Kubismus ist eine Avantgarde des 20. Jahrhunderts Kunstbewegung, den Weg gebahnt von Pablo Picasso und Georges Braque, der europäische Malerei und Skulptur revolutioniert hat, und hat verwandte Bewegungen in der Musik, Literatur und Architektur begeistert. In kubistischen Gestaltungsarbeiten werden Gegenstände zerbrochen, analysiert, und in einer abstrahierten Form wieder versammelt — anstatt Gegenstände aus einem Gesichtspunkt zu zeichnen, der Künstler zeichnet das Thema von einer Menge von Gesichtspunkten, das Thema in einem größeren Zusammenhang zu vertreten. Häufig schneiden sich die Oberflächen in anscheinend zufälligen Winkeln, ein zusammenhängendes Tiefenempfinden entfernend. Der Hintergrund und die Gegenstand-Flugzeuge dringen in einander zwischenein, um den seichten zweideutigen Raum, eine der verschiedenen Eigenschaften des Kubismus zu schaffen.

Geschichte

Vorstellung und Ursprünge

Auf die Anfänge des Kubismus ist zwischen 1907 und 1911 datiert worden. Die Frage dessen, als Kubismus begonnen hat, hängt von den Fragen dessen ab, wie es definiert werden kann, was kubistische Kunst unterscheidet, und wer es zuerst entwickelt hat. 1907 von Pablo Picasso, Les Demoiselles d'Avignon malend, ist häufig als eine proto-kubistische Arbeit betrachtet worden. Die 1908 Häuser von Georges Braque an L'Estaque (und verwandte Arbeiten) haben die Würfel-Verweisung von Vauxcelles veranlasst. Gertrude Stein hat sich auf Landschaften bezogen, die von Picasso 1909 wie Reservoir an Horta de Ebroas als die ersten kubistischen Bilder gemacht sind. Die erste organisierte Gruppenausstellung durch Kubisten hat am Salon des Indépendants in Paris während des Frühlings 1911 in einem Zimmer genannt 'Salle 41' stattgefunden; es hat Arbeiten von Jean Metzinger, Albert Gleizes, Fernand Léger, Robert Delaunay und Henri Le Fauconnier eingeschlossen, noch wurden keine Arbeiten von Picasso und Braque ausgestellt.

Picasso ist anerkannt vor 1911 als der Erfinder des Kubismus geworden, während die Wichtigkeit und Priorität von Braque später diskutiert wurden; in Bezug auf seine Behandlung des Raums, des Volumens und der Masse in den Landschaften von L'Estaque. Aber "diese Ansicht vom Kubismus wird mit einer ausgesprochen einschränkenden Definition vereinigt, deren Künstler Kubisten richtig genannt werden sollen," schreibt der Kunsthistoriker Christopher Green: "Des Beitrags der Künstler marginalisierend, die am Salon des Indépendants 1911 [...]" ausgestellt

Historiker haben sich bemüht, die Geschichte des Kubismus in Bezug auf Phasen zu analysieren. In einem Schema war ein erster Zweig des Kubismus, der als Analytischer Kubismus bekannt ist, sowohl radikal als auch als eine kurze, aber hoch bedeutende Kunstbewegung zwischen 1907 und 1911 in Frankreich einflussreich. Eine zweite Phase, Synthetischer Kubismus, ist lebenswichtig ungefähr bis 1919 geblieben, als die surrealistische Bewegung Beliebtheit gewonnen hat. Englischer Kunsthistoriker Douglas Cooper hat ein anderes Schema vorgeschlagen, drei Phasen des Kubismus in seinem Buch, Dem kubistischen Zeitalter beschreibend. Gemäß Cooper gab es "Frühen Kubismus" (von 1906 bis 1908), als die Bewegung im Studio von Picasso und Braque am Anfang entwickelt wurde; die zweite Phase, die "Hohen Kubismus" (von 1909 bis 1914) wird nennt während deren Zeit Juan Gris als eine wichtige Hochzahl erschienen ist; und schließlich hat sich Cooper auf den "Späten Kubismus" (von 1914 bis 1921) als die letzte Phase des Kubismus als eine radikale avantgardistische Bewegung bezogen. . Der einschränkende Gebrauch von Douglas Cooper dieser Begriffe, um die Arbeit von Braque, Picasso, Gris (von 1911) und Léger (in einem kleineren Ausmaß) zu unterscheiden, hat ein absichtliches Werturteil einbezogen.

Die Behauptung, dass das kubistische Bild des Raums, der Masse und der Volumen-Unterstützungen (aber nicht widerspricht), die Flachheit der Leinwand von Daniel-Henry Kahnweiler (schon in 1920) gemacht wurde, aber es war der Kritik in den 1950er Jahren und 1960er Jahren besonders durch Clement Greenberg unterworfen. Zeitgenössische Ansichten vom Kubismus sind kompliziert; gebildet einigermaßen als Antwort auf 'Salle 41' Kubisten, deren Methoden von denjenigen von Picasso und Braque zu verschieden waren, um bloß sekundär zu ihnen betrachtet zu werden. Alternative Interpretationen des Kubismus haben sich deshalb entwickelt. Breitere Ansichten vom Kubismus schließen Künstler ein, die später mit 'Salle 41' Künstler, z.B, Francis Picabia vereinigt wurden; die Brüder Jacques Villon, Raymond Duchamp-Villon und Marcel Duchamp, der von Ende 1911 den Kern von Puteaux Group gebildet hat; die Bildhauer Alexander Archipenko, Joseph Csaky und Ossip Zadkine sowie Jacques Lipchitz und Henri Laurens; und Maler wie Louis Marcoussis, Roger de La Fresnaye, František Kupka, Diego Rivera, Léopold Survage, Auguste Herbin, André Lhote, Gino Severini (nach 1916), María Blanchard (nach 1916) und Georges Valmier (nach 1918). Mehr im Wesentlichen behauptet Christopher Green, dass die Begriffe von Douglas Cooper später durch Interpretationen der Arbeit von Picasso, Braque, Gris und Léger "untergraben wurden, die ikonografische und ideologische Fragen aber nicht Methoden der Darstellung betonen."

