Oper

Oper (Mehrzahl-Englisch: Opern; Mehrzahl-Italienisch: Opere) ist eine Kunstform, in der Sänger und Musiker leisten, ein dramatischer Arbeitskombinieren-Text (hat ein Libretto genannt), und Musikkerbe, gewöhnlich in einer Theatereinstellung. Oper vereinigt viele der Elemente des gesprochenen Theaters, wie das Handeln, die Landschaft und die Kostüme und schließt manchmal Tanz ein. Die Leistung wird normalerweise in einem Opernhaus gegeben, das von einem Orchester oder kleinerem Musikensemble begleitet ist.

Oper ist ein Teil der klassischen Westmusik-Tradition. Es hat in Italien am Ende des 16. Jahrhunderts (mit verlorenem Dafne von Jacopo Peri angefangen, der in Florenz 1597 erzeugt ist), und hat sich bald durch den Rest Europas ausgebreitet: Schütz in Deutschland, Lully in Frankreich und Purcell in England haben alle geholfen, ihre nationalen Traditionen im 17. Jahrhundert zu gründen. Im 18. Jahrhundert hat italienische Oper fortgesetzt, den grössten Teil Europas zu beherrschen außer Frankreich, ausländische Komponisten wie Handel anziehend. Oper seria war die renommiertste Form der italienischen Oper, bis Gluck gegen seine Künstlichkeit mit seinen "Reform"-Opern in den 1760er Jahren reagiert hat. Heute ist die berühmteste Zahl des Endes der Oper des 18. Jahrhunderts Mozart, der mit der Oper seria begonnen hat, aber wegen seiner italienischen komischen Opern, besonders Die Ehe von Figaro, Don Giovanni, und Anhänger von Così tutte, sowie Der Magischen Flöte, einem Grenzstein in der deutschen Tradition am berühmtesten ist.

Das erste Drittel des 19. Jahrhunderts hat den highpoint des bel Gesang-Stils, mit Rossini, Donizetti und Bellini alle Schaffen-Arbeiten gesehen, die noch heute durchgeführt werden. Es hat auch das Advent von durch die Arbeiten von Meyerbeer typisch gewesener Grand Opera gesehen. Die Mitte-zu-spät des 19. Jahrhunderts war ein "Goldenes Zeitalter" der Oper, die geführt und von Wagner in Deutschland und Verdi in Italien beherrscht ist. Die Beliebtheit der Oper hat im Laufe des verismo Zeitalters in Italien und zeitgenössischer französischer Oper durch Puccini und Strauss am Anfang des 20. Jahrhunderts weitergegangen. Während des 19. Jahrhunderts, passen Sie Operntraditionen an, die in Mittel- und Osteuropa, besonders in Russland und Bohemia erschienen sind. Das 20. Jahrhundert hat viele Experimente mit modernen Stilen, wie atonality und serialism (Schoenberg und Eisberg), Neoklassizismus (Stravinsky) und Minimalismus (Philip Glass und John Adams) gesehen. Mit dem Anstieg, Technologie zu registrieren, sind Sänger wie Enrico Caruso bekannt Zuschauern außer dem Kreis von Opernanhängern geworden. Opern wurden auch auf durchgeführt (und für geschrieben) Radio und Fernsehen.

Opernfachsprache

Die Wörter einer Oper sind als das Libretto (wörtlich "wenig Buch") bekannt. Einige Komponisten, namentlich Richard Wagner, haben ihr eigenes Libretto geschrieben; andere haben in der nahen Kollaboration mit ihren Textdichtern, z.B Mozart mit Lorenzo Da Ponte gearbeitet. Traditionelle Oper, häufig gekennzeichnet als "Zahl-Oper", besteht aus zwei Weisen des Singens: Rezitativ, die Anschlag steuernden in einem Stil gesungenen Durchgänge hat vorgehabt, die Beugungen der Rede und Arie zu imitieren und zu betonen (eine "Luft" oder formelles Lied), in dem die Charaktere ihre Gefühle in einem mehr strukturierten melodischen Stil ausdrücken. Duette, Trio und andere Ensembles kommen häufig vor, und Chöre werden verwendet, um sich über die Handlung zu äußern. In einigen Formen der Oper, wie Singspiel, opéra comique, Operette und Halboper, wird das Rezitativ größtenteils durch den gesprochenen Dialog ersetzt. Melodische oder halbmelodische Durchgänge, die in der Mitte, oder statt, Rezitativ vorkommen, werden auch arioso genannt. Während der Barocken und Klassischen Perioden konnte Rezitativ in zwei grundlegenden Formen erscheinen: (Trockenes) Rezitativ von secco, begleitet nur durch das Continuo, das gewöhnlich ein Kielflügel und ein Cello war; oder accompagnato (auch bekannt als strumentato), in dem das Orchester Begleitung zur Verfügung gestellt hat. Vor dem 19. Jahrhundert hatte accompagnato die Oberhand gewonnen, das Orchester hat eine viel größere Rolle gespielt, und Richard Wagner hat Oper revolutioniert, indem er fast die ganze Unterscheidung zwischen Arie und Rezitativ auf seiner Suche danach abgeschafft hat, was er "endlose Melodie" genannt hat. Nachfolgende Komponisten haben dazu geneigt, dem Beispiel von Wagner zu folgen, obwohl einige, wie Stravinsky in seinem der Fortschritt des Rechens die Tendenz angegriffen haben. Die Fachsprache der verschiedenen Arten von Opernstimmen wird im Detail unten beschrieben.

Geschichte

Ursprünge

Die Wortoper hat "Arbeit" in Italienisch vor (es ist die Mehrzahl-von der lateinischen Opus-Bedeutung "Arbeit" oder "Arbeit") das Vorschlagen, dass es die Künste von Solo und Chorsingen, Deklamation, Handeln und Tanzen in einem inszenierten Schauspiel verbindet. Dafne durch Jacopo Peri war die frühste Zusammensetzung betrachtet als Oper, wie verstanden, heute. Es wurde 1597 größtenteils unter der Inspiration eines Auslesekreises von des Lesens und Schreibens kundigen florentinischen Humanisten geschrieben, die sich als "Camerata de' Bardi" versammelt haben. Bedeutsam war Dafne ein Versuch, das klassische griechische Drama, den Teil des breiteren Wiederauflebens der Altertümlichkeitseigenschaft der Renaissance wiederzubeleben. Die Mitglieder von Camerata haben gedacht, dass die "Chor"-Teile von griechischen Dramen, und vielleicht sogar der komplette Text aller Rollen ursprünglich gesungen wurden; Oper wurde so als eine Weise konzipiert, diese Situation "wieder herzustellen". Dafne wird leider verloren. Eine spätere Arbeit von Peri, Euridice, von 1600 datierend, ist die erste Opernkerbe, um bis zu den heutigen Tag überlebt zu haben. Die Ehre, die erste Oper noch zu sein, um regelmäßig jedoch durchgeführt zu werden, geht zum L'Orfeo von Claudio Monteverdi, der für das Gericht von Mantua 1607 zusammengesetzt ist. Das Mantua Gericht von Gonzagas, Arbeitgeber von Monteverdi, hat eine bedeutende Rolle im Ursprung der Opernbeschäftigung nicht nur Gerichtssänger des Konzertes delle donne (bis 1598), sondern auch einer der ersten wirklichen "Opernsänger" gespielt; Madama Europa.

