vorabend des Ersten Weltkriegs haben sich eine wachsende Spannung und Unbequemlichkeit mit der Gesellschaftsordnung, die bereits in der russischen Revolution von 1905 und der Aufregung von "radikalen" Parteien gesehen ist, auch in künstlerischen Arbeiten in jedem Medium geäußert, das radikal vereinfacht hat oder vorherige Praxis zurückgewiesen hat. Junge Maler wie Pablo Picasso und Henri Matisse verursachten einen Stoß mit ihrer Verwerfung der traditionellen Perspektive als die Mittel, Bilder — ein Schritt zu strukturieren, den keiner der Impressionisten, nicht sogar Cézannes, gemacht hatte. 1907, als Picasso Demoiselles d'Avignon malte, schrieb Oskar Kokoschka Mörder, Hoffnung der Frauen (Mörder, Hoffnung auf Frauen), das erste expressionistische Spiel (erzeugt mit dem Skandal 1909), und Arnold Schoenberg setzte sein Streichquartett Nr. 2 im F-sharp Minderjährigen, seine erste Zusammensetzung "ohne ein Tonzentrum" zusammen. 1911 hat Kandinsky Bild mit Kreis gemalt (Bild Mit einem Kreis), den er später die erste abstrakte Malerei genannt hat. 1913 — das Jahr der Ideen von Edmund Husserl, des gequantelten Atoms von Niels Bohr, der Gründung von Ezra Pound von imagism, der Waffenkunde-Show in New York, und, in St. Petersburg, der "ersten futuristischen Oper," hat der Sieg Über die Sonne — ein anderer russischer Komponist Igor Stravinsky, in Paris für Sergei Diaghilev und die Ballette Russes arbeitend, Den Ritus des Frühlings für ein Ballett zusammengesetzt, das von Vaslav Nijinsky, diesem gezeichneten Menschenopfer choreografiert ist.

Diese Entwicklungen haben begonnen, eine neue Bedeutung dem zu geben, was "Modernismus" genannt wurde: Es hat Diskontinuität umarmt, glatte Änderung in allem von der Biologie bis erfundene Charakter-Entwicklung und Filmherstellung zurückweisend. Es hat Störung genehmigt, zurückweisend oder sich außer dem einfachen Realismus in der Literatur und der Kunst bewegend, und zurückweisend oder drastisch Klangfarbe in der Musik verändernd. Diese Satz-Modernisten abgesondert von Künstlern des 19. Jahrhunderts, die dazu geneigt hatten, nicht nur an die glatte Änderung ("evolutionär" aber nicht "Revolutionär") sondern auch an die Fortschrittlichkeit solcher Änderung — "Fortschritt" zu glauben. Schriftsteller wie Dickens und Tolstoy, Maler wie Turner, und Musiker wie Brahms waren nicht Radikale oder "Böhmen", aber waren stattdessen geschätzte Mitglieder der Gesellschaft, die Kunst erzeugt hat, die zur Gesellschaft, selbst wenn beigetragen hat, seine weniger wünschenswerten Aspekte kritisierend. Modernismus, während noch "progressiv", hat zunehmend traditionelle Formen und traditionelle soziale Maßnahmen als hindernd Fortschritt gesehen, und hat deshalb den Künstler als ein Revolutionär umgearbeitet, anstatt des Erleuchtens stürzend.

Futurismus veranschaulicht diese Tendenz. 1909 hat der Pariser Zeitungsle Figaro das erste Manifest von F.T. Marinetti veröffentlicht. Bald später eine Gruppe von Malern (Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo und Gino Severini) co-signed das futuristische Manifest. Modelliert auf dem berühmten "Kommunistischen Manifest" des vorherigen Jahrhunderts bringen solche Manifeste Ideen vor, die gemeint geworden sind, um Anhänger zu provozieren und zu sammeln. Stark unter Einfluss Bergsons und Nietzsches war Futurismus ein Teil der allgemeinen Tendenz der Modernist-Rationalisierung der Störung.

Modernist-Philosophie und Kunst wurden noch als nur ein Teil der größeren sozialen Bewegung angesehen. Künstler wie Klimt und Cézanne und Komponisten wie Mahler und Richard Strauss waren "der schreckliche moderns" — diejenigen mehr Avantgarde wurde von mehr gehört als gehört. Die Polemik für die geometrische oder rein abstrakte Malerei wurde auf "kleine Zeitschriften" (wie Das Neue Alter im Vereinigten Königreich) mit winzigen Umläufen größtenteils beschränkt. Modernist-Primitivismus und Pessimismus waren umstritten, aber wurden als Vertreter der Hauptströmung aus der Zeit Eduards VII nicht gesehen, die mehr zu einem viktorianischen Glauben im Gange und liberalem Optimismus dazu geneigt hat.

Jedoch waren der Große Krieg und seine nachfolgenden Ereignisse die erschütternden Erhebungen, die sich gegen Ende Künstler des 19. Jahrhunderts wie Brahms über gesorgt hatten, und sich avant-gardists umarmt hatte. Erstens ist der Misserfolg des vorherigen Status quo selbstverständlich einer Generation geschienen, die Millionen gesehen hatte sterben, über Stücke der Erde — vor dem Krieg kämpfend, war es behauptet worden, dass keiner mit solch einem Krieg kämpfen würde, seitdem die Kosten zu hoch waren. Zweitens hat die Geburt eines Maschinenzeitalters die Bedingungen des Lebens geändert — Maschinenkrieg ist ein Prüfstein der äußersten Wirklichkeit geworden. Schließlich hat die unermesslich traumatische Natur der Erfahrung grundlegende Annahmen geschleudert: Realismus ist bankrott geschienen, wenn, mit der im Wesentlichen fantastischen Natur des Graben-Kriegs, wie veranschaulicht, durch Bücher wie Erich Maria Remarque konfrontierend, Sich Alle auf der Westvorderseite (1929) Beruhigen. Außerdem ist die Ansicht, dass Menschheit langsame und unveränderliche moralische Fortschritte machte, gekommen, um lächerlich angesichts des gefühllosen Schlachtens zu scheinen. Der Erste Weltkrieg hat die hart mechanische geometrische Vernunft der Technologie mit der grauenhaften Unvernunft des Mythos verschmolzen.

So ist Modernismus, der ein Minderheitsgeschmack vor dem Krieg gewesen war, gekommen, um die 1920er Jahre zu definieren. Es ist in Europa in solchen kritischen Bewegungen als Dada und dann in konstruktiven Bewegungen wie Surrealismus, sowie in kleineren Bewegungen wie Bloomsbury Group erschienen. Wieder war Impressionismus ein Vorgänger: Mit der Idee von nationalen Schulen Schluss machend, haben Künstler und Schriftsteller Ideen von internationalen Bewegungen angenommen. Surrealismus, Kubismus, Bauhaus und Leninismus sind alle Beispiele von Bewegungen, die schnell Adoptierende weit außer ihren geografischen Ursprüngen gefunden haben.