Technische und stilistische Aspekte

Während der späten 19. und frühen 20. Jahrhunderte entdeckte die europäische kulturelle Elite Afrikaner, Micronesian und indianische Kunst zum ersten Mal. Künstler wie Paul Gauguin, Henri Matisse und Pablo Picasso wurden gefesselt und durch die steife Macht und Einfachheit von Stilen jener Auslandskulturen begeistert. 1906 hat Picasso Matisse durch Gertrude Stein getroffen, als beide Künstler kürzlich ein Interesse am Primitivismus, der iberischen Skulptur, den afrikanischen afrikanischen und Kunststammesmasken erworben hatten. Sie sind freundliche Rivalen geworden und haben sich mit einander während ihrer Karrieren beworben, vielleicht zu Picasso führend, der in eine neue Periode in seiner Arbeit vor 1907, gekennzeichnet durch den Einfluss der griechischen, iberischen und afrikanischen Kunst eingeht. Die Bilder von Picasso von 1907 sind als Protocubism, wie namentlich gesehen, in Les Demoiselles d'Avignon, dem vorangegangenen Ereignis des Kubismus charakterisiert worden.

Gemäß dem englischen Kunsthistoriker waren Sammler, und Autor Des kubistischen Zeitalters, Douglas Cooper, auf Paul Gauguin und Paul Cézanne "beide jener Künstler bemerkend, zur Bildung des Kubismus besonders einflussreich und für die Bilder von Picasso während 1906 und 1907 besonders wichtig". Cooper setzt fort, jedoch zu sagen, dass Les Demoiselles häufig falsch die erste kubistische Malerei genannt wird. Er erklärt: Der Demoiselles wird allgemein das erste kubistische Bild genannt. Das ist eine Überspitztheit, weil, obwohl es ein erster Hauptschritt zum Kubismus war, es noch nicht Kubist ist. Das störende, expressionistische Element darin ist sogar gegen den Geist des Kubismus, der auf die Welt in einem distanzierten, realistischen Geist geschaut hat. Dennoch ist Demoiselles das logische Bild, um als der Startpunkt für den Kubismus zu nehmen, weil es die Geburt eines neuen bildlichen Idioms kennzeichnet, weil darin Picasso gewaltsam gegründete Vereinbarung gestürzt hat, und weil alles, was gefolgt ist, daraus gewachsen ist.

Der ernsteste Einwand gegen die Bewertung von Demoiselles als der Ursprung des Kubismus, mit seinem offensichtlichen Einfluss der primitiven Kunst, besteht darin, dass "solche Abzüge ungeschichtlich sind" schreibt der Kunsthistoriker Daniel Robbins. Diese vertraute Erklärung "scheitert, entsprechende Rücksicht den Kompliziertheiten einer blühenden Kunst zu geben, die kurz zuvor und während der Periode bestanden hat, als sich die neue Malerei von Picasso entwickelt hat." Zwischen 1905 und 1908 verursachte eine bewusste Suche nach einem neuen Stil schnelle Änderungen in der Kunst über Frankreich, Deutschland, Holland, Italien und Russland. Die Impressionisten hatten einen doppelten Gesichtspunkt, und sowohl der Les Nabis als auch die Symbolisten verwendet (wer Cézanne bewundert hat, auch) hat das Bilderflugzeug glatt gemacht, ihre Themen einfachen geometrischen Formen reduzierend. Der Einfluss der neo-impressionistischen Struktur und des Gegenstands war auch ein wichtiger Faktor, um am meisten namentlich in den Arbeiten von Georges Seurat (z.B, Parade de Cirque, Le Chahut und Le Cirque) gesehen zu werden. Es gab auch Parallelen in der Entwicklung der Literatur und des sozialen Gedankens.

Zusätzlich zu Seurat sollen die Wurzeln des Kubismus in den zwei verschiedenen Tendenzen der späteren Arbeit von Cézanne gefunden werden: Erstens, die gemalte Oberfläche in kleine vielseitige Gebiete von Farbe zu brechen, dadurch den Mehrzahlgesichtspunkt betonend, der durch die beidäugige Vision, und zweitens sein Interesse an der Vereinfachung von natürlichen Formen in Zylinder, Bereiche und Kegel gegeben ist. Jedoch haben die Kubisten dieses Konzept weiter erforscht als Cézanne; sie haben alle Oberflächen von gezeichneten Gegenständen in einem einzelnen Bilderflugzeug vertreten, als ob die Gegenstände alle ihre Gesichter sichtbar zur gleichen Zeit hatten. Diese neue Art des Bildes hat den Weg revolutioniert, auf den Gegenstände in der Malerei und Kunst vergegenwärtigt werden konnten.

