Minimalismus beschreibt Bewegungen in verschiedenen Formen von Kunst und Design, besonders visueller Kunst und Musik, wo die Arbeit dargelegt wird, um die Essenz, Hauptsache oder Identität eines Themas durch das Beseitigen aller unwesentlichen Formen, Eigenschaften oder Konzepte auszustellen. Als eine spezifische Bewegung in den Künsten wird es mit Entwicklungen im postzweiten Weltkrieg Westkunst am stärksten mit amerikanischen bildenden Künsten in den 1960er Jahren und Anfang der 1970er Jahre identifiziert. Prominente mit dieser Bewegung vereinigte Künstler schließen Donald Judd, John McCracken, Agnes Martin, Dan Flavin, Robert Morris, Anne Truitt und Frank Stella ein. Es wird in den reduktiven Aspekten des Modernismus eingewurzelt, und wird häufig als eine Reaktion gegen den Abstrakten Expressionismus und eine Brücke zu Postminimalen Kunstmethoden interpretiert.

Die Begriffe haben sich ausgebreitet, um eine Bewegung in der Musik zu umfassen, die Wiederholung und Wiederholung, als in den Zusammensetzungen von La Monte Young, Terry Riley, Steve Reich, Philip Glass und John Adams zeigt. Minimalist-Zusammensetzungen sind manchmal als Systemmusik bekannt. Der Begriff "Minimalist" wird häufig umgangssprachlich angewandt, um irgendetwas zu benennen, was Ersatz- oder zu seiner Hauptsache abgezogen ist. Es ist auch verwendet worden, um die Spiele und Romane von Samuel Beckett, die Filme von Robert Bresson, die Geschichten von Raymond Carver und sogar die Kraftfahrzeugdesigns von Colin Chapman zu beschreiben. Das Wort wurde zuerst in Englisch am Anfang des 20. Jahrhunderts verwendet, um Mensheviks zu beschreiben.

Minimalist-Design

Der Begriff Minimalismus wird auch gebraucht, um eine Tendenz im Design und der Architektur zu beschreiben, wo im Thema auf seine notwendigen Elemente reduziert wird. Minimalist-Design ist hoch unter Einfluss des japanischen traditionellen Designs und der Architektur gewesen. Außerdem ist die Arbeit von Künstlern von De Stijl eine Hauptquelle der Verweisung für diese Art der Arbeit. De Stijl hat die Ideen ausgebreitet, die durch das Verwenden von Grundelementen wie Linien und in sehr besonderen Manieren organisierte Flugzeuge ausgedrückt werden konnten.

Architekt Ludwig Mies van der Rohe hat die Devise angenommen "Weniger ist mehr", um seine ästhetische Taktik zu beschreiben, die zahlreichen notwendigen Bestandteile eines Gebäudes einzuordnen, um einen Eindruck der äußersten Einfachheit, durch das Eintragen jedes Elements und Details zu schaffen, um vielfachen visuellen und funktionellen Zwecken zu dienen (wie das Entwerfen eines Fußbodens, um auch als der Heizkörper zu dienen, oder ein massiver Kamin dazu nimmt auch das Badezimmer auf). Entwerfer Buckminster Fuller hat die Absicht des Ingenieurs des "Tuns mehr mit weniger" angenommen, aber seine Sorgen wurden zur Technologie und Technik aber nicht Ästhetik orientiert. Ein ähnliches Gefühl war die Devise des industriellen Entwerfers Dieter Rams, "Weniger, aber besser" hat sich von Mies angepasst. Die Struktur verwendet relativ einfache elegante Designs; Verzierungen sind Qualität aber nicht Menge. Die Schönheit der Struktur wird auch bestimmt, indem sie mit der Beleuchtung, mit den grundlegenden geometrischen Gestalten als Umrisse, mit nur einer einzelnen Gestalt oder einer kleinen Zahl von ähnlichen Gestalten für Bestandteile für die Designeinheit, mit geschmackvollen nichtaufgeregten hellen Farbenkombinationen, gewöhnlich natürlichen Texturen und Farben und sauberen und feinen Schlüssen spielt. Das Verwenden manchmal der Schönheit von natürlichen Mustern auf der Steinverkleidung und dem echten Holz, das innerhalb von bestellten vereinfachten Strukturen und echtem Metall kurz zusammengefasst ist, das eine vereinfachte, aber renommierte Architektur und Raumgestaltung erzeugt. Kann Farbhelligkeitsgleichgewicht und Unähnlichkeit zwischen Oberflächenfarben verwenden, um Sehästhetik zu verbessern. Die Struktur würde gewöhnlich industrielle und Weltraumzeitalter-Stil-Dienstprogramme (Lampen, Öfen, Stufen, Technologie, usw.) haben Ordentliche und gerade Bestandteile (wie Wände oder Stufen), die scheinen, mit Maschinen, Wohnung oder fast flachen Dächern, angenehmen negativen Räumen und großen Fenstern maschinell hergestellt zu werden, um viel Sonnenlicht einzulassen. Das und Sciencefiction können zum Ende des zwanzigsten Jahrhunderts futuristisches Architektur-Design und moderner Hausdekor beigetragen haben. Moderner Minimalist Hausarchitektur mit seinen unnötigen inneren Wänden entfernt hat wahrscheinlich zur Beliebtheit des offenen Plan-Küchen- und Wohnzimmer-Stils geführt.