Jeder dieses "Modernismus", weil einige Beobachter sie zurzeit etikettiert haben, hat neue Methoden betont, neue Ergebnisse zu erzeugen. Die einstweilige 1934-Verfügung des Dichters Ezra Pound, um es neu "zu machen!" war von der Annäherung der Bewegung zum veralteten paradigmatisch.

Ausstellungen, Theater, Kino, Bücher und Gebäude alle gedient, um im Publikum zu zementieren, sehen die Wahrnehmung an, dass sich die Welt änderte. Feindliche Reaktion ist häufig gefolgt, weil Bilder auf, Aufruhr gespuckt wurden, der bei der Öffnung von Arbeiten organisiert ist, und politische Figuren Modernismus als ungesund und unmoralisch verurteilt haben. Zur gleichen Zeit waren die 1920er Jahre als das "Jazzalter" bekannt, und das Publikum hat beträchtliche Begeisterung für Autos, Luftreisen, das Telefon und die anderen technologischen Fortschritte gezeigt.

Vor 1930 hatte Modernismus einen Platz in der Errichtung einschließlich der politischen und künstlerischen Errichtung gewonnen, obwohl zu diesem Zeitpunkt sich Modernismus selbst geändert hatte. Es gab eine allgemeine Reaktion in den 1920er Jahren gegen den vor1918 Modernismus, der seine Kontinuität mit einer Vergangenheit betont hat, während er dagegen, und gegen die Aspekte dieser Periode rebelliert hat, die übermäßig gesittet, vernunftwidrig, und emotionalistic geschienen ist. Die Postweltkrieg-Periode hat zuerst entweder zur Systematisierung oder zum Nihilismus gewendet und, hatte als vielleicht seine der grösste Teil paradigmatischen Bewegung, Dada.

Während einige Schriftsteller den Wahnsinn des neuen Modernismus angegriffen haben, haben andere es als seelenlos und mechanistisch beschrieben. Unter Modernisten gab es Streite über die Wichtigkeit vom Publikum, die Beziehung der Kunst zum Publikum und die Rolle der Kunst in der Gesellschaft. Modernismus hat eine Reihe von manchmal widersprechenden Antworten auf die Situation umfasst, wie es, und der Versuch verstanden wurde, universale Grundsätze davon zu ringen. In der Endwissenschaft und wissenschaftlichen Vernunft, häufig Modelle von der Erläuterung des 18. Jahrhunderts nehmend, ist gekommen, um als die Quelle der Logik und Stabilität gesehen zu werden, während die grundlegenden primitiven sexuellen und unbewussten Laufwerke, zusammen mit der anscheinend gegenintuitiven Tätigkeit des neuen Maschinenzeitalters, als die grundlegende emotionale Substanz genommen wurden. Von diesen zwei anscheinend unvereinbaren Polen haben Modernisten begonnen, einen ganzen weltanschauung zu formen, der jeden Aspekt des Lebens umfassen konnte.

Modernismus: 1930-1945

Vor 1930 war Modernismus in populäre Kultur eingegangen. Mit der zunehmenden Verstädterung von Bevölkerungen begann es, als die Quelle für Ideen geachtet zu werden, sich mit den Herausforderungen des Tages zu befassen. Da Modernismus Traktion in der Akademie gewonnen hat, entwickelte es eine befangene Theorie seiner eigenen Wichtigkeit. Populäre Kultur, die aus hoher Kultur, aber stattdessen von seinen eigenen Realien nicht abgeleitet wurde (besonders Massenproduktion) hat viel Modernist-Neuerung Brennstoff geliefert. Vor 1930 hat Die New-Yorker-Zeitschrift begonnen, neue und moderne Ideen durch junge Schriftsteller und Humoristen wie Dorothy Parker, Robert Benchley, E.B. White, S.J. Perelman und James Thurber, unter anderen zu veröffentlichen. Moderne Ideen in der Kunst sind in Werbungen und Firmenzeichen, dem berühmten Londoner Untergrundbahn-Firmenzeichen erschienen, das von Edward Johnston 1919 entworfen ist, ein frühes Beispiel des Bedürfnisses nach klaren, leicht erkennbaren und denkwürdigen Sehsymbolen seiend.

Ein anderer starker Einfluss in dieser Zeit war Marxismus. Nach allgemein primitivistic/irrationalist Aspekt des Modernismus des vorersten Weltkriegs, der für viele Modernisten jede Verhaftung zu bloß politischen Lösungen und den Neoklassizismus der 1920er Jahre, wie vertreten, am berühmtesten durch T. S. Eliot und Igor Stravinsky ausgeschlossen hat — der populäre Lösungen moderner Probleme zurückgewiesen hat — hat der Anstieg des Faschismus, der Weltwirtschaftskrise und des Marsches zum Krieg geholfen, eine Generation zu radikalisieren. Die russische Revolution hat die Fusion des politischen Radikalismus und utopianism mit mehr ausdrücklich politischen Posituren katalysiert. Bertolt Brecht, W. H. Auden, André Breton, Louis Aragon und die Philosophen Antonio Gramsci und Walter Benjamin sind vielleicht die berühmtesten Vorbilder dieses Modernist-Marxismus. Diese Bewegung dem Radikalen link war jedoch weder universal, noch definitorisch, und es gibt keinen besonderen Grund, Modernismus, im Wesentlichen, mit 'dem linken' zu vereinigen. Modernisten ausführlich 'des Rechts' schließen Salvador Dalí, Wyndham Lewis, T. S. Eliot, Ezra Pound, den holländischen Autor Menno ter Braak und viele andere ein.

Eine der am meisten sichtbaren Änderungen dieser Periode war die Adoption von Gegenständen der modernen Produktion ins tägliche Leben. Elektrizität, das Telefon, das Automobil — und das Bedürfnis, mit ihnen zu arbeiten, repariert sie, und lebend mit ihnen — hat das Bedürfnis nach neuen Formen von Manieren und sozialem Leben geschaffen. Die Art des störenden Moments, den nur einige in den 1880er Jahren gewusst haben, ist ein allgemeines Ereignis geworden. Zum Beispiel ist die Geschwindigkeit der für die Aktienmakler von 1890 vorbestellten Kommunikation ein Teil der Häuslichkeit geworden.

Der Modernismus als das Führen zu sozialer Organisation würde Untersuchungen ins Geschlecht und den grundlegenden bondings des Kern-, aber nicht erweitert, Familie erzeugen. Die freudianischen Spannungen der kindlichen Sexualität und die Aufhebung von Kindern sind intensiver geworden, weil Leute weniger Kinder, und deshalb eine spezifischere Beziehung mit jedem Kind hatten: Das theoretische ist wieder das praktische und sogar populär geworden.

Nach dem Zweiten Weltkrieg (bildende und darstellende Künste)

In Großbritannien und Amerika, Modernismus weil, wie man betrachtet, ist eine literarische Bewegung von einigen Gelehrten nur bis zum Anfang der 1930er Jahre wichtig, und "Modernist" wird weniger oft verwendet, um nach 1945 prominente Autoren zu beschreiben. Zum Beispiel sieht Die Enzyklopädie von Oxford der britischen Literatur Modernismus durch c.1939 enden. Das ist für alle Gebiete der Kultur mit Ausnahme von den bildenden und darstellenden Künsten aber hinsichtlich der Musik etwas wahr, Paul Griffiths bemerkt, dass, während Modernismus "geschienen ist, eine verausgabte Kraft" bis zum Ende der 1920er Jahre nach dem Zweiten Weltkrieg zu sein, "eine neue Generation von Komponisten - Boulez, Barraqué, Spießer, Nono, Stockhausen, hat Xenakis" Modernismus wiederbelebt.

