Die Daten der Klassischen Periode in der Westmusik werden allgemein akzeptiert als, zwischen ungefähr 1750 und 1830 zu sein. Jedoch wird der Begriff klassische Musik umgangssprachlich gebraucht, um eine Vielfalt von Westmusikstilen aus dem neunten Jahrhundert zur Gegenwart, und besonders vom sechzehnten oder siebzehnten zum neunzehnten zu beschreiben. Dieser Artikel ist über die spezifische Periode von 1750 bis 1830.

Die Klassische Periode fällt zwischen dem Barock und die Romantischen Perioden. Die am besten bekannten Komponisten von dieser Periode sind Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven und Franz Schubert; andere bemerkenswerte Namen schließen Luigi Boccherini, Muzio Clementi, Antonio Soler, Antonio Salieri, François Joseph Gossec, Johann Stamitz, Carl Friedrich Abel, Carl Philipp Emanuel Bach und Christoph Willibald Gluck ein. Ludwig van Beethoven wird auch manchmal entweder als ein Romantischer Komponist oder als ein Komponist betrachtet, der ein Teil des Übergangs zum Romantiker war.

Franz Schubert ist auch etwas einer Übergangszahl, wie Johann Nepomuk Hummel, Mauro Giuliani, Friedrich Kuhlau, Fernando Sor, Luigi Cherubini, Jan Ladislav Dussek und Carl Maria von Weber sind. Die Periode wird manchmal das Zeitalter des wienerischen Klassikers oder Klassizismus , seit Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn, Antonio Salieri und Ludwig van Beethoven genannt alle haben in einer Zeit mit Wien gearbeitet, und Franz Schubert ist dort geboren gewesen.

Klassizismus

In der Mitte des 18. Jahrhunderts hat Europa begonnen, sich zu einem neuen Stil in der Architektur, Literatur und den Künsten, allgemein bekannt als Klassizismus zu bewegen, der sich bemüht hat, mit den Idealen der Klassischen Altertümlichkeit und besonders derjenigen des Klassischen Griechenlands wettzueifern. Während noch dicht verbunden, mit der Gerichtskultur und dem Absolutismus, mit seiner Formalität und Betonung auf Bestellung und Hierarchie, war der neue Stil auch ein saubererer Stil — derjenige, der klarere Abteilungen zwischen Teilen, hellere Unähnlichkeiten und Farben, und Einfachheit aber nicht Kompliziertheit und die typische vergrößerte Orchester-Größe bevorzugt hat.

Die bemerkenswerte Entwicklung von Ideen in der "natürlichen Philosophie" hatte sich im öffentlichen Bewusstsein mit der als ein Paradigma genommenen Physik von Newton eingerichtet: Strukturen sollten in Axiomen wohl begründet und sowohl gut artikuliert werden und regelmäßig sein. Dieser Geschmack für die Strukturklarheit hat sein Weg in die Welt der Musik gearbeitet, von der layered Polyfonie der Barocken Periode zu einem Stil abrückend, wo eine Melodie über eine untergeordnete Harmonie — eine Kombination gerufen hat, wurde homophony — bevorzugt. Das hat bedeutet, dass das Spielen von Akkorden, selbst wenn sie die melodische Glätte eines einzelnen Teils unterbrochen haben, eine viel mehr überwiegende Eigenschaft der Musik geworden ist. Das hat abwechselnd die Tonstruktur von Arbeiten hörbarer gemacht.

Der neue Stil wurde auch vorwärts durch Änderungen in der Wirtschaftsordnung und in der sozialen Struktur gestoßen. Als das 18. Jahrhundert fortgeschritten ist, ist der Adel die primären Schutzherren der instrumentalen Musik geworden, und es gab einen Anstieg des öffentlichen Geschmacks für die komische Oper. Das hat zu Änderungen in der Weise geführt, wie Musik durchgeführt, am entscheidendsten wurde, von denen die Bewegung zu instrumentalen Standardgruppen und der Verminderung der Wichtigkeit vom Continuo war — füllt sich die Harmonische unter der Musik, die häufig durch mehrere Instrumente gespielt ist. Eine Weise, diesen Niedergang des Continuos und seiner bemalten Akkorde zu verfolgen, soll den Niedergang des Begriffes selbstständige Begleitstimme untersuchen, einen obligatorischen instrumentalen Teil in einer Arbeit der Kammermusik bedeutend. In der Barocken Welt konnten zusätzliche Instrumente zum Continuo fakultativ hinzugefügt werden; in der Klassischen Welt wurden alle Teile spezifisch bemerkt, obwohl nicht immer in Notenschrift geschrieben, ganz selbstverständlich, so ist das Wort "selbstständige Begleitstimme" überflüssig geworden. Vor 1800 war der Begriff praktisch erloschen.

