Skulptur ist der Zweig der bildenden Künste, der in drei Dimensionen funktioniert. Traditionell, Skulpturprozess haben sich auf das Schnitzen und Modellieren konzentriert, allgemein im Stein führen Metall und Holz, aber da Modernismus-Verschiebungen im Skulpturprozess haben, zu einer fast ganzen Freiheit von Materialien und Prozess. Die Westtradition der Skulptur hat im Alten Griechenland begonnen, und wird als ein erzeugendes Großes Meisterwerke in der klassischen Periode weit gesehen. Während des Mittleren Alters hat gotische Skulptur den Kummer und die Leidenschaften des christlichen Glaubens vertreten. Das Wiederaufleben von klassischen Modellen in der Renaissance hat berühmte Skulpturen wie David von Michelangelo erzeugt. Modernist-Skulptur, die von traditionellen Prozessen und der Betonung auf dem Bild des menschlichen Körpers, mit dem Bilden der gebauten Skulptur und der Präsentation von gefundenen Gegenständen als beendete Kunst weggeschoben ist, arbeitet.

Materialien können durch die Eliminierung solcher als gearbeitet werden; oder sie können solcher als durch das Schweißen gesammelt, solcher als durch die Zündung gehärtet, oder geformt oder geworfen werden. Oberflächendekoration wie Farbe kann angewandt werden. Skulptur ist als eine der Plastikkünste beschrieben worden, weil es den Gebrauch von Materialien einschließen kann, die geformt oder abgestimmt werden können. Gefundene Gegenstände können als Skulpturen präsentiert werden.

Skulptur ist eine wichtige Form der öffentlichen Kunst. Eine Sammlung der Skulptur in einer Garten-Einstellung kann einen Skulptur-Garten genannt werden.

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Typen der Skulptur

Einige Standardformen der Skulptur sind:

• Freistehende Skulptur, Skulptur, die auf allen Seiten umgeben wird außer der Basis durch den Raum. Es ist auch bekannt als Skulptur "in der Runde" und wird gemeint, um von jedem Winkel angesehen zu werden.
• Gesunde Skulptur
• Leichte Skulptur
• Schmucksachen oder Schmucksachen
• Erleichterung - die Skulptur wird einem Hintergrund beigefügt; Typen sind Basrelief, Altstimme-relievo und versunkene Erleichterung
• Mit der Seite spezifische Kunst
• Kinetische Skulptur - schließt Aspekte der physischen Bewegung ein
• Brunnen - die Skulptur wird mit bewegendem Wasser entworfen
• Beweglich (sieh auch den Stabiles von Calder.)
• Bildsäule - representationalist Skulptur, die eine spezifische Entität, gewöhnlich eine Person, Ereignis, Tier oder Gegenstand zeichnet
• Büste - Darstellung einer Person von der Brust
• Reitbildsäule - normalerweise Vertretung einer bedeutenden Person zu Pferd
• Aufgeschoberte Kunst - eine Form der gebildeten Skulptur durch die Versammlung von Gegenständen und 'das Stapeln' von ihnen
• Architektonische Skulptur
• Umweltkunst
• Umweltskulptur
• Landen Sie Kunst

Materialien und Techniken

Die in der Skulptur verwendeten Materialien sind verschieden, sich überall in der Geschichte ändernd. Bildhauer haben sich allgemein bemüht, Kunstwerke zu erzeugen, die so dauerhaft sind wie möglich, in haltbaren und oft teuren Materialien wie Bronze und Stein arbeitend: Marmor, Kalkstein, Porphyr und Granit. Seltener wurden wertvolle Materialien wie Gold, Silber, Jade und Elfenbein für Chryselephantine-Arbeiten verwendet. Allgemeinere und weniger teure Materialien wurden für die Skulptur für den breiteren Verbrauch, einschließlich des Glases, Hartholz (wie Eiche, Kasten/Buchsbaum und Limone/Linde) verwendet; Terrakotta und andere Keramik und Wurf-Metalle wie Zinn und Zink (spelter).

Skulpturen werden häufig gemalt, aber verlieren allgemein ihre Farbe zur Zeit oder Restauratoren. Viele verschiedene malende Techniken sind im Bilden der Skulptur, einschließlich Tempera, [Ölgemäldes], Vergoldung, Hausfarbe, Aerosols, Emails und des Sandstrahlens verwendet worden.

Viele Bildhauer suchen neue Wege und Materialien, um Kunst zu machen. Eine der berühmtesten Skulpturen von Pablo Picasso hat Rad-Teile eingeschlossen. Alexander Calder und andere Modernisten haben sensationellen Gebrauch von gemaltem Stahl gemacht. Seit den 1960er Jahren sind Acryl und anderer Plastik ebenso verwendet worden. Andy Goldsworthy macht seine ungewöhnlich ephemeren Skulpturen von fast völlig natürlichen Materialien in natürlichen Einstellungen. Eine Skulptur, wie Eisskulptur, Sand-Skulptur, und Gasskulptur, ist absichtlich kurzlebig. Eine riesengroße Reihe von Bildhauern einschließlich Joan Mirós, Marcel Duchamps, Yves Kleins, John Chamberlains, Jean Tinguelys, Richard Stankiewicz, Larry Bells, Carl Andres, Louise Bourgeoiss, Jim Garys, und haben andere Glas, Farbglas, Kraftfahrzeugteile, Werkzeuge, Maschinenteile und Hardware verwendet, um ihre Arbeiten zu formen.

Bildhauer bauen häufig genannten maquettes der kleinen einleitenden Arbeiten von ephemeren Materialien wie Pflaster Paris, Wachses, Tons oder Plastilins, wie Alfred Gilbert für 'Eros' am Piccadilly Zirkus, London getan hat. In Retroarchaeology sind diese Materialien allgemein das Endprodukt.

Bildhauer verwenden manchmal gefundene Gegenstände.

Asiat

Viele verschiedene Formen der Skulptur wurden in Asien mit vielen Stücken verwendet, die religiöse Kunst sind, die auf dem Hinduismus und Buddhismus (buddhistische Kunst) und greco-buddhistische Kunst gestützt ist. Sehr viel kambodschanische hinduistische Skulptur wird an Angkor bewahrt, jedoch hat sich organisiert Plünderung hat einen schweren Einfluss auf viele Seiten um das Land gehabt. In Thailand war Skulptur fast exklusiv Images von Buddha. Viele thailändische Skulpturen oder Tempel werden vergoldet, und bei Gelegenheit mit Einlegearbeiten bereichert. Siehe auch thailändische Kunst

Ostasien

China

Kunsterzeugnisse von China gehen schon in 10,000 BCE zurück, und chinesische Fachhandwerker waren sehr früh in der Geschichte energisch gewesen, aber der Hauptteil dessen, was als Skulptur gezeigt wird, kommt von ein paar ausgesuchten historischen Perioden. Die erste Periode von Interesse ist die Westliche Zhou-Dynastie gewesen (1050-771 v. Chr.), aus dem eine Vielfalt von komplizierten Wurf-Bronzebehältern kommen. Die nächste Periode von Interesse war die Han-Dynastie (206 v. Chr. 220 n.Chr.), mit der sensationellen Terrakottaarmee beginnend, die für die Grabstätte von Qin Shi Huang, dem ersten Kaiser der wichtigen, aber kurzlebigen Dynastie von Qin versammelt ist, die der Han vorangegangen ist. Von der Periode von Han ausgegrabene Grabstätten haben viele Zahlen offenbart, die gefunden sind, kräftiger, direkter und ansprechender 2000 einige Jahre später zu sein.

Die erste buddhistische Skulptur wird gefunden, von der Drei Königreich-Periode (das 3. Jahrhundert) datierend, während die Skulptur der Longmen Felsenhöhlen in der Nähe von Luoyang, Henan Provinz (Nördlicher Wei, 5. und das 6. Jahrhundert) für seine speziellen eleganten Qualitäten weit anerkannt worden ist.

Die Periode, die jetzt überlegt ist, um Chinas Goldenes Zeitalter zu sein, ist die Tang-Dynastie, und dieses Zeitalter ist für seine dekorativen Zahlen bekannt. Betrachtet besonders tief, war die buddhistische Skulptur, die häufig kolossal, in der Sui-Dynastie begonnen ist, die durch die Greco-buddhistische Kunst Zentralasiens begeistert ist, und viele werden als Schätze der Weltkunst betrachtet.