Gleich viel, hinsichtlich der britischen und amerikanischen Literatur, "Ist um, als (wenn) Modernismus zu Ende gegangen ist und Postmodernismus begonnen hat, fast so heiß gekämpft worden, wie als der Übergang von Victorianism bis Modernismus vorgekommen ist".

Die Nachkriegsperiode hat die Hauptstädte Europas in der Erhebung mit einer Dringlichkeit zu wirtschaftlich verlassen, und bauen Sie physisch wieder auf und sich politisch umzugruppieren. In Paris (das ehemalige Zentrum der europäischen Kultur und das ehemalige Kapital der Kunstwelt) war das Klima für die Kunst eine Katastrophe. Wichtige Sammler, Händler, und Modernist-Künstler, Schriftsteller und Dichter waren aus Europa für New York und Amerika geflohen. Die Surrealisten und modernen Künstler von jedem kulturellen Zentrum Europas waren aus dem Angriff der Nazis für den sicheren Hafen in den Vereinigten Staaten geflohen. Viele von denjenigen, die vernichtet nicht geflohen sind. Einige Künstler, namentlich Pablo Picasso, Henri Matisse, und Pierre Bonnard, ist in Frankreich geblieben und hat überlebt.

Die 1940er Jahre in New York City haben den Triumph des amerikanischen abstrakten Expressionismus, eine Modernist-Bewegung verkündet, die Beispiele verbunden hat, die an Henri Matisse, Pablo Picasso, Surrealismus, Joan Miró, Kubismus, Fauvism und frühem Modernismus über große Lehrer in Amerika wie Hans Hofmann und John D. Graham genommen sind. Amerikanische Künstler haben aus der Anwesenheit von Piet Mondrian, Fernand Léger, Max Ernst und der Gruppe von André Breton, der Galerie von Pierre Matisse und der Galerie Art von Peggy Guggenheim Dieses Jahrhunderts, sowie anderer Faktoren einen Nutzen gezogen.

Seelachs und abstrakte Einflüsse

Während des Endes der 1940er Jahre hat die radikale Annäherung von Jackson Pollock an die Malerei das Potenzial für die ganze zeitgenössische Kunst revolutioniert, die ihm gefolgt ist. Einigermaßen hat Pollock begriffen, dass die Reise zum Bilden eines Kunststücks so wichtig war wie das Kunststück selbst. Wie die innovativen Wiedererfindungen von Pablo Picasso der Malerei und Skulptur am Anfang des 20. Jahrhunderts über den Kubismus und die gebaute Skulptur hat Pollock die Weise wiederdefiniert, wie Kunst gemacht wird. Seine Bewegung weg von der Staffelei-Malerei und Herkömmlichkeit war ein Befreien-Signal den Künstlern seines Zeitalters und zu allen, die danach gekommen sind. Künstler haben begriffen, dass der Prozess von Jackson Pollock — das Stellen ungestreckter roher Leinwand auf dem Fußboden, wo es von allen vier Seiten mit künstlerischen und industriellen Materialien angegriffen werden konnte; das Tröpfeln und das Werfen geradliniger Stränge von Farbe; die Zeichnung, und das Bürsten Flecken verursachend; das Verwenden von Bildern und Nichtbildern — hat im Wesentlichen artmaking außer jeder vorherigen Grenze gesprengt. Abstrakter Expressionismus hat allgemein ausgebreitet und hat die Definitionen und Möglichkeiten entwickelt, die für Künstler für die Entwicklung von neuen Kunstwerken verfügbar sind.

Die anderen abstrakten Expressionisten sind dem Durchbruch von Pollock mit neuen Durchbrüchen ihres eigenen gefolgt. Gewissermaßen die Neuerungen von Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Mark Rothko, Philip Guston, Hans Hofmann, Clyfford und doch, Barnett Newman, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, haben Peter Voulkos und andere die Schleusen zur Ungleichheit und dem Spielraum der ganzen Kunst geöffnet, die ihnen gefolgt ist. Wiederlesungen in die abstrakte Kunst durch Kunsthistoriker wie Linda Nochlin, Griselda Pollock und Catherine de Zegher zeigen kritisch jedoch, dass das Wegbahnen für Frau-Künstler, die Hauptneuerungen in der modernen Kunst erzeugt haben, durch offizielle Rechnungen seiner Geschichte ignoriert worden war.

In den 1960er Jahren nach dem abstrakten Expressionismus

In der abstrakten Malerei während der 1950er Jahre und der 1960er Jahre haben mehrere neue Richtungen wie Malerei des harten Randes und andere Formen der geometrischen Abstraktion begonnen, im Künstler-Studio und in radikalen avantgardistischen Kreisen als eine Reaktion gegen den Subjektivismus des abstrakten Expressionismus zu erscheinen. Clement Greenberg ist die Stimme der postmalerischen Abstraktion geworden, wenn er curated eine einflussreiche Ausstellung der neuen Malerei, die wichtige Kunstmuseen überall in den Vereinigten Staaten 1964 bereist hat. Farbenfeldmalerei, Malerei des harten Randes und lyrische Abstraktion sind als radikale neue Richtungen erschienen.

Bis zum Ende der 1960er Jahre jedoch sind Postminimalismus, Prozess-Kunst und Arte Povera auch als revolutionäre Konzepte und Bewegungen erschienen, die sowohl Malerei als auch Skulptur, über die lyrische Abstraktion und die Postminimalist-Bewegung, und in der frühen Begriffskunst umfasst haben. Gehen Sie in einer Prozession Kunst, wie begeistert, durch den Seelachs hat Künstlern ermöglicht, zu experimentieren mit und von einer verschiedenen Enzyklopädie von Stil, Inhalt, Material, Stellen, Zeitgefühl und plastischem und echtem Raum Gebrauch zu machen. Nancy Graves, Ronald Davis, Howard Hodgkin, Larry Poons, Jannis Kounellis, Brice Marden, Bruce Nauman, Richard Tuttle, Alan Saret, Walter Darby Bannard, Lynda Benglis, Dan Christensen, Larry Zox, Ronnie Landfield, Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra, Sam Gilliam, Mario Merz und Peter Reginato waren einige der jüngeren Künstler, die während des Zeitalters des späten Modernismus erschienen sind, der den Höhepunkt der Kunst des Endes der 1960er Jahre erzeugt hat.