Die Änderungen in der Wirtschaftslage hatten auch die Wirkung, das Gleichgewicht der Verfügbarkeit und die Qualität von Musikern zu verändern. Während im späten Barock ein Hauptkomponist die kompletten Musikmittel einer Stadt haben würde sich zu stützen, waren die an einer Jagdhütte verfügbaren Kräfte kleiner und in ihrem Niveau der Fähigkeit fester. Das war ein Sporn dazu, in erster Linie einfache Teile zu haben, um, und im Fall von einer Residentvirtuose-Gruppe, einem Sporn zum Schreiben sensationeller, idiomatischer Teile für bestimmte Instrumente, als im Fall vom Orchester von Mannheim zu spielen. Außerdem hat der Appetit auf eine dauernde Versorgung der neuen Musik, die vom Barock vorgetragen ist, bedeutet, dass Arbeiten performable mit, bestenfalls, eine Probe sein mussten. Tatsächlich sogar nach 1790 schreibt Mozart über "die Probe" mit der Implikation, dass seine Konzerte nur einen haben würden.

Seitdem polyfone Textur nicht mehr der Hauptfokus der Musik war (der Entwicklungsabteilung ausschließend), aber eher eine einzelne melodische Linie mit der Begleitung, gab es größere Betonung darauf, diese Linie für die Dynamik und Phrasierung in Notenschrift zu schreiben. Die Vereinfachung der Textur hat solches instrumentales Detail wichtiger gemacht, und hat auch den Gebrauch von charakteristischen Rhythmen, wie Aufmerksamkeitsbekommen öffnende Fanfaren, der Trauermarsch-Rhythmus oder das Menuett-Genre gemacht, das im Herstellen und Vereinheitlichen des Tons einer einzelnen Bewegung wichtiger ist.

Formen wie das Konzert und die Sonate wurden schwerer definiert und spezifischere Regeln gegeben, wohingegen die Symphonie in dieser Periode geschaffen wurde (das wird Joseph Haydn populär zugeschrieben). Das Konzert grosso (ein Konzert für mehr als einen Musiker) hat begonnen, durch das Solokonzert (ein Konzert ersetzt zu werden, das nur einen Solisten zeigt), und hat deshalb begonnen, mehr Wichtigkeit auf der Fähigkeit des besonderen Solisten zu legen, anzugeben. Es, gab natürlich, ein Konzert grossos, der, der berühmteste von dem geblieben ist, die Sinfonie von Mozart Concertante für die Geige und Viola im E flachen Major seiend.

Haupteigenschaften

Klassische Musik hat eine leichtere, klarere Textur als Barocke Musik und ist weniger kompliziert. Es ist hauptsächlich homophonic — Melodie über der chordal Begleitung (aber Kontrapunkt, wird besonders später in der Periode keineswegs vergessen).

Vielfalt und Unähnlichkeit innerhalb eines Stückes sind ausgesprochener geworden als vorher. Die Vielfalt von Schlüsseln, Melodien, Rhythmen und Dynamik (das Verwenden, und), zusammen mit häufigen Änderungen der Stimmung und des Timbres war in der Klassischen Periode mehr gewöhnlich, als sie im Barock gewesen waren. Melodien haben dazu geneigt, kürzer zu sein, als diejenigen der Barocken Musik, mit klaren Ausdrücken und klar gekennzeichneten Rhythmen. Das Orchester hat in der Größe und Reihe zugenommen; das Kielflügel-Continuo ist aus dem Gebrauch gefallen, und das Holzblasinstrument ist eine geschlossene Abteilung geworden. Als ein Soloinstrument wurde der Kielflügel durch das Klavier (oder fortepiano) ersetzt. Frühe Klavier-Musik war in der Textur häufig mit der Bassbegleitung von Alberti leicht, aber es ist später reicher, klangvoller und stärker geworden.

Wichtigkeit wurde der instrumentalen Musik gegeben — die Hauptarten waren Sonate, Trio, Streichquartett, Symphonie, Konzert, Ständchen und divertimento. Sonate-Form hat sich entwickelt und ist die wichtigste Form geworden. Es wurde verwendet, um die erste Bewegung von den meisten groß angelegten Arbeiten, sondern auch anderen Bewegungen und einzelnen Stücke (wie Ouvertüren) aufzubauen.

Geschichte

Der Barocke/klassische Übergang c. 1730-1760

Zuerst hat der neue Stil Barocke Formen — die dreifältige Arie von da capo und die Sinfonie und Konzert übernommen — aber hat mit einfacheren Teilen, mehr in Notenschrift geschriebener Verzierung und mehr emphatischer Abteilung in Abteilungen gedichtet. Jedoch, mit der Zeit, die neuen ästhetischen verursachten radikalen Änderungen darin, wie Stücke, und die grundlegenden geänderten Lay-Outs zusammengestellt wurden. Komponisten von dieser Periode haben dramatische Effekten, bemerkenswerte Melodien und klarere Texturen gesucht. Der italienische Komponist Domenico Scarlatti war eine wichtige Zahl im Übergang vom Barock bis Klassischen. Sein einzigartiger compositional Stil ist stark mit dieser der frühen Klassischen Periode verbunden. Er ist am besten bekannt, um mehr als fünfhundert Ein-Bewegung-Tastatur-Sonaten zusammenzusetzen. In Spanien hat Antonio Soler auch wertvolle Tastatur-Sonaten erzeugt, die in der Form verschiedener sind als diejenigen von Scarlatti mit einigen Stücken in drei oder vier Bewegungen.