Italienische Oper

Das Barocke Zeitalter

Oper ist beschränkt zu Gerichtszuschauern lange nicht geblieben. 1637 ist die Idee einer "Jahreszeit" (Karneval) öffentlich aufgewarteter durch Karte-Verkäufe unterstützter Opern in Venedig erschienen. Monteverdi hatte sich zur Stadt von Mantua bewegt und seine letzten Opern, Il ritorno d'Ulisse in patria und L'incoronazione di Poppea für das venezianische Theater in den 1640er Jahren zusammengesetzt. Sein wichtigster Anhänger Francesco Cavalli hat geholfen, Oper überall in Italien auszubreiten. In diesen frühen Barocken Opern wurde breite Komödie mit tragischen Elementen in einer Mischung vermischt, die einige gebildete Feingefühle kreischen gelassen hat, die erste von vielen Reformbewegungen der Oper befeuernd, die von Venedigs arkadischer Akademie gesponsert sind, die gekommen ist, um mit dem Dichter Metastasio vereinigt zu werden, dessen Libretto geholfen hat, das Genre der Oper seria zu kristallisieren, der die Hauptform der italienischen Oper bis zum Ende des 18. Jahrhunderts geworden ist. Sobald das Ideal von Metastasian fest gegründet worden war, wurde die Komödie in der Oper des Barocken Zeitalters dafür vorbestellt, was gekommen ist, um Oper buffa genannt zu werden.

Bevor solche Elemente aus der Oper seria gezwungen wurden, hatte vieles Libretto einen sich getrennt entfaltenden komischen Anschlag als Sorte einer "Oper innerhalb einer Oper" gezeigt. Ein Grund dafür war ein Versuch, Mitglieder der wachsenden Handelsklasse, kürzlich wohlhabend, aber noch weniger kultiviert anzuziehen, als der Adel zu den öffentlichen Opernhäusern. Diese getrennten Anschläge wurden fast in einer sich getrennt entwickelnden Tradition sofort wieder belebt, die teilweise auf den commedia dell'arte, ein langes Blühen improvisatory Bühne-Tradition Italiens zurückzuführen gewesen ist. Da intermedi einmal Zwischending die Taten von Bühne-Spielen durchgeführt worden war, wurden Opern im neuen komischen Genre von "Intermezzos", die sich größtenteils in Naples in den 1710er Jahren und 20er Jahren entwickelt haben, während der Pausen der Oper seria am Anfang inszeniert. Sie sind so populär jedoch geworden, dass sie bald als getrennte Produktion angeboten wurden.

Oper seria wurde im Ton erhoben und hoch in der Form stilisiert, gewöhnlich aus dem secco lange Arien von da capo eingestreuten Rezitativ bestehend. Diese haben große Gelegenheit für das Virtuosic-Singen gewährt, und während des Goldenen Zeitalters der Oper seria der Sänger ist wirklich der Stern geworden. Die Rolle des Helden wurde gewöhnlich für die Kastrat-Stimme geschrieben; Kastraten wie Farinelli und Senesino, sowie weibliche Soprane wie Faustina Bordoni, sind in der großen Nachfrage überall in Europa geworden, weil Oper seria über die Bühne in jedem Land außer Frankreich geherrscht hat. Tatsächlich war Farinelli der berühmteste Sänger des 18. Jahrhunderts. Italienische Oper hat den Barocken Standard festgelegt. Italienisches Libretto war die Norm, selbst wenn sich ein deutscher Komponist wie Handel gefunden hat, für Londoner Zuschauer schreibend. Italienisches Libretto ist dominierend in der klassischen Periode ebenso zum Beispiel in den Opern von Mozart geblieben, der in Wien in der Nähe vom Ende des Jahrhunderts geschrieben hat. Führung von Komponisten italienischen Ursprungs der Oper seria schließt Alessandro Scarlatti, Vivaldi und Porpora ein.

Reform: Gluck, der Angriff auf das Ideal von Metastasian und Mozart

Oper seria hatte seine Schwächen und Kritiker. Der Geschmack für die Dekoration im Auftrag der herrlich erzogenen Sänger und der Gebrauch des Schauspiels als ein Ersatz für die dramatische Reinheit und Einheit haben Angriffe gezogen. Der Aufsatz von Francesco Algarotti auf der Oper (1754) hat sich erwiesen, eine Inspiration für die Reformen von Christoph Willibald Gluck zu sein. Er hat diese Oper seria verteidigt musste zu Grundlagen zurückkehren, und dass alle verschiedenen Elemente — Musik (sowohl instrumental als auch stimmlich), Ballett, und inszenierend — dem überwiegenden Drama unterwürfig sein muss. Mehrere Komponisten der Periode, einschließlich Niccolò Jommellis und Tommaso Traettas, versucht, um diese Ideale in die Praxis umzusetzen. Das erste, um jedoch erfolgreich zu sein, war Gluck. Gluck hat sich gemüht, eine "schöne Einfachheit" zu erreichen. Das ist in seiner ersten Reformoper, Hrsg. von Orfeo Euridice offensichtlich, wo seine non-virtuosic stimmlichen Melodien durch einfache Harmonien und eine reichere Orchester-Anwesenheit überall unterstützt werden.

Die Reformen von Gluck haben Klangfülle überall in der Operngeschichte gehabt. Weber, Mozart und Wagner war insbesondere unter Einfluss seiner Ideale. Mozart, auf viele Weisen der Nachfolger von Gluck, hat einen herrlichen Sinn von Drama, Harmonie, Melodie und Kontrapunkt verbunden, um eine Reihe von Komödien, namentlich Anhänger von Così tutte, Die Ehe von Figaro und Don Giovanni zu schreiben (in der Kollaboration mit Lorenzo Da Ponte), die unter den am meisten geliebten, populären und wohl bekannten Opern heute bleiben. Aber der Beitrag von Mozart zur Oper seria wurde mehr gemischt; vor seiner Zeit ließ es, und trotz solcher feinen Arbeiten als Idomeneo und La clemenza di Tito nach, er würde nicht schaffen, die Kunstform zurück wieder lebendig werden zu lassen.

Gesang von Bel, Verdi und verismo

Die bel Gesang-Opernbewegung ist am Anfang des 19. Jahrhunderts gediehen und wird von den Opern von Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante und vielen anderen veranschaulicht. Wörtlich "ist das schöne Singen", bel Gesang-Oper auf die italienische stilistische singende Schule desselben Namens zurückzuführen. Gesang-Linien von Bel sind normalerweise blühend und kompliziert, höchste Behändigkeit und Wurf-Kontrolle verlangend.

Im Anschluss an das bel Gesang-Zeitalter wurde ein direkterer, kräftiger Stil von Giuseppe Verdi schnell verbreitet, mit seiner biblischen Oper Nabucco beginnend. Die Opern von Verdi haben mit dem wachsenden Geist des italienischen Nationalismus im postnapoleonischen Zeitalter mitgeschwungen, und er ist schnell eine Ikone der patriotischen Bewegung geworden (obwohl seine eigene Politik vielleicht nicht ganz so radikal war). Am Anfang der 1850er Jahre hat Verdi seine drei populärsten Opern erzeugt: Rigoletto, Illinois trovatore und La traviata. Aber er hat fortgesetzt, seinen Stil zu entwickeln, vielleicht größte französische Grand Opera, Don Carlos zusammensetzend, und seine Karriere mit zwei von Shakespeare inspirierten Arbeiten, Otello und Falstaff beendend, die offenbaren, wie weit italienische Oper in der Kultiviertheit seit dem Anfang des 19. Jahrhunderts gewachsen war.