Pop-Art

1962 hat die Galerie Sidney Janis Die Neuen Realisten, die erste Hauptpop-Art-Gruppenausstellung in einer Villenviertel-Kunstgalerie in New York City bestiegen. Janis hat die Ausstellung in einer Fassade der 57. Straße in der Nähe von seiner Galerie an 15 E bestiegen. Die 57. Straße. Die Show hat shockwaves durch die New Yorker Schule gesandt und hat weltweit zurückgestrahlt. Früher in England 1958 wurde der Begriff "Pop-Art" von Lawrence Alloway gebraucht, um Bilder zu beschreiben, die Verbraucherschutzbewegung des Postzeitalters des Zweiten Weltkriegs gefeiert haben. Diese Bewegung hat abstrakten Expressionismus und seinen Fokus auf dem hermeneutic und psychologischen Interieur für die Kunst zurückgewiesen, die gezeichnet hat und häufig materielle Verbraucherkultur, Werbung und Ikonographie des Massenproduktionsalters gefeiert hat. Die frühen Arbeiten von David Hockney und die Arbeiten von Richard Hamilton und Eduardo Paolozzi wurden als Samenbeispiele in der Bewegung betrachtet. Inzwischen in der Innenstadt-Szene in New Yorks Ostdorf Galerien der 10. Straße formulierten Künstler eine amerikanische Version der Pop-Art. Claes Oldenburg hatte seine Fassade, und die Galerie Green auf der 57. Straße hat begonnen, die Arbeiten von Tom Wesselmann und James Rosenquist zu zeigen. Späterer Leo Castelli hat die Arbeiten anderer amerikanischer Künstler, einschließlich derjenigen von Andy Warhol und Roy Lichtenstein für die meisten ihrer Karrieren ausgestellt. Es gibt eine Verbindung zwischen den radikalen Arbeiten von Marcel Duchamp und Man Ray, rebellischem Dadaists mit einem Sinn für Humor, und Knall-Künstlern wie Claes Oldenburg, Andy Warhol, und Roy Lichtenstein, dessen Bilder den Blick von Punkten von Benday, eine in der kommerziellen Fortpflanzung verwendete Technik wieder hervorbringen.

Minimalismus

Bis zum Anfang des Minimalismus der 1960er Jahre ist als eine abstrakte Bewegung in der Kunst erschienen (mit Wurzeln in der geometrischen Abstraktion von Kazimir Malevich, Bauhaus und Piet Mondrian), der die Idee von der subjektiven und Verwandtschaftsmalerei, die Kompliziertheit von abstrakten expressionistischen Oberflächen, und den emotionalen zeitgeist und die Polemik-Gegenwart in der Arena des Action-Paintings zurückgewiesen hat. Minimalismus hat behauptet, dass äußerste Einfachheit die ganze erhabene in der Kunst erforderliche Darstellung gewinnen konnte. Vereinigt mit Malern wie Frank Stella ist der Minimalismus in der Malerei, im Vergleich mit anderen Gebieten, eine Modernist-Bewegung. Minimalismus wird entweder als ein Vorgänger zum Postmodernismus, oder als eine postmoderne Bewegung selbst verschiedenartig analysiert. In der letzten Perspektive hat früher Minimalismus fortgeschrittene Modernist-Arbeiten nachgegeben, aber die Bewegung hat teilweise diese Richtung aufgegeben, als einige Künstler wie Robert Morris Richtung für die Antiform-Bewegung geändert haben.

Hal Foster, in seinem Aufsatz Der Kernpunkt des Minimalismus, untersucht das Ausmaß, in dem Donald Judd und Robert Morris sowohl anerkennen als auch Modernismus von Greenbergian in ihren veröffentlichten Definitionen des Minimalismus überschreiten. Er behauptet, dass Minimalismus nicht ein "toter Punkt" des Modernismus, aber eine "Paradigma-Verschiebung zu postmodernen Methoden ist, die fortsetzen, heute sorgfältig ausgearbeitet zu werden."

Postminimalismus

Gegen Ende der 1960er Jahre hat Robert Pincus-Witten den Begriff Postminimalismus ins Leben gerufen, um Minimalist-abgeleitete Kunst zu beschreiben, die zufriedene und Kontextobertöne dieser zurückgewiesene Minimalismus hatte. Der Begriff wurde durch Pincus-Whitten auf die Arbeit von Eva Hesse, Keith Sonnier, Richard Serra und neuer Arbeit von ehemaligen Minimalisten Robert Smithson, Robert Morris, und Sol LeWitt, und Barry Le Va und anderen angewandt. Andere Minimalisten einschließlich Donald Judds, Dan Flavins, Carl Andres, Agnes Martins, haben John McCracken und andere fortgesetzt, späte Modernist-Bilder und Skulptur für die Reste ihrer Karrieren zu erzeugen.

In den 1960er Jahren hat die Arbeit der avantgardistischen Minimalist-Komponisten La Monte Young, Philip Glass, Steve Reichs und Terry Rileys auch Bekanntheit in der New Yorker Kunstwelt erreicht.

Seitdem haben viele Künstler minimale oder postminimale Stile umarmt, und das "postmoderne" Etikett ist ihnen beigefügt worden.

Collage, Zusammenbau, Installationen

Verbunden mit dem abstrakten Expressionismus war das Erscheinen, verfertigte Sachen mit Künstler-Materialien zu verbinden, von der vorherigen Vereinbarung der Malerei und Skulptur abrückend. Die Arbeit von Robert Rauschenberg veranschaulicht diese Tendenz. Seine "Vereinigungen" der 1950er Jahre waren Vorzeichen der Pop-Art und Installationskunst, und haben Zusammenbau von großen physischen Gegenständen, einschließlich voll gestopfter Tiere, Vögel und kommerzieller Fotographien verwendet. Rauschenberg, Jasper Johns, Larry Rivers, John Chamberlain, Claes Oldenburg, George Segal, Jim Dine und Edward Kienholz waren unter wichtigen Pionieren sowohl der Abstraktion als auch Pop-Art. Neue Vereinbarung des Kunstbildens schaffend, haben sie annehmbar in ernsten zeitgenössischen Kunstkreisen die radikale Einschließung in ihre Arbeiten von unwahrscheinlichen Materialien gemacht. Ein anderer Pionier der Collage war Joseph Cornell, dessen vertrauter schuppige Arbeiten als radikal sowohl wegen seiner persönlichen Ikonographie als auch wegen seines Gebrauches von gefundenen Gegenständen gesehen wurden.

Neo-Dada

Am Anfang des 20. Jahrhunderts hat Marcel Duchamp eine Bedürfnisanstalt als eine Skulptur ausgestellt. Er hat seine Absicht erklärt, dass Leute auf die Bedürfnisanstalt schauen, als ob es ein Kunststück war, weil er gesagt hat, dass es ein Kunststück war. Er hat sich auf seine Arbeit als "readymades" bezogen. Brunnen war eine Bedürfnisanstalt, die mit dem Pseudonym R unterzeichnet ist. Narr, dessen Ausstellung die Kunstwelt 1917 erschüttert hat. Das und die anderen Arbeiten von Duchamp werden allgemein als Dada etikettiert. Duchamp kann als ein Vorgänger zur Begriffskunst, andere berühmte Beispiele gesehen werden, die die 4'33 von John Cage sind", der vier Minuten und dreiunddreißig Sekunden des Schweigens ist, und Rauschenberg de Kooning Gelöscht hat. Viele Begriffsarbeiten nehmen die Position, dass Kunst das Ergebnis des Zuschauers ist, der einen Gegenstand oder Tat als Kunst ansieht, nicht der inneren Qualitäten der Arbeit selbst. So, weil Brunnen ausgestellt wurde, war es eine Skulptur.