Chinesische Skulptur

File:AIC-winejar2.jpg |Wine-Glas, Westliche Zhou-Dynastie (1050 v. Chr. 771 v. Chr.)

File:XianCavalryman.JPG|Calvalryman, Dynastie von Qin

File:TERRACOTTA ARMEE Gdynia 2006 - 06 ubt.jpeg|Terracotta Armeesoldat und Pferd von der Dynastie von Qin

File:AIC-chimera.jpg|Chimera (von einer Grabstätte), Han-Dynastie (202 v. Chr. 220 n.Chr.)

File:AIC-hantomb.jpg|Tomb Zahl, Han-Dynastie (202 v. Chr. 220 n.Chr.)

File:Wei-Maitreya.jpg|Northern Dynastie von Wei Maitreya (386-534)

File:AIC-tang-rider2.jpg |Tang-Dynastie-Reiter (618-907)

File:AIC-tang-girl.jpg |Tang-Dynastie-Mädchen-Figürchen (618-907)

File:AIC-Boddhisatva-side.jpg |Boddisatva, Tang-Dynastie (618-907)

File:Mahayanabuddha.jpg|Seated Buddha, Tang-Dynastie ca. 650.

File:Leshan Bildsäule-Ansicht von Buddha. JPG|The Leshan Riese Buddha, Tang-Dynastie, in 803 vollendet.

File:AIC-portrait-monk.jpg |Portrait des Mönchs, der Lieddynastie, das 11. Jahrhundert

File:Wood Bodhisattva.jpg|A hölzerner Bodhisattva von der Lieddynastie (960-1279)

File:Song-Bodhisattva1.jpg|A hölzerner Bodhisattva von der Lieddynastie (960-1279)

File:SFEC BritMus Asien 023. JPG|A hat Steingut-Bildsäule, Ming-Dynastie (das 16. Jahrhundert) verglast

File:Status des Kuan Yin jpg|Statue von Guanyin, durch Chaozhong He, Ming-Dynastie (1368-1644)

File:Man Muschel (Wanli Regierungsperiode).JPG|Blue underglaze Bildsäule eines Mannes mit seiner Pfeife, von Jingdezhen, Ming-Dynastie (1368-1644) blasend

File:Doctors Dame der Dame jpg|Doctor's, Mitte des 19. Jahrhunderts

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Japan

Unzählige Bilder und Skulpturen wurden häufig unter der Regierungsbürgschaft gemacht. Der grösste Teil japanischen Skulptur wird mit der Religion und dem mittleren' mit der sich vermindernden Wichtigkeit vom traditionellen Buddhismus geneigten Gebrauch vereinigt. Während der Periode von Kofun des 3. Jahrhunderts haben Tonskulpturen gerufen haniwa wurden außerhalb Grabstätten aufgestellt. Innerhalb von Kondo an Hōryū-ji ist eine Shaka Dreieinigkeit (623), der historische Buddha, der durch zwei bodhisattvas und auch die Wächter-Könige der Vier Richtungen flankiert ist.

Das Holzimage (das 9. Jahrhundert) von Shakyamuni, dem "historischen" Buddha, der in einem sekundären Gebäude am Murō-ji eingeschlossen ist, ist für die frühe Skulptur von Heian mit seinem schwerfälligen Körper typisch, der durch dicke Vorhang-Falten bedeckt ist, die im hompa-shiki (Rollen-Welle) Stil und sein strenger, zurückgezogener Gesichtsausdruck geschnitzt sind. Die Kei Schule von Bildhauern, besonders Unkei, hat einen neuen, realistischeren Stil der Skulptur geschaffen.

File:Ganjin Wajyo-Bildnis. JPG|Priest Ganjin (Jianzhen), Periode von Nara, das 8. Jahrhundert

File:Jocho-Buddha150.jpg|Jōchō, Amida Buddha, Heian Periode, 1053, Byōdō-in, Kyoto

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Zentralasien

Greco-buddhistische Kunst ist die künstlerische Manifestation des Greco-Buddhismus, eines kulturellen Synkretismus zwischen der Klassischen griechischen Kultur und dem Buddhismus, der sich über eine Zeitdauer von ungefähr 1000 Jahren in Zentralasien, zwischen den Eroberungen von Alexander dem Großen im 4. Jahrhundert BCE und die islamischen Eroberungen des 7. Jahrhunderts CE entwickelt hat. Greco-buddhistische Kunst wird durch den starken idealistischen Realismus der hellenistischen Kunst und die ersten Darstellungen des Buddha in der menschlichen Form charakterisiert, die geholfen haben, das künstlerische (und besonders, Skulptur-) Kanon für die buddhistische Kunst überall im asiatischen Kontinent bislang zu definieren. Es ist auch ein starkes Beispiel des kulturellen Synkretismus zwischen Ost- und Westtraditionen.

Die Ursprünge der Greco-buddhistischen Kunst sollen im hellenistischen Königreich von Greco-Bactrian (250 BCE - 130 BCE) gefunden, im heutigen Afghanistan gelegen werden, von dem hellenistische Kultur in den Indianersubkontinent mit der Errichtung des Indo-griechischen Königreichs (180 BCE-10 BCE) ausgestrahlt hat. Unter den Indo-Griechen und dann Kushans ist die Wechselwirkung der griechischen und buddhistischen Kultur im Gebiet von Gandhara im heutigen nördlichen Pakistan vor dem Verbreiten weiter in Indien gediehen, die Kunst von Mathura, und dann die hinduistische Kunst des Reiches von Gupta beeinflussend, das sich bis zu den Rest Südostasiens ausstrecken sollte. Der Einfluss der Greco-buddhistischen Kunst auch Ausbreitung nordwärts zu Zentralasien, stark die Kunst der Tarim Waschschüssel, und schließlich die Künste Chinas, Koreas und Japans betreffend.

File:WindGod2.JPG|Fragment des Windgottes Boreas, Hadda, Afghanistan.

File:Atalante.JPG|Gandharan Atalante.

File:WingedDeity.jpg|Winged Atalante.

File:BuddhaWithHeraclesAndTychee.jpg|The Buddha, der durch Herakles/Vajrapani und Tyche/Hariti flankiert ist.

File:PoseidonGandhara.JPG|Gandhara Poseidon (altes Orientmuseum)

File:GandharaTriton. JPG|Triton

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Das südliche Asien

Indien

Die ersten bekannten Skulpturen sind von der Indus Talzivilisation (3300-1700 v. Chr.), gefunden in Seiten an Mohenjo-daro und Harappa im modern-tägigen Pakistan. Später, als Hinduismus haben sich Buddhismus und Jainism weiter entwickelt, hat Indien Bronzen und Steinholzschnitzereien der großen Kompliziertheit wie die berühmten Tempel-Holzschnitzereien erzeugt, die verschiedenen Hindu, Jain und buddhistische Schreine schmücken. Einige von diesen, wie die Höhle-Tempel von Ellora und Ajanta, sind Beispiele der in den Felsen geschnitten Indianerarchitektur, vielleicht die größten und ehrgeizigsten Skulpturschemas in der Welt.

Die rosa Sandstein-Skulpturen von Mathura haben sich während der Reich-Periode von Gupta (4. - das 6. Jahrhundert n.Chr.) entwickelt, um eine sehr hohe Feinheit der Ausführung und Feinheit im Modellieren zu erreichen. Periode-Kunst von Gupta würde später chinesische Stile während der Sui-Dynastie und die künstlerischen Stile über den Rest Ostasiens beeinflussen. Neuere Skulpturen in Afghanistan, im Stuck, Schiefer oder Ton, zeigen das sehr starke Mischen des Indianermanierismus von post-Gupta und Klassischen Einflusses. Die berühmten Bronzen der Dynastie von Chola (c. 850-1250) vom südlichen Indien sind von besonderer Wichtigkeit; die ikonische Zahl von Nataraja, der das klassische Beispiel ist. Die Traditionen der Indianerskulptur gehen in die 20. und 21. Jahrhunderte mit zum Beispiel weiter, das Granit-Schnitzen von Mahabalipuram ist auf die Dynastie von Pallava zurückzuführen gewesen. Zeitgenössische Indianerskulptur ist normalerweise polymorph, aber schließt gefeierte Zahlen wie Dhruva Mistry ein.

File:NatarajaMET.JPG|Hindu, Periode von Chola, 1000 n.Chr.

