Renaissancemusik ist Musik, die in Europa während der Renaissance geschrieben ist. Die Einigkeit unter Musik-Historikern - mit der bemerkenswerten Meinungsverschiedenheit - hat das Zeitalter 1400 mit dem Ende des mittelalterlichen Zeitalters anfangen, und es 1600 mit dem Anfang der Barocken Periode schließen sollen, deshalb die Musikrenaissance ungefähr hundert Jahre nach dem Anfang der Renaissance, wie verstanden, in anderen Disziplinen anfangend. Als in den anderen Künsten war die Musik der Periode bedeutsam unter Einfluss der Entwicklungen, die die Frühe Moderne Periode definieren: der Anstieg des humanistischen Gedankens; die Wiederherstellung des literarischen und künstlerischen Erbes des alten Griechenlands und Roms; vergrößerte Neuerung und Entdeckung; das Wachstum des kommerziellen Unternehmens; der Anstieg einer bürgerlichen Klasse; und die Protestantische Wandlung. Von dieser sich ändernden Gesellschaft ist eine allgemeine, vereinigende Musiksprache, insbesondere der polyfone Stil der Franco-flämischen Schule erschienen.

Die Entwicklung zu drucken hat Vertrieb der auf einer breiten Skala möglichen Musik gemacht. Die Nachfrage nach der Musik als Unterhaltung und als eine Tätigkeit für gebildete Dilettanten hat mit dem Erscheinen einer bürgerlichen Klasse zugenommen. Die Verbreitung von chansons, Motetten und Massen überall in Europa ist mit der Vereinigung der polyfonen Praxis in den flüssigen Stil zusammengefallen, der in der zweiten Hälfte des sechzehnten Jahrhunderts in der Arbeit von Komponisten wie Palestrina, Lassus und William Byrd kulminiert hat. Politische Verhältnisstabilität und Wohlstand in den Niedrigen Ländern, zusammen mit einem blühenden System der Musik-Ausbildung in den vielen Kirchen und Kathedralen des Gebiets, haben die Ausbildung von Hunderten von Sängern und Komponisten erlaubt. Diese Musiker wurden überall in Europa besonders in Italien hoch gesucht, wo Kirchen und aristokratische Gerichte sie als Komponisten und Lehrer gemietet haben. Am Ende des 16. Jahrhunderts hatte Italien die nördlichen Einflüsse, mit Venedig, Rom und anderen Städten absorbiert Zentren der Musiktätigkeit zu sein, die Situation von hundert Jahre früher umkehrend. Oper ist in dieser Zeit mit Florenz als ein absichtlicher Versuch entstanden, die Musik des alten Griechenlands wieder zu beleben.

Musik, die zunehmend von mittelalterlichen Einschränkungen, in Reihe, Rhythmus, Harmonie, Form, und Notation befreit ist, ist ein Fahrzeug für den persönlichen Ausdruck geworden. Komponisten haben Weisen gefunden, Musik ausdrucksvoll der Texte zu machen, die sie setzten. Weltliche Musik hat Techniken aus der heiligen Musik, und umgekehrt absorbiert. Populäre weltliche Formen wie der chanson und das Madrigal breiten sich überall in Europa aus. Gerichte haben Virtuose-Darsteller, sowohl Sänger als auch Instrumentalisten angestellt. Musik ist zum ersten Mal unabhängig, vorhanden um seinetwillen geworden. Viele vertraute moderne Instrumente, einschließlich der Geige, der Gitarre, und Tastatur-Instrumente, sind während der Renaissance geboren gewesen. Während des 15. Jahrhunderts ist der Ton von vollen Triaden üblich geworden, und zum Ende des 16. Jahrhunderts hat das System von Kirchweisen begonnen, völlig zusammenzubrechen, zur funktionellen Klangfarbe nachgebend, die Westkunstmusik seit den nächsten drei Jahrhunderten beherrschen sollte.

Vom Renaissancezeitalter überlebt sowohl weltliche als auch heilige Musik in der Menge, und sowohl stimmlich als auch instrumental. Eine enorme Ungleichheit von Musikstilen und Genres ist während der Renaissance gediehen, und kann auf kommerziellen Aufnahmen im 21. Jahrhundert, einschließlich Massen, Motetten, Madrigale, chansons, begleiteter Lieder, instrumentaler Tänze und vieler anderer gehört werden. Zahlreiche frühe Musik-Ensembles, die sich auf die Musik der Periode spezialisieren, geben Konzertreisen und machen Aufnahmen mit einer breiten Reihe von interpretierenden Stilen.