Marcel Duchamp hat berühmt "Kunst" für das Schach aufgegeben. Avantgardistischer Komponist David Tudor hat ein Stück, Wiedervereinigung (1968), geschrieben gemeinsam mit dem Lowell-Kreuz geschaffen, das ein Schachspiel zeigt, in dem jede Bewegung eine sich entzündende Wirkung oder Vorsprung auslöst. Duchamp und Käfig haben das Spiel am Premier der Arbeit gespielt.

Steven Best und Douglas Kellner erkennen Rauschenberg und Jasper Johns als ein Teil der Übergangsphase, unter Einfluss Marcel Duchamps, zwischen Modernismus und Postmodernismus. Beide verwendeten Images von gewöhnlichen Gegenständen oder den Gegenständen selbst, in ihrer Arbeit, während man die Abstraktion und malerischen Gesten des hohen Modernismus behält.

Eine andere Tendenz in der Kunst, die mit neo-Dada vereinigt ist, ist der Gebrauch mehrerer verschiedener Medien zusammen. Zwischenmedien, ein Begriff, der von Dick Higgins ins Leben gerufen ist und beabsichtigt ist, um neue Kunstformen entlang den Linien von Fluxus, konkreter Dichtung zu befördern, haben Gegenstände, Leistungskunst und Computerkunst gefunden. Higgins war Herausgeber von Etwas anderem Presse, ein konkreter Dichter, Mann des Künstlers Alison Knowles und eines Bewunderers von Marcel Duchamp.

Leistung und Ereignisse

Während des Endes der 1950er Jahre und Künstler der 1960er Jahre mit einer breiten Reihe von Interessen hat begonnen, die Grenzen der zeitgenössischen Kunst zu stoßen. Yves Klein in Frankreich, und in New York City, Carolee Schneemann, Yayoi Kusama, Charlotte Moorman und Yoko Ono und in Deutschland Joseph Beuys, Wolf Vostell und Nam June Paik waren Pioniere von Leistungsbasierten Kunstwerken. Gruppen wie Das Lebende Theater mit Julian Beck und Judith Malina haben mit Bildhauern und Malern zusammengearbeitet, die Umgebungen radikal schaffen, die Beziehung zwischen Publikum und Darsteller besonders in ihrem Stück-Paradies Jetzt ändernd. Das Tanztheater von Judson, das an der Gedächtniskirche von Judson, New York gelegen ist; und die Tänzer von Judson, namentlich Yvonne Rainer, Trisha Brown, Elaine Summers, Sally Gross, Simonne Forti, Deborah Hay, Lucinda Childs, Steve Paxton und andere; zusammengearbeitet mit Künstlern Robert Morris, Robert Whitman, John Cage, Robert Rauschenberg und Ingenieuren wie Billy Klüver. Die Galerie Park Place war ein Zentrum für Musikleistungen durch elektronische Komponisten Steve Reich, Philip Glass und andere bemerkenswerte Leistungskünstler einschließlich Joan Jonass. Diese Leistungen waren als Arbeiten einer neuen Kunstform-Kombinieren-Skulptur, Tanz, und Musik oder Ton häufig mit der Publikum-Teilnahme beabsichtigt. Sie wurden durch die reduktiven Philosophien des Minimalismus und der spontanen Improvisation und expressivity des abstrakten Expressionismus charakterisiert.

Während derselben Periode haben verschiedene avantgardistische Künstler Ereignisse geschaffen. Ereignisse waren mysteriös und häufig spontane und ungeschriebene Sammlungen von Künstlern und ihren Freunden und Verwandten in verschiedenen angegebenen Positionen, häufig Übungen in der Absurdität, physicality, costuming, der spontanen Nacktheit und den verschiedenen zufälligen oder anscheinend getrennten Taten vereinigend. Bemerkenswerte Schöpfer von Ereignissen haben Allan Kaprow eingeschlossen — wer zuerst den Begriff 1958, Claes Oldenburg, Jim Dine, Rote Pferdepfleger, und Robert Whitman gebraucht hat.

Zwischenmedien, Multimedia

Eine andere Tendenz in der Kunst, die mit dem postmodernen Begriff vereinigt worden ist, ist der Gebrauch mehrerer verschiedener Medien zusammen. Zwischenmedien, ein Begriff, der von Dick Higgins ins Leben gerufen ist und beabsichtigt ist, um neue Kunstformen entlang den Linien von Fluxus, konkreter Dichtung zu befördern, haben Gegenstände, Leistungskunst und Computerkunst gefunden. Higgins war der Herausgeber von Etwas anderem Presse, ein konkreter Dichter, der mit dem Künstler Alison Knowles und einem Bewunderer von Marcel Duchamp geheiratet ist. Ihab Hassan, schließt "Zwischenmedien, die Fusion von Formen, die Verwirrung von Bereichen," in seiner Liste der Eigenschaften der postmodernen Kunst ein. Eine von den meisten Standardformen der "Multimediakunst" ist der Gebrauch der Videokassette und CRT-Monitore, hat Videokunst genannt. Während die Theorie, vielfache Künste in eine Kunst zu verbinden, ziemlich alt ist, und regelmäßig wiederbelebt worden ist, ist die postmoderne Manifestation häufig in der Kombination mit der Leistungskunst, wohin der dramatische Subtext entfernt wird, und was verlassen wird, ist die spezifischen Behauptungen des fraglichen Künstlers oder die Begriffsbehauptung ihrer Handlung.

Fluxus

Fluxus wurde genannt und lose 1962 von George Maciunas (1931-78), einem amerikanischen Künstler litauischen Ursprungs organisiert. Fluxus verfolgt seine Anfänge zu den 1957 bis 1959 Experimentellen Zusammensetzungsklassen von John Cage in der Neuen Schule für die Soziale Forschung in New York City. Viele seiner Studenten waren Künstler, die in anderen Medien mit wenig oder keinem Hintergrund in der Musik arbeiten. Die Studenten des Käfigs haben Fluxus eingeschlossen, der Mitglieder Jackson Mac Low, Al Hansen, George Brecht und Dick Higgins gründet.

Fluxus hat eine geschätzte und ästhetische Heimwerkereinfachheit über die Kompliziertheit gefördert. Wie Dada davor hat Fluxus einen starken Strom des Antikommerzialismus und eines Antikunstfeingefühls eingeschlossen, die herkömmliche marktgesteuerte Kunstwelt für eine Künstler - kreative Praxis verachtend. Künstler von Fluxus haben es vorgezogen, mit beliebigen Materialien zu arbeiten, waren in der Nähe, und entweder hat ihre eigene Arbeit geschaffen oder hat im Entwicklungsprozess mit ihren Kollegen zusammengearbeitet.