Nach Verdi ist das sentimentale "realistische" Melodrama von verismo in Italien erschienen. Das war ein Stil, der durch Cavalleria rusticana von Pietro Mascagni und den Pagliacci von Ruggiero Leoncavallo eingeführt ist, der eigentlich gekommen ist, um die Opernstufen in der Welt mit solchen populären Arbeiten als der La bohème von Giacomo Puccini, Tosca und Madama Schmetterling zu beherrschen. Spätere italienische Komponisten, wie Berio und Nono, haben mit dem Modernismus experimentiert.

Oper der deutschen Sprache

Die erste deutsche Oper war Dafne, der von Heinrich Schütz 1627 zusammengesetzt ist, aber die Musik-Kerbe hat nicht überlebt. Italienische Oper hat ein großes Schwanken über deutschsprachige Länder bis zum Ende des 18. Jahrhunderts gehalten. Dennoch haben sich heimische Formen auch entwickelt. 1644 hat Sigmund Staden ersten Singspiel, eine populäre Form der Oper der Deutschen Sprache in der singende Stellvertreter mit dem gesprochenen Dialog erzeugt. Gegen Ende des 17. Jahrhunderts und Anfang des 18. Jahrhunderts ist das Theater Gänsemarkt in Hamburgs präsentierten deutschen Opern durch Keiser, Telemann und Handel. Und doch haben viele der deutschen Hauptkomponisten der Zeit, einschließlich Handels selbst, sowie Graun, Hasses und später Glucks, beschlossen, die meisten ihrer Opern auf Fremdsprachen, besonders italienisch zu schreiben.

Der Singspiele von Mozart, Sterben Sie Dem. von Entführung aus Serail (1782) und Sterben Sie Zauberflöte (1791) waren ein wichtiger Durchbruch im Erzielen internationaler Anerkennung für die deutsche Oper. Die Tradition wurde im 19. Jahrhundert von Beethoven mit seinem Fidelio entwickelt, der durch das Klima der französischen Revolution begeistert ist. Carl Maria von Weber hat deutsche Romantische Oper entgegen der Überlegenheit des italienischen bel Gesangs eingesetzt. Sein Der Freischütz (1821) Shows sein Genie, für eine übernatürliche Atmosphäre zu schaffen. Andere Opernkomponisten der Zeit schließen Marschner, Schubert, Schumann und Lortzing ein, aber die bedeutendste Zahl war zweifellos Wagner.

Wagner war einer der revolutionärsten und umstrittenen Komponisten in der Musikgeschichte. Unter dem Einfluss von Weber und Meyerbeer anfangend, hat er allmählich ein neues Konzept der Oper als Gesamtkunstwerk (ein "ganzes Kunststück"), eine Fusion der Musik, Dichtung und Malerei entwickelt. In seinen reifen Musik-Dramen, Tristan und Isolde, Die Meistersinger von Nürnberg, Der Ring des Nibelungen und Parsifal, hat er die Unterscheidung zwischen Arie und Rezitativ zu Gunsten von einem nahtlosen Fluss der "endlosen Melodie" abgeschafft. Er hat außerordentlich die Rolle und Macht des Orchesters vergrößert, Hunderte mit einem komplizierten Web von leitmotivs, wiederkehrende Themen schaffend, die häufig mit den Charakteren und Konzepten des Dramas vereinigt sind; und er war bereit, akzeptierte Musikvereinbarung wie Klangfarbe auf seiner Suche nach größerem expressivity zu verletzen. Wagner hat auch eine neue philosophische Dimension zur Oper in seinen Arbeiten gebracht, die gewöhnlich auf Geschichten aus dem Germanisch oder der Legende von Arthurian basiert haben. Schließlich hat Wagner sein eigenes Opernhaus an Bayreuth gebaut, das exklusiv dem Durchführen seiner eigenen Arbeiten im Stil gewidmet ist, den er gewollt hat.

Oper würde dasselbe nach Wagner nie sein, und für viele Komponisten hat sein Vermächtnis eine drückende Last bewiesen. Andererseits hat Richard Strauss Wagnerianische Ideen akzeptiert, aber hat sie in ganz neuen Richtungen genommen. Er hat zuerst Berühmtheit mit der skandalösen Salome und der dunklen Tragödie Elektra gewonnen, in der Klangfarbe zu den Grenzen gestoßen wurde. Dann hat Strauss Stift in seinem größten Erfolg, Der Rosenkavalier geändert, wo Mozart und wienerische Walzer ein so wichtiger Einfluss geworden sind wie Wagner. Strauss hat fortgesetzt, einen hoch verschiedenen Körper von Opernarbeiten häufig mit dem Libretto durch den Dichter Hugo von Hofmannsthal direkt herauf bis Capriccio 1942 zu erzeugen. Andere Komponisten, die individuelle Beiträge zur deutschen Oper am Anfang des 20. Jahrhunderts geleistet haben, schließen Zemlinsky, Korngold, Schreker, Hindemith, Kurt Weill und den Ferruccio Busoni italienischen Ursprungs ein. Die Opernneuerungen von Arnold Schoenberg und seinen Nachfolgern werden in der Abteilung auf dem Modernismus besprochen.

Französische Oper

In der Konkurrenz mit der importierten italienischen Opernproduktion wurde eine getrennte französische Tradition vom Italiener Jean-Baptiste Lully am Gericht von König Louis XIV gegründet. Trotz seines Auslandsursprungs hat Lully eine Musikhochschule eingesetzt und hat französische Oper von 1672 monopolisiert. Mit Cadmus und Hermione anfangend, haben Lully und sein Textdichter Quinault tragédie en musique, eine Form geschaffen, in der Tanzmusik und das Chorschreiben besonders prominent waren. Die Opern von Lully zeigen auch eine Sorge für das ausdrucksvolle Rezitativ, das die Konturen der Französischen Sprache verglichen hat. Im 18. Jahrhundert war der wichtigste Nachfolger von Lully Jean-Philippe Rameau, der fünf tragédies en musique sowie zahlreiche Arbeiten in anderen Genres wie Opéra-Ballett, die ganze Standesperson für ihre reiche Orchesterbearbeitung und harmonische Kühnheit zusammengesetzt hat. Nach dem Tod von Rameau wurde der deutsche Gluck überzeugt, sechs Opern für die Pariser Bühne in den 1770er Jahren zu erzeugen. Sie zeigen den Einfluss von Rameau, aber vereinfacht und mit dem größeren Fokus auf dem Drama. Zur gleichen Zeit bis zur Mitte des 18. Jahrhunderts gewann ein anderes Genre Beliebtheit in Frankreich: opéra comique. Das war die Entsprechung vom deutschen singspiel, wo Arien mit dem gesprochenen Dialog abgewechselt haben. Bemerkenswerte Beispiele in diesem Stil wurden von Monsigny, Philidor und, vor allem, Grétry erzeugt. Während der Revolutionären Periode haben Komponisten wie Méhul und Cherubini, die Anhänger von Gluck waren, einen neuen Ernst zum Genre gebracht, das jedenfalls nie "ganz komisch" gewesen war. Ein anderes Phänomen dieser Periode war die 'Propaganda-Oper' das Feiern revolutionärer Erfolge, z.B der Le triomphe de la République von Gossec (1793).