Die wichtige historische Studie des Kubismus hat gegen Ende der 1920er Jahre begonnen, zuerst von Quellen von beschränkten Daten, nämlich die Meinungen von Guillaume Apollinaire ziehend. Es ist gekommen, um sich schwer auf den Der Weg zum Kubismus von Daniel-Henry Kahnweiler zu verlassen (veröffentlicht 1920), der auf die Entwicklung Picasso, Braque, Léger und Gris in den Mittelpunkt gestellt hat. Die Begriffe "analytischer" und "synthetisch", der nachher erschienen ist, sind seit der Mitte der 1930er Jahre weit akzeptiert worden. Beide Begriffe sind historische Auferlegung, die vorgekommen ist, nach den Tatsachen identifizieren sie sich. Keine Phase wurde benannt, weil solche zurzeit entsprechenden Arbeiten geschaffen wurden. "Wenn Kahnweiler Kubismus als Picasso und Braque betrachtet," schreibt Daniel Robbins, "ist unsere einzige Schuld im Unterwerfen der Arbeiten anderer Kubisten zur Strenge dieser beschränkten Definition."

Die traditionelle Interpretation des Kubismus, formulierter Posten facto als ein Mittel, die Arbeiten von Braque und Picasso zu verstehen, hat unsere Anerkennung anderer Künstler des zwanzigsten Jahrhunderts betroffen. Es ist schwierig, für Maler wie Jean Metzinger, Albert Gleizes, Robert Delaunay und Henri Le Fauconnier zu gelten, dessen grundsätzliche Unterschiede zum traditionellen Kubismus Kahnweiler dazu gezwungen haben, ihr Recht infrage zu stellen, Kubisten überhaupt genannt zu werden. "Dass bloß darauf hinzuweisen, weil sich diese Künstler verschieden oder geändert vom traditionellen Muster entwickelt haben, haben sie es verdient, zu einer sekundären oder Satellitenrolle im Kubismus verbannt zu werden, ist ein tiefer Fehler." (Daniel Robbins, 1964)

Der Ursprung des Begriffes "Kubismus" illustriert die Gefahren, die unserer traditionellen Annäherung an die Geschichte der Bewegung innewohnend sind. Die traditionelle Annäherung betont die Tatsache, dass sich Matisse auf 'Würfel' im Zusammenhang mit 1908 bezogen hat, der durch Braque malt, und dass der Begriff zweimal vom Kritiker Louis Vauxcelles in einem ähnlichen Zusammenhang veröffentlicht wurde. Interessanterweise, jedoch, hat ein anderer Kritiker durch den Namen von Louis Chassevent das Wort "Würfel" 1906 verwendet, aber seitdem es bezüglich Metzinger und Delaunay aber nicht Picasso oder Braque gemacht wurde, ist seine Bedeutung nicht erforscht worden.

Louis Chassevent, 1906 schreibt: "M. Metzinger ist ein mosaicist wie M. Signac, aber er bringt mehr Präzision zum Ausschnitt seiner Würfel der Farbe, die scheinen, gemacht worden zu sein, mechanisch [...]". Die Geschichte des Wortes "Würfel" geht mindestens bis Mai 1901 zurück, als Jean Béral, die Arbeit des Kreuzes an Indépendants in der Kunst und Littérature nachprüfend, kommentiert hat, dass er "einen großen und quadratischen Pointillismus verwendet, den Eindruck des Mosaiks gebend. Man fragt sich sogar, warum der Künstler Würfel der festen verschieden gefärbten Sache nicht verwendet hat: Sie würden hübsche Verschalungen machen." (Robert Herbert, 1968, p. 221)

Studien haben bestätigt, dass der Begriff Kubismus in allgemeinen Gebrauch bis 1911, hauptsächlich bezüglich Metzinger, Gleizes, Delaunays und Légers nicht eingetreten ist. 1911 haben der Dichter und Kritiker Guillaume Apollinaire den Begriff im Auftrag einer Gruppe von Künstlern akzeptiert, die eingeladen sind, an Brüssel Indépendants auszustellen. Im nächsten Jahr, in der Vorbereitung des Salon de la Section d'Or, haben Metzinger und Gleizes geschrieben und haben Du "Cubisme" veröffentlicht, um die Verwirrung zu zerstreuen, die um das Wort, und als eine Hauptverteidigung des Kubismus wütet (der einen öffentlichen Skandal im Anschluss an den 1911-Salon des Indépendants und den 1912-Salon d'Automne in Paris verursacht hatte). Ihre Ziele als Künstler klärend, war diese Arbeit die erste theoretische Abhandlung auf dem Kubismus, und es bleibt noch das klarste und verständlichste. Das Ergebnis, nicht allein eine Kollaboration zwischen seinen zwei Autoren, hat Diskussionen durch den Kreis von Künstlern widerspiegelt, die sich in Puteaux und Courbevoie getroffen haben. Es hat die Einstellungen der "Künstler von Passy" widergespiegelt, der Picabia und die Brüder von Duchamp eingeschlossen hat, denen Abteilungen davon vor der Veröffentlichung gelesen wurden. Das Konzept, das in Du "Cubisme" entwickelt ist, ein Thema von verschiedenen Punkten in der Zeit und Raum gleichzeitig, d. h., die Tat zu beobachten, einen Gegenstand zu bewegen, es von mehreren aufeinander folgenden Winkeln zu greifen, die in ein einzelnes Image ('vielfache Gesichtspunkte' oder 'bewegliche Perspektive') verschmolzen sind, ist jetzt ein allgemein anerkanntes Phänomen, das verwendet ist, um Dynamismus der kubistischen Positur zu beschreiben.