Ein anderer moderner Master, der reductivist Ideen veranschaulicht, ist Luis Barragán. Im Minimalismus schenken die architektonischen Entwerfer spezielle Aufmerksamkeit der Verbindung zwischen vollkommenen Flugzeugen, eleganten Beleuchtung und reiflichen Überlegung der leeren Räume, die durch die Eliminierung von dreidimensionalen Gestalten aus einer architektonischen Planung verlassen sind. Hausdesigns des attraktiv aussehenden Minimalisten sind nicht aufrichtig Minimalist, weil diese teurere Baumaterialien und Schlüsse verwenden, und relativ größer sind.

Zeitgenössische Architekten, die in dieser Tradition arbeiten, schließen John Pawson, Eduardo Souto de Moura, Álvaro Siza Vieira, Tadao Ando, Alberto Campo Baeza, Yoshio Taniguchi, Peter Zumthor, Hugh Newell Jacobsen, Vincent Van Duysen, Claudio Silvestrin, Michael Gabellini und Richard Gluckman ein.

Minimalist-Architektur und Raum

Der Begriff 'Minimalismus' ist eine Tendenz vom Anfang des 19. Jahrhunderts und ist allmählich eine wichtige Bewegung als Antwort auf über das geschmückte Design der Vorperiode geworden. Minimalist-Architektur ist populär gegen Ende der 1980er Jahre in London und New York geworden, wo Architekten und Modedesigner in den Boutiquen zusammengearbeitet haben, um Einfachheit, mit weißen Elementen, Kälte-Beleuchtung, großem Raum mit minimalen Gegenständen und Möbeln zu erreichen. Minimalist-Architektur vereinfacht Wohnraum, um die wesentliche Qualität von Gebäuden zu offenbaren, und befördert Einfachheit in Einstellungen zum Leben. Es wird vom japanischen traditionellen Design und dem Konzept der Zen-Philosophie hoch begeistert.

Konzepte und Designelemente

Das Konzept der Minimalist-Architektur soll alles unten zu seiner wesentlichen Qualität abziehen und Einfachheit erreichen. Die Idee ist nicht völlig ohne Verzierung, aber dass alle Teile, Details und Tischlerarbeit, wie reduziert, auf eine Bühne betrachtet werden, wohin keiner irgendetwas weiter entfernen kann, um das Design zu verbessern.

Die Rücksichten für 'Essenzen', sind Form, Detail von Material, Raum, Platz und menschlicher Bedingung leicht. Minimalist-Architekten denken nicht nur die physischen Qualitäten des Gebäudes. Außerdem blicken sie tief in die geistige Dimension und das unsichtbare, indem sie der Zahl zuhören und Aufmerksamkeit den Details, den Leuten, dem Raum, der Natur und den Materialien schenken. Der die abstrakte Qualität von etwas offenbart, was unsichtbar ist und suchen Sie nach der Essenz von jenen unsichtbaren Qualitäten. Solcher als natürliches Licht, Himmel, Erde und Luft. Außerdem öffnen sie Dialog mit der Umgebungsumgebung, um die wesentlichsten Materialien für den Aufbau zu entscheiden und Beziehungen zwischen Gebäuden und Seiten zu schaffen.