Vor den 1820er Jahren hatte der Einfluss von Gluckian in Frankreich zu einem Geschmack für den italienischen bel Gesang besonders nach der Ankunft von Rossini in Paris nachgegeben. Guillaume Tell von Rossini hat geholfen hat das neue Genre von Grand Opera, eine Form gefunden, deren berühmteste Hochzahl ein anderer Ausländer, Giacomo Meyerbeer war. Die Arbeiten von Meyerbeer, wie Les Huguenots haben Virtuosen betont, der singt und außergewöhnliche Bühneneffekte. Leichter hat opéra comique auch enormen Erfolg in den Händen von Boïeldieu, Auber, Hérold und Adolphe Adam genossen. In diesem Klima haben sich die Opern des Komponisten französischen Ursprungs Hector Berlioz angestrengt, ein Hören zu gewinnen. Das epische Meisterwerk von Berlioz Les Troyens, der Höhepunkt der Tradition von Gluckian, wurde keine volle Leistung seit fast hundert Jahren gegeben.

In der zweiten Hälfte des 19. Jahrhunderts hat Jacques Offenbach Operette mit witzigen und zynischen Arbeiten wie Orphée aux enfers, sowie die Oper Les Contes d'Hoffmann geschaffen; Charles Gounod hat einen massiven Erfolg mit Faust eingekerbt; und Bizet hat Carmen zusammengesetzt, die, sobald Zuschauer gelernt haben, seine Mischung der Romantik und des Realismus zu akzeptieren, der populärste vom ganzen opéra comiques geworden ist. Massenet, Saint-Saëns und Delibes alle gelassenen Arbeiten, die noch ein Teil des Standardrepertoires sind. Zur gleichen Zeit wurde der Einfluss von Richard Wagner als eine Herausforderung an die französische Tradition gefühlt. Viele französische Kritiker haben verärgert die Musik-Dramen von Wagner zurückgewiesen, während viele französische Komponisten sie nah mit dem variablen Erfolg imitiert haben. Vielleicht ist die interessanteste Antwort aus Claude Debussy gekommen. Als in den Arbeiten von Wagner spielt das Orchester eine Hauptrolle in der einzigartigen Oper von Debussy Pelléas und Mélisande (1902), und es gibt keine echten Arien, nur Rezitativ. Aber das Drama wird heruntergespielt, rätselhaft und völlig unwagnerianisch.

Andere bemerkenswerte Namen des 20. Jahrhunderts schließen Verwirrung, Dukas, Roussel und Milhaud ein. Francis Poulenc ist einer der sehr wenigen Nachkriegskomponisten jeder Staatsbürgerschaft, deren Opern (die Dialogues des Carmélites einschließen) eine Fußstütze im internationalen Repertoire gewonnen haben. Der lange heilige Drama-Heilige von Olivier Messiaen François d'Assise (1983) hat auch weit verbreitete Aufmerksamkeit angezogen.

Englischsprachige Oper

In England war das vorangegangene Ereignis der Oper die Bohrvorrichtung des 17. Jahrhunderts. Das war ein afterpiece, der am Ende eines Spieles gekommen ist. Es war oft verleumderisch und Schande und hat in der Hauptsache der vertonten von populären Melodien eingeordneten Musik des Dialogs bestanden. In dieser Beziehung sehen Bohrvorrichtungen die Ballade-Opern des 18. Jahrhunderts voraus. Zur gleichen Zeit gewann das französische Maskenspiel ein Unternehmen halten am englischen Gericht, mit der noch mehr großzügigen Pracht und hoch realistischen Landschaft, als es vorher gesehen worden war. Inigo Jones ist der wesentliche Entwerfer dieser Produktion geworden, und dieser Stil war, die englische Bühne seit drei Jahrhunderten zu beherrschen. Diese Maskenspiele haben Lieder und Tänze enthalten. In den Geliebten von Ben Jonson Gemachte Männer (1617), "wurde das ganze Maskenspiel nach der italienischen Weise, stilo recitativo gesungen".

Die Annäherung des englischen Commonwealth hat Theater geschlossen und hat irgendwelche Entwicklungen gehalten, die zur Errichtung der englischen Oper geführt haben können. Jedoch, 1656, hat der Dramatiker Herr William Davenant Die Belagerung des Rhodos erzeugt. Seitdem sein Theater nicht lizenziert wurde, Drama zu erzeugen, hat er mehrere der Hauptkomponisten (Lawes, Cooke, Locke, Coleman und Hudson) gebeten, Abteilungen davon zur Musik zu setzen. Diesem Erfolg wurde von Der Entsetzlichkeit der Spanier in Peru (1658) und Die Geschichte von Herrn Francis Drake (1659) gefolgt. Diese Stücke wurden von Oliver Cromwell gefördert, weil sie gegenüber Spanien kritisch waren. Mit der englischen Wiederherstellung wurden ausländische (besonders französische) Musiker zurück begrüßt. 1673, die Seele von Thomas Shadwell, die nach 1671 'Comédie-Ballett' desselben Namens gestaltet ist, der von Molière und Jean-Baptiste Lully erzeugt ist. William Davenant hat Das Gewitter in demselben Jahr erzeugt, das die erste Musikanpassung eines Spieles von Shakespeare (zusammengesetzt von Locke und Johnson) war. 1683 hat John Blow Venus und Adonis, häufig Gedanken als die erste wahre Englischsprachige Oper zusammengesetzt.

Der unmittelbare Nachfolger des Schlags war der besser bekannte Henry Purcell. Trotz des Erfolgs seiner masterwork Didos und Aeneas (1689), in dem die Handlung durch den Gebrauch des italienisch-artigen Rezitativs gefördert wird, wurde viel von der besten Arbeit von Purcell am Bestehen aus der typischen Oper nicht beteiligt, aber stattdessen hat er gewöhnlich innerhalb der Einschränkungen des Halbopernformats gearbeitet, wo isolierte Szenen und Maskenspiele innerhalb der Struktur eines gesprochenen Spieles, wie Shakespeare in Purcell Die Feenhafte Königin (1692) und Beaumont und Fletcher in Der Prophetin (1690) und Bonduca (1696) enthalten werden. Die Hauptcharaktere des Spieles neigen dazu, an den Musikszenen nicht beteiligt zu werden, was bedeutet, dass Purcell selten im Stande gewesen ist, seine Charaktere durch das Lied zu entwickeln. Trotz dieser Hindernisse sollte sein Ziel (und dieser seines Mitarbeiters John Dryden) ernste Oper in England, aber diese Hoffnungen gründen, die mit dem frühen Tod von Purcell im Alter von 36 Jahren beendet sind.

Folgender Purcell, die Beliebtheit der Oper in England hat seit mehreren Jahrzehnten abgenommen. Ein wiederbelebtes Interesse an der Oper ist in den 1730er Jahren vorgekommen, der Thomas Arne sowohl für seine eigenen Zusammensetzungen größtenteils zugeschrieben wird als auch um Handel zu den kommerziellen Möglichkeiten von groß angelegten Arbeiten in Englisch zu alarmieren. Arne war der erste englische Komponist, um mit der italienisch-artigen vollgesungenen komischen Oper mit seinem größten Erfolg zu experimentieren, der Thomas und Sally 1760 ist. Seine Oper war Artaxerxes (1762) der erste Versuch, eine voll aufgeblühte Oper seria in Englisch zu setzen, und war ein riesiger Erfolg, die Bühne bis zu den 1830er Jahren haltend. Obwohl Arne viele Elemente der italienischen Oper imitiert hat, war er vielleicht der einzige englische Komponist damals, der im Stande gewesen ist, sich außer den italienischen Einflüssen zu bewegen und seine eigene einzigartige und ausgesprochen englische Stimme zu schaffen. Seine modernisierte Ballade-Oper, Liebe in einem Dorf (1762), hat eine Mode für die Pasticcio-Oper begonnen, die gut ins 19. Jahrhundert gedauert hat. Charles Burney hat geschrieben, dass Arne "eine leichte, angenehme und ursprüngliche Luftmelodie eingeführt hat, die von diesem von Purcell oder Handel ganz verschieden ist, den alle englischen Komponisten entweder ausgeplündert oder imitiert hatten".