1912 manifetso Du "Cubisme" durch Metzinger und Gleizes wurde 1913 durch Les Peintres Cubistes gefolgt; eine Sammlung des Nachdenkens und der Kommentare von Guillaume Apollinaire, der mit Picasso von 1905 und Braque von 1907 nah beteiligt worden war, aber wer so viel Aufmerksamkeit Künstlern gelenkt hat Metzinger, Gleizes, Delaunay, Picabia und Duchamp.

Früher Kubismus

Es gab einen verschiedenen Unterschied zwischen den Kubisten von Kahnweiler und den Salon-Kubisten. Vor 1914 haben Picasso, Braque, Gris und Léger (in einem kleineren Ausmaß) die Unterstützung eines einzelnen begangenen Kunsthändlers in Paris, Daniel-Henry Kahnweilers gewonnen, der sie ein jährliches Einkommen für das exklusive Recht versichert hat, ihre Arbeiten zu kaufen. Kahnweiler hat nur zu einem kleinen Kreis von Kennern verkauft. Seine Unterstützung hat seinen Künstlern die Freiheit gegeben, in der Verhältnisgemütlichkeit zu experimentieren. Picasso hat in Montmartre bis 1912 gearbeitet, während Braque und Gris dort bis den Ersten Weltkrieg geblieben sind. Léger hat in Montparnasse basiert.

Im Gegensatz haben die Salon-Kubisten ihren Ruf in erster Linie gebaut, indem sie regelmäßig am Salon d'Automne und dem Salon des Indépendants ausgestellt haben; beide nichtakademischen Hauptsalons in Paris. Sie waren der öffentlichen Antwort und des Bedürfnisses unvermeidlich bewusster zu kommunizieren. Bereits 1910 hat eine Gruppe begonnen sich zu formen, der Metzinger, Gleizes, Delaunay und Léger eingeschlossen hat. Sie haben sich regelmäßig am Studio von Henri le Fauconnier in der Nähe vom Boulevard de Montparnasse getroffen. Diese Soireen würden häufig eingeschlossene Schriftsteller wie Guillaume Apollinaire und André Salmon. Zusammen mit anderen jungen Künstlern hat die Gruppe eine Forschung in die Form entgegen der neo-impressionistischen Betonung auf der Farbe betonen wollen. Louis Vauxcelles, in seiner Rezension des 26. Salon des Indépendant (1910), hat einen Übergang und ungenaue Verweisung auf Metzinger, Gleizes, Delaunay, Léger und Le Fauconniers, als "unwissender geometers gemacht, den menschlichen Körper, die Seite zu blassen Würfeln reduzierend." Am 1910-Salon d'Automne, ein paar Monate später, hat Metzinger seinen hoch zerbrochenen (Nackten) Nu à la cheminée ausgestellt, der nachher in Les Peintres Cubistes von Apollinaire (1913) wieder hervorgebracht wurde.

Die erste öffentliche durch den Kubismus erzeugte Meinungsverschiedenheit hat sich aus Salon showings an Indépendants während des Frühlings 1911 ergeben. Diese Vertretung durch Metzinger, Gleizes, Delaunay, le Fauconnier und Léger, hat Kubismus zur Aufmerksamkeit der breiten Öffentlichkeit zum ersten Mal gebracht. Unter den kubistischen präsentierten Arbeiten hat Robert Delaunay seinen Eiffel Turm, Tour Eiffel (Museum von Solomon R. Guggenheim, New York) ausgestellt.

Am Salon d'Automne desselben Jahres, zusätzlich zur Gruppe von Indépendants von Salle 41, wurden Arbeiten von André Lhote, Marcel Duchamp, Jacques Villon, Roger de La Fresnaye, André Dunoyer de Segonzac und František Kupka ausgestellt.

Der nachfolgende 1912-Salon des Indépendants wurde durch die Präsentation des Nackten Absteigens von Marcel Duchamp eine Treppe, Nr. 2 gekennzeichnet, der selbst einen Skandal sogar unter den Kubisten verursacht hat. Es wurde tatsächlich vom hängenden Komitee zurückgewiesen, das seine Brüder und andere Kubisten eingeschlossen hat. Obwohl die Arbeit im Salon de la Section d'Or im Oktober 1912 und der 1913-Waffenkunde-Show in New York gezeigt wurde, hat Duchamp nie seinen Brüdern und ehemaligen Kollegen verziehen, um seine Arbeit zu zensieren. Juan Gris, eine neue Hinzufügung zur Salon-Szene, hat sein Bildnis von Picasso ausgestellt (Kunstinstitut für Chicago), während die zwei showings von Metzinger La Femme au Cheval (Der Reiter, die Frau mit einem Pferd) 1911-1912 (Statens Museum für Kunst, Nationalgalerie Dänemarks) eingeschlossen haben. Der kolossale La Ville de Paris von Delaunay (Musée d'art moderne de la Ville de Paris) und der La Noce von Léger, Die Hochzeit (Musée National d'Art Moderne, Paris) wurden auch ausgestellt.

Der kubistische Beitrag zum 1912-Salon d'Automne hat eine Meinungsverschiedenheit im Selbstverwaltungsrat Paris geschaffen, zu einer Debatte im Chambre des Députés über den Gebrauch des öffentlichen Kapitals führend, um den Treffpunkt für solche Kunst zur Verfügung zu stellen. Die Kubisten wurden vom Sozialistischen Abgeordneten, Marcel Sembat verteidigt. Es war gegen diesen Hintergrund der öffentlichen Wut, dass Jean Metzinger und Albert Gleizes Du "Cubisme" (veröffentlicht von Eugène Figuière 1912, übersetzt ins Englisch und Russisch 1913) geschrieben haben. Unter den ausgestellten Arbeiten waren die riesengroße Zusammensetzung von Le Fauconnier Les Montagnards attaqués par des ours (Bergsteiger, die durch Bären angegriffen sind) jetzt in der Schule von Rhode Island des Designmuseums, des Deux Femme von Joseph Csaky, der Zwei Frauen (eine Skulptur jetzt, verloren), zusätzlich zu den hoch abstrakten Bildern von Kupka, Amorpha (Die Nationalgalerie, Prag), und Picabia, La Source, Der Frühling (Museum der Modernen Kunst, New York).