Übersicht

Eine der ausgesprochensten Eigenschaften der frühen Renaissance europäische Kunstmusik war das zunehmende Vertrauen auf dem Zwischenraum des dritten (im Mittleren Alter waren Drittel als Dissonanzen betrachtet worden). Polyfonie ist immer mehr wohl durchdacht im Laufe des 14. Jahrhunderts mit hoch unabhängigen Stimmen geworden: Der Anfang des 15. Jahrhunderts hat Vereinfachung mit den Stimmen gezeigt, die häufig um die Glätte kämpfen. Das war wegen einer sehr vergrößerten stimmlichen Reihe in der Musik - im Mittleren Alter möglich, die schmale Reihe hat notwendige häufige Überfahrt von Teilen gemacht, so eine größere Unähnlichkeit zwischen ihnen verlangend.

Das modale (im Vergleich mit dem tonalen) Eigenschaften der Renaissancemusik hat begonnen, zum Ende der Periode mit dem vergrößerten Gebrauch von Wurzelbewegungen von Fünfteln zusammenzubrechen. Das hat sich später in eine der Definieren-Eigenschaften der Klangfarbe entwickelt.

Die Haupteigenschaften der Renaissancemusik sind:

• Musik auf Weisen gestützt.
• Reichere Textur in vier oder mehr Teilen.
• Das Mischen, anstatt Ufern in der Musiktextur gegenüberzustellen.
• Harmonie mit einer größeren Sorge mit dem Fluss und Fortschritt von Akkorden.

Polyfonie ist eine der bemerkenswerten Änderungen, die die Renaissance vom Mittleren Alter musikalisch kennzeichnen. Sein Gebrauch hat den Gebrauch von größeren Ensembles gefördert und hat Sätze von Instrumenten gefordert, die zusammen über die ganze stimmliche Reihe verschmelzen würden.

Genres

Liturgische Hauptformen, die im Laufe der kompletten Renaissanceperiode angedauert haben, waren Massen und Motetten mit einigen anderen Entwicklungen zum Ende, besonders wenn Komponisten der heiligen Musik begonnen haben, weltliche Formen (wie das Madrigal) für ihre eigenen Designs anzunehmen.

Allgemeine heilige Genres waren die Masse, die Motette, der madrigale spirituale und der laude.

Während der Periode hatte weltliche Musik einen zunehmenden Vertrieb mit einem großen Angebot an Formen, aber man muss über das Annehmen einer Explosion in der Vielfalt vorsichtig sein: Seit dem Druck der gemachten Musik weiter verfügbar, hat viel mehr von diesem Zeitalter überlebt als vom vorhergehenden Mittelalterlichen Zeitalter, und wahrscheinlich wird ein reicher Laden der volkstümlichen Musik des späten Mittleren Alters unheilbar verloren. Weltliche Musik hat Lieder für eine oder mehrere Stimmen, Formen wie der frottola, chanson und das Madrigal eingeschlossen.

Weltliche Musik war Musik, die von Kirchen unabhängig war. Der Haupttyp war der Deutsche gelogen, italienischer frottola, der französische chanson, das italienische Madrigal und der spanische villancico. Weltliche stimmliche Genres haben das Madrigal, den frottola, den caccia, den chanson in mehreren Formen (Rondeau, virelai, bergerette, Ballade, musique mesurée), der canzonetta, der villancico, der villanella, der villotta und das Kitt-Lied eingeschlossen. Mischformen wie die Motette-chanson und die weltliche Motette sind auch erschienen.

Rein instrumentale Musik hat Gemahl-Musik für Recorder oder Viola und andere Instrumente und Tänze für verschiedene Ensembles eingeschlossen.

Allgemeine Genres waren die Tokkata, die Einleitung, der ricercar, der canzona und intabulation (intavolatura, intabulierung). Instrumentale Ensembles für Tänze könnten einen basse danse (oder bassedanza), ein pavane, ein galliard, ein allemande oder ein courante spielen.

Zum Ende der Periode werden die frühen dramatischen Vorgänger der Oper wie monody, die Madrigal-Komödie und der intermedio gesehen.

Theorie und Notation

Gemäß Margaret Bent (1998), "Ist Renaissancenotation unter-verordnendem nach unseren Standards; wenn übersetzt, in die moderne Form erwirbt es ein verordnendes Gewicht, das überangibt und seine ursprüngliche Offenheit verdreht."

Renaissancezusammensetzungen wurden nur in individuellen Teilen in Notenschrift geschrieben; Hunderte waren äußerst selten, und barlines wurden nicht verwendet. Bemerken Sie, dass Werte allgemein größer waren, als im Gebrauch heute sind; die primäre Einheit von geschlagenen war die ganze Note oder ganzes Zeichen. Wie seit der Ars Nova der Fall gewesen war (sieh Mittelalterliche Musik), es konnte entweder zwei oder drei von diesen für jedes Kürzezeichen geben (ein doppelt-ganzes Zeichen), der als gleichwertig zum modernen "Maß" betrachtet werden kann, obwohl es selbst ein Zeichen-Wert war und ein Maß nicht ist. Die Situation kann als dieser Weg betrachtet werden: Es ist dasselbe als die Regel, durch die in der modernen Musik eine Viertelnote entweder zwei Achtelnoten oder drei gleichkommen kann, der als ein "Drilling" geschrieben würde. Durch dasselbe Rechnen konnte es zwei oder drei des folgenden kleinsten Zeichens, der "halben Note", (gleichwertig zur modernen "halben Note") zu jeder ganzen Note geben.