In der Minimalist-Architektur befördern Designelemente die Nachricht der Einfachheit. Die grundlegenden geometrischen Formen, Elemente ohne Dekoration, einfachen Materialien und die Wiederholungen von Strukturen vertreten einen Sinn der Ordnung und wesentlichen Qualität. Die Bewegung des natürlichen Lichtes in Gebäuden offenbart einfache und saubere Räume. Gegen Ende des 19. Jahrhunderts weil hat die Kunst- und Handwerk-Bewegung populär in Großbritannien begonnen, Leute schätzt die Einstellung der 'Wahrheit zu Materialien', die die tiefe und angeborene Eigenschaft von Materialien respektieren. Sie manipulieren Demut-Einstellung zum Material dadurch hören ihm zu, der ist, 'hören die Zahl' und versuchen, jeden essentiality von der Identität des Materials herauszufinden. Deshalb ziehen Minimalist-Architekten aus dem Suchen der Essenz einen Nutzen, und Einfachheit dadurch entdeckt die wertvollen Qualitäten in den einfachen und allgemeinen Materialien wieder.

Einflüsse von der japanischen Tradition

Die Idee von der Einfachheit erscheint in vielen Kulturen, besonders die japanische traditionelle Kultur der Zen-Philosophie. Japaner manipulieren die Zen-Kultur in den ästhetischen und die Designelemente für ihre Gebäude. Diese Idee von der Architektur hat Westgesellschaft besonders in Amerika seit der Mitte des 18. Jahrhunderts beeinflusst. Außerdem hat es die Minimalist-Architektur im 19. Jahrhundert begeistert.

Zen-Konzepte der Einfachheit übersenden die Ideen von der Freiheit und Essenz des Lebens. Einfachheit ist nicht nur ästhetischer Wert, sie hat eine moralische Wahrnehmung, die in die Natur der Wahrheit blickt und die inneren Qualitäten von Materialien und Gegenständen für die Essenz offenbart. Zum Beispiel demonstriert der Sand-Garten im Tempel von Ryoanji die Konzepte der Einfachheit und des essentiality von der überlegten Einstellung von einigen Steinen und einem riesigen leeren Raum.

Der japanische ästhetische Grundsatz von Ma bezieht sich auf die leere oder Lichtung. Das entfernt alle unnötigen inneren Wände und öffnet den Raum zwischen dem Interieur und dem Äußeren. Frank Lloyd Wright war unter Einfluss des Designelements der japanischen Schiebetür, die erlaubt, das Äußere zum Interieur zu bringen. Die Leere der Raumeinrichtung ist eine andere Idee, die alles unten auf die wesentlichste Qualität reduziert.

Der von Wabi ästhetische Japaner schätzt die Qualität von einfachen und einfachen Gegenständen. Es schätzt die Abwesenheit von unnötigen Eigenschaften, um Leben in der Geräuschlosigkeit anzusehen, und offenbart den angeborensten Charakter von Materialien. Zum Beispiel haben die japanische Flora-Kunst, auch bekannt als das Ikebana die Bedeutung der gelassenen Blume äußern sich. Leute schneiden die Zweige, Blätter und Blüten von den Werken ab und behalten nur den wesentlichen Teil vom Werk. Der die Idee von der wesentlichen Qualität und dem angeborenen Charakter in der Natur befördert.

Minimalist-Architekten und ihre Arbeiten

Der japanische Minimalist-Architekt, Tadao Ando befördert den japanischen traditionellen Geist und seine eigene Wahrnehmung der Natur in seinen Arbeiten. Seine Designkonzepte sind Materialien, reine Geometrie und Natur. Er verwendet normalerweise konkretes oder natürliches Holz und grundlegende Strukturform, um Strenge und Strahlen des Lichtes im Raum zu erreichen. Er stellt auch Dialog zwischen der Seite und Natur auf, um Beziehung und Ordnung mit den Gebäuden zu schaffen. Die Arbeiten von Ando und die Übersetzung von japanischen ästhetischen Grundsätzen sind auf die japanische Architektur hoch einflussreich.

Im Vitra Konferenzpavillon sind Weil Rhein, 1993, die Konzepte sollen die Beziehungen zwischen dem Gebäude, der menschlichen Bewegung, der Seite und der Natur zusammenbringen. Der als ein Hauptinhalt der Minimalismus-Ideologie, die Dialog zwischen dem Gebäude und der Seite gründen. Das Gebäude verwendet die einfachen Formen des Kreises und Rechtecks, um dem gefüllten und leeren Raum des Interieurs und der Natur gegenüberzustellen. In der Eingangshalle gibt es ein großes Landschaft-Fenster, das zum Äußeren herausschaut. Das erreicht das einfache und Schweigen der Architektur und erhöht das Licht, den Wind, Zeit und Natur im Raum.