File:Bronzes-Chola-1.jpg|Chola-ra Bronze-, 11. - 12. Jahrhunderte

File:Hoysala Emblem. JPG|Hoysala Emblem

File:13th Jahrhundert Jahrhundert der Bildsäule jpg|13th von Ganesha Ganesha

File:Siva und Parvarti.jpg|Siva und Parvarti

File:Ellora Kailash Tempel Tafel jpg|Ellora von Shiva Tempel von Kailash Shiva

File:Bhudevi.jpg|Bhudevi

File:Shiva und Jahrhundertskulptur des 14. Jahrhunderts von Uma

File:Khajuraho8.jpg| in Khajuraho

File:Ellora cave16 001.jpg | in der Höhle von Ellora

File:Parsurameswar_Temple6.jpg|Sculpture am Parsurameswar Tempel, Bhubaneswar

File:Parsurameswar_Temple.jpg|Sculpture der tanzenden Frau am Parsurameswar Tempel

File:Bishnu.jpg| Herr Vishnu an Bhubaneswar

File:Mukteswar_temple.jpg|A Skulptur im Tempel von Mukteswar, Bhubaneswar

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Myanmar (Birma)

Myanmar, vor dem traditionelle Skulptur erschienen ist, hat sich der Periode von Bagan und sie in der Mitte Bagan Eras verbessert. Skulptur von Myanmar stützt die Religion des Buddhismus, der vom Südlichen Indien im 11. Jahrhundert angekommen ist, sind AD.Most der Holzskulpturen von Perioden von Bagan und Ava unter verschiedenen Verhältnissen verloren worden, und nur einige werden heute verlassen. Eine hervorragende Holzskulptur, die der Periode von Bagan gehört, ist diejenige am alten Portal der Pagode von Shwesigone an Nyaung-U.

Myanmars traditionelle Skulptur enthält Holzskulptur-Steinskulptur und Pflaster-Skulptur, aber mehr Holzskulpturen werden in vielen Künsten und Handwerk-Geschäften in vielen Städten Myanmars gesehen. Die Holzskulpturen werden von vielen Menschen in der Welt heute gemocht.

Afrika

Der Stil, Schlüssel ästhetische Eigenschaften, Materialien und Techniken, die in der Entwicklung eines Stückes der Skulptur verwendet sind, widerspiegeln das Gebiet, aus dem es entsteht. Skulpturen haben häufig einzigartige Funktionen, die sich weit von einem geografischem Gebiet bis das folgende ändern.

Im Westlichen Afrika sind die frühsten bekannten Skulpturen von der Kultur von Nok Nigerias, der Daten ungefähr 500 v. Chr. Die Zahlen von westafrikanischen Skulpturen haben normalerweise Körper, winkelige Gestalten und Gesichtseigenschaften verlängert, die ein Ideal aber nicht eine Person vertreten. Diese Zahlen werden in religiösen Ritualen verwendet. Sie werden gemacht, Oberflächen zu haben, die häufig mit Materialien angestrichen werden, die auf ihnen für feierliche Angebote gelegt sind. Im Gegensatz zu diesen Skulpturen des Westlichen Afrikas sind diejenigen von Mande-sprechenden Völkern desselben Gebiets. Die Mande Stücke werden aus Holz gemacht und haben breite, flache Oberflächen. Ihre Arme und Beine werden wie Zylinder gestaltet.

In Zentralafrika, jedoch, schließen die unterscheidenden Haupteigenschaften herzförmige Gesichter ein, die nach innen gebogen werden und Muster von Kreisen und Punkten zeigen. Obwohl einige Gruppen mehr geometrische und winkelige Gesichtsformen, nicht bevorzugen, sind alle Stücke genau dasselbe, noch sie werden aus demselben Material gemacht. Das primäre Material ist Holz, obwohl Elfenbein, Knochen, Stein, Ton und Metall auch verwendet werden. Das Zentralafrikanische Gebiet hat sehr bemerkenswerte Stile, die sehr leicht sind, sich zu identifizieren, Regionalidentifizierung sehr leicht machend.

Ostafrikaner sind für ihre Skulptur nicht bekannt, aber ein Typ, der in diesem Gebiet geschaffen wird, ist Pol-Skulpturen, die Pole sind, die in menschlichen Gestalten geschnitzt sind, die mit geometrischen Formen geschmückt sind, während die Spitzen mit Zahlen von Tieren, Leuten und verschiedenen Gegenständen geschnitzt werden. Diese Pole werden dann folgend zu Gräbern gelegt und werden mit dem Tod und der Erbwelt vereinigt.

Das älteste bekannte Tonzahl-Datum des südlichen Afrikas von 400 bis 600 n.Chr. und hat zylindrische Köpfe. Diese Tonzahlen haben eine Mischung des Menschen und der Tiereigenschaften. Anders als Tonzahlen gibt es auch Holzkopfstützen, die mit ihren Eigentümern begraben wurden. Die Kopfstützen hatten Stile im Intervall von geometrischen Gestalten zu Tierzahlen.

Jedes Gebiet hatte einen einzigartigen Stil und Bedeutung zu ihren Skulpturen. Der Typ des Materials und Zwecks, um Skulptur in Afrika zu schaffen, widerspiegelt das Gebiet, von dem die Stücke geschaffen werden.

File:Ife Skulptur Inv. A96-1-4.jpg|Ife-Kopf, Terrakotta, wahrscheinlich 1214. Jahrhunderte

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Ägypten

Die kolossale Skulptur des Alten Ägyptens ist weltberühmt, aber raffinierte und feine kleine Arbeiten sind auch eine Eigenschaft. Die alte Kunst der ägyptischen Skulptur hat sich entwickelt, um den alten ägyptischen Gottheitspharao, das Königtum, und sogar die Diener und die Mitarbeiter in der physischen Form zu vertreten. Sehr strenger Vereinbarung wurde gefolgt, während man Bildsäulen gefertigt hat: Männliche Bildsäulen waren dunkler als die weiblichen; in sitzenden Bildsäulen waren Hände erforderlich, auf Knien gelegt zu werden, und spezifische Regeln haben Äußeres jeder ägyptischen Gottheit geregelt. Künstlerische Arbeiten wurden gemäß dem genauen Gehorsam der ganzen Vereinbarung aufgereiht, und der Vereinbarung wurde so ausschließlich gefolgt, dass mehr als dreitausend Jahre, die sehr wenig im Äußeren von Bildsäulen außer während einer kurzen Periode — während der Regierung von Akhenaten und Nefertiti geändert sind —, als naturalistische Beschreibung gefördert wurde.

File:GreenHead01-AltesMuseum-Berlin.png| "Grüner Kopf", Ägypten, 500BC Neues Museum Berlin

Die Image:Ka Bildsäule von horawibra.jpg|The ka Bildsäule hat einen physischen Platz für den ka zur Verfügung gestellt, um zu erscheinen. Ägyptisches Museum, Kairo

File:Block Bildsäule Pa-Akh-Ra CdM.jpg|Block Bildsäule von Pa-Ankh-Ra, Schiff-Master, eine Bildsäule von Ptah tragend. Späte Periode, ca. 650-633 v. Chr., Cabinet des Médailles.

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Die Amerikas

Skulptur darin, was jetzt Lateinamerika ist, das in zwei getrennten und verschiedenen Gebieten, Mesoamerica im Norden und Peru im Süden entwickelt ist. In beiden Gebieten war Skulptur am Anfang des Steins, und später der Terrakotta und des Metalls, weil die Zivilisationen in diesen Gebieten technologischer tüchtig geworden sind. Das Mesoamerican Gebiet hat mehr kolossale Skulptur von den massiven einem Block ähnlichen Arbeiten der Kulturen von Olmec und Toltec zu den herrlichen Basreliefs erzeugt, die die aztekischen und Mayakulturen charakterisieren. Im Gebiet von Andean waren Skulpturen normalerweise klein, aber zeigen häufig herrliche Sachkenntnis.

Skulptur von Mesoamerican Mexikos

File:WLA metmuseum Olmec Baby-Baby-Abbildung 1200-900 der Zahl jpg|Olmec BCE

File:WLA metmuseum Olmec Jadeite Maske 3.jpg | Olmec Jadeite Maske 1000-600 BCE

Image:Olmecmask.jpg|Olmec erschöpfen Maske 900BCE

File:Cabeza Colosal nº1 del Museo Xalapa.jpg|Olmec Colossal Head No. 1 1200-900 BCE

File:San Lorenzo Monument 3.jpg|Olmec Riesiger Hauptnr. 3 1200-900 BCE

File:San Lorenzo Monument 61.jpg|Olmec Riesiger Hauptnr. 8 1200-900 BCE

File:Harvestermountainlord.jpg|La Mojarra Stela das 1 2. Jahrhundert n.Chr.