Diese verschiedenen Versetzungen wurden "vollkommenen/unvollständigen tempus" am Niveau der Beziehung der ganzen Note des Kürzezeichens genannt, "vollkommener/unvollständiger prolation" am Niveau der halben Note der ganzen Note, und hat in allen möglichen Kombinationen mit einander bestanden. Drei zu einem wurde "vollkommen", und zwei zu einem "unvollständig" genannt. Regeln haben auch bestanden, wodurch einzelne Zeichen halbiert oder im Wert ("imperfected" verdoppelt oder, beziehungsweise "verändert" werden "konnten"), wenn vorangegangen oder gefolgt von anderen bestimmten Zeichen. Zeichen mit schwarzem noteheads (wie Viertelnoten) sind weniger häufig vorgekommen. Diese Entwicklung der weißen mensural Notation kann ein Ergebnis des vergrößerten Gebrauches von Papier (aber nicht Velin) sein, weil das schwächere Papier weniger im Stande gewesen ist, dem Kratzen zu widerstehen, das erforderlich ist, festen noteheads auszufüllen; die Notation von vorherigen Malen, die über das Velin geschrieben sind, war schwarz gewesen. Andere Farben, und später, gefüllt - in Zeichen, wurden alltäglich ebenso hauptsächlich verwendet, um die oben erwähnten Schönheitsfehler oder Modifizierungen geltend zu machen und nach anderen vorläufigen rhythmischen Änderungen zu verlangen.

Nebensachen, wurden etwas als im bestimmten nicht immer angegeben, der Notationen (Tafelgemälde) heute betastet. Jedoch würden Renaissancemusiker im dyadischen Kontrapunkt hoch erzogen worden sein und haben so das und andere Information besessen, die notwendig ist, um eine Kerbe zu lesen, "was moderne Notation [Nebensachen] verlangt, wäre dann ohne Notation für einen im Kontrapunkt versierten Sänger vollkommen offenbar gewesen." Sieh musica ficta. Ein Sänger würde seinen oder ihren Teil interpretieren, indem er cadential Formeln mit anderen Teilen im Sinn bemalt, und wenn das Singen zusammen von Musikern parallele Oktaven und Fünftel vermeiden oder ihre cadential Teile im Licht von Entscheidungen von anderen Musikern (Begabung, 1998) verändern würde.

Es ist durch zeitgenössische Tafelgemälde für verschiedene abgerissene Instrumente, dass wir viel Information darüber gewonnen haben, welche Nebensachen von den ursprünglichen Praktikern durchgeführt wurden.

Für die Information über spezifische Theoretiker, sieh Johannes Tinctoris, Franchinus Gaffurius, Heinrich Glarean, Pietro Aron, Nicola Vicentino, Tomás de Santa María, Gioseffo Zarlino, Vicente Lusitano, Vincenzo Galilei, Giovanni Artusi, Johannes Nucius und Pietro Cerone.

Komponisten der Renaissance — Zeitachse

Frühe Renaissancemusik (1400-1467)

Diese Gruppe hat allmählich die komplizierten Geräte der spätmittelalterlichen Periode von isorhythm und äußerster Synkope fallen lassen, auf einen durchsichtigeren und fließenden Stil hinauslaufend. Was ihre Musik in der rhythmischen Kompliziertheit jedoch "verloren" hat, hat es an der rhythmischen Lebenskraft gewonnen, weil ein "Laufwerk zum Rhythmus" ein hervorstechendes Merkmal um die Mitte des Jahrhunderts geworden ist.

Mitte der Renaissancemusik (1467-1534)

Am Anfang der 1470er Jahre hat Musik angefangen, mit einer Druckpresse gedruckt zu werden. Musik-Druck hat eine Hauptwirkung angehabt, wie Musik, die für nicht nur ausgebreitet ist, ein gedrucktes Musikstück getan hat, erreichen ein größeres Publikum, als jedes Manuskript jemals gekonnt hat, hat es es viel preiswerter ebenso getan. Auch während dieses Jahrhunderts hat eine Tradition von berühmten Schöpfern für viele Instrumente begonnen. Diese Schöpfer waren Master ihres Handwerks. Ein Beispiel ist Neuschel für seine Trompeten.