John Pawson ist ein britischer Minimalist-Architekt, seine Designkonzepte sind Seele, Licht und Ordnung. Er glaubt dass, obwohl reduziertes Durcheinander und Vereinfachung des Interieurs zu einem Punkt, der außer der Idee von der wesentlichen Qualität kommt, es einen Sinn der Klarheit und Reichtum der Einfachheit statt der Leere gibt. Die Materialien in seinem Design offenbaren die Wahrnehmung zum Raum, der Oberfläche und dem Volumen. Außerdem verwendet er gern natürliche Materialien wegen ihrer Lebendigkeit, Tiefenempfindens und Qualität der Person. Er wird auch durch die wichtigen Einflüsse von der japanischen Zen-Philosophie angezogen.

Die Calvin Klein Madison Avenue, New York, 1995-96, ist eine Boutique, die die Ideen von Calvin Klein von der Mode befördert. Die Raumgestaltungskonzepte von John Pawson für dieses Projekt sollen einfache, friedliche und regelmäßige Raumeinrichtungen schaffen. Er hat Steinstöcke und weiße Wände verwendet, um Einfachheit und Harmonie für den Raum zu erreichen. Er betont auch die Verminderung und beseitigt die Sehverzerrungen, wie die Klimatisierung und Lampen, um einen Sinn der Reinheit für das Interieur zu erreichen.

Alberto Campo Baeza ist ein spanischer Architekt und beschreibt seine Arbeit als wesentliche Architektur. Er schätzt die Konzepte des Lichtes, der Idee und des Raums. Licht ist notwendig und erreicht die Beziehung zwischen Einwohnern und dem Gebäude. Ideen sind, die Funktion und den Zusammenhang des Raums, der Formen und des Aufbaus zu entsprechen. Raum wird durch die minimalen geometrischen Formen gestaltet, um Dekoration zu vermeiden, die nicht notwendig ist.

Gasper Haus, Zahora, 1992 ist ein Wohnsitz, dass Kunde gebeten hat, unabhängig zu sein. Hohe Wände schaffen den beiliegenden Raum, und die Steinstöcke, die im Haus und Hof verwendet sind, zeigen den continuality des Interieurs und Äußeren. Die weiße Farbe der Wände offenbart die Einfachheit und Einheit des Gebäudes. Die Eigenschaft der Struktur macht Linien, um das unaufhörlich horizontale Haus zu bilden, deshalb springt natürliches Licht horizontal durch das Gebäude vor.

Minimale Kunst, Minimalismus in der Sehkunst

Der Minimalismus in der Sehkunst, allgemein gekennzeichnet als "minimale Kunst", literalist Kunst und Abc-Kunst ist in New York am Anfang der 1960er Jahre erschienen. Am Anfang minimale Kunst ist in New York in den 60er Jahren als neue und ältere zur geometrischen Abstraktion bewegte Künstler erschienen; über die Malerei in den Fällen von Frank Stella, Kenneth Noland, Al Held, Ellsworth Kelly, Robert Ryman und anderen erforschend; und Skulptur in den Arbeiten von verschiedenen Künstlern einschließlich David Smiths, Anthony Caros, Tony Smiths, Sol LeWitts, Carl Andres, Dan Flavins, Donald Judds und anderer. Die Skulptur von Judd wurde 1964 an der Galerie Green in Manhattan präsentiert, wie die ersten Neonlicht-Arbeiten von Flavin waren, während andere Hauptgalerien von Manhattan wie die Galerie Leo Castelli und die Galerie Pace auch begonnen haben, Künstler zu präsentieren, hat sich auf geometrische Abstraktion konzentriert. Außerdem gab es zwei zukunftsträchtige und einflussreiche Museum-Ausstellungen: Primäre Strukturen: Jüngere amerikanische und britische Skulptur' gezeigt vom 27. April - am 12. Juni 1966 am jüdischen Museum in New York, das vom Museumsdirektoren des Museums von Malerei und Skulptur, Kynaston McShine und Körpermalerei, am Museum von Solomon R. Guggenheim curated durch Lawrence Alloway auch 1966 organisiert ist, der Geometrische Abstraktion in der amerikanischen Kunstwelt über die Geformte Leinwand, das Farbenfeld und die Malerei des Harten Randes präsentiert hat. Im Gefolge jener Ausstellungen und vieler anderer hat die Kunstbewegung gerufen minimale Kunst ist erschienen.