File:Teotihuacán - Chalchiuhtlicue.jpg|Chalchiuhtlicue von Teotihuacán 200-500 n.Chr.

File:Teotihuacan Maske Branly 70 1999 12 1.jpg|Teotihuacan Maske 200-600 n.Chr.

File:Teotihuacan-Temple der Gefiederten Schlange-035.jpg|Teotihuacan-Deatail des Tempels der Gefiederten Schlange 200-250 n.Chr.

File:K 'inich Janaab Pakal ich jpg|K'inich Janaab Pakal I von Palenque 603-683 n.Chr.

File:Ahkal Mo' Naab III.jpg|Ahkal Mo' Naab III des Palenque 8. Jahrhunderts n.Chr.

Image:Palenque Relief.jpg | das 8. Jahrhundert von Upakal K'inich n.Chr.

File:Toniná 5.jpg | Mayabildsäule von Tonina 600-900 n.Chr.

Typ-Zahl File:Jaina Island, Typ-Zahl Art Institute.jpg|Jaina Island (maya)-650-800 n.Chr.

File:Jaina Figürchen 1 (T Aleto).jpg|Jaina Figürchen (maya)-650-800 n.Chr.

File:Olmeken - Lachendes Gesicht 1.jpg|Classic Kulturgesicht von Veracruz 600-900 n.Chr.

File:Atlante-Tollan-Xicocotitlan-Hidalgo Mexiko. JPG|Atlante von Tollan-Xicocotitlan auch bekannt als Tula 1000 n.Chr.

File:Musee das Nationale Anthropologie-Calendrier 15. Mayajpg|Azteckalender-Stein-Jahrhundert n.Chr.

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Nordamerika

In Nordamerika wurde Holz für Totem-Pole, Masken, Werkzeuge, Kriegskanus und eine Vielfalt anderen Gebrauches, mit der verschiedenen Schwankung zwischen verschiedenen Kulturen und Gebieten geformt. Die am meisten entwickelten Stile sind diejenigen der Pazifischen Nordwestküste, wo eine Gruppe von wohl durchdachten und hoch das entwickelte Formen der formellen Stile der Basis einer vibrierenden Tradition stilisiert hat, die in einer Renaissance heute ist (sieh Bill Reid), und ist in andere Medien wie Silber, moderne und Goldmaterialien umgezogen. Die Einführung von Metallwerkzeugen hat neue schnitzende Techniken, einschließlich des Gebrauches eines schwarzen Typs des Argyllith, auch genannt schwarzen Schiefer eingeführt, der für den Gebrauch durch Künstler der Leute von Haida exklusiv ist.

Zusätzlich zu den berühmten Totem-Polen wurden gemalte und geschnitzte Hausvorderseiten durch geschnitzte Posten in- und auswendig, sowie Leichenhalle-Zahlen und andere Sachen ergänzt. Unter dem Eskimo der weiten nördlichen, traditionellen schnitzenden Stile im Elfenbein und Speckstein sind durch den Gebrauch von modernen Macht-Werkzeugen in neue Richtungen für die Eskimokultur ausgebreitet worden, die, wie die Kunst der Nordwestküste, von Kunstsammlern für seine Plastikformen und innovative Interpretation der Zahl und Geschichte hoch geschätzt wird.

Die Ankunft der europäischen katholischen Kultur hat sogleich lokale Sachkenntnisse an den vorherrschenden Barocken Stil angepasst, enorm wohl durchdacht retablos und andere größtenteils kirchliche Skulpturen in einer Vielfalt von hybriden Stilen erzeugend. Das berühmteste von solchen Beispielen in Kanada ist das Altar-Gebiet von Notre Dame Basilica in Montreal, Quebec, das von Bauer-Einwohner-Arbeitern geschnitzt wurde. Später haben sich Künstler in gefolgten europäischen Stilen der akademischen Westtradition bis gegen Ende des 19. Jahrhunderts ausgebildet sie haben begonnen, wieder einheimische Einflüsse namentlich im mexikanischen barocken grotesken als Churrigueresque bekannten Stil anzuziehen. Eingeborene Völker haben auch Kirchskulptur in Schwankungen auf dem gotischen Zimmermann angepasst; ein berühmtes Beispiel ist die Kirche des Heiligen Kreuzes in Skookumchuck Heißen Frühlingen, das britische Columbia.

Die Geschichte der Skulptur in den Vereinigten Staaten nach der Ankunft von Europäern widerspiegelt das Fundament des 18. Jahrhunderts des Landes in römischen republikanischen Stadtwerten und Protestantischem Christentum. Im Vergleich zu von den Spaniern kolonisierten Gebieten ist Skulptur zu einem äußerst langsamen Anfang in den britischen Kolonien, mit neben keinem Platz in Kirchen ausgestiegen, und wurde nur Impuls durch das Bedürfnis gegeben, Staatsbürgerschaft nach der Unabhängigkeit zu behaupten. Die amerikanische Skulptur der Mitte - zum Ende des 19. Jahrhunderts war häufig klassisch, häufig romantisch, aber hat eine Begabung zu einem dramatischen, Bericht, fast journalistischer Realismus gezeigt. Öffentliche Gebäude während des letzten Viertels des 19. Jahrhunderts und der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts haben häufig eine architektonische Einstellung für die Skulptur besonders in der Erleichterung zur Verfügung gestellt. Vor den 1950er Jahren würde traditionelle Skulptur-Ausbildung fast durch eine Bauhaus-beeinflusste Sorge für das abstrakte Design völlig ersetzt. Minimalist-Skulptur hat die Zahl in öffentlichen Einstellungen ersetzt, und Architekten haben fast völlig aufgehört, Skulptur in oder auf ihren Designs zu verwenden. Moderne Bildhauer (das 21. Jahrhundert) Gebrauch sowohl klassische als auch abstrakte inspirierte Designs. Als es in den 1980er Jahren begonnen hat, gab es ein Schwingen zurück zur bildlichen öffentlichen Skulptur; vor 2000 waren viele der neuen öffentlichen Stücke in den Vereinigten Staaten im Design bildlich.

File:Tlingit hat K'alyaan Totem Pole August 2005.jpg|The K'alyaan Totem-Pol des Tlingit Kiks.ádi Clans, der am Sitka National Historical Park aufgestellt ist, um der Leben zu gedenken, im 1804-Kampf von Sitka verloren

File:BroncoBusterRemingtonSculpture.gif|Frederic hat Remington, Der Kumpel des Wilden Pferds, Ausgabe #17 von 20, 1909 beschränkt.

File:Notre-Dame Altar jpg|The von de Montreal Basilica Einwohner-geschnitzter Altar von Notre-Dame Basilica (Montreal)

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Europa

Die frühste europäische Skulptur porträtiert bis heute eine weibliche Form, und ist auf die Datierung von vor 35,000 Jahren geschätzt worden. Die Entdeckung 2008 hat Experten veranlasst, die Geschichte der Entwicklung der Kunst zu revidieren.

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Griechischer klassischer Römer

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Das Thema der Nacktheit

Eine schmucklose Zahl in der griechischen klassischen Skulptur war eine Verweisung auf den Status oder die Rolle der gezeichneten Person, der Gottheit oder des anderen Wesens. Athleten, Priesterinnen und Gottheiten konnten durch ihre Dekoration erkannt werden oder ihrer fehlen.

Die Renaissancehauptbeschäftigung mit griechischen klassischen Bildern, wie das 5. Jahrhundert v. Chr. Doryphoros von Polykleitos, hat zu nackten bildlichen Bildsäulen geführt, die als die 'vollkommene Form' der Darstellung für den menschlichen Körper sehen werden. Nachher hat die Nacktheit in der Skulptur und malend häufig eine Form des Ideales vertreten, es Unschuld, Offenheit oder Reinheit sein. Nackte Skulpturen sind noch üblich. Als in der Malerei werden sie häufig als Übungen in Anstrengungen gemacht, die anatomische Struktur des menschlichen Körpers zu verstehen und Sachkenntnisse zu entwickeln, die ein Fundament zur Verfügung stellen werden, um zu machen, hat bildliche Arbeit gekleidet.