Außer Arne war die andere vorherrschende Kraft in der englischen Oper in dieser Zeit George Frideric Handel, dessen Oper serias London Opernstufen seit Jahrzehnten gefüllt hat, und die meisten einheimischen Komponisten wie John Frederick Lampe beeinflusst hat, der verwendende italienische Modelle geschrieben hat. Diese Situation hat im Laufe der 18. und 19. Jahrhunderte, einschließlich in der Arbeit von Michael William Balfe und den Opern der großen italienischen Komponisten weitergegangen, sowie diejenigen von Mozart, Beethoven und Meyerbeer, haben fortgesetzt, die Musikbühne in England zu beherrschen.

Die einzigen Ausnahmen waren Ballade-Opern, wie John Gay die Oper des Bettlers (1728), Musikburlesken, europäische Operetten, und späte viktorianische Zeitalter-Licht-Opern, namentlich die Opern von Wirsingkohl von W. S. Gilbert und Arthur Sullivan, allem von dem Typen von Musikunterhaltungen oft spoofed Opernvereinbarung. Sullivan hat nur einer großartiger Oper, Ivanhoe geschrieben (im Anschluss an die Anstrengungen mehrerer junger englischer Komponisten, die 1876 beginnen), aber er hat behauptet, dass sogar seine leichten Opern einen Teil einer Schule "der englischen" Oper, beabsichtigt eingesetzt haben, um die französischen Operetten zu verdrängen (gewöhnlich durchgeführt in schlechten Übersetzungen), der die Londoner Bühne von der Mitte des 19. Jahrhunderts in die 1870er Jahre beherrscht hatte. Londons Täglicher Fernschreiber hat zugestimmt, Die Freisassen des Wächters beschreibend, weil "eine echte englische Oper, Vorzeichen von vielen anderen, uns, und vielleicht bedeutend für einen Fortschritt zu einer nationalen lyrischen Bühne hat hoffen lassen."

Im 20. Jahrhundert hat englische Oper begonnen, mehr Unabhängigkeit mit Arbeiten von Ralph Vaughan Williams und in besonderem Benjamin Britten zu behaupten, der in einer Reihe von Arbeiten, die im Standardrepertoire heute bleiben, ein ausgezeichnetes Talent für die dramatische und herrliche Musikalität offenbart hat. Heute setzen Komponisten wie Thomas Adès fort, englische Oper auswärts zu exportieren. Mehr kürzlich ist Herr Harrison Birtwistle als einer von Großbritanniens bedeutendsten zeitgenössischen Komponisten von seiner ersten Oper Schlag und Judy zu seinem neusten kritischen Erfolg im Minotaur erschienen. Im ersten Jahrzehnt des 21. Jahrhunderts hat sich der Textdichter einer frühen Oper von Birtwistle, Michael Nyman, darauf konzentriert, Opern, einschließlich der Einfassungen Goya, und Liebe Grafe zusammenzusetzen.

Auch im 20. Jahrhundert haben amerikanische Komponisten wie Leonard Bernstein, George Gershwin, Gian Carlo Menotti, Douglas Moore und Carlisle Floyd begonnen beizutragen Englischsprachige Opern haben mit Berührungen von populären Musikstilen aufgegossen. Ihnen wurde von Komponisten wie Philip Glass, Mark Adamo, John Corigliano, Robert Moran, John Coolidge Adams und Jake Heggie gefolgt.

Russische Oper

Oper wurde nach Russland in den 1730er Jahren durch die italienischen Operntruppen gebracht, und bald ist es ein wichtiger Teil der Unterhaltung für das russische Reichsgericht und die Aristokratie geworden. Viele ausländische Komponisten wie Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti und Domenico Cimarosa (sowie verschieden andere) wurden nach Russland eingeladen, neue Opern größtenteils auf der italienischen Sprache zusammenzusetzen. Gleichzeitig wurden einige Innenmusiker wie Maksym Berezovsky und Dmitry Bortniansky auswärts gesandt, um zu lernen, Opern zu schreiben. Die erste in Russisch geschriebene Oper war Tsefal i Prokris durch den italienischen Komponisten Francesco Araja (1755). Die Entwicklung der russischsprachigen Oper wurde von den russischen Komponisten Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin und Alexey Verstovsky unterstützt.

Jedoch ist die echte Geburt der russischen Oper mit Michail Glinka und seinen zwei großen Opern Ein Leben für den Zaren (1836) und Ruslan und Lyudmila (1842) gekommen. Nach ihm im 19. Jahrhundert in Russland dort wurden solche Opernmeisterwerke als Rusalka und Der Steingast von Alexander Dargomyzhsky, Boris Godunov und Khovanshchina von Modest Mussorgsky, Prinzen Igor von Alexander Borodin, Eugene Onegin und Der Pikdame von Pyotr Tchaikovsky, und Der Schnee-Jungfrau und Sadko von Nikolai Rimsky-Korsakov geschrieben. Diese Entwicklungen haben das Wachstum des russischen Nationalismus über das künstlerische Spektrum als ein Teil von mehr Bewegung von General Slavophilism widergespiegelt.

Im 20. Jahrhundert wurden die Traditionen der russischen Oper von vielen Komponisten einschließlich Sergei Rachmaninoffs in seinen Arbeiten Der Geizige Knight und Francesca da Rimini, Igor Stravinsky in Le Rossignol, Mavra, König von Oedipus, und der Fortschritt des Rechens, Sergei Prokofiev im Spieler, Der Liebe zu Drei Orangen, Dem Glühenden Engel, der Verlobung in einem Kloster, und dem Krieg und dem Frieden entwickelt; sowie Dmitri Shostakovich in Der Nase und Dame Macbeth des Bezirks Mtsensk, Edison Denisov in L'écume des jours und Alfred Schnittke im Leben mit einem Idioten und Historia von D. Johann Fausten.

Andere nationale Opern

Spanien hat auch seine eigene kennzeichnende Form der Oper, bekannt als zarzuela erzeugt, der zwei getrennte flowerings hatte: ein von der Mitte des 17. Jahrhunderts bis die Mitte des 18. Jahrhunderts, und ein anderer Anfang 1850. Während des Endes des 18. Jahrhunderts herauf bis die Mitte des 19. Jahrhunderts war italienische Oper in Spanien unermesslich populär, die heimische Form verdrängend.

Tschechische Komponisten haben auch eine blühende nationale Opernbewegung ihres eigenen im 19. Jahrhundert entwickelt, mit Bedřich Smetana anfangend, der acht Opern einschließlich des international populären Die Umgetauschte Braut geschrieben hat. Antonín Dvořák, der wegen Rusalka am berühmtesten ist, hat 13 Opern geschrieben; und Leoš Janáček hat internationale Anerkennung im 20. Jahrhundert für seine innovativen Arbeiten einschließlich Jenůfa, Der Schlauen Kleinen Füchsin und des Káťa Kabanová gewonnen.