In einem breiteren und allgemeinen Sinn findet man europäische Wurzeln des Minimalismus in den geometrischen Abstraktionen von Malern vereinigt mit Bauhaus, in den Arbeiten von Kazimir Malevich, Piet Mondrian und anderen Künstlern vereinigt mit der Bewegung von De Stijl und der russischen Constructivist Bewegung, und in der Arbeit des rumänischen Bildhauers Constantin Brâncuşi. Minimale Kunst wird auch teilweise durch die Bilder von Barnett Newman, Ad Reinhardt, Josef Albers und den Arbeiten von Künstlern so verschieden begeistert wie Pablo Picasso, Marcel Duchamp, Giorgio Morandi und andere. Minimalismus war auch eine Reaktion gegen die malerische Subjektivität des Abstrakten Expressionismus, der in der New Yorker Schule während der 1940er Jahre und der 1950er Jahre dominierend gewesen war.

Künstler und Kritiker Thomas Lawson haben in seinem 1977-Katalogaufsatz Letzten Ausgang bemerkt: Malerei, Minimalismus hat die Ansprüche von Clement Greenberg über die Modernist-Malerei-Verminderung nicht zurückgewiesen, um zu erscheinen, und Materialien so viel, wie seine Ansprüche wörtlich nehmen. Gemäß Lawson war Minimalismus das Ergebnis, wenn auch der Begriff "Minimalismus" von den Künstlern nicht allgemein umarmt wurde, die damit vereinigt sind, und viele Praktiker des benannten Minimalisten der Kunst durch Kritiker es als eine Bewegung als solcher nicht identifiziert haben. Auch an diesem Anspruch Anstoß zu geben, war Clement Greenberg selbst; in seiner 1978-Nachschrift zu seiner Aufsatz-Modernist-Malerei hat er diese falsche Interpretation dessen verleugnet, was er gesagt hat; Greenberg hat geschrieben:

Es hat einige weitere Aufbauten dessen gegeben, was ich geschrieben habe, dass in die Groteskheit durchgehen: Dass ich Flachheit und das Umgeben der Flachheit nicht nur als die Begrenzungsbedingungen der bildlichen Kunst, aber als Kriterien der ästhetischen Qualität in der bildlichen Kunst betrachte; dass, je weiter eine Arbeit die Selbstdefinition einer Kunst vorbringt, desto besser, dass Arbeit verpflichtet wird zu sein. Der Philosoph oder Kunsthistoriker, der sich mich - oder jeder überhaupt - das Erreichen ästhetischer Urteile auf diese Weise vorstellen kann, lesen schockierend mehr in sich oder sie als in meinen Artikel.

Im Gegensatz zu den mehr subjektiven Abstrakten Expressionisten des vorherigen Jahrzehnts, mit den Ausnahmen von Barnett Newman und Ad Reinhardt; Minimalisten waren auch unter Einfluss Komponisten John Cage und LaMonte Youngs, Dichters William Carlos Williams und des Landschaft-Architekten Frederick Law Olmsted. Sie haben sehr ausführlich festgestellt, dass ihre Kunst nicht über den Selbstausdruck verschieden von der mehr subjektiven Philosophie des vorherigen Jahrzehnts über das Kunstbilden war, war ihrige 'objektiv'. Im Allgemeinen haben die Eigenschaften des Minimalismus geometrisch, häufig Kubikformen eingeschlossen, die von viel Metapher, Gleichheit von Teilen, neutralen Oberflächen und Industriematerialien gereinigt sind.

Robert Morris, ein einflussreicher Theoretiker und Künstler, hat einen drei Teil-Aufsatz geschrieben, "Zeichen auf der Skulptur 1-3" hat ursprünglich über drei Probleme von Artforum 1966 veröffentlicht. In diesen Aufsätzen hat Morris versucht, ein Begriffsfachwerk und formelle Elemente für sich und denjenigen zu definieren, der die Methoden seiner Zeitgenossen umarmen würde. Diese Aufsätze haben große Aufmerksamkeit der Idee von - "Teile geschenkt... hat zusammen auf solche Art und Weise gebunden, dass sie einen maximalen Widerstand gegen die perceptual Trennung schaffen." Morris hat später eine Kunst beschrieben, die durch eine "gekennzeichnete seitliche Ausbreitung und keine normalisierten Einheiten oder symmetrische Zwischenräume..." in "Zeichen auf der Skulptur 4 vertreten ist: Außer Gegenständen", ursprünglich veröffentlicht in Artforum, 1969, fortsetzend zu sagen, dass "die Unbegrenztheit der Einordnung von Teilen ein wörtlicher Aspekt der physischen Existenz des Dings ist." Die allgemeine Verschiebung in der Theorie, deren dieser Aufsatz ein Ausdruck ist, deutet die Übergänge darin an, was später Postminimalismus genannt werden würde.