Eine andere wichtige Unterbrechung mit der Vergangenheit war die radikale Überholung der Oper durch Christoph Willibald Gluck, der sehr viel der layering und improvisierten Verzierung abgeschnitten hat und sich auf die Punkte der Modulation und des Übergangs konzentriert hat. Indem er in diesen Momenten gemacht hat, wo sich die Harmonie mehr im Brennpunkt stehend ändert, hat er starke dramatische Verschiebungen in der emotionalen Farbe der Musik ermöglicht. Um diese Episoden hervorzuheben, hat er Änderungen in der Instrumentierung, Melodie und Weise verwendet. Unter den erfolgreichsten Komponisten seiner Zeit hat Gluck viele Emulatoren erzeugt, von denen einer Antonio Salieri war. Ihre Betonung auf der Zugänglichkeit hat riesige Erfolge in der Oper, und in der stimmlichen Musik weiter gebracht: Lieder, Oratorien und Chöre. Diese wurden als die wichtigsten Arten der Musik für die Leistung betrachtet und haben folglich größten Erfolg nach der öffentlichen Bewertung genossen.

Die Phase zwischen dem Barock und dem Anstieg des Klassischen, mit seiner breiten Mischung von konkurrierenden Ideen und Versuchen, die verschiedenen Anforderungen des Geschmacks, Volkswirtschaft und "Weltanschauung" zu vereinigen, geht durch viele Namen. Es wird manchmal Galant, Rokoko, oder vorklassisch, oder in anderen am Anfang Klassischen Zeiten genannt. Es ist eine Periode, wo einige Komponisten, die noch im Barocken Stil-Schwenken, obwohl manchmal gedacht, als arbeiten, mehr von der Vergangenheit seiend, als die Gegenwart — Bach, Handel und Telemann alle zusammengesetzt gut außer dem Punkt, an dem der homophonic Stil klar im Verwandten ist. Musikkultur wurde an Straßenkreuzungen gefangen: Die Master des älteren Stils hatten die Technik, aber das Publikum hat nach dem neuen gehungert. Das ist einer der Gründe, an denen C.P.E. Bach in solcher hoher Rücksicht gehalten wurde: Er hat die älteren Formen ganz gut verstanden und hat gewusst, wie man sie im neuen Gewand mit einer erhöhten Vielfalt der Form präsentiert.

Um 1750-1775

Bis zum Ende der 1750er Jahre dort gediehen Zentren des neuen Stils in Italien, Wien, Mannheim und Paris; Dutzende von Symphonien wurden zusammengesetzt, und es gab "Bänder" von mit Theatern vereinigten Spielern. Oper oder andere stimmliche Musik waren die Eigenschaft von den meisten Musikereignissen, mit Konzerten und "Symphonien" (aus der Ouvertüre entstehend), als instrumentale Zwischenspiele und Einführungen für Opern und Kirchdienstleistungen dienend. Über den Kurs der Klassischen Periode haben sich "Symphonien" und Konzerte entwickelt und wurden unabhängig von der stimmlichen Musik präsentiert.

Das "normale" Ensemble — ein Körper von Schnuren, die durch Winde — und Bewegungen des besonderen rhythmischen Charakters ergänzt sind, wurde bis zum Ende der 1750er Jahre in Wien gegründet. Jedoch wurden die Länge und das Gewicht von Stücken noch mit einigen Barocken Eigenschaften gesetzt: Individuelle Bewegungen haben sich noch konzentriert man betrifft oder hatte nur eine sich scharf abhebende mittlere Abteilung, und ihre Länge war nicht bedeutsam größer als Barocke Bewegungen. Es gab noch nicht eine klar behauptete Theorie dessen, wie man im neuen Stil dichtet. Es war ein für einen Durchbruch reifer Moment.

Viele denken, dass dieser Durchbruch von C.P.E. Bach, Gluck und mehreren andere gemacht worden ist. Tatsächlich, wie man häufig betrachtet, sind C.P.E. Bach und Gluck Gründer des Klassischen Stils.

Der erste große Master des Stils war der Komponist Joseph Haydn. Gegen Ende der 1750er Jahre hat er begonnen, Symphonien zusammenzusetzen, und vor 1761 hatte er ein Triptychon (Morgen, Mittag und Abend) fest in der "zeitgenössischen" Weise zusammengesetzt. Als ein vice-Kapellmeister und späterer Kapellmeister hat sich seine Produktion ausgebreitet: Er hat mehr als vierzig Symphonien in den 1760er Jahren allein zusammengesetzt. Und während seine Berühmtheit gewachsen ist, weil sein Orchester ausgebreitet wurde und seine Zusammensetzungen kopiert und verbreitet wurden, war seine Stimme nur ein unter vielen.