Andreas Huyssen kritisiert Versuche, Fluxus für den Postmodernismus als "entweder der Master-Code des Postmodernismus oder schließlich unrepresentable Kunstbewegung zu fordern - wie es, erhabener Postmodernismus war." Stattdessen sieht er Fluxus als ein Major Neo-Dadaist Phänomene innerhalb der avantgardistischen Tradition. Es hat keinen Hauptfortschritt in der Entwicklung von künstlerischen Strategien vertreten, obwohl es wirklich einen Aufruhr gegen, "die verwaltete Kultur der 1950er Jahre, in der ein gemäßigter, domestizierter Modernismus ausgedrückt hat, der als ideologische Stütze dem Kalten Krieg gedient ist."

Späte Periode

Die Verlängerung von abstraktem Expressionismus, Farbenfeldmalerei, lyrischer Abstraktion, geometrischer Abstraktion, Minimalismus, Auszug illusionism, bearbeitet Kunst, Pop-Art, Postminimalismus, und andere späte Modernist-Bewegungen des 20. Jahrhunderts sowohl in der Malerei als auch in Skulptur gehen während des ersten Jahrzehnts des 21. Jahrhunderts weiter und setzen radikale neue Richtungen in jenen Medien ein.

Am Ende des 21. Jahrhunderts haben feste Künstler wie Herr Anthony Caro, Lucian Freud, Cy Twombly, Robert Rauschenberg, Jasper Johns, Agnes Martin, Al Held, Ellsworth Kelly, Helen Frankenthaler, Frank Stella, Kenneth Noland, Jules Olitski, Claes Oldenburg, Jim Dine, James Rosenquist, Alex Katz, Philip Pearlstein und jüngere Künstler einschließlich Brice Mardens, Chuck Closes, Sam Gilliams, Isaac Witkins, Sean Scullys, Mahirwan Mamtani, Joseph Nechvatals, Elizabeth Murrays, Larry Poons, Richard Serras, Walter Darby Bannards, Larry Zox, Ronnie Landfields, Ronald Davis, Dan Christensens, Joel Shapiros, Tom Otterness, Joan Snyders, Ross Bleckners, Archie Rands, Susan Crile und Dutzende von anderen fortgesetzt, lebenswichtige und einflussreiche Bilder und Skulptur zu erzeugen.

Unterschiede zwischen Modernismus und Postmodernismus

Bis zum Anfang der 1980er Jahre hat die postmoderne Bewegung in der Kunst und Architektur begonnen, seine Position durch den verschiedenen begrifflich und Zwischenmediaformate zu gründen. Der Postmodernismus in der Musik und Literatur hat begonnen, früher zu ergreifen. In der Musik wird Postmodernismus in einer Bezugsarbeit, als ein "Begriff eingeführt in den 1970er Jahren" beschrieben. während in der britischen Literatur Die Enzyklopädie von Oxford der britischen Literatur Modernismus sieht "sein Überwiegen dem Postmodernismus" schon in 1939 abtreten.

Jedoch sind Daten, besonders wenn gemäß Andreas Huyssen hoch diskutabel: "Der Postmodernismus eines Kritikers ist der Modernismus eines anderen Kritikers". Das schließt diejenigen ein, die gegenüber der Abteilung zwischen den zwei kritisch sind und sie als zwei Aspekte derselben Bewegung sehen und glauben, dass später Modernismus weitergeht.

Modernismus ist ein Umgeben-Etikett für ein großes Angebot an kulturellen Bewegungen. Postmodernismus ist im Wesentlichen eine zentralisierte Bewegung, die sich, gestützt auf der sozialpolitischen Theorie genannt hat, obwohl der Begriff jetzt in einem breiteren Sinn gebraucht wird, sich auf Tätigkeiten aus dem 20. Jahrhundert vorwärts zu beziehen, die Bewusstsein dessen ausstellen und das moderne wiederinterpretieren.

Postmoderne Theorie behauptet, dass der Versuch, Modernismus "nach der Tatsache" heilig zu sprechen, zu undisambiguable Widersprüchen verloren ist.

In einem schmaleren Sinn, was Modernist war, war nicht notwendigerweise auch postmodern. Jene Elemente des Modernismus, der die Vorteile der Vernunft und des Sozial-technischen Fortschritts akzentuiert hat, waren nur Modernist.

Absichten der Bewegung

Verwerfung und detournement der Tradition

Viele Modernisten haben geglaubt, dass, indem sie Tradition zurückgewiesen haben, sie radikal neue Weisen entdecken konnten, Kunst zu machen. Wohl ist das paradigmatischste Motiv des Modernismus die Verwerfung des Veraltens von Tradition und seiner Wiederprämie, Integration, Neuschreiben, Zusammenfassung, Revision und Parodie in neuen Formen.

Die Betonung von T. S. Eliot auf der Beziehung des Künstlers zur Tradition. Eliot hat den folgenden geschrieben:

:: "[W] soll e häufig finden, dass nicht nur das beste, aber die meisten individuellen Teile [ein Dichter] Arbeit, diejenigen sein kann, in denen die toten Dichter, seine Vorfahren, ihre Unsterblichkeit am kräftigsten behaupten."

Literarischer Gelehrter Peter Childs summiert die Kompliziertheit:

:: "Es gab paradoxe wenn nicht gegensätzliche Tendenzen zu revolutionären und reaktionären Positionen, Angst vor dem neuen und Entzücken beim Verschwinden des alten, des Nihilismus und der fanatischen Begeisterung, der Kreativität und der Verzweiflung."

Diese Oppositionen sind zum Modernismus innewohnend: Es ist in seinem breitesten kulturellen Sinn die Bewertung der Vergangenheit als verschieden zum modernen Alter, die Anerkennung, dass die Welt komplizierter wurde, und dass die alten "Endbehörden" (Gott, Regierung, Wissenschaft und Grund) der intensiven kritischen genauen Untersuchung unterworfen waren.

Herausforderung an die falsche Harmonie und Kohärenz

Eine paradigmatische Modernist-Ermahnung wurde vom Philosophen und Komponisten Theodor Adorno, der in den 1940er Jahren, eingeladen artikuliert, herkömmliche Oberflächenkohärenz und Äußeres der Harmonie herauszufordern:

:: "Modernität ist ein qualitativer, nicht ein chronologischer, Kategorie. Da es auf die abstrakte Form nicht reduziert werden kann, mit der gleichen Notwendigkeit muss es seinen Rücken auf der herkömmlichen Oberflächenkohärenz, dem Äußeren der Harmonie, die Ordnung bekräftigt bloß durch die Erwiderung drehen."

Adorno würde uns Modernität als die Verwerfung der falschen Vernunft, Harmonie und Kohärenz des Erläuterungsdenkens, der Kunst und der Musik verstehen lassen. Arnold Schoenberg hat traditionelle Tonharmonie, das hierarchische System von organisierenden Arbeiten der Musik zurückgewiesen, die das Musik-Bilden seit mindestens eineinhalb Jahrhundert geführt hatte. Er hat geglaubt, dass er eine ganz neue Weise entdeckt hatte, Ton zu organisieren, der im Gebrauch von Zwölf-Zeichen-Reihen gestützt ist.