Einer der ersten Künstler hat spezifisch mit dem Minimalismus verkehrt war der Maler, Frank Stella, vier von deren früh "schwarze Bilder" in die 1959-Show, organisiert von Dorothy Miller am Museum der Modernen Kunst in New York eingeschlossen wurden. Die Breite der Streifen in den schwarzen Bildern von Frank Stellas wurde häufig durch die Dimensionen des Gerümpels bestimmt, das für Tragbahren verwendet ist, sichtbar als die Tiefe der Malerei, wenn angesehen, von der Seite, verwendet, um das unterstützende Fahrgestell zu bauen, auf das die Leinwand gestreckt wurde. Die Entscheidungen über Strukturen auf der Vorderoberfläche der Leinwand waren deshalb nicht völlig subjektiv, aber haben durch eine "gegebene" Eigenschaft des physischen Aufbaus der Unterstützung vorbedingt. Im Show-Katalog hat Carl Andre bemerkt, "Kunst schließt das unnötige aus. Frank Stella hat es notwendig gefunden, Streifen zu malen. Es gibt nichts anderes in seiner Malerei." Diese reduktiven Arbeiten waren in der scharfen Unähnlichkeit zu den energiegefüllten und anscheinend hoch subjektiven und emotional beladenen Bildern von Willem de Kooning oder Franz Kline und in Bezug auf den Präzedenzfall unter der vorherigen Generation von abstrakten Expressionisten, haben sich mehr zu weniger gestural, häufig düstere Farbenfeldbilder von Barnett Newman und Mark Rothko geneigt. Obwohl Stella unmittelbare Aufmerksamkeit von der Show von MoMA erhalten hat, hatten Künstler einschließlich Kenneth Nolands, Gene Davis, Robert Motherwells und Robert Rymans auch begonnen, Streifen, monochromatisch und Formate des Harten Randes vom Ende der 50er Jahre im Laufe der 1960er Jahre zu erforschen.

Wegen einer Tendenz in der minimalen Kunst, um das bildliche, illusionistic und ausgedacht für den Druckfehler auszuschließen, gab es eine Bewegung weg vom malerischen und zu Skulptursorgen. Donald Judd hatte als ein Maler angefangen, und als ein Schöpfer von Gegenständen geendet. Sein Samenaufsatz, "Spezifische Gegenstände" (veröffentlicht im Kunstjahrbuch 8, 1965), war ein Prüfstein der Theorie für die Bildung der Minimalist-Ästhetik. In diesem Aufsatz hat Judd einen Startpunkt für ein neues Territorium für die amerikanische Kunst und eine gleichzeitige Verwerfung von restlichen geerbten europäischen künstlerischen Werten gefunden. Er hat zu Beweisen dieser Entwicklung in den Arbeiten einer Reihe von Künstlern hingewiesen, die in New York zurzeit, einschließlich Jasper Johns, Dan Flavins und Lee Bontecous energisch sind. "Der einleitenden" Wichtigkeit für Judd war die Arbeit von George Earl Ortman, der konkretisiert hatte und die Formen der destillierten Malerei in den stumpfen, das zähe, die philosophisch beladene Geometrie. Diese Spezifischen Gegenstände haben einen Raum nicht dann bequem klassifizierbar entweder als die Malerei oder als Skulptur bewohnt. Dass die kategorische Identität solcher Gegenstände selbst fraglich war, und dass sie leichte Vereinigung mit der abgetragenen und übervertrauten Vereinbarung vermieden haben, war ein Teil ihres Werts für Judd.

Diese Bewegung wurde von Modernist-Formalist-Kunstkritikern und Historikern schwer kritisiert. Einige Kritiker haben gedacht, dass minimale Kunst ein Missverständnis der modernen dialektischen von der Malerei und Skulptur, wie definiert, durch den Kritiker Clement Greenberg, wohl den dominierenden amerikanischen Kritiker der Malerei in der Periode vertreten hat, bis zu den 1960er Jahren führend. Die bemerkenswerteste Kritik des Minimalismus wurde von Michael Fried, einem Formalist-Kritiker erzeugt, der gegen die Arbeit auf der Grundlage von seinem "theatricality" protestiert hat. In Art und Objecthood (veröffentlicht in Artforum im Juni 1967) hat er erklärt, dass das minimale Kunststück, besonders minimale Skulptur, auf einer Verpflichtung mit dem physicality des Zuschauers basiert hat. Er hat behauptet, dass die Arbeit wie Robert Morris die Tat der Betrachtung in einen Typ des Schauspiels umgestaltet hat, in dem der Kunstgriff der Tat-Beobachtung und der Teilnahme des Zuschauers in der Arbeit entschleiert wurde. Fried hat diese Versetzung der Erfahrung des Zuschauers von einer ästhetischen Verpflichtung innerhalb zu einem Ereignis außerhalb der Gestaltungsarbeit als ein Misserfolg der minimalen Kunst gesehen. Der Aufsatz von Fried wurde vom Postminimalisten und Erdkünstler Robert Smithson in einem Leserbrief im Problem im Oktober von Artforum sofort herausgefordert. Smithson hat den folgenden festgesetzt: "Was Fried fürchtet, am meisten ist das Bewusstsein dessen, was er tut - nämlich sich theatralisch zu sein."