Die Schlüsselfigur der ungarischen nationalen Oper war im 19. Jahrhundert Ferenc Erkel, dessen sich Arbeiten größtenteils mit historischen Themen befasst haben. Unter seinen meistenteils durchgeführten Opern sind Hunyadi László und Bánk bán. Die berühmteste moderne ungarische Oper ist das Schloss von Duke Bluebeard von Béla Bartók.

Stanisław Oper von Moniuszko Straszny Dwór (in Englisch Das Verfolgte Herrenhaus) (1861-4) vertritt eine Spitze des neunzehnten Jahrhunderts der polnischen nationalen Oper. Im 20. Jahrhundert haben andere von polnischen Komponisten geschaffene Opern König Roger durch Karol Szymanowski und Ubu Rex durch Krzysztof Penderecki eingeschlossen.

Frühe Opern vom Gebiet von Kaukasus schließen Leyli und Majnun (1907) durch den aserbaidschanischen Komponisten Uzeyir Hajibeyov und Absalom und Eteri (1913-1919) durch den Georgier Zakaria Paliashvili ein.

Zeitgenössisch, neu, und Modernist-Tendenzen

Modernismus

Vielleicht ist die offensichtlichste stilistische Manifestation des Modernismus in der Oper die Entwicklung von atonality. Die Bewegung weg von der traditionellen Klangfarbe in der Oper hatte mit Richard Wagner, und insbesondere dem Akkord von Tristan begonnen. Komponisten wie Richard Strauss, Claude Debussy, Giacomo Puccini, Paul Hindemith und Hans Pfitzner haben Wagnerianische Harmonie weiter mit einem mehr äußersten Gebrauch von chromaticism und größerem Gebrauch der Dissonanz gestoßen.

Opernmodernismus hat aufrichtig in den Opern von zwei wienerischen Komponisten, Arnold Schoenberg und seinem Studenten Alban Berg, sowohl Komponisten als auch Verfechter von atonality und seiner späteren Entwicklung (wie ausgearbeitet, durch Schoenberg), dodecaphony begonnen. Die frühen musico-dramatischen Arbeiten von Schoenberg, Erwartung (1909, premiered 1924) und Sterben Glückliche-Hand zeigt schweren Gebrauch der chromatischen Harmonie und Dissonanz im Allgemeinen. Schoenberg hat auch gelegentlich Sprechstimme verwendet, den er als beschrieben hat: "Das Stimmensteigen und Fallen hinsichtlich der angezeigten Zwischenräume und alles, zusammen mit der Zeit und dem Rhythmus der Musik außer gebunden werden, wo eine Pause angezeigt wird".

Die zwei Opern des Schülers von Schoenberg Alban Berg, Wozzeck (1925) und Lulu (unvollständig an seinem Tod 1935) teilen viele derselben Eigenschaften, wie beschrieben, oben, obwohl Berg seine hoch persönliche Interpretation der Zwölftontechnik von Schoenberg mit melodischen Durchgängen einer traditioneller tonalen Natur verbunden hat (ganz Mahlerian im Charakter), der vielleicht teilweise erklärt, warum seine Opern im Standardrepertoire, trotz ihrer umstrittenen Musik und Anschläge geblieben sind. Die Theorien von Schoenberg haben (irgendein direkt oder indirekt) bedeutende Anzahlen von Opernkomponisten seitdem beeinflusst, selbst wenn sie selbst das Verwenden seiner Techniken nicht zusammengesetzt haben.

Komponisten haben so beeinflusst schließen den Engländer Benjamin Britten, der Deutsche Hans Werner Henze und der russische Dmitri Shostakovich ein. (Philip Glass macht auch von atonality Gebrauch, obwohl sein Stil allgemein als Minimalist beschrieben wird, gewöhnlich hat als eine andere Entwicklung des 20. Jahrhunderts gedacht.)

Jedoch hat der Gebrauch des Opernmodernismus von atonality auch einen Rückstoß in der Form des Neoklassizismus befeuert. Ein früher Führer dieser Bewegung war Ferruccio Busoni, der 1913 das Libretto für seine neoklassizistische Zahl-Oper Arlecchino (zuerst durchgeführt 1917) geschrieben hat. Auch unter der Vorhut war der russische Igor Stravinsky. Nach dem Bestehen der Musik für die Diaghilev-erzeugten Ballette Petrushka (1911) und Der Ritus des Frühlings (1913) hat sich Stravinsky Neoklassizismus, eine Entwicklung zugewandt, die in seinem Opernoratorium Oedipus Rex (1927) kulminiert. Ganz nach seinen Rimsky-Korsakov-Inspired-Arbeiten hat Die Nachtigall (1914), und Mavra (1922), Stravinsky fortgesetzt, serialist Technik zu ignorieren, und hat schließlich einer flüggen 18. jahrhundertartigen diatonischen Zahl-Oper den Fortschritt des Rechens (1951) geschrieben. Sein Widerstand gegen serialism (der am Tod von Schoenberg geendet hat) hat sich erwiesen, eine Inspiration für viele andere Komponisten zu sein.

Andere Tendenzen

Eine allgemeine Tendenz im Laufe des 20. Jahrhunderts, sowohl in der Oper als auch im allgemeinen Orchesterrepertoire, ist der Gebrauch von kleineren Orchestern als ein Kostenverringerungsmaß; die großartigen Orchester des Romantischen Zeitalters mit riesigen Schnur-Abteilungen, vielfachen Harfen, Extrahörnern und exotischen Schlagzeug-Instrumenten waren nicht mehr ausführbar. Als private und Regierungsschirmherrschaft von den im Laufe des 20. Jahrhunderts verminderten Künsten wurden neue Arbeiten häufig beauftragt und mit kleineren Budgets durchgeführt, sehr häufig auf raum-große Arbeiten und kurze Einaktopern hinauslaufend. Viele Opern von Benjamin Britten werden für nur 13 Instrumentalisten eingekerbt; die Zwei-Taten-Verwirklichung von Mark Adamo von Kleinen Frauen wird für 18 Instrumentalisten eingekerbt.

Eine andere Eigenschaft des Endes der Oper des 20. Jahrhunderts ist das Erscheinen von zeitgenössischen historischen Opern im Gegensatz zur Tradition, Opern auf der entfernteren Geschichte zu stützen, von zeitgenössischen erfundenen Geschichten oder den Spielen, oder auf dem Mythos oder der Legende nochmals zu erzählen. Der Tod von Klinghoffer, Nixon in China und Arzt, der durch John Adams, Toten Mann atomar ist, der durch Jake Heggie, und Anna Nicole durch das Zeichen-Anthony Spazieren geht, Turnage veranschaulichen den dramatisation auf der Bühne von Ereignissen im neuen lebenden Gedächtnis, wo in der Oper porträtierte Charaktere zur Zeit der Premiere-Leistung lebendig waren.

Die Metropolitanoper in den Vereinigten Staaten berichtet, dass das durchschnittliche Alter seines Publikums jetzt 60 ist. Viele Operngesellschaften haben eine ähnliche Tendenz erfahren, und Opernfirmenwebsites sind von Versuchen angefüllt, ein jüngeres Publikum anzuziehen. Diese Tendenz ist ein Teil der größeren Tendenz von greying Zuschauern für die klassische Musik seit den letzten Jahrzehnten des 20. Jahrhunderts. Um jüngere Zuschauer anzuziehen, bietet die Metropolitanoper einen Studentenpreisnachlass auf Karte-Käufen an. Hauptoperngesellschaften sind besser im Stande gewesen, die Finanzierungsbeschränkungen abzuwettern, weil sie sich leisten können, Sternsänger anzustellen, die wesentliche Zuschauer anziehen.