Zum Ende des 15. Jahrhunderts war polyfone heilige Musik (wie veranschaulicht, in den Massen von Johannes Ockeghem und Jacob Obrecht) wieder komplizierter gewissermaßen geworden, der vielleicht als das Entsprechen zum atemberaubenden Detail in der Malerei zurzeit gesehen werden kann. Ockeghem hat besonders Kanon, sowohl kontrapunktisch als auch mensural geliebt. Er hat eine Masse, Missa prolationum zusammengesetzt, in dem alle Teile kanonisch von einer Musiklinie abgeleitet werden.

Es war in den öffnenden Jahrzehnten des nächsten Jahrhunderts, dass Musik, die in einem tactus gefühlt ist (denken an die moderne Taktart), zwei ganzer Noten zu einem Kürzezeichen, begonnen hat, so üblich zu sein, wie das mit drei ganzen Noten zu einem Kürzezeichen, wie vor dieser Zeit vorgeherrscht hatte.

Am Anfang des 16. Jahrhunderts gibt es eine andere Tendenz zur Vereinfachung, wie zu einem gewissen Grad in der Arbeit von Josquin des Prez und seinen Zeitgenossen in der Franco-flämischen Schule dann später in diesem von G. P. Palestrina gesehen werden kann, der auf die Strikturen des Rats von Trent teilweise reagierte, der übermäßig komplizierte Polyfonie als hemmend das Verstehen des Textes entmutigt hat. Anfang Franco-Flamen des 16. Jahrhunderts, die von den komplizierten Systemen des kanonischen und anderen mensural Spieles der Generation von Ockeghem weggeschoben sind, zu Punkten der Imitation und des Duettes oder der Trio-Abteilungen innerhalb einer gesamten Textur neigend, die zu fünf und sechs Stimmen gewachsen ist. Sie haben auch sogar vor den Reformen von Tridentine begonnen, um sich jemals verlängernde Durchgänge von homophony einzufügen, wichtigen Text oder Artikulationsstellen zu unterstreichen. Palestrina ist andererseits gekommen, um einen frei fließenden Stil des Kontrapunkts in einer dicken, reichen Textur zu kultivieren, innerhalb deren Gleichklang Dissonanz auf fast beat-beat Basis gefolgt ist, und Suspendierungen über den Tag geherrscht haben (sieh Kontrapunkt). Inzwischen war tactus allgemein zwei ganze Noten pro Kürzezeichen mit drei pro Kürzezeichen, das für spezielle Effekten und Höheabteilungen verwendet ist; das war eine fast genaue Umkehrung der vorherrschenden Technik ein Jahrhundert vorher.

Späte Renaissancemusik (1534-1600)

In Venedig, ungefähr von 1534 ungefähr bis 1600, hat sich ein eindrucksvoller Polychorstil entwickelt, der Europa etwas von der großartigsten, klangvollsten Musik zusammengesetzt bis jetzt, mit vielfachen Chören von Sängern, Messing und Schnuren in verschiedenen Raumpositionen in der Basilika San Marco di Venezia gegeben hat (sieh venezianische Schule). Diese vielfachen Revolutionen haben sich über Europa in den nächsten mehreren Jahrzehnten ausgebreitet, in Deutschland beginnend und dann sich nach Spanien, Frankreich und England etwas später bewegend, den Anfang dessen abgrenzend, was wir jetzt als das Barocke Musikzeitalter wissen.

Die römische Schule war eine Gruppe von Komponisten vorherrschend der Kirchenmusik in Rom, die späte Renaissance und frühen Barocken Zeitalter abmessend. Viele der Komponisten hatten einen Direktanschluss in den Vatikan und die päpstliche Kapelle, obwohl sie an mehreren Kirchen gearbeitet haben; stilistisch wird ihnen häufig mit der venezianischen Schule von Komponisten, eine gleichzeitige Bewegung gegenübergestellt, die viel progressiver war. Bei weitem ist der berühmteste Komponist der römischen Schule Giovanni Pierluigi da Palestrina. Während am besten bekannt, als ein fruchtbarer Komponist von Massen und Motetten war er auch ein wichtiger madrigalist. Seine Fähigkeit, die funktionellen Bedürfnisse nach der katholischen Kirche mit den vorherrschenden Musikstilen während der Gegenreformationsperiode zusammenzubringen, hat ihm seine fortdauernde Berühmtheit gegeben.

Die kurze, aber intensive Blüte des Musikmadrigals in England, größtenteils von 1588 bis 1627, zusammen mit den Komponisten, die sie erzeugt haben, ist als die englische Madrigal-Schule bekannt. Die englischen Madrigale waren ohne Begleitung, vorherrschend leicht im Stil, und haben allgemein entweder als Kopien oder als direkte Übersetzungen von italienischen Modellen begonnen. Die meisten waren für drei bis sechs Stimmen.