Zusätzlich zum bereits erwähnten Robert Morris, Frank Stella, Carl Andre, Robert Ryman und Donald Judd schließen andere minimale Künstler ein: Robert Mangold, Larry Bell, Dan Flavin, Sol LeWitt, Brice Marden, Agnes Martin, Jo Baer, John McCracken, Ad Reinhardt, Fred Sandback, Richard Serra, Tony Smith, Patricia Johanson, Blinky Palermo und Anne Truitt.

Ad Reinhardt, wirklich ein Künstler der Abstrakten expressionistischen Generation, aber derjenige, dessen reduktive fast vollschwarze Bilder geschienen sind, Minimalismus vorauszusehen, hatte das, um über den Wert einer reduktiven Annäherung an die Kunst zu sagen:

Je mehr Zeug darin, desto beschäftigter das Kunststück das schlechtere es ist. Mehr ist weniger. Weniger ist mehr. Das Auge ist eine Bedrohung, Anblick zu klären. Der legende bloße von sich ist obszön. Kunst beginnt mit dem Loswerden der Natur.

Die Bemerkung von Reinhardt richtet direkt und widerspricht der Rücksicht von Hans Hofmann für die Natur als die Quelle seiner eigenen abstrakten expressionistischen Bilder. In einem berühmten Austausch zwischen Hofmann und Jackson Pollock, wie erzählt, durch Lee Krasner in einem Interview mit Dorothy Strickler (1964-11-02) für die Smithsonian Einrichtungsarchive der amerikanischen Kunst. In den Wörtern von Krasner,

"Als ich Hofmann bis dazu brachte, entsprechen Seelachs und sehen seine Arbeit die war, bevor wir uns hier bewegten, war die Reaktion von Hofmann — eine der Fragen er fragte, dass Jackson war, arbeiten Sie nach der Natur? Es gab keine Stillleben ringsherum oder Modelle ringsherum, und die Antwort von Jackson war, ich bin Natur. Und die Antwort von Hofmann war Ah, aber wenn Sie auswendig arbeiten, werden Sie sich wiederholen. Dem Jackson überhaupt nicht geantwortet hat." Die Sitzung zwischen Seelachs und Hofmann hat 1942 stattgefunden.

Literarischer Minimalismus

Literarischer Minimalismus wird durch eine Wirtschaft mit Wörtern und einem Fokus auf der Oberflächenbeschreibung charakterisiert. Minimalist-Autoren enthalten sich Adverbien und ziehen es vor, Zusammenhang zu erlauben, Bedeutung zu diktieren. Wie man erwartet, nehmen Leser eine aktive Rolle in der Entwicklung einer Geschichte, wählen Seiten ", die" auf schiefen Hinweisen und Anspielung gestützt sind, reagieren anstatt auf Richtungen vom Autor. Die Charaktere in Minimalist-Geschichten und Romanen neigen dazu, alltäglich zu sein.

Eine Verbrechen-Fiktion des Zeitalters der 1940er Jahre von Schriftstellern wie James M. Kain und Jim Thompson hat einen unten abgezogenen, sachlichen Prosa-Stil zur beträchtlichen Wirkung angenommen; einige klassifizieren diesen Prosa-Stil als Minimalismus.

Ein anderes Ufer des literarischen Minimalismus ist als Antwort auf die Tendenz von Metafiction der 1960er Jahre und Anfang der 1970er Jahre (John Barth, Robert Coover und William H. Gass) entstanden. Diese Schriftsteller waren auch mit der Prosa Ersatz- und haben eine psychologische Entfernung von ihrem Gegenstand abgehalten.

Minimalist-Autoren, oder schließen diejenigen, die mit dem Minimalismus während bestimmter Perioden ihrer Schreiben-Karrieren identifiziert werden, den folgenden ein: Raymond Carver, Ann Beattie, Bret Easton Ellis, Charles Bukowski, Ernest Hemingway, K. J. Stevens, Amy Hempel, Bobbie Ann Mason, Tobias Wolff, Grace Paley, Sandra Cisneros, Mary Robison, Frederick Barthelme, Richard Ford, Patrick Holland und Alicia Erian.