Abstraktion und das gebrauchsfertige

Die am meisten äußersten Formen des Kubismus waren nicht diejenigen, die von Picasso und Braque geübt sind, der Gesamtabstraktion widerstanden ist. Andere Kubisten, im Vergleich, besonders František Kupka und diejenigen, die als Orphists durch Apollinaire betrachtet sind (Delaunay, Léger, Picabia und Duchamp), hat Abstraktion durch das Entfernen sichtbaren Gegenstands völlig akzeptiert. Die zwei enteries von Kupka am 1912-Salon d'Automne, Amorpha-Fugue à deux couleurs und Amorpha chromatique chaude, waren hoch abstrakt (oder Nichtvertretungs-) und in der Orientierung metaphysisch. Sowohl Duchamp 1912 als auch Picabia von 1912 bis 1914 haben eine ausdrucksvolle und anspielende komplizierten emotionalen und sexuellen Themen gewidmete Abstraktion entwickelt. Von 1912 hat Delaunay eine Reihe von Bildern genannt Gleichzeitiges Windows gemalt, das von einer Reihe genannt Formes Circulaires gefolgt ist, in dem er planare Strukturen mit hellen prismatischen Farbtönen verbunden hat; gestützt auf den optischen Eigenschaften von nebeneinander gestellten Farben war seine Abfahrt von der Wirklichkeit im Bild von Bildern quasiabgeschlossen. In 1913-14 Léger hat eine Reihe genannt Unähnlichkeiten von Formen erzeugt, eine ähnliche Betonung gebend, um sich zu färben, sich aufzustellen und sich zu formen. Sein Kubismus, trotz seiner abstrakten Qualitäten, wurde mit Themen der Mechanisierung und des modernen Lebens vereinigt. Apollinaire hat diese frühen Entwicklungen des abstrakten Kubismus in Les Peintres cubistes (1913), das Schreiben einer neuen 'reinen' Malerei unterstützt, in der das Thema frei gemacht wurde. Aber trotz seines Gebrauches des Begriffes Orphism waren diese Arbeiten so verschieden, dass sie sich über Versuche hinwegsetzen, sie in eine einzelne Kategorie zu legen.

Auch etikettiert Orphist durch Apollinaire, Marcel Duchamp war für eine andere äußerste durch den Kubismus begeisterte Entwicklung verantwortlich. Das Gebrauchsfertige ist aus einer gemeinsamen Rücksicht entstanden, dass die Arbeit selbst als ein Gegenstand (ebenso eine Malerei) betrachtet wird, und dass sie das materielle Geröll der Welt (als Collage und papier collé im kubistischen Aufbau und Zusammenbau) verwendet. Der folgende logische Schritt, für Duchamp, sollte einen gewöhnlichen Gegenstand als ein unabhängiges Kunststück präsentieren, das nur sich vertritt. 1913 hat er ein Rad-Rad einem Küchenstuhl beigefügt und 1914 hat ein Flasche austrocknendes Gestell als eine Skulptur in seinem eigenen Recht ausgewählt.

Absichten und Interpretationen

Der Kubismus von Picasso, Braque und Gris hatte mehr als eine technische oder formelle Bedeutung, und die verschiedenen Einstellungen und Absichten der Salon-Kubisten haben verschiedene Arten des Kubismus, aber nicht eine Ableitung ihrer Arbeit erzeugt. "Es ist jedenfalls keineswegs klar," schreibt Christopher Green, "inwieweit diese anderen Kubisten von Picasso und Braque für ihre Entwicklung solcher Techniken wie faceting, 'Durchgang' und vielfache Perspektive abgehangen haben; sie könnten solche Methoden mit wenigen Kenntnissen 'des wahren' Kubismus in seinen frühen Stufen, geführt vor allem durch ihr eigenes Verstehen von Cézanne gut erreicht haben." Die Arbeiten, die von diesen Kubisten in 1911 und 1912 Salons ausgestellt sind, haben sich außer den herkömmlichen Cézanne ähnlichen Themen — dem aufgestellten Modell, Stillleben und Landschaft — bevorzugt von Picasso und Braque ausgestreckt, um groß angelegte Themen des modernen Lebens einzuschließen. Gerichtet auf ein großes Publikum haben diese Arbeiten den Gebrauch von vielfachem perspektivischem und kompliziertem planarem faceting für die ausdrucksvolle Wirkung betont, während sie die Eloquenz von mit literarischen und philosophischen Konnotationen ausgestatteten Themen bewahrt haben.