Während einige vorschlagen, dass er von Mozart und Beethoven überschattet wurde, würde es schwierig sein, den centrality von Haydn zum neuen Stil, und deshalb zur Zukunft der Westkunstmusik als Ganzes zu übertreiben. Zurzeit, vor dem Hervorragen von Mozart oder Beethoven, und mit Johann Sebastian Bach bekannt in erster Linie Kennern der Tastatur-Musik, hat Haydn einen Platz in der Musik erreicht, die ihn vor allem andere Komponisten außer vielleicht George Frideric Handel setzen. Er hat vorhandene Ideen genommen, und hat sich radikal verändert, wie sie — das Verdienen von ihm die Titel "Vater der Symphonie," und "Vater des Streichquartetts fungiert haben."

Eine der Kräfte, die als ein Impuls für sein Drücken vorwärts gearbeitet haben, war das erste Rühren dessen, was später Romantik — Sturm und genannt würde, führen Drang, oder "Sturm und Betonung" die Künste, eine kurze Periode stufenweise ein, wo offensichtliche Gefühlsbetontheit eine stilistische Vorliebe war. Haydn hat entsprechend dramatischere Unähnlichkeit und emotionaler ansprechende Melodien, mit dem geschärften Charakter und der Individualität gewollt. Diese Periode ist in der Musik und Literatur verklungen: Jedoch hat es beeinflusst, was später gekommen ist und schließlich ein Bestandteil des ästhetischen Geschmacks in späteren Jahrzehnten sein würde.

Die Abschiedssymphonie, Nr. 45 im F Minderjährigen, veranschaulicht die Integration von Haydn der sich unterscheidenden Anforderungen des neuen Stils, mit dem Überraschen von scharfen Kurven und einem langen Adagio, um die Arbeit zu beenden. 1772 hat Haydn sein Opus 20 Satz von sechs Streichquartetten vollendet, in denen er die polyfonen Techniken eingesetzt hat, die er das vorherige Zeitalter gesammelt hatte, um Strukturkohärenz zur Verfügung zu stellen, die dazu fähig ist, seine melodischen Ideen zusammenzuhalten. Für einige kennzeichnet das den Anfang des "reifen" Klassischen Stils, wo die Periode der Reaktion gegen die Kompliziertheit des späten Barocks begonnen hat, durch eine Periode der Integration von Elementen sowohl von Barocken als auch von Klassischen Stilen ersetzt zu werden.

Um 1775-1790

Haydn, seit mehr als einem Jahrzehnt als der Musik-Direktor für einen Prinzen gearbeitet, hatte viel mehr Mittel und Spielraum, um zu dichten, als die meisten und auch die Fähigkeit, die Kräfte zu gestalten, die seine Musik spielen würden. Diese Gelegenheit wurde nicht vergeudet, weil sich Haydn, ziemlich früh auf seiner Karriere beginnend, bemüht hat, vorwärts die Technik zu drücken, Ideen in der Musik zu bauen. Sein folgender wichtiger Durchbruch war im Opus 33 Streichquartette (1781), wo das melodische und die harmonischen Rollen segue unter den Instrumenten: Es ist häufig einen Augenblick lang unklar, was Melodie ist, und was Harmonie ist. Das ändert die Weise, wie das Ensemble sein Weg zwischen dramatischen Momenten des Übergangs und der Höheabteilungen arbeitet: Die Musik fließt glatt und ohne offensichtliche Unterbrechung. Er hat dann diesen einheitlichen Stil genommen und hat begonnen, ihn auf die stimmliche und Orchestermusik anzuwenden.

Das Geschenk von Haydn zur Musik war eine Weise, eine Weise zu dichten, Arbeiten zu strukturieren, der zur gleichen Zeit gemäß der des neuen Stils ästhetischen Regelung war. Jedoch hat ein jüngerer Zeitgenosse, Wolfgang Amadeus Mozart, seinem Genie zu den Ideen von Haydn gebracht und hat sie auf zwei der Hauptgenres des Tages angewandt: Oper und das Virtuose-Konzert. Wohingegen Haydn viel von seinem Arbeitsleben als ein Gerichtskomponist ausgegeben hat, hat Mozart öffentlichen Erfolg im Konzertleben von Städten gewollt. Diese beabsichtigte Oper, und hat es bedeutet, als ein Virtuose zu leisten. Haydn war nicht ein Virtuose am internationalen Reiseniveau; noch er bemühte sich, Opernarbeiten zu schaffen, die seit vielen Nächten vor einem großen Publikum spielen konnten. Mozart hat beide gewollt. Außerdem hatte Mozart auch einen Geschmack für mehr chromatische Akkorde (und größere Unähnlichkeiten auf der harmonischen Sprache allgemein), eine größere Liebe dazu, ein Wogen von Melodien in einer einzelnen Arbeit, und mehr Feingefühl von Italianate in der Musik als Ganzes zu schaffen. Er, hat in der Musik von Haydn und später in seiner Studie der Polyfonie von Bach, die Mittel gefunden, seine Geschenke zu disziplinieren und zu bereichern.