Gewöhnlich werden nackte Bildsäulen von vielen Gesellschaften größtenteils wegen der Länge der Tradition weit akzeptiert, die diese Form unterstützt. Gelegentlich zieht die nackte Form Einwände häufig durch moralische oder religiöse Gruppen. Klassische Beispiele davon sind die Eliminierung der Teile der griechischen Skulptur, die männliche Geschlechtsorgane (in der Vatikaner Sammlung), und die Hinzufügung eines Feigenblattes zu einem Gipsverband der Skulptur von Michelangelo von David für den Besuch von Königin Victoria im britischen Museum vertritt.

File:British Musuem Grieche & Rom 11. JPG|Ancient griechische Skulptur. Ein Teil der Marmore von Elgin, die im britischen Museum gezeigt sind.

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Romanisches

Der romanische Stil wurde von Historikern genannt, die geglaubt haben, dass es eine "Wiederblüte in den romanischen Ländern von der römischen und Klassischen Kultur innewohnenden Qualitäten war." Jedoch ist es mehr eine Nachkommenschaft der "barbarischen und byzantinischen" Kunst.

Im Anschluss an die Periode der ''barbarischen'' Invasionen Europas waren die Traditionen der großen, freistehenden, kolossalen und architektonischen Skulptur in Europa verloren worden. Während der Maurer des Elften Jahrhunderts und des Steins haben Bildhauer begonnen, Skulptur in einer architektonischen Einstellung wieder zu schaffen, ihre Anstrengungen auf Bruchstücken von Sarkophagen, byzantinischen Bildern und Mosaiken sowie Byzantiner stützend, und Karolinger hat Elfenbein geschnitzt und hat Manuskripte illuminiert. Der Stil hat sich entwickelt, um den erscheinenden romanischen architektonischen Stil zu schmücken und dieselben Handwerker die Maurer und die Steinbildhauer waren.

"Die christliche Religion hat eines seines ruhmvollsten Wiederauflebens im elften Jahrhundert genossen Dort ist dann ein unparalled Erguss von Arbeiten der ästhetischen Entwicklung vorgekommen, die seine Aufzeichnung auf dem unzähligen Portal und in den Trommelfellen von Vezelay, Moissac und Chartres, und auf den Fassaden und Kirchenschiffen von so vielen kleineren Kathedralen und Kirchen Frankreichs verlassen hat."

Gotisch

Gotische Skulptur hat sich vom frühen steifen und verlängerten Stil, noch teilweise Romanisches in ein räumliches und naturalistisches Gefühl im späten 12. und Anfang des 13. Jahrhunderts entwickelt. Die architektonischen Bildsäulen am Westlichen (Königlichen) Portal an der Chartres Kathedrale (c. 1145) sind die frühsten gotischen Skulpturen und waren eine Revolution im Stil und dem Modell für eine Generation von Bildhauern. Davor hatte es keine Skulptur-Tradition in Ile-de-France gegeben — so wurden Bildhauer in von Burgund gebracht. Bamberg Kathedrale hatte den größten Zusammenbau der Skulptur des 13. Jahrhunderts. In England wurde Skulptur auf Grabstätten und Nichtfigürchen-Dekorationen mehr beschränkt. In Italien gab es noch einen Klassischen Einfluss, aber gotische gemachte Einfälle in den Skulpturen von Kanzeln wie die Kanzel von Pisa Baptistery (1260) und die Kanzel von Siena (1268).) Holländisch-burgundischer Bildhauer Claus Sluter und der Geschmack für den Naturalismus haben dem Anfang des Endes der gotischen Skulptur, gotische Master wie Lorenzo Ghiberti, Tullio Lombardo, Jacopo Della Quercia und Arbeiten von Andrea Pisano Zeichen gegeben, die sich schließlich zum klassischen Renaissancestil am Ende des 15. Jahrhunderts entwickeln.

Image:Dijon mosesbrunnen4.jpg|Claus Sluter, David und ein Hellseher von Gut Moses

File:Gothic Skulptur-Skulptur des 15. Jahrhunderts, gegen Ende des 15. Jahrhunderts, der Amiens Kathedrale, Frankreich.

Image:Madonna der Demut durch della Quercia.jpg|Jacopo della Quercia, Madonna von Demut, Marmor, hat zu c datiert. 1400, in der Nationalgalerie der Kunst

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Skulptur während und nach der Renaissance

Nach der gotischen Periode die Renaissanceperiode, was Wiedergeburt bedeutet und seinen Namen vom erneuerten Interesse an der weltlichen, klassischen Kunst und Literatur nimmt, die unter den herrschenden und kaufmännischen Eliten des Nördlichen Italiens im 15. Jahrhundert entwickelt ist. Michelangelo, Donatello und Verrocchio sind drei der am besten bekannten italienischen Bildhauer dieser Periode, während der Name von Tilman Riemenschneider unter denjenigen hervortritt, die der Alpen nördlich sind. Donatello wird gewöhnlich als der erste Master der Renaissance — mit der Blendenkompliziertheit in seinen tiefen Perspektiveerleichterungen und Virtuosität überall in seinem großen Körper der Arbeit ausgesucht. Die Renaissanceperiode-Enden mit dem Anfang des 17. Jahrhunderts, wie Skulptur in erster Linie genannt wird, um einem wiederbelebten und militanten römischen Katholizismus zu dienen. Viele große Skulpturdenkmäler haben fortgesetzt, die Städte und Kirchen des Nördlichen Italiens wichtige Reisezentren während der 18., 19., 20. Jahrhunderte — und bis dato zu machen.

Renaissance

Obwohl die Renaissance zu verschiedenen Zeiten in verschiedenen Teilen Europas begonnen hat (einige Gebiete haben Kunst geschaffen, die im gotischen Stil länger ist als andere Gebiete), dem Übergang vom gotischen bis Renaissance in Italien wurde durch eine Tendenz zum Naturalismus mit einem Nicken zur klassischen Skulptur Zeichen gegeben. Einer der wichtigsten Bildhauer im klassischen Wiederaufleben war Donatello. Das größte Zu-Stande-Bringen dessen, was Kunsthistoriker als seine klassische Periode kennzeichnen, ist die Bronzebildsäule genannt David (um mit David von Michelangelo nicht verwirrt zu sein), der zurzeit an Bargello in Florenz gelegen wird. Zur Zeit seiner Entwicklung war es die erste freistehende nackte Bildsäule seit alten Zeiten. Konzipiert völlig im runden und den unabhängigen von irgendwelchen architektonischen Umgebungen, wie man allgemein betrachtet, ist es die erste Hauptarbeit der Renaissanceskulptur. Der neue Skulpturstil borgt ebenso, wenn nicht mehr, von den verstorbenen gotischen Mastern wie Lorenzo Ghiberti, Tullio Lombardo, Jacopo Della Quercia, Andrea Pisano, Baccio da Montelupo, Giovanni Francesco Rustici, Jacopo Sansovino und Bertoldo di Giovanni. Die Renaissancebewegung hat alle Aspekte der Kunst in allen Teilen Italiens betroffen; wie vertreten, durch das bewusste Wiederaufleben von archäologischen Quellen des Antiken Esstischs, durch den großen Bildhauer Tullio Lombardo, für den Castello di Roncade im Veneto (das Haus mit dem ersten freistehenden Giebelfeld seit der Altertümlichkeit.)

Während der Zeit ungefähr von 1500 bis 1520 war Michelangelo ein energischer Bildhauer mit Arbeiten wie David und Pietà, sowie die Bruges Madonna, Der Bacchus, und sein Moses, Rachel und Leah der Grabstätte von Julius II. Er auch screated die Zahlen von Tag, Nacht, Morgendämmerung, Halbdunkel, und Lorenzo und Giuliano der Kapelle von Medici der Kirche von San Lorenzo in Florenz. Sein David, eine der berühmtesten Skulpturen in der Welt, wurde am 8. September 1504 entschleiert. Es ist ein Beispiel des contrapposto Stils, die menschliche Zahl aufzustellen, die wieder von der klassischen Skulptur borgt. Die Bildsäule von Michelangelo von David unterscheidet sich von vorherigen Darstellungen des Themas darin, dass David vor seinem Kampf mit Goliath und nicht nach dem Misserfolg des Riesen gezeichnet wird. Anstatt siegreich gezeigt zu werden, weil Donatello und Verocchio getan hatten, sieht David angespannt und bereiter Kampf aus. Der große Rivale von Michelangelo Leonardo Da Vinci hat eine Pferdeskulptur 1482 Das Pferd für Mailand entworfen - aber hat nur ein Tonmodell geschafft, das durch französische Bogenschützen 1499 zerstört wurde.