In Du "Cubisme" Metzinger und Gleizes hat ausführlich das Zeitgefühl mit der vielfachen Perspektive verbunden, symbolischen Ausdruck dem Begriff 'der Dauer' gebend, die vom Philosophen Henri Bergson vorgeschlagen ist, gemäß dem Leben als ein Kontinuum, mit dem vorigen Fließen in die Gegenwart und dem gegenwärtigen Mischen in die Zukunft subjektiv erfahren wird. Die Salon-Kubisten haben die faceted Behandlung von festen und Raum- und Effekten von vielfachen Gesichtspunkten verwendet, einen physischen und psychologischen Sinn der Flüssigkeit des Bewusstseins zu befördern; die Unterscheidungen zwischen der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft verschmierend. Eine der Hauptneuerungen, die von den Salon-Kubisten, unabhängig von Picasso und Braque gemacht sind, war die der Gleichzeitigkeit, in größerem vom kleineren Ausmaß auf Theorien von Henri Poincaré, Ernst Mach, Charles Henry und Henri Bergson ziehend. Mit der Gleichzeitigkeit wurde das Konzept getrennter räumlicher und zeitlicher Dimensionen umfassend herausgefordert. Das Thema wurde aus einem spezifischen Gesichtspunkt in einem Moment rechtzeitig nicht mehr betrachtet, aber im Anschluss an eine Auswahl an aufeinander folgenden Gesichtspunkten, d. h., als ob angesehen gleichzeitig von zahlreichen Winkeln (und in vier Dimensionen) mit dem Auge gebaut, das frei ist, von einem bis den anderen zu wandern.

Diese Technik, Gleichzeitigkeit zu vertreten, werden vielfache Gesichtspunkte (oder Verhältnisbewegung) hochgradig der Kompliziertheit im kolossalen Le Dépiquage des Moissons von Gleizes (das Ernte-Dreschen) gestoßen, am 1912-Salon de la Section d'Or, der Überfluss von Le Fauconnier ausgestellt, der an Indépendants von 1911 und der Stadt Paris von Delaunay gezeigt ist, die an Indépendants 1912 gezeigt ist. Diese ehrgeizigen Arbeiten sind einige der größten Bilder in der Geschichte des Kubismus. Léger, den Die Hochzeit, die auch am Salon des Indépendants 1912 gezeigt ist, Form dem Begriff der Gleichzeitigkeit durch das Präsentieren verschiedener Motive als das Auftreten innerhalb eines einzelnen zeitlichen Rahmens gegeben hat, wohin Antworten auf die Vergangenheit und Gegenwart mit der gesammelten Kraft zwischeneindringen. Die Verbindung solchen Gegenstands mit der Gleichzeitigkeit richtet Salon-Kubismus auf frühe futuristische Bilder von Umberto Boccioni, Gino Severini und Carlo Carrà aus; selbst gemacht als Antwort auf den frühen Kubismus.

Kubismus und moderne europäische Kunst wurden in die Vereinigten Staaten auf der jetzt legendären 1913-Waffenkunde-Show in New York City eingeführt, das dann nach Chicago gereist ist. In der Waffenkunde-Show hat Jacques Villon sieben wichtige und große drypoints ausgestellt, sein Bruder Marcel Duchamp hat das amerikanische Publikum mit seinem malenden Nackten Absteigen eine Treppe, Nr. 2 (1912) und Georges Braque, Pablo Picasso, Fernand Léger, Raymond Duchamp-Villon, Roger de La Fresnaye, Marie Laurencin, Albert Gleizes erschüttert, und andere kubistische Maler haben Beispiele ihrer kubistischen Arbeiten beigetragen.

Kubistische Skulptur

Ebenso in der Malerei wird kubistische Skulptur in der Verminderung von Paul Cézanne von gemalten Gegenständen in Teilflugzeuge und geometrische Festkörper (Würfel, Bereiche, Zylinder und Kegel) eingewurzelt. Und ebenso in der Malerei ist es ein durchdringender Einfluss geworden und hat im Wesentlichen zu Constructivism und Futurism beigetragen.

Kubistische Skulptur hat sich in der Parallele zur kubistischen Malerei entwickelt. Während des Herbstes 1909 hat Picasso Kopf einer Frau (Fernande) mit positiven Eigenschaften geformt, die durch den negativen Raum und das Visum versa gezeichnet sind. Gemäß Douglas Cooper: Die erste wahre kubistische Skulptur war der Kopf der eindrucksvollen Frau von Picasso, der in 1909-10, eine Kopie in drei Dimensionen zu vielen modelliert ist, ähnlich analytisch und Faceted-Köpfe in seinen Bildern zurzeit. Diese positiven/negativen Umkehrungen wurden von Alexander Archipenko in 1910-11 und besonders in 1912-13, zum Beispiel in Medrano II ehrgeizig ausgenutzt. Joseph Csaky, nach Archipenko, war der erste Bildhauer in Paris, um sich den Kubisten anzuschließen, mit denen er von 1911 darauf ausgestellt hat. Ihnen wurde von Raymond Duchamp-Villon und dann 1914 von Jacques Lipchitz, Henri Laurens und Ossip Zadkine gefolgt.

Tatsächlich war kubistischer Aufbau so einflussreich wie jede bildliche kubistische Neuerung. Es war der Stimulus hinter der proto-Constructivist Arbeit sowohl von Naum Gabo als auch von Vladimir Tatlin und so dem Ausgangspunkt für die komplette konstruktive Tendenz in der Modernist-Skulptur des 20. Jahrhunderts.