Mozart ist schnell zur Aufmerksamkeit von Haydn gekommen, der dem neuen Komponisten zugejubelt hat, seine Arbeiten studiert hat, und den jüngeren Mann als seinen einzigen wahren Gleichen in der Musik betrachtet hat. In Mozart hat Haydn eine größere Reihe der Instrumentierung, dramatischen Wirkung und melodischen Quelle gefunden; die Lernbeziehung hat sich in zwei Richtungen bewegt.

Die Ankunft von Mozart in Wien 1780 hat eine Beschleunigung in der Entwicklung des Klassischen Stils gebracht. Dort hat Mozart die Fusion der Helligkeit von Italianate und germanischen Zusammenhaltendkeit absorbiert, die seit den vorherigen 20 Jahren gebraut hatte. Sein eigener Geschmack für Helligkeit, rhythmisch komplizierte Melodien und Zahlen, lange cantilena Melodien und Virtuose-Schwenken wurde mit einer Anerkennung für die formelle Kohärenz und den inneren Zusammenhang verschmolzen. Es ist an diesem Punkt, dass Krieg und Inflation eine Tendenz zu größeren Orchestern gehalten haben und das Auflösen oder die Verminderung von vielen Theater-Orchestern gezwungen haben. Das hat den Klassischen Stil nach innen gedrückt: Zum Suchen größeren Ensembles und technischer Herausforderung — zum Beispiel, das Zerstreuen der Melodie über Holzblasinstrumente oder des Verwendens von Dritteln, um die von ihnen genommene Melodie hervorzuheben. Dieser Prozess hat eine Prämie auf der Kammermusik für mehr öffentliche Leistung gelegt, einem weiteren Auftrieb dem Streichquartett und den anderen kleinen Ensemble-Gruppierungen gebend.

Es war während dieses Jahrzehnts, dass öffentlicher Geschmack zunehmend begonnen hat anzuerkennen, dass Haydn und Mozart einen höheren Standard der Zusammensetzung erreicht hatten. Als Mozart Alter 25, 1781 erreicht hat, wurden die dominierenden Stile Wiens mit dem Erscheinen in den 1750er Jahren des frühen Klassischen Stils erkennbar verbunden. Am Ende der 1780er Jahre waren Änderungen in der Leistungspraxis, dem Verhältnisstehen der instrumentalen und stimmlichen Musik, technischen Anforderungen auf Musikern und stilistischen Einheit feststehend in den Komponisten geworden, die Mozart und Haydn imitiert haben. Während dieses Jahrzehnts hat Mozart seine berühmtesten Opern, seine sechs späten Symphonien zusammengesetzt, die geholfen haben, das Genre und eine Reihe von Klavier-Konzerten wiederzudefinieren, die noch am Gipfel dieser Formen stehen.

Ein Komponist, der im Verbreiten des ernsteren Stils einflussreich war, den Mozart und Haydn gebildet hatten, ist Muzio Clementi, ein begabter Virtuose-Pianist, der mit Mozart in einem Musik"Duell" vor dem Kaiser punktgleich gewesen ist, in dem sie jeder improvisiert hat und ihre Zusammensetzungen durchgeführt hat. Die Sonaten von Clementi für das Klavier haben weit zirkuliert, und er ist der erfolgreichste Komponist in London während der 1780er Jahre geworden. Auch in London in dieser Zeit war Jan Ladislav Dussek, der, wie Clementi, ermutigte Klavier-Schöpfer, um die Reihe und anderen Eigenschaften ihrer Instrumente zu erweitern, und dann völlig die kürzlich geöffneten Möglichkeiten ausgenutzt hat. Die Wichtigkeit von London in der Klassischen Periode wird häufig überblickt, aber es hat als das Haus der Fabrik von Broadwood für die Klavier-Herstellung und als die Basis für Komponisten gedient, die, während weniger bemerkenswert, als die "Wiener Schule", einen entscheidenden Einfluss angehabt haben, was später gekommen ist. Sie waren Komponisten von vielen feinen Arbeiten, die in ihrem eigenen Recht bemerkenswert sind. Londons Geschmack für die Virtuosität kann die komplizierte Durchgang-Arbeit gut gefördert haben und Behauptungen auf dem tonischen und dominierenden erweitert haben.

Um 1790-1820

Als Haydn und Mozart begonnen haben zu dichten, wurden Symphonien als einzelne Bewegungen — vorher, zwischen, oder als Zwischenspiele innerhalb anderer Arbeiten gespielt — und viele von ihnen haben nur zehn oder zwölf Minuten gedauert; instrumentale Gruppen hatten unterschiedliche Standards des Spielens, und das Continuo war ein Hauptteil des Musik-Bildens. In den vorläufigen Jahren hatte die soziale Welt der Musik dramatische Änderungen gesehen: Internationale Veröffentlichung und das Reisen waren explosiv gewachsen, Konzertgesellschaften begannen, gebildet zu werden, Notation war spezifischer, beschreibender gemacht worden, und schematics für Arbeiten war vereinfacht worden (noch ist verschiedener in ihrem genauen Arbeiten geworden). 1790, kurz vor dem Tod von Mozart, mit seinem Ruf, der sich schnell ausbreitet, war Haydn für eine Reihe von Erfolgen, namentlich seine späten Oratorien und "Londoner" Symphonien im Gleichgewicht. Komponisten in Paris, Rom, und überall in Deutschland haben sich Haydn und Mozart für ihre Ideen auf der Form zugewandt.