Musica reservata ist entweder ein Stil oder eine Leistungspraxis in ohne Begleitung der stimmlichen Musik der Letzteren, hauptsächlich in Italien und dem südlichen Deutschland, Verbesserung, Exklusivität und intensiven emotionalen Ausdruck des gesungenen Textes einschließend.

Die Kultivierung der europäischen Musik in den Amerikas hat im 16. Jahrhundert bald nach der Ankunft der Spanier und der Eroberung Mexikos begonnen. Obwohl geformt, im europäischen Stil, einzigartig mexikanische hybride Arbeiten, die auf der heimischen mexikanischen Sprache und europäischen Musikpraxis gestützt sind, ist sehr früh geschienen. Musikmethoden im Neuen Spanien sind ständig mit europäischen Tendenzen im Laufe der nachfolgenden Barocken und Klassischen Musik-Perioden zusammengefallen. Unter diesen Neuen Weltkomponisten waren Hernando Franco, Antonio de Salazar und Manuel de Zumaya.

Außerdem haben viele Komponisten eine Abteilung in ihren eigenen Arbeiten zwischen einem prima pratica (Musik in der Renaissance polyfoner Stil) und einem seconda pratica (Musik im neuen Stil) während des ersten Teils des 17. Jahrhunderts beobachtet.

Massen

Der 15. und die Massen des 16. Jahrhunderts hatten zwei Arten von Quellen, die verwendet, monoakustisch und mit zwei Hauptformen der Weiterentwicklung polyfon wurden, die auf cantus firmus Praxis gestützt ist oder, eine Zeit 1500, den neuen Stil der durchdringenden Imitation beginnend.

Vier Typen von Massen haben resultiert:

• Masse von Cantus firmus (Tenor-Masse)
• Der cantus firmus/imitation Masse
• Die Paraphrase-Masse
• Die Kunstmasse (parodieren Masse)

Massen wurden normalerweise von der Quelle betitelt, von der sie geborgt haben. Masse von Cantus firmus verwendet dieselbe monoakustische Melodie, gewöhnlich gezogen vom Singsang und gewöhnlich im Tenor und meistenteils im längeren Zeichen schätzt dann die anderen Stimmen.

Manierismus

Gegen Ende des 16. Jahrhunderts, weil das Renaissancezeitalter, äußerst manneristic entwickelter Stil geschlossen hat. In der weltlichen Musik, besonders im Madrigal, gab es eine Tendenz zur Kompliziertheit und sogar äußerstem chromaticism (wie veranschaulicht, in Madrigalen von Luzzaschi, Marenzio und Gesualdo). Der Begriff "Manierismus" ist auf Kunstgeschichte zurückzuführen.

Übergang zum Barock

in Florenz begonnen hat, gab es einen Versuch, die dramatischen und musikalischen Formen des Alten Griechenlands, durch die Mittel von monody, eine Form der deklamierten Musik über eine einfache Begleitung wiederzubeleben; eine mehr äußerste Unähnlichkeit mit dem vorhergehenden polyfonen Stil würde hart sein zu finden; das war auch, mindestens am Anfang, einer weltlichen Tendenz. Diese Musiker waren als die Florentine Camerata bekannt.

Wir haben bereits einige der Musikentwicklungen bemerkt, die geholfen haben, im Barock, aber für die weitere Erklärung dieses Übergangs hineinzuführen, antiphon, concertato, monody, Madrigal, und Oper, sowie die Arbeiten zu sehen, die unter "Quellen und weiterführender Literatur gegeben sind."

Für eine gründlichere Diskussion des Übergangs zum Barock, das spezifisch der Instrument-Musik gehört, sieh Übergang von der Renaissance zum Barock in der instrumentalen Musik.

Instrumente der Renaissance

Viele Instrumente sind während der Renaissance entstanden; andere waren Schwankungen, oder Verbesserungen auf, Instrumente, die vorher bestanden hatten. Einige haben bis zu den heutigen Tag überlebt; andere sind verschwunden, um nur erfrischt zu werden, um Musik der Periode auf authentischen Instrumenten durchzuführen. Als am modernen Tag können Instrumente als Messing, Schnuren, Schlagzeug und Holzblasinstrument klassifiziert werden.

Mittelalterliche Instrumente in Europa waren meistens einzeln, häufig selbst begleitet mit einer Drohne, oder gelegentlich in Teilen verwendet worden. Während des 15. Jahrhunderts gab es eine Abteilung von Instrumenten in Haut (laute Außeninstrumente) und Bas (ruhigere, vertrautere Instrumente) Nur zwei Gruppen von Instrumenten konnten frei in beiden Typen von Ensembles spielen: der Cornett und die Posaune und Tabor und das Tamburin.

Vom 16. Jahrhundert beginnend, wie man betrachtete, waren Instrumente dann Stimmen weniger wichtig. Sie wurden für Tänze verwendet und stimmliche Musik zu begleiten.