Kubismus nach 1918

Die am meisten innovative Periode des Kubismus war vor 1914. Nach dem Ersten Weltkrieg, mit der vom Händler Léonce Rosenberg gegebenen Unterstützung, ist Kubismus als ein Hauptproblem für Künstler zurückgekehrt, und hat als solcher bis zur Mitte der 1920er Jahre weitergegangen, als sein avantgardistischer Status zweifelhaft durch das Erscheinen der geometrischen Abstraktion und des Surrealismus in Paris gemacht wurde. Viele Kubisten, einschließlich Picassos, Braques, Gris, Légers, Gleizes und Metzinger, während sie andere Stile entwickelt haben, sind regelmäßig zum Kubismus sogar ganz nach 1925 zurückgekehrt. Kubismus ist während der 1920er Jahre und der 1930er Jahre in der Arbeit des Amerikaners Stuart Davis und des Engländers Ben Nicholson wiedererschienen. In Frankreich, jedoch, hat Kubismus einen Niedergang ungefähr von 1925 erfahren. Léonce Rosenberg hat nicht nur die Künstler ausgestellt, die durch das Exil von Kahnweiler, aber andere einschließlich Laurens, Lipchitz, Metzinger, Gleizes, Csaky, Herbin und Severini gestrandet sind. 1918 hat Rosenberg eine Reihe von kubistischen Ausstellungen an seinem Galerie de l'Effort Moderne in Paris präsentiert. Versuche wurden von Louis Vauxcelles gemacht zu behaupten, dass Kubismus tot war, aber diese Ausstellungen, zusammen mit einer gut aufgezogenen kubistischen Show am 1920-Salon des Indépendants und einem Wiederaufleben des Salon de la Section d'Or in demselben Jahr, haben demonstriert, dass es noch lebendig war.

Das Wiedererscheinen des Kubismus ist mit dem Äußeren von 1917 bis 1924 eines zusammenhängenden Körpers des theoretischen Schreibens durch Pierre Reverdy, Maurice Raynal und Daniel-Henry Kahnweiler und, unter den Künstlern, durch Gris, Léger und Gleizes zusammengefallen. Die gelegentliche Rückkehr zum Klassizismus — bildliche Arbeit entweder exklusiv oder neben der kubistischen Arbeit — erfahren von vielen Künstlern während dieser Periode (genannt Neoklassizismus) ist mit der Tendenz verbunden worden, den Realien des Krieges und auch zur kulturellen Überlegenheit eines klassischen oder lateinischen Images Frankreichs während und sofort im Anschluss an den Krieg auszuweichen. Kubismus nach 1918 kann als ein Teil einer breiten ideologischen Verschiebung zum Konservatismus sowohl in der französischen Gesellschaft als auch in Kultur gesehen werden. Und doch ist Kubismus selbst evolutionär sowohl innerhalb des oeuvre von individuellen Künstlern, wie Gris als auch innerhalb Metzingers, und über die Arbeit von Künstlern geblieben, die so von einander verschieden sind wie Braque, Léger und Gleizes. Der Kubismus als eine öffentlich diskutierte Bewegung ist relativ vereinigt und offen für die Definition geworden. Seine theoretische Reinheit hat es ein Maß gemacht, gegen das solche etlichen Tendenzen als Naturalismus Dada, Surrealismus und Abstraktion verglichen werden konnten.

Architektur

Der Begriff, dass Kubismus eine wichtige Verbindung zwischen dem Anfang der Kunst des zwanzigsten Jahrhunderts und der Architektur gebildet hat, wird weit akzeptiert. Die historischen, theoretischen und sozialpolitischen Beziehungen zwischen avantgardistischen Methoden in der Malerei, Skulptur und Architektur hatten frühe Implikationen in Frankreich, Deutschland, den Niederlanden und der Tschechoslowakei. Obwohl es viele Punkte der Kreuzung zwischen Kubismus und Architektur gibt, können nur einige direkte Verbindungen zwischen ihnen gezogen werden. Meistenteils werden die Verbindungen bezüglich geteilter formeller Eigenschaften gemacht: faceting von Form, Raumzweideutigkeit, Durchsichtigkeit und Vielfältigkeit.

Das architektonische Interesse am Kubismus hat auf die Auflösung und Wiederverfassung der dreidimensionalen Form mit einfachen geometrischen Gestalten im Mittelpunkt gestanden, die ohne die Trugbilder der klassischen Perspektive nebeneinander gestellt sind. Verschiedene Elemente, konnten gemachte durchsichtig überlagert sein oder in einander eindringen, während sie ihre Raumbeziehungen behalten haben. Kubismus war ein einflussreicher Faktor in der Entwicklung der modernen Architektur von 1912 vorwärts geworden, sich in der Parallele mit Architekten wie Peter Behrens und Walter Gropius mit der Vereinfachung entwickelnd, Design, den Gebrauch von Materialien zu bauen, die zur Industrieproduktion und dem vergrößerten Gebrauch des Glases passend sind.

Kubismus war für eine Architektur wichtig, einen Stil suchend, der sich auf die Vergangenheit nicht zu beziehen brauchte. So, was eine Revolution sowohl in der Malerei als auch in Skulptur geworden war, wurde als ein Teil 'einer tiefen Umorientierung zu einer geänderten Welt' angewandt. Die Cubo-futuristischen Ideen von Filippo Tommaso Marinetti haben Einstellungen in der avantgardistischen Architektur beeinflusst. Die einflussreiche Bewegung von De Stijl hat die ästhetischen Grundsätze Neo-plasticism entwickelten durch Piet Mondrian unter dem Einfluss des Kubismus in Paris umarmt. De Stijl wurde auch von Gino Severini mit der kubistischen Theorie durch die Schriften von Albert Gleizes verbunden. Jedoch wurde die Verbindung von grundlegenden geometrischen Formen mit der innewohnenden Schönheit und Bequemlichkeit der Industrieanwendung — der von Marcel Duchamp von 1914 angekündigt worden war — den Gründern des Purismus, Amédée Ozenfant und Charles-Édouard Jeanneret verlassen (besser bekannt als Le Corbusier,), wer Bilder zusammen in Paris ausgestellt hat und Après le cubisme 1918 veröffentlicht hat. Der Ehrgeiz von Le Corbusier war gewesen, die Eigenschaften seines eigenen Stils des Kubismus zur Architektur zu übersetzen. Zwischen 1918 und 1922 hat Le Corbusier seine Bemühungen auf die Purist-Theorie und Malerei gerichtet. 1922 haben sich Le Corbusier und sein Vetter Jeanneret geöffnet ein Studio in Paris an 35 bereuen de Sèvres. Seine theoretischen Studien sind bald in viele verschiedene architektonische Projekte vorwärts gegangen.