Amerikanische Dichter wie Stephen Crane, William Carlos Williams, frühe Ezra Pound, Robert Creeley, Robert Grenier und Aram Saroyan werden manchmal mit ihrem Minimalist-Stil erkannt. Der Begriff "Minimalismus" wird auch manchmal mit dem kürzesten von poetischen Genres, Haiku vereinigt, das in Japan entstanden ist, aber in der englischen Literatur von Dichtern wie Nick Virgilio, Raymond Roseliep und George Swede domestiziert worden ist.

Der irische Autor Samuel Beckett ist auch für seine Minimalist-Spiele und Prosa bekannt, wie der norwegische Schriftsteller Jon Fosse ist.

In seinem Roman Die Leichte Kette schließt Autor Evan Dara eine 60-seitige Abteilung ein, die in den Stil des Musikminimalismus insbesondere geschrieben ist, der vom Komponisten Steve Reich begeistert ist. Vorhabend, den Seelenzustand (Aufregung) des Hauptcharakters des Romans zu vertreten, werden auf die aufeinander folgenden Linien der Abteilung des Textes auf wiederholenden und sich entwickelnden Ausdrücken gebaut.

Minimale Musik

Minimale Musik ist ein ursprünglich amerikanisches Genre von experimentellen oder Innenstadt-Musik genannt in den 1960er Jahren gestützt größtenteils in der konsonanten Harmonie, unveränderlicher Puls (wenn nicht unbewegliche Drohnen), Stase oder allmähliche Transformation, und häufig Wiederholung von Musikausdrücken oder kleineren Einheiten wie Zahlen, Motive und Zellen. Es kann Eigenschaften wie zusätzlicher Prozess und Phase-Verschiebung einschließen.

Das Starten am Anfang der 1960er Jahre als eine schmuddlige unterirdische Szene in San Francisco Alternative-Räumen und New Yorker Dachböden, Minimalismus-Ausbreitung, um der populärste experimentelle Musik-Stil des Endes des 20. Jahrhunderts zu werden.

Der Begriff "minimale Musik" wurde 1970 von Michael Nyman vom Konzept des Minimalismus abgeleitet, der früher auf die bildenden Künste angewandt wurde.

Siehe auch

• Liste von Minimalist-Künstlern
• Minimaler techno
• Minimalismus, (rechnend)
• Minimalist-Musik
• Neo-Minimalismus
• Auszug Imagists
• Kapselgarderobe
• Formalismus (Kunst)
• Geometrische Abstraktion
• KUSS-Grundsatz
• Realismus von Kmart
• Lyrische Abstraktion
• Maximalism
• Modularer constructivism
• Monochrome Malerei
• Postminimalismus
• Geformte Leinwand
• Das einfache Leben
• Verbversetzung

Kommentare

1. Asencio Cerver, Francisco (1997). Die Architektur des Minimalismus. New York: Arco; internationale Bücher von Hearst. Internationale Standardbuchnummer 0-8230-6149-3.

2. Bertoni, Franco (2002). Minimalist-Architektur, die von Franco Cantini editiert ist, der aus dem Italiener durch Lucinda Byatt und von den Spaniern durch Paul Hammond übersetzt ist. Basel, Boston und Berlin: Birkhäuser. Internationale Standardbuchnummer 3-7643-6642-7.

3. Rossell, Quim (2005). Minimalist-Innere. New York: Collins Design. Internationale Standardbuchnummer 0-68-817487-6 (Stoff); internationale Standardbuchnummer 0-06-082990-7 (Stoff).

4. Pawson, John (1996). Minimum. London: Phaidon Press Limited. Internationale Standardbuchnummer 0-7148-3262-6.

5. Saito, Yuriko (Winter 2007). Die Moralische Dimension der japanischen Ästhetik. Die Zeitschrift der Ästhetik und Kunstkritik, vol.65, Nr. 1, pp.85-97. Wiederbekommen am 2011-10-18.

6. Lancaster, Ton (September 1953). "Japanische Gebäude in den Vereinigten Staaten vor 1900: Ihr Einfluss auf die amerikanische Innenarchitektur". Die Kunstmeldung, vol. 35, Nr. 3, pp.217-224.

Links

• Artikel über die Minimalist-Kunst am Dia Bakenmuseum "Dia Leuchtfeuer", Tiziano Thomas Dossena, Brücke Apulia die USA N.9, 2003