Image:Florence - David durch Donatello.jpg|Donatello, David c. Die 1440er Jahre am Bargello Museum, Florenz.

Image:Tilman Riemenschneider Barbara-1.jpg|Tilman Riemenschneider, Heiliger Barbara, c. 1510, Bayerisches Nationalmuseum

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Mannerist

File:Giambologna raptodasabina.jpg|Giambologna, Vergewaltigung der Frauen von Sabine, 1583, Florenz, Italien, 13' 6" hohe Marmor-

File:Persee-florence.jpg|Benvenuto Cellini, Perseus mit dem Kopf von Medusa, 1545-1554

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Während der Periode von Mannerist wurden abstraktere Darstellungen gelobt, (solcher, weil "figura serpentinata" oder "Zahl" gedreht hat), mehr Aufmerksamkeit der Farbe und Zusammensetzung aber nicht realistischen Beschreibung der Themen im Stück zuwendend. Das wird in der Entführung/Vergewaltigung von Giambologna der Frauen von Sabine veranschaulicht, wo die Zahlen in einem Weg nicht eingestellt werden, der überhaupt bequem, oder sogar, aber die Position menschlich möglich ist und Gefühl noch herüberkommt. Ein anderes Vorbild der Form ist das 1540-Salzfässchen von Benvenuto Cellini von Gold und Ebenholz, Neptun und Amphitrite (Erde und Wasser) in der verlängerten Form und den unbehaglichen Positionen (unwahrscheinliche Posen) zeigend.

Barock

Image:ApolloAndDaphne. JPG|Gian Lorenzo Bernini, Apollo und Daphne in Galleria Borghese, 1622-1625

Image:Aleijadinho3.jpg|Aleijadinho, St. Francis von Assisi Empfang der Stigmen, Fassade der Kirche von St. Francis von Ouro Preto, c. 1800

File:Kolumna Zygmunta statua 2006.jpg|King Säule von Zygmunt Vasa in Warschau, Polen

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In der Barocken Skulptur haben Gruppen von Zahlen neue Wichtigkeit angenommen, und es gab eine dynamische Bewegung und Energie von menschlichen Formen — sie sind um einen leeren Hauptwirbelwind schnell gewachsen, oder haben nach außen in den Umgebungsraum gereicht. Zum ersten Mal hatte Barocke Skulptur häufig vielfache ideale Betrachtungswinkel. Die charakteristische Barocke Skulptur hat hinzugefügt, dass Extraskulpturelemente zum Beispiel Beleuchtung oder Wasserbrunnen verborgen haben. Häufig haben Barocke Künstler Skulptur und Architektur verschmolzen, die sich bemüht, eine umgestaltende Erfahrung für den Zuschauer zu schaffen. Gian Lorenzo Bernini war zweifellos der wichtigste Bildhauer der Barocken Periode. Seine Arbeiten wurden durch die hellenistischen Skulpturen des Alten Griechenlands und des Kaiserlichen Roms begeistert. Eine seiner berühmtesten Arbeiten ist Die Entzückung von St. Theresa (1647-1652).

Neoklassizistisch

File:Jasão e o Velo de ouro - Bertel Thorvaldsen - 1803.jpg|Bertel Thorvaldsen: Jason und das Goldene Vlies (1803)

File:Psyché.jpg|Antonio Canova: Seele, die durch den Kuss der Liebe (1787) wiederbelebt ist

File:Bronze ist die Horseman002.jpg|Falconet's Bildsäule von Zaren Peter I (1782) eines der Symbole St.Petersburgs geworden

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Die Neoklassizistische Periode (c. 1750-1850) war eines der großen Alter der öffentlichen Skulptur, obwohl seine "klassischen" Prototypen mit größerer Wahrscheinlichkeit römische Kopien von hellenistischen Skulpturen sein konnten. In der Skulptur sind die vertrautesten Vertreter der Italiener Antonio Canova, der Engländer John Flaxman und der Dane Bertel Thorvaldsen. Die europäische neoklassizistische Weise hat auch in den Vereinigten Staaten ergriffen, wo sein Gipfel etwas später vorgekommen ist und in den Skulpturen von Hiram Powers veranschaulicht wird.

Moderner Klassizismus

File:Norwid Erleichterung jpg|Fragment des Grabes von Cyprian Kamil Norwid in der Gruft der Barden in der Wawel Kathedrale, Kraków durch den Bildhauer Czesław Dźwigaj

File:Lisbon Denkmal jpg|Sculpture auf dem Entdeckungsalter und den portugiesischen Navigatoren in Lissabon, Portugal

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Moderner Klassizismus hat sich auf viele Weisen von der klassischen Skulptur des 19. Jahrhunderts abgehoben, das durch Engagements zum Naturalismus (Antoine-Louis Barye) — das melodramatische (François Rude) Empfindsamkeit (Jean Baptiste Carpeaux) - oder eine Art stattliche Großartigkeit (Herr Leighton) charakterisiert wurde. Mehrere verschiedene Richtungen in der klassischen Tradition wurden als das gedrehte Jahrhundert genommen, aber die Studie des lebenden Modells und der Postrenaissancetradition war noch für sie grundsätzlich.

Auguste Rodin war der berühmteste europäische Bildhauer des Anfangs des 20. Jahrhunderts. Er wird häufig als ein Skulpturimpressionist betrachtet, wie seine Studenten Camille Claudel, Medardo Rosso, Paolo Troubetzkoy, Rik Wouters und Hugo Rheinhold sind, zum Modell eines flüchtigen Moments des gewöhnlichen Lebens versuchend.

Moderner Klassizismus hat ein kleineres Interesse im Naturalismus und ein größeres Interesse an der formellen Stilisierung gezeigt. Größerer Aufmerksamkeit wurde den Rhythmen von Volumina und Räumen — sowie größere Aufmerksamkeit auf die sich abhebenden Qualitäten der Oberfläche geschenkt (offen, geschlossen, planar, gebrochen usw.), während weniger Aufmerksamkeit dem Geflunker und den überzeugenden Details der Anatomie oder des Kostüms geschenkt wurde. Größere Aufmerksamkeit wurde zur psychologischen Wirkung gelenkt als zum physischen Realismus. Größere Aufmerksamkeit wurde auf die Vertretung gelenkt, was ewig und öffentlich war, aber nicht was kurz und privat war. Größere Aufmerksamkeit wurde auf Beispiele von altem und Mittelalterlichem heiligem arts:Egyptian gelenkt, mittelöstlich, asiatisch, afrikanisch, und Meso-amerikanisch. Großartigkeit war noch eine Sorge, aber in einem breiteren, mehr weltweiten Zusammenhang.

Frühe Master des modernen Klassizismus haben eingeschlossen: Aristide Maillol, Alexander Matveyev, Joseph Bernard, Antoine Bourdelle, Georg Kolbe, Libero Andreotti, Gustav Vigeland, Jan Stursa, Constantin Brâncuşi.

Als das Jahrhundert fortgeschritten ist, wurde moderner Klassizismus als der nationale Stil der zwei großen europäischen totalitären Reiche angenommen: Das nazistische Deutschland und das sowjetische Russland, wer die Arbeit von früheren Künstlern wie Kolbe und Wilhelm Lehmbruck in Deutschland und Matveyev in Russland hinzugewählt hat. Das nazistische Deutschland hatte einen 12-jährigen Lauf; aber im Laufe der 70 Jahre der UDSSR wurden neue Generationen von Bildhauern erzogen und innerhalb ihres Systems, und eines verschiedenen Stils, sozialistischen Realismus, entwickelt gewählt, der zur Betonung des 19. Jahrhunderts auf dem Melodrama und Naturalismus zurückgekehrt ist.

Klassische Ausbildung wurde aus der Kunstausbildung in Westeuropa (und die Amerikas) vor 1970 eingewurzelt, und der klassischen Varianten des 20. Jahrhunderts wurde in der Geschichte des Modernismus marginalisiert. Aber Klassizismus hat als das Fundament der Kunstausbildung in den sowjetischen Akademien bis 1990 weitergegangen, ein Fundament für die ausdrucksvolle bildliche Kunst überall in Osteuropa und Teilen des Nahen Ostens zur Verfügung stellend. Vor dem Jahr 2000 erhält die europäische klassische Tradition eine breite Bitte an Zuschauer — besonders Touristen — und besonders für das alte, Renaissance, Barock, und Perioden des 19. Jahrhunderts aufrecht — aber erwartet eine Bildungstradition, um seine zeitgenössische Entwicklung wiederzubeleben.