Instrumentale Musik ist untergeordnet der stimmlichen Musik geblieben, und viel von seinem Repertoire war auf unterschiedliche Weisen abgeleitet oder Abhängiger auf, stimmliche Modelle.

Messing

Blechinstrumente in der Renaissance wurden von Fachleuten traditionell gespielt. Einige der allgemeineren Blechinstrumente, die gespielt wurden:

• Gleiten-Trompete: Ähnlich der Posaune heute, außer dass statt einer Abteilung des Körperschiebens nur ein kleine Teil des Körpers in der Nähe vom Mundstück und dem Mundstück selbst stationär ist. Auch der Körper war eine S-Gestalt, so war es ziemlich unhandlich, aber war für die langsame Tanzmusik passend, für die es meistens verwendet wurde.
• Cornett: Gemacht aus Holz und wurde wie der Recorder gespielt (wird an der größeren Länge später erwähnt), aber geblasen wie eine Trompete. Es wurde in mehreren Größen allgemein gemacht, das größte wurde die Schlange genannt. Die Schlange ist praktisch der einzige bis zum Anfang des 17. Jahrhunderts verwendete cornetto geworden, während andere Reihen durch die Geige ersetzt wurden. Wie man sagte, war es das nächste Instrument zur menschlichen Stimme mit der Fähigkeit, Dynamik und Ausdruck zu verwenden.
• Trompete: Frühe Trompeten hatten keine Klappen, und wurden auf die Ton-Gegenwart in der Oberton-Reihe beschränkt. Sie wurden auch in verschiedenen Größen gemacht. Obwohl allgemein gezeichnet, durch Engel verwendet, wurde ihr Gebrauch in Kirchen, eine prominente Ausnahme beschränkt, die die Musik der venezianischen Schule ist. Sie wurden meistens im Militär und für die Ansage des Königtums verwendet. Wie man fand, hatten Periode-Trompeten zwei Ringe, die zu ihnen, eine Nähe das Mundstück und eine andere Nähe die Glocke verlötet sind.
• Posaune (manchmal sackbutt oder sagbutt): Ein verschiedener Name für die Posaune, die die Gleiten-Trompete am Ende des 15. Jahrhunderts ersetzt hat. Posaunen wurden fast exklusiv in der Kirchenmusik verwendet und haben hinter dem Spieler gelegen.

Schnuren

Als eine Familie wurden Schnuren in vielen Verhältnissen verwendet, sowohl heilig als auch weltlich. Einige Mitglieder dieser Familie schließen ein:

• Viola: Dieses Instrument, entwickelt im 15. Jahrhundert, hat allgemein sechs Schnuren. Es wurde gewöhnlich mit einem Bogen gespielt. Es hat dem spanischen vihuela ähnliche Strukturqualitäten; sein sich trennender Hauptcharakterzug ist seine größere Größe. Das hat die Haltung des Musikers geändert, um sie gegen den Fußboden oder zwischen den dem Cello gewissermaßen ähnlichen Beinen ausruhen zu lassen. Seine Ähnlichkeiten zum vihuela waren scharfe Taille-Kürzungen, ähnliche Verärgerungen, eine Wohnung zurück, dünne Rippen und identische Einstimmung. Das ist der Vorgänger der modern-tägigen Geige, der Viola und des Cellos (Cello).
• Leier: Sein Aufbau ist einer kleinen Harfe ähnlich, obwohl statt, abgerissen zu werden, darauf mit einem Plektron geklimpert wird. Seine Schnuren haben sich in der Menge von vier, sieben, und zehn, abhängig vom Zeitalter geändert. Es wurde mit der rechten Hand gespielt, während die linke Hand die Zeichen zum Schweigen gebracht hat, die nicht gewünscht wurden. Neuere Leiern wurden modifiziert, um mit einem Bogen gespielt zu werden.
• Irische Harfe: Auch genannt Clàrsach in schottischem Gälisch oder Cláirseach in Irisch während des Mittleren Alters war es das populärste Instrument Irlands und Schottlands. Wegen seiner Bedeutung auf der irischen Geschichte wird es sogar auf dem Guinness-Etikett gesehen, und ist Irlands nationales Symbol sogar bis jetzt. Um gespielt zu werden, wird es gewöhnlich abgerissen. Seine Größe kann sich außerordentlich von einer Harfe ändern, die in jemandes Runde zu einer lebensgroßen Harfe gespielt werden kann, die auf dem Fußboden gelegt wird
• Hurdy gurdy: (Auch bekannt als die Radgeige), in dem die Schnuren durch ein Rad erklingen lassen werden, das die Schnuren übertragen. Seine Funktionalität kann im Vergleich zu dieser einer mechanischen Geige sein, in diesem seinem Bogen (Rad) wird von einer Kurbel gedreht. Sein kennzeichnender Ton ist hauptsächlich wegen seiner "Drohne-Schnuren", die einen unveränderlichen Wurf zur Verfügung stellen, der in ihrem Ton zu diesem von Dudelsäcken ähnlich ist.
• Sieh Hauptartikel: Cittern.
• Sieh Hauptartikel: Kitt.
• Sieh Hauptartikel: Kielflügel.
• Sieh Hauptartikel: Jungfräulich.