Abstrakte Künstler, als ihre Beispiele nehmend, die die Impressionisten, sowie Paul Cézanne und Edvard Munch, begonnen haben in der Annahme, dass Farbe und Gestalt, nicht das Bild der natürlichen Welt, die wesentlichen Eigenschaften der Kunst gebildet haben. Wassily Kandinsky, Piet Mondrian und Kazimir Malevich haben alle an das Wiederdefinieren der Kunst als die Einordnung der reinen Farbe geglaubt. Der Gebrauch der Fotografie, die viel von der Vertretungsfunktion der veralteten Sehkunst gemacht hatte, hat stark diesen Aspekt des Modernismus betroffen. Jedoch haben diese Künstler auch geglaubt, dass, indem sie das Bild von materiellen Gegenständen zurückgewiesen haben, sie Kunstbewegung von einem Materialisten zu einer Spiritualist-Phase der Entwicklung geholfen haben.

Pragmatische Modernist-Architektur

Andere Modernisten, besonders diejenigen, die am Design beteiligt sind, hatten mehr pragmatische Ansichten. Modernist-Architekten und Entwerfer haben geglaubt, dass neue Technologie alte Stile gemacht hat, veraltet zu bauen. Le Corbusier hat gedacht, dass Gebäude als "Maschinen fungieren sollten, um darin zu leben,", analog Autos, die er als Maschinen gesehen hat, um darin zu reisen. Da Autos das Pferd ersetzt hatten, so sollte Modernist-Design die alten Stile und Strukturen zurückweisen, die vom Alten Griechenland oder vom Mittleren Alter geerbt sind. Bilden Sie in einigen Fällen ersetzte Funktion. Im Anschluss an diese ästhetische Maschine haben Modernist-Entwerfer normalerweise dekorative Motive im Design zurückgewiesen, es vorziehend, die Materialien verwendete und reine geometrische Formen zu betonen. Der Wolkenkratzer, wie der Seagram von Ludwig Mies van der Rohe, der in New York (1956-1958) Baut, ist das archetypische Modernist-Gebäude geworden. Das Modernist-Design von Häusern und Möbeln hat auch normalerweise Einfachheit und Klarheit der Form, des durchgehenden Inneres und der Abwesenheit des Durcheinanders betont.

Modernismus hat die Beziehung des 19. Jahrhunderts von öffentlichen und privaten umgekehrt: Im 19. Jahrhundert waren öffentliche Gebäude für eine Vielfalt von technischen Gründen horizontal mitteilsam, und private Gebäude haben Vertikalität betont — um mehr privaten Raum auf dem zunehmend beschränkten Land zu passen. Umgekehrt, im 20. Jahrhundert, sind öffentliche Gebäude vertikal orientierte und private Gebäude geworden ist organisiert horizontal geworden. Viele Aspekte des Modernist-Designs dauern noch innerhalb der Hauptströmung der zeitgenössischen Architektur heute an, obwohl sein vorheriger Dogmatismus zu einem spielerischeren Gebrauch der Dekoration, des historischen Kostenvoranschlags und des Raumdramas nachgegeben hat. In anderen Künsten waren solche pragmatischen Rücksichten weniger wichtig.

Gegenverbraucherschutzbewegung und Massenkultur

In der Literatur- und Sehkunst haben sich einige Modernisten bemüht, sich über Erwartungen hauptsächlich hinwegzusetzen, um ihre Kunst lebhafter zu machen, oder das Publikum zu zwingen sich die Mühe zu machen, ihre eigenen vorgefassten Meinungen infrage zu stellen. Dieser Aspekt des Modernismus ist häufig eine Reaktion zur Verbraucherkultur geschienen, die sich in Europa und Nordamerika gegen Ende des 19. Jahrhunderts entwickelt hat. Wohingegen die meisten Hersteller versuchen, Produkte zu machen, die durch das Appellieren an Einstellungen und Vorurteile marktfähig sein werden, haben hohe Modernisten solche consumerist Einstellungen zurückgewiesen, um das herkömmliche Denken zu untergraben. Der Kunstkritiker Clement Greenberg hat diese Theorie des Modernismus in seiner Aufsatz-Avantgarde und Kitsch erklärt. Greenberg hat die Produkte der Verbraucherkultur "Kitsch" etikettiert, weil ihr Design einfach zum Ziel gehabt hat, maximale Bitte mit irgendwelchen schwierigen entfernten Eigenschaften zu haben. Für Greenberg hat Modernismus so eine Reaktion gegen die Entwicklung solcher Beispiele der modernen Verbraucherkultur als kommerzielle volkstümliche Musik, Hollywood und Werbung gebildet. Greenberg hat das mit der revolutionären Verwerfung des Kapitalismus vereinigt.

Einige Modernisten haben wirklich sich als ein Teil einer revolutionären Kultur — diejenige gesehen, die politische Revolution eingeschlossen hat. Andere haben herkömmliche Politik sowie künstlerische Vereinbarung zurückgewiesen, glaubend, dass eine Revolution des politischen Bewusstseins größere Wichtigkeit hatte als eine Änderung in politischen Strukturen. Viele Modernisten haben sich als apolitisch gesehen. Andere, wie T. S. Eliot, haben populäre Massenkultur von einer konservativen Position zurückgewiesen. Einige behaupten sogar, dass der Modernismus in der Literatur und Kunst fungiert hat, um eine Auslesekultur zu stützen, die die Mehrheit der Bevölkerung ausgeschlossen hat.

Kritik und Feindschaft

Der am meisten umstrittene Aspekt der modernen Bewegung war, und, bleibt seine Verwerfung der Tradition. Die Betonung des Modernismus auf der Freiheit von Ausdruck, Experimentieren, Radikalismus und Primitivismus ignoriert herkömmliche Erwartungen. In vielen Kunstformen hat das häufig bedeutet, Zuschauer mit bizarren und unvorhersehbaren Effekten, als im fremden zu erschrecken und zu entfremden und Kombinationen von Motiven im Surrealismus oder dem Gebrauch der äußersten Dissonanz und atonality in der Modernist-Musik zu stören. In der Literatur hat das häufig die Verwerfung von verständlichen Anschlägen oder Charakterisierung in Romanen oder die Entwicklung der Dichtung eingeschlossen, die sich über klare Interpretation hinweggesetzt hat.

Nach dem Anstieg von Joseph Stalin hat die sowjetische Kommunistische Regierung Modernismus auf Grund des angeblichen elitären Denkens zurückgewiesen, obwohl es vorher Futurismus und constructivism gutgeheißen hatte. Die nazistische Regierung Deutschlands hat Modernismus für narzisstisch und sinnlos, sowie "jüdisch" und "Neger-" gehalten (sieh Antisemitismus). Die Nazis haben Modernist-Bilder neben Arbeiten vom Geisteskranken in einer Ausstellung genannt die Degenerierte Kunst ausgestellt. Beschuldigungen wegen "des Formalismus" konnten zum Ende einer Karriere, oder schlechter führen. Aus diesem Grund haben viele Modernisten der Nachkriegsgeneration gefunden, dass sie die wichtigste Festung gegen den Totalitarismus, den "Kanarienvogel im Kohlenbergwerk" waren, wessen Verdrängung durch eine Regierung oder andere Gruppe mit der angenommenen Autorität eine Warnung vertreten hat, dass individuelle Freiheiten bedroht wurden. Louis A. Frechheit hat Wahnsinn, spezifisch Schizophrenie und Modernismus auf eine weniger faschistische Weise durch die Anmerkung ihrer geteilten abtrennenden Berichte, surrealer Images und Inkohärenz verglichen.