Im Rest Europas und der Vereinigten Staaten ist das moderne klassische irgendein dekorativer / Art deco (Paul Manship, Jose de Creeft, Carl Milles) geworden oder hat abstrakter stilisiert oder ausdrucksvoller (und gotisch) (Anton Hanak, Wilhelm Lehmbruck, Ernst Barlach, Arturo Martini) — oder hat sich mehr zur Renaissance (Giacomo Manzù, Venanzo Crocetti) gedreht oder ist dasselbe (Charles Despiau, Marcel Gimond) geblieben.

Moderne und zeitgenössische Kunst

Modernismus

Modernist-Skulptur-Bewegungen schließen Kubismus, Geometrische Abstraktion, De Stijl, Suprematism, Constructivism, Dadaismus, Surrealismus, Futurismus, Formalismus-Auszug-Expressionismus, Pop-Art, Minimalismus, Landkunst und Installationskunst unter anderen ein.

In den frühen Tagen des 20. Jahrhunderts hat Pablo Picasso die Kunst der Skulptur revolutioniert, als er begonnen hat, seine geformten Aufbauten zu schaffen, indem er ungleiche Gegenstände und Materialien in ein gebautes Stück der Skulptur verbunden hat. Picasso hat die Kunst der Skulptur mit seinem innovativen Gebrauch wiedererfunden, eine Arbeit in drei Dimensionen mit dem ungleichen Material zu bauen. Gerade als Collage eine radikale Entwicklung in zwei dimensionaler Kunst war; so war Aufbau eine radikale Entwicklung in der dreidimensionalen Skulptur. Das Advent des Surrealismus hat zu Dingen geführt, die gelegentlich als "Skulptur" beschreiben werden, die so vorher nicht gewesen wäre wie "unwillkürliche Skulptur" in mehreren Sinnen einschließlich coulage. In späteren Jahren ist Pablo Picasso ein fruchtbarer ceramicist und Töpfer geworden, die Weise revolutionierend, wie Keramische Kunst wahrgenommen wird. George E. Ohr und zeitgenössischere Bildhauer wie Peter Voulkos, Kenneth Price, Robert Arneson, und haben George Segal und andere Keramik als ein wichtiges integriertes Medium für ihre Arbeit effektiv verwendet.

Ähnlich hat die Arbeit von Constantin Brâncuşi am Anfang des Jahrhunderts für die spätere abstrakte Skulptur den Weg geebnet. In der Revolte gegen den Naturalismus von Rodin und seinen verstorbenen Zeitgenossen des 19. Jahrhunderts, Brâncuşi destillierte Themen unten ihren Essenzen, wie illustriert, durch seinen Vogel im Raum (1924) Reihe. Diese elegant raffinierten Formen sind synonymisch mit der Skulptur des 20. Jahrhunderts geworden. 1927 hat Brâncuşi eine Rechtssache gegen die amerikanischen Zollbehörden gewonnen, die versucht haben, seine Skulptur als rohes Metall zu schätzen. Die Klage hat zu gesetzlichen Änderungen geführt, die die Einfuhr der abstrakten zollfreien Kunst erlauben.

Brâncuşi's Einfluss, mit seinem Vokabular der Verminderung und Abstraktion, wird im Laufe der 1930er Jahre und der 1940er Jahre gesehen, und von Künstlern wie Gaston Lachaise, Herr Jacob Epstein, Henry Moore, Alberto Giacometti, Joan Miró, Julio González, Pablo Serrano, Jacques Lipchitz und später im Jahrhundert von Carl Andre und John Safer veranschaulicht, der Bewegung und monumentality zum Thema der Reinheit der Linie hinzugefügt hat.

Seitdem die Modernist-Tendenzen der 1950er Jahre in der Skulptur sowohl abstrakt als auch bildlich die öffentliche Einbildungskraft beherrscht haben und die Beliebtheit der Modernist-Skulptur sidelined die traditionelle Annäherung hatte. Picasso wurde beauftragt, einen maquette für einen riesigen - hohe öffentliche Skulptur zu machen, die in Chicago, bekannt gewöhnlich als Chicago Picasso zu bauen ist. Er hat sich dem Projekt mit sehr viel Begeisterung genähert, eine Skulptur entwerfend, die zweideutig und etwas umstritten war. Was die Zahl vertritt, ist nicht bekannt; es konnte ein Vogel, ein Pferd, eine Frau oder eine völlig abstrakte Gestalt sein. Die Skulptur, einer der erkennbarsten Grenzsteine in der Innenstadt Chicago, wurde 1967 entschleiert. Picasso hat sich geweigert, für 100,000 $ dafür bezahlt zu werden, es den Leuten der Stadt schenkend.

Während des Endes der 1950er Jahre und der Auszug-Bildhauer der 1960er Jahre hat begonnen, mit einer breiten Reihe von neuen Materialien und verschiedenen Annäherungen an das Schaffen ihrer Arbeit zu experimentieren. Surrealistische Bilder, anthropomorphe Abstraktion, neue Materialien und Kombinationen von neuen Energiequellen und geänderten Oberflächen und Gegenständen sind charakteristisch für viel neue Modernist-Skulptur geworden. Zusammenarbeitende Projekte mit Landschaft-Entwerfern, Architekten und Landschaft-Architekten haben die Außenseite und Kontextintegration ausgebreitet.

Künstler wie Isamu Noguchi, David Smith, Alexander Calder, Jean Tinguely, Richard Lippold, George Rickey, Louise Bourgeois und Louise Nevelson sind gekommen, um den Blick der modernen Skulptur und die Minimalist-Arbeiten von Tony Smith, Robert Morris, Donald Judd, Larry Bell, Anne Truitt, Giacomo Benevelli, Arnaldo Pomodoro, Richard Serra, Dan Flavin zu charakterisieren, und andere haben zeitgenössische abstrakte Skulptur in neuen Richtungen geführt.

Durch den Auszug-Expressionismus der 1960er Jahre haben Geometrische Abstraktion und Minimalismus vorgeherrscht. Einige Arbeiten der Periode sind: Die Arbeiten von Cubi von David Smith, und die geschweißten Stahlwerke von Herrn Anthony Caro, die in großem Umfang Arbeit von John Chamberlain und Umweltinstallation erklettern Arbeiten von Mark di Suvero.

Während der 1960er Jahre und der 1970er Jahre bildliche Skulptur durch Modernist-Künstler in stilisierten Formen durch Künstler wie: Leonard Baskin, Ernest Trova, Marisol Escobar, Paul Thek und Manuel Neri sind populär geworden. In den 1980er Jahren waren mehrere Künstler, unter anderen, bildliche Skulptur erforschend, Robert Graham in einem Klassiker hat Stil und Fernando Botero artikuliert, der den 'übergroßen Zahlen seiner Malerei' in kolossale Skulpturen bringt.

Galerie der Modernist-Skulptur

File:JacobEpstein hat Tag und Nacht dauernder jpg|Jacob Epstein, Tag und Nacht, für das Londoner Untergrundbahn-Hauptquartier, 1928 geschnitzt.

File:Cactus Mann - González.jpg|Julio González, Monsieur Kaktus, 1939.

File:Jacques Lipchitz, Geburt der Musen (1944-1950), des MIT Campus. JPG|Jacques Lipchitz, "Geburt der Musen", (1944-1950).