Schlagzeug

Einige Renaissanceschlagzeug-Instrumente schließen das Dreieck, die Maultrommel, das Tamburin, die Glocken, den Poltern-Topf und die verschiedenen Arten von Trommeln ein.

• Tamburin: In den frühen Altern war das Tamburin ursprünglich eine Rahmentrommel ohne das Geklingel beigefügt beiseite. Dieses Instrument hat sich bald entwickelt und hat den Namen des timbrel während der mittelalterlichen Kreuzzüge übernommen, an der Zeit es das Geklingel erworben hat. Das Tamburin wurde häufig mit einer einzelnen Haut gefunden, weil es es leicht für einen Tänzer gemacht hat zu spielen. Die Haut, die den Rahmen umgibt, wird das Velin genannt, und erzeugt das geschlagene durch das Anschlagen der Oberfläche mit den Fingergelenken, den Fingerspitzen oder der Hand. Es konnte auch gespielt werden, indem es das Instrument geschüttelt worden ist, dem Geklingel des Tamburins erlaubend, "zu rasseln" und "zu klimpern".
• Maultrommel: Ein Instrument, das häufig zu seinem historischen Zweck für Männer "serenading" ihre Schätzchen bekannt ist, Es ist sogar in Höhe vom wiederholt verbieten für sein "endangerment auf dem weiblichen Vorteil gegangen" wird es auch geglaubt, dass es wegen seines Aufbaus von Silber, und wegen der großen Nachfrage auf Silber im 19. Jahrhundert Österreich verboten wurde, war das ein anderer Grund für sein Ächten. Ein Stahlinstrument, das gesunde Verwenden-Gestalten des Mundes und Versuchens erzeugt, verschiedene Vokale mit dem-Mund auszusprechen. Die Schleife am Begabungsende der Zunge des Instrumentes wird in verschiedenen Skalen des Vibrierens abgerissen, das verschiedene Töne schafft.

Holzblasinstrumente (aerophones)

Die Holzblasinstrumente (aerophones) erzeugen Ton mittels einer vibrierenden Säule von Luft innerhalb der Pfeife. Löcher entlang der Pfeife erlauben dem Spieler, die Länge der Säule von Luft, und folglich den Wurf zu kontrollieren. Es gibt mehrere Weisen, die Luftsäule vibrieren zu lassen, und diese Wege definieren die Unterkategorien von Holzblasinstrumenten. Ein Spieler kann über ein Mund-Loch, als in einer Flöte blasen; in ein Mundstück mit einem einzelnen Rohr, als in einer modern-tägigen Klarinette oder Saxofon; oder ein doppeltes Rohr, als in einer Oboe oder Fagott. Alle drei dieser Methoden der Ton-Produktion können in Renaissanceinstrumenten gefunden werden.

• Shawm: Ein typischer östlicher shawm ist keyless und ist mit sieben Finger-Löchern und einem Daumen-Loch ungefähr ein Fuß lang. Die Pfeifen wurden auch meistens aus Holz gemacht, und viele von ihnen hatten Holzschnitzereien und Dekorationen auf ihnen. Es war das populärste doppelte Rohr-Instrument der Renaissanceperiode; es wurde in den Straßen mit Trommeln und Trompeten wegen seines Brillanten, Durchstoßens und häufig Betäuben-Tons allgemein verwendet. Um den shawm zu spielen, stellt eine Person das komplette Rohr in ihrem Mund, bläst durch ihre Backen auf, und bläst in die Pfeife, während sie durch ihre Nase atmet.
• Rohrflöte: Gemacht von einer einzelnen kurzen Länge des Stocks mit einem Mundstück vier oder fünf Finger-Löcher und Rohr davon geformt. Das Rohr wird dadurch gemacht, eine kleine Zunge auszuschneiden, aber die Basis beigefügt zu verlassen. Es ist der Vorgänger des Saxofons und der Klarinette.
• Horn: Dasselbe als Rohrflöte, aber mit einer Glocke am Ende.
• Bagpipe/Bladderpipe: Glauben Sie, um von Hirten erfunden worden zu sein, denen vorgehabt, eine Tasche zu verwenden, die aus der Schaf- oder Ziege-Haut gemacht ist, und Luftdruck zur Verfügung stellen würde, so dass, wenn sein Spieler Atem holt, der Spieler nur die unter ihrem Arm gesteckte Tasche drücken muss, um den Ton fortzusetzen. Die Mund-Pfeife hat ein einfaches rundes Stück von Leder, das zum Tasche-Ende der Pfeife abgehangen ist, und handelt wie eine Nichtrückklappe. Das Rohr wird innerhalb des langen Metallmundstücks, bekannt als ein bocal gelegen.
• Panflöte: Entworfen, um sechzehn Holztuben mit einem Pfropfen an einem Ende und offen auf dem anderen zu haben. Jede Tube ist eine verschiedene Größe (dadurch einen verschiedenen Ton erzeugend), ihm eine Reihe von eineinhalb Oktave gebend. Der Spieler kann dann ihre Lippen gegen die gewünschte Tube und den Schlag darüber legen.
• Querflöte: Die Querflöte ist der modernen Flöte mit einem Mund-Loch in der Nähe vom Stoppered-Ende und Finger-Löchern entlang dem Körper ähnlich. Der Spieler drückt die Seite ein und hält die Flöte zur richtigen Seite.
• Recorder: Der Recorder ist ein allgemeines Instrument noch verwendet heute, häufig unterrichtet Kindern in Grundschulen. Anstatt eines Rohres verwendet es ein Pfeifer-Mund-Stück, das gestaltetes Mund-Stück eines Schnabels als seine Hauptquelle der gesunden Produktion ist. Es wird gewöhnlich mit sieben Finger-Löchern und einem Daumen-Loch gemacht.