Der Moment war wieder für eine dramatische Verschiebung reif. Während der 1790er Jahre, dort ist einer neuen Generation von Komponisten, geboren 1770 erschienen, wer, während sie mit den früheren Stilen aufgewachsen waren, in den neuen Arbeiten von Haydn und Mozart ein Fahrzeug für den größeren Ausdruck gefunden hat. 1788 hat sich Luigi Cherubini in Paris niedergelassen und 1791 hat Lodoiska, eine Oper zusammengesetzt, die sich er zur Berühmtheit erhoben hat. Sein Stil ist vom reifen Haydn und Mozart klar reflektierend, und seine Instrumentierung hat ihm ein Gewicht gegeben, das in der großartigen Oper noch nicht gefühlt worden war. Sein zeitgenössischer Étienne Méhul hat instrumentale Effekten mit seiner 1790-Oper Euphrosine und Coradin erweitert, von dem einer Reihe von Erfolgen gefolgt ist.

Die schicksalhafteste von der neuen Generation war Ludwig van Beethoven, der seine numerierten Arbeiten 1794 mit eine Reihe drei Klavier-Trio gestartet hat, das im Repertoire bleibt. Etwas jünger als andere, obwohl ebenso vollbracht, wegen seiner jungen Studie unter Mozart und seiner heimischen Virtuosität, war Johann Nepomuk Hummel. Hummel hat unter Haydn ebenso studiert; er war ein Freund Beethoven und Schubert. Er hat sich mehr auf das Klavier konzentriert als jedes andere Instrument, und seine Zeit mit London 1791 und 1792 hat die Zusammensetzung und Veröffentlichung 1793 drei Klavier-Sonaten, Opus 2 erzeugt, der idiomatisch die Techniken von Mozart verwendet hat, den erwarteten Rhythmus, und Clementi manchmal modal unsichere Virtuose-Gestaltung zu vermeiden. Genommen zusammen können diese Komponisten als die Vorhut einer breiten Änderung im Stil und dem Zentrum der Musik gesehen werden. Sie haben die Arbeiten eines Anderen studiert, haben die Gesten eines Anderen in der Musik kopiert, und haben sich bei Gelegenheit wie zänkische Rivalen benommen.

Die entscheidenden Unterschiede mit der vorherigen Welle können in der Verschiebung nach unten in Melodien gesehen werden, Dauern von Bewegungen, die Annahme von Mozart und Haydn als paradigmatisch, der größere Gebrauch von Tastatur-Mitteln, der Verschiebung vom "stimmlichen" Schreiben bis das "Pianistic"-Schreiben, das wachsende Ziehen des Minderjährigen und von der modalen Zweideutigkeit und der zunehmenden Wichtigkeit davon vergrößernd, Begleitzahlen zu ändern, "um Textur" vorwärts als ein Element in der Musik zu bringen. Kurz gesagt, das späte Klassische suchte eine Musik, die innerlich komplizierter war. Das Wachstum von Konzertgesellschaften und Amateurorchestern, die Wichtigkeit von der Musik als ein Teil des Mittelstandslebens kennzeichnend, hat zu einem blühenden Markt für das Klavier, die Klavier-Musik und die Virtuosen beigetragen, um als examplars zu dienen. Hummel, Beethoven und Clementi waren alle für ihr Improvisieren berühmt.

Der direkte Einfluss des Barocks hat fortgesetzt zu verwelken: Der bemalte Bass ist weniger prominent als ein Mittel der zusammenhaltenden Leistung gewachsen, die Leistungsmethoden der Mitte des 18. Jahrhunderts haben fortgesetzt auszusterben. Jedoch dabei haben ganze Ausgaben von Barocken Mastern begonnen, verfügbar zu werden, und der Einfluss des Barocken Stils hat fortgesetzt, besonders im jemals mitteilsameren Gebrauch des Messings zu wachsen. Eine andere Eigenschaft der Periode ist die steigende Zahl von Leistungen, wo der Komponist nicht anwesend gewesen ist. Das hat zu vergrößertem Detail und Genauigkeit in der Notation geführt; zum Beispiel gab es weniger "fakultative" Teile, die getrennt von der Hauptkerbe gestanden haben.

Die Kraft dieser Verschiebungen ist offenbar mit der 3. Symphonie von Beethoven, in Anbetracht des Namens Eroica geworden, der für "den heroischen" durch den Komponisten italienisch ist. Als mit Stravinsky Der Ritus des Frühlings kann es nicht in allen seinen Neuerungen erst gewesen sein, aber sein aggressiver Gebrauch jedes Teils des Klassischen Stils hat es abgesondert von seinen zeitgenössischen Arbeiten gesetzt: in der Länge, dem Ehrgeiz und den harmonischen Mitteln ebenso.