Kubismus in anderen Feldern

Der Einfluss des Kubismus hat sich bis zu andere künstlerische Felder, außerhalb der Malerei und Skulptur ausgestreckt. In der Literatur verwenden die schriftlichen Arbeiten von Gertrude Stein Wiederholung und wiederholende Ausdrücke als Bausteine in beiden Durchgängen und ganzen Kapiteln. Die meisten wichtigen Arbeiten von Stein verwerten diese Technik einschließlich des Romans Der Profit von Amerikanern (1906-08) war sie Nicht nur die ersten wichtigen Schutzherren des Kubismus, Gertrude Stein und ihr Bruder Leo waren auch wichtige Einflüsse auf den Kubismus ebenso. Picasso war der Reihe nach ein wichtiger Einfluss auf das Schreiben von Stein.

Im Feld der amerikanischen Fiktion kann der 1930-Roman von William Faulkner, Weil ich das Sterben Lege, als eine Wechselwirkung mit der kubistischen Weise gelesen werden. Der Roman zeigt Berichte der verschiedenen Erfahrungen von 15 Charakteren, die, wenn genommen, zusammen, einen einzelnen zusammenhaltenden Körper erzeugen.

Die Dichter haben allgemein mit dem Kubismus verkehrt sind Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, André Salmon und Pierre Reverdy. Wie amerikanischer Dichter Kenneth Rexroth erklärt, ist der Kubismus in der Dichtung "die bewusste, absichtliche Trennung, und die Wiederkombination von Elementen in eine neue künstlerische Entität hat unabhängig durch seine strenge Architektur gemacht. Das ist von der freien Vereinigung der Surrealisten und der Kombination der unbewussten Äußerung und dem politischen Nihilismus von Dada ziemlich verschieden." Dennoch war der kubistische Dichter-Einfluss sowohl auf den Kubismus als auch auf die späteren Bewegungen von Dada und Surrealism tief; Louis Aragon, Mitglied des Surrealismus gründend, hat gesagt, dass für Bretonen, Soupault, Éluard und ihn, Reverdy "unser unmittelbarer Älterer, der vorbildliche Dichter war." Obwohl nicht ebenso nicht vergessen als die kubistischen Maler diese Dichter fortsetzen, zu beeinflussen und zu begeistern; amerikanische Dichter John Ashbery und Ron Padgett haben kürzlich neue Übersetzungen der Arbeit von Reverdy erzeugt.

Die "dreizehn Weisen von Wallace Stevens, auf eine Amsel Zu schauen", wird auch gesagt zu demonstrieren, wie die vielfachen Perspektiven des Kubismus in die Dichtung übersetzt werden können.

Der Komponist Edgard Varèse war schwer unter Einfluss des Kubisten, der schreibt und Kunst.

Kubismus heute

Weit davon, eine auf die Annalen der Kunstgeschichte beschränkte Kunstbewegung zu sein, setzen Kubismus und sein Vermächtnis fort, die Arbeit von vielen zeitgenössischen Künstlern zu informieren. Nicht nur werden kubistische Bilder regelmäßig gewerblich verwendet, aber bedeutende Anzahlen von zeitgenössischen Künstlern setzen fort, darauf sowohl stilistisch als auch vielleicht wichtiger theoretisch zu ziehen. Der Letztere enthält den Hinweis betreffs des Grunds für die fortdauernde Faszination des Kubismus für Künstler. Als eine im Wesentlichen Vertretungsschule der Malerei, die Notwendigkeit habend, zu Griffen mit der steigenden Wichtigkeit von der Fotografie als eine immer lebensfähigere Methode des Bildbildens zu kommen, versucht Kubismus, Vertretungsbilder darüber hinaus mechanisch fotografisch zu nehmen, und sich außer den Grenzen der traditionellen einzelnen Punkt-Perspektive zu bewegen, hat als ob durch einen völlig unbeweglichen Zuschauer wahrgenommen. Die Fragen und Theorien, die während des anfänglichen Äußeren des Kubismus am Anfang des 20. Jahrhunderts entstanden sind, sind für viele Vertretungskünstler, so aktuell heute wie wenn zuerst vorgeschlagen.

Weiterführende Literatur

• Alfred H. Barr der Jüngere. Kubismus und Abstrakte Kunst, New York: Museum der Modernen Kunst, 1936.
• John Golding, Kubismus: Eine Geschichte und eine Analyse, 1907-1914, New York: Wittenborn, 1959.
• Richardson, John. Ein Leben Von Picasso, Dem kubistischen Rebellen 1907-1916. New York: Alfred A. Knopf, 1991. Internationale Standardbuchnummer 978-0-307-26665-1

Links

• Online-Projekt von Picasso
• Video, das ein kubistisches Stillleben von Picasso decodiert