Kleinere Gesellschaften in den Vereinigten Staaten haben eine zerbrechlichere Existenz, und sie hängen gewöhnlich von einer "Patchwork-Steppdecke" der Unterstützung von Staats- und Ortsregierungen, lokalen Geschäften und Wohltätigkeitsveranstaltungen ab. Dennoch haben einige kleinere Gesellschaften Weisen gefunden, neue Zuschauer anzuziehen. Oper Angebot-Preisnachlässe von Carolina und glückliche Stunde-Ereignisse zu den 21-demografischen 40 Jahren. Zusätzlich zu Radio- und Fernsehsendungen von Opernleistungen, die etwas Erfolg in der Gewinnung neuer Zuschauer gehabt haben, haben Sendungen von lebenden Leistungen in HD zu Filmtheatern das Potenzial gezeigt, um neue Zuschauer zu erreichen. Seit 2006 hat das Entsprochene Leistungen zu mehreren hundert Filmschirmen überall auf der Welt direkt übertragen.

Aus Musicals zurück zur Oper

Bis zum Ende der 1930er Jahre haben einige Musicals begonnen, mit einer mehr Opernstruktur geschrieben zu werden. Diese Arbeiten schließen komplizierte polyfone Ensembles ein und widerspiegeln Musikentwicklungen ihrer Zeiten. Porgy und Bess (1935), unter Einfluss Jazzstile und Candides (1956), mit seinem Fegen, lyrischen Durchgängen und possenhaften Parodien auf die Oper, beide, die auf Broadway geöffnet sind, aber sind akzeptiert als ein Teil des Opernrepertoires geworden. Zeigen Sie Boot, Westseitengeschichte, Brigadoon, Evita, Das Licht in der Piazza, Dem Gespenst der Oper, und andere erzählen dramatische Geschichten durch die komplizierte Musik und werden jetzt manchmal in Opernhäusern gesehen. Der Glücklichste Kerl (1952) ist Quasiopern- und ist von der Oper von New York City wiederbelebt worden. Einige Musicals, wie Tommy (1969) und Superstar von Jesus Christus (1971), Les Misérables (1980), Miete (1996) und Frühling (2006) Erwachend, verwenden verschiedene Opernvereinbarung, solcher als durch die Zusammensetzung, das Rezitativ statt des Dialogs und die Leitmotive.

Akustische Erhöhung in der Oper

Ein feiner Typ der gesunden elektronischen Verstärkung hat gerufen akustische Erhöhung wird in einigen modernen Konzertsälen und Theatern verwendet, wo Opern durchgeführt werden. Obwohl keines der Hauptopernhäuser "... traditionelle, Broadway-artige gesunde Verstärkung verwendet, in der die meisten wenn nicht alle Sänger mit Radiomikrofonen ausgestattet werden, die zu einer Reihe von unansehnlichen überall im Theater gestreuten Lautsprechern gemischt sind," verwenden viele ein gesundes Verstärkungssystem für die akustische Erhöhung, und für das feine Aufladen von hinter den Kulissen Stimmen, Kindersängern, Bühnendialog und Geräuscheffekten (z.B, Kirchglocken in Tosca oder Donner-Effekten in Wagnerianischen Opern).

Opernstimmen

Stimmliche Operntechnik hat sich in einer Zeit vor der elektronischen Erweiterung entwickelt, um Sängern zu erlauben, genug Volumen zu erzeugen, das über ein Orchester ohne die Instrumentalisten zu hören ist, die die Notwendigkeit haben, ihr Volumen wesentlich in Verlegenheit zu bringen.

Stimmliche Klassifikationen

Sänger und die Rollen, die sie spielen, werden durch den Stimmentyp klassifiziert, der auf dem tessitura, der Behändigkeit, der Macht und dem Timbre ihrer Stimmen gestützt ist. Sänger männlichen Geschlechts können durch die stimmliche Reihe so Bass-, Bassbariton, Bariton, Tenor und Kontratenor und Sängerinnen lose klassifiziert werden wie Altstimme, Mezzosopran und Sopran. (Männer singen manchmal in den "weiblichen" stimmlichen Reihen, in welchem Fall sie sopranist oder Kontratenor genannt werden. Dieser wird nur auf den Kontratenor in der Oper allgemein gestoßen, manchmal Teile singend, die für Kastraten - Männer neutered in einem jungen Alter spezifisch geschrieben sind, um ihnen eine höhere singende Reihe zu geben.) Sänger werden dann durch den Stimmentyp - zum Beispiel klassifiziert, ein Sopran kann als ein lyrischer Sopran, Koloratur, Soubrette, spinto, oder dramatischer Sopran beschrieben werden. Diese Begriffe, obwohl, nicht völlig eine Singstimme beschreibend, vereinigen die Stimme des Sängers mit den zu den stimmlichen Eigenschaften des Sängers am passendsten Rollen. Eine Stimme eines besonderen Sängers kann sich drastisch über seine oder ihre Lebenszeit ändern, selten stimmliche Reife bis zum dritten Jahrzehnt, und manchmal erst als das mittlere Alter erreichend.

Historischer Gebrauch von Stimmenteilen

:The-folgender ist nur als eine kurze Übersicht beabsichtigt. Für die Hauptartikel, sieh Sopran, Mezzosopran, Altstimme, Tenor, Bariton, Bass, Kontratenor und Kastraten.

Die Sopran-Stimme ist normalerweise als die Stimme der Wahl für die weibliche Hauptfigur der Oper seit der letzten Hälfte des 18. Jahrhunderts verwendet worden. Früher war es für diesen Teil üblich, durch jede weibliche Stimme oder sogar einen Kastraten gesungen zu werden. Die aktuelle Betonung auf einer breiten stimmlichen Reihe war in erster Linie eine Erfindung der Klassischen Periode. Bevor das, die stimmliche Virtuosität, nicht erstrecken sich, der Vorrang mit Sopran-Teilen war, die sich selten über einem hohen ausstrecken (Handel, zum Beispiel, nur hat eine Rolle geschrieben, die sich bis zu einen hohen C ausstreckt), obwohl, wie man behauptete, der Kastrat Farinelli eine Spitze D besessen hat (seine niedrigere Reihe war auch außergewöhnlich, sich bis zu den Tenor C ausstreckend). Der Mezzosopran, ein Begriff des verhältnismäßig neuen Ursprungs, hat auch ein großes Repertoire, im Intervall von der Hauptdarstellerin in Dido von Purcell und Aeneas zu solchen Schwergewichtsrollen als Brangäne in Tristan von Wagner und Isolde (das sind beide durch Soprane manchmal gesungene Rollen; es gibt ziemlich viel Bewegung zwischen diesen zwei Stimmentypen). Für die wahre Altstimme wird die Reihe von Teilen mehr beschränkt, der den Insiderwitz verursacht hat, dass Altstimmen nur "Hexen, Weibchen und britches" Rollen singen. In den letzten Jahren sind viele der "Hosenrollen" vom Barocken Zeitalter, das ursprünglich für Frauen und diejenigen ursprünglich geschrieben ist, die von Kastraten gesungen sind, Kontratenören wiederzugeteilt worden.