Zuerst wienerische Schule

Die Erste wienerische Schule ist ein Name größtenteils hat gepflegt, drei Komponisten der Klassischen Periode gegen Ende des 18. Jahrhunderts Wien zu verweisen:W. A. Mozart, Haydn und Beethoven. Franz Schubert wird gelegentlich zur Liste hinzugefügt.

In deutschen Sprechen-Ländern, der Begriff Wiener Klassik (angezündet. Wienerisches klassisches Zeitalter/Kunst) wird verwendet. Dieser Begriff wird häufig auf das Klassische Zeitalter in der Musik als Ganzes als ein Mittel weit gehender angewandt, es von anderen Perioden zu unterscheiden, die umgangssprachlich klassisch, nämlich Barocke und Romantische Musik genannt werden.

Der Begriff "wienerische Schule" wurde zuerst vom österreichischen Musikwissenschaftler Raphael Georg Kiesewetter 1834 gebraucht, obwohl er nur Haydn und Mozart als Mitglieder der Schule aufgezählt hat. Andere Schriftsteller sind Klage gefolgt, und schließlich wurde Beethoven zur Liste hinzugefügt. Die Benennung wird "zuerst" heute hinzugefügt, um Verwirrung mit der Zweiten wienerischen Schule zu vermeiden.

Während, Schubert einzeln, diese Komponisten sicher einander gekannt haben (mit Haydn und Mozart, der sogar gelegentliche Kammermusik-Partner ist), gibt es keinen Sinn, in dem sie mit einer zusammenarbeitenden Anstrengung im Sinn beschäftigt gewesen sind, dass man mit Schulen des 20. Jahrhunderts wie die Zweite wienerische Schule oder Les Six verkehren würde. Noch es gibt jeden bedeutenden Sinn, in dem ein Komponist durch einen anderen "geschult" war (in der Weise, wie Eisberg und Webern von Schoenberg unterrichtet wurden), obwohl es wahr ist, dass Beethoven einige Zeit Lehren von Haydn erhalten hat.

Versuche, die Erste wienerische Schule zu erweitern, um solche späteren Zahlen als Anton Bruckner, Johannes Brahms und Gustav Mahler einzuschließen, sind bloß journalistisch, und haben sich nie in der akademischen Musikwissenschaft begegnet.

Klassischer Einfluss auf spätere Komponisten

Musikzeitalter verschwinden selten sofort; statt dessen werden Eigenschaften mit der Zeit ersetzt, bis das alte einfach als "altmodisch" gefühlt wird. Der Klassische Stil ist so viel nicht "gestorben", wie sich unter dem Gewicht von Änderungen verwandeln.

Eine entscheidende Änderung war die Verschiebung zu Harmonien, die um "flatward" Schlüssel im Mittelpunkt stehen: Verschiebungen in der Subdominante-Richtung. Im Klassischen Stil war Hauptschlüssel viel üblicher als gering, chromaticism, durch den Gebrauch "der sharpward" Modulation gemäßigt werden, und Abteilungen in der geringen Weise waren häufig bloß für die Unähnlichkeit. Als man mit Mozart und Clementi begonnen hat, dort hat eine kriechende Kolonisation des Subdominante-Gebiets begonnen. Mit Schubert sind Subdominante-Bewegungen gediehen, in Zusammenhängen eingeführt, in denen sich frühere Komponisten auf dominierende Verschiebungen beschränkt hätten. Das hat dunklere Farben in die Musik eingeführt, hat die geringe Weise gestärkt, und hat Struktur härter gemacht aufrechtzuerhalten. Beethoven hat dazu durch seinen zunehmenden Gebrauch des vierten als ein Gleichklang und modale Zweideutigkeit — zum Beispiel, die Öffnung der D Geringen Symphonie beigetragen.

Franz Schubert, Carl Maria von Weber und John Field sind unter dem prominentesten in dieser Generation "Klassischer Romantiker" zusammen mit dem jungen Felix Mendelssohn. Ihr Sinn der Form war stark unter Einfluss des Klassischen Stils, und sie wurden noch nicht "erfahren" (imitierende Regeln, die durch andere kodifiziert wurden), aber sie haben direkt auf Arbeiten von Beethoven, Mozart, Clementi und anderen geantwortet, als sie auf sie gestoßen sind. Die instrumentalen Kräfte zu ihrer Verfügung waren auch in der Zahl und Vielfalt "ziemlich Klassisch", Ähnlichkeit mit Klassischen Arbeiten erlaubend.