Beschluss

Das 16. Jahrhundert und Anfang des 17. Jahrhunderts hat die dauernde Verbesserung vieler Typen von Instrumenten gesehen. Holzblasinstrument trägt wurden neu entworfen, um ihre Reihe zu erweitern und ihre Ton-Qualität zu verbessern. Violen und Geigen wurden mit gesunden Posten versorgt, um ihren Ton zu erhöhen. Der Kompass von Tastatur-Instrumenten wurde breiter gemacht, und neue stimmende Systeme wurden entwickelt.

Die Renaissance war, weil sein Name, eine Periode der Erneuerung, Erfindung und Verjüngung sowohl der Musik als auch Instrumente einbezieht.

Siehe auch

• Liste von Renaissancekomponisten
• Musik der französischen Renaissance

Referenzen

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• Baines, Anthony, Hrsg.-Musikinstrumente Durch die Alter. New York: Spaziergänger und Gesellschaft, 1975.
• Begabung, Margaret. Die Grammatik der Frühen Musik: Vorbedingungen für die Analyse. In Tonstrukturen der Frühen Musik, Hrsg. Cristle Collins Judd. 1998. Internationale Standardbuchnummer 0-8153-36381
• Bessaraboff, Nicholas. Alte europäische Musikinstrumente. 1. Cambridge, Massachusetts: Universität von Harvard Presse, 1941.
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• Gleason, Harold und Becker, Warren. Musik im Mittleren Alter und der Renaissance (Musik-Literaturumriss-Reihe I). Bloomington, Indiana: Frangipani Presse, 1986. Internationale Standardbuchnummer 0 89917 034 X
• Judd, Cristle Collins, Hrsg. Tonstrukturen der Frühen Musik. New York: Das Girlande-Veröffentlichen, 1998. Internationale Standardbuchnummer 0-8153-2388-3.
• Reese, Gustav. Musik in der Renaissance. New York: W.W. Norton, 1954. Internationale Standardbuchnummer 0-393-09530-4
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• Strunk, Oliver. Quelllesungen in der Musik-Geschichte. New York: W.W. Norton, 1950.
• Orpheon Fundament, Wien, Österreich

Links

• Radio von Pandora: Renaissanceperiode
• Altes FM (Online-Radio, das mittelalterlich und Renaissancemusik zeigt)
• Handbuch zum Mittelalterlichen und den Renaissanceinstrumenten - Beschreibungen, Fotos und Töne.
• "Hier eines Sonntagsmorgens"
• Renaissanceperiode-Musik-Sammlung der Musik aus 5 Ländern
• "Der Renaissancekanal" - Renaissancemusik-Videos
• "Vorher und Nach dem Internetradio" - Mittelalterlich, Renaissance, Moderne Klassische Musik
• Répertoire International des Sources Musicales (RISM), eine freie, auffindbare Datenbank von Weltpositionen für Musik-Manuskripte bis zu ca. 1800

Moderne Leistung

• Stadt von Lincoln Waites der Bürgermeister des eigenen Bandes von Lincoln von Musick
• Pantagruel - eine Renaissance Musicke Ensemble
• Stella Fortuna: Mittelalterliche Minnesänger (1370) von Ihnen Compaynye der Cheualrye Wiederholungsgesellschaft. Fotos und Audiodownload.
• Wartet auf Website - Renaissance Stadtbänder Europas
• Ensemble Feria VI - Sechs Stimmen und eine Viola da gamba