Die Tenor-Stimme, vom Klassischen Zeitalter vorwärts, ist die Rolle der Hauptfigur männlichen Geschlechts traditionell zugeteilt worden. Viele der schwierigsten Tenor-Rollen im Repertoire wurden während des bel Gesang-Zeitalters, wie die Folge von Donizetti von 9 Cs über der Mitte C während La fille du régiment geschrieben. Mit Wagner ist gekommen eine Betonung auf dem Vokal hebt für seine Hauptfigur-Rollen mit dieser stimmlichen als Heldentenor beschriebenen Kategorie hoch; diese heroische Stimme hatte seinen mehr Kollegen von Italianate in solchen Rollen wie Calaf im Turandot von Puccini. Bässe haben eine lange Geschichte in der Oper, in der Oper seria in Nebenrollen, und manchmal für die komische Erleichterung verwendet worden sein (sowie eine Unähnlichkeit zum Überwiegen von hohen Stimmen in diesem Genre zur Verfügung stellend). Das Bassrepertoire ist breit und verschieden, sich von der Komödie von Leporello in Don Giovanni zum Adel von Wotan im Ringzyklus von Wagner streckend. Zwischen dem Bass und dem Tenor ist der Bariton, der sich auch im Gewicht davon ändert, sagen Guglielmo im Così Anhänger von Mozart tutte zu Posa in Don Carlos von Verdi; die wirkliche Benennung "Bariton" wurde bis zur Mitte des 19. Jahrhunderts nicht verwendet.

Berühmte Sänger

Frühe Leistungen der Oper waren für Sänger zu selten, um ein Leben exklusiv vom Stil zu machen, aber mit der Geburt der kommerziellen Oper Mitte des 17. Jahrhunderts haben Berufsdarsteller begonnen zu erscheinen. Die Rolle des Helden männlichen Geschlechts wurde gewöhnlich einem Kastraten, und vor dem 18. Jahrhundert anvertraut, als italienische Oper überall in Europa durchgeführt wurde, sind Hauptkastraten, die außergewöhnliche stimmliche Virtuosität, wie Senesino und Farinelli besessen haben, internationale Sterne geworden. Die Karriere des ersten größeren weiblichen Stars (oder Primadonna), Anna Renzi, Daten zur Mitte des 17. Jahrhunderts. Im 18. Jahrhundert haben mehrere italienische Soprane internationalen Ruhm gewonnen und haben sich häufig mit der wilden Konkurrenz beschäftigt, wie mit Faustina Bordoni und Francesca Cuzzoni der Fall gewesen ist, die einen Faustkampf miteinander während einer Leistung einer Oper von Handel angefangen hat. Die französischen geliebten Kastraten, ihre Helden männlichen Geschlechts es vorziehend, durch einen haute-contre (ein hoher Tenor) gesungen zu werden, von denen Joseph Legros ein Hauptbeispiel war.

Obwohl Opernschirmherrschaft im letzten Jahrhundert für andere Künste und Medien abgenommen hat (wie Musicals, Kino, Radio, Fernsehen und Aufnahmen), haben Massenmedien und das Advent der Aufnahme die Beliebtheit von vielen berühmten Sängern einschließlich Maria Callass, Enrico Carusos, Kirsten Flagstads, Mario Del Monacos, Risë Stevens, Alfredo Kraus, Franco Corellis, Montserrat Caballés, Joan Sutherlands, Birgit Nilssons, Nellie Melbas, Rosa Ponselle, Beniamino Giglis, Jussi Björling, Feodor Chaliapins, und "Der Drei Tenöre" (Luciano Pavarotti, Plácido Domingo und José Carreras) unterstützt.

Finanzierung der Oper

Außerhalb der Vereinigten Staaten, und besonders in Europa erhalten die meisten Opernhäuser öffentliche Subventionen von Steuerzahlern.

Zum Beispiel, in Mailand, Italien, sind 60 % des jährlichen Budgets von La Scala von € 115 Millionen von Verkäufen und privaten Spenden mit den restlichen 40 %, die aus dem öffentlichen Kapital kommen.

2005 hat La Scala 25 % von Italiens Gesamtzustandsubvention von € 464 Millionen für die darstellenden Künste erhalten.

Kino und Internet

Hauptoperngesellschaften haben begonnen, ihre Leistungen in lokalen Kinos überall in den Vereinigten Staaten und vielen anderen Ländern zu präsentieren. Die Metropolitanoper hat eine Reihe von lebenden hochauflösenden Videoübertragungen zu Kinos um die Welt 2006 begonnen. 2007 wurden Entsprochene Leistungen in mehr als 424 Theatern in 350 amerikanischen Städten gezeigt. La bohème ist zu 671 Schirmen weltweit ausgegangen. San Francisco Oper hat bespielte Videoübertragungen im März 2008 begonnen. Bezüglich des Junis 2008 tragen etwa 125 Theater in 117 amerikanischen Städten den showings. Die HD Videoopernübertragungen werden über dieselben HD für Hauptfilme von Hollywood verwendeten Digitalkino-Kinoprojektoren präsentiert. Europäische Opernhäuser und Feste einschließlich der Königlichen Oper in London, La Scalas in Mailand, dem Salzburger Fest, La Fenice in Venedig und Maggio Musicale in Florenz haben auch ihre Produktion Theatern in Städten um die Welt seit 2006 einschließlich 90 Städte in den Vereinigten Staaten übersandt.

Das Erscheinen des Internets betrifft auch den Weg, auf den Zuschauer Oper verbrauchen. In einem ersten für das Genre 2009 hat die britische Glyndebourne Festoperngesellschaft ein Online-Digitalvideodownload seiner ganzen 2007-Produktion von Tristan von Wagner und Isolde angeboten.

Siehe auch

Referenzen

Hauptquellen

  • Siehe auch Google Bücher teilweise Vorschau. Zugegriffen am 3. Oktober 2009.
  • Silke Leopold, "Die Idee von der Nationalen Oper, c. 1800", Vereinigt und Ungleichheit in der europäischen Kultur c. 1800, Hrsg. Tim Blanning und Hagen Schulze (New York: Presse der Universität Oxford, 2006), 19-34.
  • Das Neue Wäldchen-Wörterbuch der Oper, die von Stanley Sadie (1992), 5,448 Seiten editiert ist, ist und bei weitem die größte, allgemeine Verweisung auf der englischen Sprache am besten. Internationale Standardbuchnummer 0-333-73432-7 und internationale Standardbuchnummer 1-56159-228-5
  • Das Wikinger-Opernhandbuch, das von Amanda Holden (1994), 1,328 Seiten, internationale Standardbuchnummer 0-670-81292-7 editiert ist
  • Oxford Illustrierte Geschichte der Oper, Hrsg. Roger Parker (1994)
  • Das Wörterbuch von Oxford der Oper, durch John Warrack und Ewan West (1992), 782 Seiten, internationale Standardbuchnummer 0-19-869164-5
  • Oper, der Raue Führer, durch Matthew Boyden u. a. (1997), 672 Seiten, internationale Standardbuchnummer 1-85828-138-5
  • Oper: Eine kurze Geschichte, durch Leslie Orrey und Rodney Milnes, Welt von Art, Thames & Hudson

Andere Quellen

  • DiGaetani, John Louis: Eine Einladung zur Oper, den Ankerbüchern, 1986/91. Internationale Standardbuchnummer 0-385-26339-2.
  • MacMurray, Jessica M. und Allison Brewster Franzetti: Das Buch von 101 Opernlibrettos: Vollenden Sie Ursprüngliche Sprachtexte mit englischem Translations, Black Dog & Leventhal Publishers, 1996. Internationale Standardbuchnummer 978-1-884822-79-7
  • Simon, Henry W.: Ein Finanzministerium von Grand Opera, Simon und Schuster, New York, 1946.

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