Jedoch haben die Kräfte, die bestimmt sind, um das Halten des Klassischen Stils zu beenden, Kraft in den Arbeiten von jedem der obengenannten Komponisten gesammelt. Der meistens zitierte ist harmonische Neuerung. Auch wichtig ist die Erhöhung konzentrieren sich darauf, eine dauernde und rhythmisch gleichförmige Begleitgestaltung zu haben: Die Mondlicht-Sonate von Beethoven war das Modell für Hunderte von späteren Stücken — wo die veränderliche Bewegung einer rhythmischen Zahl viel vom Drama und Interesse der Arbeit zur Verfügung stellt, während eine Melodie darüber treibt. Größere Kenntnisse von Arbeiten, größerem instrumentalem Gutachten, Vielfalt von Instrumenten, das Wachstum von Konzertgesellschaften und die unaufhaltsame Überlegenheit des Klaviers vergrößernd —, der ein riesiges Publikum für die hoch entwickelte Musik geschaffen hat — haben alle zur Verschiebung zum "Romantischen" Stil beigetragen.

Die Zeichnung der Linie zwischen diesen zwei Stilen ist unmöglich: Es gibt Abteilungen der Arbeiten von Mozart, die, genommen allein, in der Harmonie und Orchesterbearbeitung aus der Musik schriftliche 80 Jahre später nicht zu unterscheidend sind, und Komponisten fortsetzen, in normativen Klassischen Stilen ins 20. Jahrhundert zu schreiben. Sogar vor dem Tod von Beethoven waren Komponisten wie Louis Spohr selbstbeschriebene Romantiker, das Verbinden, zum Beispiel, ausschweifenderer chromaticism in ihren Arbeiten. Jedoch, allgemein, wie man fühlt, ist der Fall Wiens als das wichtigste Musikzentrum für die Orchesterzusammensetzung die Gelegenheit zur Endeklipse des Klassischen Stils zusammen mit seiner dauernden organischen Entwicklung eines Komponisten, der in der nächsten Nähe zu anderen erfährt. Franz Liszt und Frédéric Chopin haben Wien, wenn jung, besucht, aber sie sind dann zu anderen Aussichten weitergegangen. Komponisten wie Carl Czerny, während tief unter Einfluss Beethovens, auch nach neuen Ideen und neuen Formen gesucht hat, um die größere Welt des Musikausdrucks und der Leistung zu enthalten, in der sie gelebt haben.

Das erneuerte Interesse am formellen Gleichgewicht und der Selbstbeherrschung des 18. Jahrhunderts, das klassische Musik am Anfang des 20. Jahrhunderts zur Entwicklung des so genannten Neoklassizistischen Stils geführt hat, der Stravinsky und Prokofiev unter seinen Befürwortern mindestens in bestimmten Zeiten mit ihren Karrieren gezählt hat.

Klassische Periode-Instrumente

Schnuren

Holzblasinstrumente

• Dachshund-Klarinette
• Dachshund-Horn
• Clarinette d'amour
• Klassische Klarinette
• Chalumeau

Tastaturen

• Klavichord
• Fortepiano
• Kielflügel

Messinge

• Buccin
• Ophicleide - Schlange-Ersatz, Vorgänger der Tuba

Zeitachse von Klassischen Komponisten

Siehe auch

• Liste von Klassischen Zeitalter-Komponisten

Zeichen

• Kennedy, Michael (2006), Das Wörterbuch von Oxford der Musik, 985 Seiten, internationale Standardbuchnummer 0-19-861459-4

Weiterführende Literatur

• Rosen, Charles (hat 1972 1997 ausgebreitet) - Der Klassische Stil. New York: W.W. Norton. Internationale Standardbuchnummer 978-0393040203 (ausgebreitete Ausgabe mit der CD, 1997)
• Downs, Philip G. (1992) - Klassische Musik: Das Zeitalter von Haydn, Mozart, und Beethoven, 4. vol der Einführung von Norton in die Musik-Geschichte. W.W. Norton & Company. Internationale Standardbuchnummer 039395191X (gebundene Ausgabe).
• Lihoreau, Tim; Fry, Stephen (2004) - die Unvollständige und Völlige Geschichte von Stephen Fry der Klassischen Musik. Boxtree. Internationale Standardbuchnummer 978-0752225340
• Taruskin, Richard (2005, Umdrehung. Paperback-Version 2009) - Geschichte von Oxford der Westmusik. Presse der Universität Oxford (die USA). Internationale Standardbuchnummer 978-0195169799 (Eingebundenes Buch), internationale Standardbuchnummer 978-0195386301 (Paperback)
• Hanning, Barbara Russano; Bewurf, Donald Jay (1998-Umdrehung. 2006) - Kurze Geschichte der Westmusik. W.W. Norton & Company. Internationale Standardbuchnummer 0393928039 (gebundene Ausgabe).
• Bewurf, Donald Jay; Palisca, Claude V (1996) - Eine Geschichte der Westmusik, der Fünften Ausgabe. W.W. Norton & Company. Internationale Standardbuchnummer 0393969045 (gebundene Ausgabe).

Außenverbindungen

• Radio von Pandora: Klassische Periode
• Klassisches Netz - klassische Musik-Bezugsseite
• Verzeichnisse von Komponisten und Darstellern von classical.music
• NMA (Neue Mozart-Ausgabe) Online - die Hunderte von Mozart