Tatsächlich ist Modernismus hauptsächlich in Gesellschaften des Verbrauchers/Kapitalisten gediehen, ungeachtet der Tatsache dass seine Befürworter häufig Verbraucherschutzbewegung selbst zurückgewiesen haben. Jedoch hat hoher Modernismus begonnen, sich mit der Verbraucherkultur nach dem Zweiten Weltkrieg besonders während der 1960er Jahre zu verschmelzen. In Großbritannien ist eine Jugendsubkultur erschienen, sich "Modernisten" (gewöhnlich verkürzt zu Mod), im Anschluss an solche vertretenden Musik-Gruppen als Wer und Die Knicke nennend. Die ähnlichen von Bob Dylan haben Serge Gainsbourg und Die Rolling Stones populäre Musiktraditionen mit dem Modernist-Vers verbunden, das Annehmen literarischer Geräte ist auf James Joyce, Samuel Beckett, James Thurber, T. S. Eliot, Guillaume Apollinaire, Allen Ginsberg und andere zurückzuführen gewesen. Die Beatles haben sich entlang ähnlichen Linien entwickelt, verschiedene Modernist-Musical-Effekten auf mehrere Alben schaffend, während sich Musiker wie Frank Zappa, Syd Barrett und Captain Beefheart noch mehr experimentell erwiesen haben. Modernist-Geräte haben auch angefangen, im populären Kino, und später in Musik-Videos zu erscheinen. Modernist-Design hat auch begonnen, in die Hauptströmung der populären Kultur einzugehen, wie vereinfacht und stilisiert sind Formen populär, häufig vereinigt mit Träumen eines Weltraumzeitalters hochtechnologische Zukunft geworden.

Dieses Mischen des Verbrauchers und hohe Versionen der Modernist-Kultur haben zu einer radikalen Transformation der Bedeutung "des Modernismus" geführt. Erstens hat es angedeutet, dass eine auf der Verwerfung der Tradition gestützte Bewegung eine Tradition seines eigenen geworden war. Zweitens hat es demonstriert, dass die Unterscheidung zwischen Auslesemodernisten und Masse consumerist Kultur seine Präzision verloren hatte. Einige Schriftsteller haben erklärt, dass Modernismus so institutionalisiert geworden war, dass es jetzt war, "schlagen Avantgarde an", anzeigend, dass es seine Macht als eine revolutionäre Bewegung verloren hatte. Viele haben diese Transformation als der Anfang der Phase interpretiert, die bekannt als Postmodernismus geworden ist. Für andere, wie Kunstkritiker Robert Hughes, vertritt Postmodernismus eine Erweiterung des Modernismus.

"Antimoderne" oder "gegenmoderne" Bewegungen bemühen sich, Holismus, Verbindung und Spiritualität als Heilmittel oder Gegenmittel zum Modernismus zu betonen. Solche Bewegungen sehen Modernismus als reductionist, und unterwerfen deshalb einer Unfähigkeit, systemische und auftauchende Effekten zu sehen. Viele Modernisten sind zu diesem Gesichtspunkt, zum Beispiel Paul Hindemith in seiner späten Umdrehung zur Mystik gekommen. Schriftsteller wie Paul H. Ray und Sherry Ruth Anderson, in (2000), Fredrick Turner in Einer Kultur von Hope und Lester Brown im Plan B, haben eine Kritik der Grundidee des Modernismus selbst artikuliert - dass sich individueller kreativer Ausdruck den Realien der Technologie anpassen sollte. Statt dessen streiten sie, individuelle Kreativität sollte tägliches Leben emotionaler annehmbar machen.

Einige traditionalistische Künstler wie Alexander Stoddart weisen Modernismus allgemein als das Produkt "eines Zeitalters des falschen mit der falschen Kultur verbundenen Geldes" zurück.

In einigen Feldern sind die Effekten des Modernismus stärker und mehr beharrlich geblieben als in anderen. Sehkunst hat die am meisten ganze Unterbrechung mit seiner Vergangenheit gemacht. Die meisten Haupthauptstädte ließen Museen der Modernen Kunst im Unterschied zur Postrenaissancekunst (um 1400 zu um 1900) widmen. Beispiele schließen das Museum der Modernen Kunst in New York, die Tate Modern in London und das Zentrum Pompidou in Paris ein. Diese Galerien machen keine Unterscheidung zwischen Modernist- und Postmodernist-Phasen, beide als Entwicklungen innerhalb der Modernen Kunst sehend.

Siehe auch

Referenzen

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• Eco, Umberto (1990) Interpretationsreihen in Den Grenzen der Interpretation, Seiten 83-100, Exzerpt
• Gerald Graff (1973) Das Mythos des Postmodernist-Durchbruchs, TriQuarterly, 26 (Winter, 1973) 383-417; rept im Roman Heute: Zeitgenössische Schriftsteller auf der Modernen Fiktion Malcolm Bradbury, Hrsg., (London: Fontana, 1977); nachgedruckt in Proza Nowa Amerykanska, Hrsg., Szice Krytyczne (Warschau, Polen, 1984); nachgedruckt im Postmodernismus in der amerikanischen Literatur: Eine Kritische Anthologie, Manfred Putz und Peter Freese, Hrsg., (Darmstadt: Thesen Verlag, 1984), 58-81.
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Weiterführende Literatur

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• Bradbury, Malcolm, & James McFarlane (Hrsg.). Modernismus: Ein Handbuch zur europäischen Literatur 1890-1930 (Pinguin "Pinguin Literarische Kritik" Reihe, 1978, internationale Standardbuchnummer 0-14-013832-3).
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• Friedman, Julia. Außer der Symbolik und dem Surrealismus: Die Synthetische Nordwestliche Kunstuniversitätspresse von Alexei Remizov, 2010. Internationale Standardbuchnummer 0-8101-2617-6 (Handelsstoff)
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Links

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• Denzer, Anthony S., Dr., Master des Modernismus.
• Hoppé, E.O. Fotograf, Modernisten aus der Zeit Eduards VII.
• Erkrankung des Schreibens. Modernismus, den Sie zu Einer Online-Radioshow tanzen können, die eine humorvolle Version des Modernismus präsentiert
• Modernismus-Laboratorium Yale Universität
• Modernismus/Modernität, offizielle Veröffentlichung der Modernist-Studienvereinigung
• Modernismus gegen den Postmodernismus
• Enzyklischer Pascendi von Pius X der Pope St, in dem er Modernismus als "die Synthese aller Ketzereien" definiert.