File:Moore ThreePieceRecliningFigureNo1 1961.jpg|Henry Moore, Drei Stück Lehnenseitige Abbildung Nr. 1, 1961, Yorkshire

File:John Kammerherr am Hirshhorn.jpg|John Kammerherrn, S, 1959, Hirshhorn Museum und Skulptur-Garten, Washington, Bezirk

Schmied der Skulptur jpg|Tony von Image:Tonysmith freeride, Freie Fahrt, 1962, 6'8 x 6'8 x 6'8 (die Höhe einer Standard-US-Tür-Öffnung), Museum der Modernen Kunst, New York

Image:UntitledGoldBox1964.jpg|Larry Glocke, Unbetitelter 1964, Wismut, Chrom, Gold und Rhodium auf dem vergoldeten Messing; Hirshhorn Museum und Skulptur-Garten

File:2004-09-07 1800x2400 Chicago picasso.jpg|Pablo Picasso, Öffentliche Skulptur, 1967, Chicago, Illinois

File:104_0422.JPG|Isamu Noguchi, Heimar, 1968, am Skulptur-Garten von Billy Rose, Museum von Israel, Jerusalem, Israel

File:George Rickey Ri10.gif|George Rickey, Vier Quadrate in Geviert, 1969, Terrasse der Neuen Nationalgalerie, Berlins, Deutschland

File:Alexander Calder Krauses avec Scheibe-Rouge 1973-1.jpg|Alexander Calder, Krauses avec Scheibe-Rouge, 1973, Schlossplatz, Stuttgart

File:caro_1974.jpg|Sir Anthony Caro, Schwarze Deckel-Wohnung, 1974, Stahl, Tel Aviver Museum der Kunst

File:Judd Muenster. JPG|Donald Judd, Unbetitelter 1977, Münster, Deutschland

File:Dona ich Ocell. JPG|Joan Miró, Frau und Bird, 1982, Barcelona, Spanien

File:RichardSerra Fulcrum2.jpg|Richard Serra, Hebepunkt 1987, 55 ft hohe freie Stehskulptur von Mein Gott zehn Stahl in der Nähe von der Station der Liverpool Street, London

Image:Aurora Zeichen di Suvero.jpg|Mark di Suvero, Aurora, 1992-1993, Nationalgalerie der Kunst, Washington, Bezirk

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Minimalismus

Der Minimalist-Stil reduziert Skulptur auf seine wesentlichsten und grundsätzlichen Eigenschaften. Minimalisten schließen Tony Smith, Donald Judd, Robert Morris, Larry Bell, Anne Truitt und Dan Flavin ein;

Mit der Seite spezifische Bewegung

Seite spezifische und Umweltkunstarbeiten wird von Künstlern vertreten: Donald Judd, Richard Serra, Robert Irwin, George Rickey, und Christo und Jeanne-Claude haben zeitgenössische abstrakte Skulptur in neuen Richtungen geführt. Künstler haben Umweltskulptur auf mitteilsamen Seiten in der 'Landkunst in der amerikanischen' Westgruppe von Projekten geschaffen. Diese landen Kunst oder '' Erdkunstumweltskala-Skulptur-Arbeiten, die von Künstlern wie Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell (der Krater Roden) und andere veranschaulicht sind

Die Landkunst (Erdkunst) Umweltskala-Skulptur arbeitet durch Robert Smithson, Michael Heizer, James Turrell und andere

Postminimalismus

Künstler Bill Bollinger, Eva Hesse, Sol LeWitt, Jackie Winsor, Keith Sonnier, Bruce Nauman und Lucas Samaras, unter anderen waren Pioniere der Postminimalist-Skulptur. Die späteren Arbeiten von Robert Graham haben fortgesetzt, sich häufig in öffentlichen Kunsteinstellungen ins 21. Jahrhundert zu entwickeln.

Auch während der 1960er Jahre und Künstler der 1970er Jahre so verschieden wie Stephen Antonakis haben Chryssa, Walter De Maria, Dan Flavin, Robert Smithson, Robert Irwin, Claes Oldenburg, George Segal, Edward Kienholz, Nam June Paik, Wolf Vostell, Duane Hanson und John DeAndrea Abstraktion, Bilder und Gestaltung durch Videokunst, Umgebung, Leichte Skulptur, Landkunst und Installationskunst auf neue Weisen erforscht.

Gebrauchsfertig

Der Begriff hat Kunst — allgemeiner gefundener Gegenstand gefunden (Französisch: Objet trouvé), oder gebrauchsfertig — beschreibt Kunst, die vom unverkleideten geschaffen ist, aber häufig modifiziert, Gebrauch von Gegenständen, die als Kunst häufig nicht normalerweise betrachtet werden, weil sie bereits eine weltliche, utilitaristische Funktion haben. Marcel Duchamp war der Schöpfer davon am Anfang des 20. Jahrhunderts mit Stücken wie Brunnen.

Begriffskunst

Begriffskunst ist Kunst, in der das Konzept (E) oder die an der Arbeit beteiligte Idee (N) vor traditionellen ästhetischen und materiellen Sorgen den Vortritt haben. Arbeiten schließen Einen und Drei Stühle, 1965 ein, ist durch Joseph Kosuth und Einen Eichenbaum durch Michael Craig-Martin.

Postmodernismus

Postmoderne Skulptur besetzt ein breiteres Feld von Tätigkeiten als Modernist-Skulptur, wie Rosalind Krauss bemerkt hat. Ihre Idee von der Skulptur im ausgebreiteten Feld hat eine Reihe von Oppositionen identifiziert, die die verschiedenen einer Skulptur ähnlichen Tätigkeiten beschreiben, die postmoderne Skulptur sind:

: Seite-Aufbau ist die Kreuzung der Landschaft und Architektur

: Axiomatische Strukturen sind die Kombination der Architektur und Nicht-Architektur

: Gekennzeichnete Seiten sind die Kombination der Landschaft und Nicht-Landschaft

: Skulptur ist die Kreuzung der Nicht-Landschaft und Nicht-Architektur

Die Sorge von Krauss schuf eine theoretische Erklärung, die die Entwicklungen der Landkunst, Minimalist-Skulptur und mit der Seite spezifischen Kunst in die Kategorie der Skulptur entsprechend passen konnte. Um das zu tun, hat ihre Erklärung eine Reihe von Oppositionen um die Beziehung der Arbeit zu seiner Umgebung geschaffen.

Zeitgenössische Genres

Einige moderne Skulptur-Formen werden jetzt draußen, als Umwelt-Kunst- und Umweltskulptur, und häufig in der vollen Ansicht von Zuschauern geübt, so ihnen Blutsverwandtschaft der Leistungskunst in den Augen von einigen gebend. Leichte Skulptur und mit der Seite spezifische Kunst machen auch häufig von der Umgebung Gebrauch. Eisskulptur ist eine Form der Skulptur, die Eis als der Rohstoff verwendet. Es ist in China, Japan, Kanada, Schweden und Russland populär. Eisskulpturen zeigen dekorativ in einigen Kochkünsten besonders in Asien. Kinetische Skulpturen sind Skulpturen, die entworfen werden, um sich zu bewegen, die Mobiltelefone einschließen. Schnee-Skulpturen werden gewöhnlich aus einem einzelnen Block des Schnees ungefähr 6 zu auf jeder Seite und wiegende ungefähr 20-30 Tonnen geschnitzt. Der Schnee ist in eine Form dicht gepackt, durch künstliche Mittel erzeugt, oder vom Boden nach einem Schneefall gesammelt. Gesunde Skulpturen nehmen die Form von gesunden Inneninstallationen, Außeninstallationen wie äolische Harfen, Automaten an, oder mehr oder weniger nahe herkömmliche Musikinstrumente sein. Gesunde Skulptur ist häufig mit der Seite spezifisch. Eine Sandburg kann als eine Sand-Skulptur betrachtet werden. Schwerelose Skulptur (im Weltraum) als ein Konzept wird 1985 vom holländischen Künstler Martin Sjardijn geschaffen. Das Ziegelbildhauern von Lego ist mit dem Gebrauch von allgemeinen Ziegeln von Lego verbunden, um realistische oder künstlerische Skulpturen manchmal mit Hunderttausenden von Ziegeln zu bauen. Kunstspielsachen sind ein anderes Format für zeitgenössische Künstler seit dem Ende der 1990er Jahre, wie diejenigen geworden, die durch den Takashi Murakami und Kinderroboter erzeugt sind, der von Michael Lau entworfen ist, oder durch Michael Leavitt (Künstler) handgefertigt ist.

Sozialer Status

Weltweit sind Bildhauer gewöhnlich Großhändler gewesen, deren Arbeit nicht unterzeichnet ist. Aber in der Klassischen Welt haben viele Alte griechische Bildhauer wie Phidias begonnen, individuelle Anerkennung im Periclean Athen zu erhalten, und sind berühmt und vermutlich wohlhabend geworden. Im Mittleren Alter, den Künstlern wie das 12. Jahrhundert haben Gislebertus manchmal ihre Arbeit unterzeichnet, und wurden durch verschiedene Städte, besonders von Trecento vorwärts in Italien, mit Zahlen wie Arnolfo di Cambio, Nicola Pisano und sein Sohn Giovanni gesucht. Viele Bildhauer haben sich auch in anderen Künsten, manchmal Malerei, wie Andrea del Verrocchio oder Architektur, wie Giovanni Pisano, Michelangelo oder Jacopo Sansovino geübt, und haben große Werkstätten aufrechterhalten.

Von den Hohen Renaissancekünstlern wie Michelangelo konnten Leone Leoni und Giambologna wohlhabend werden, und haben geadelt, und gehen Sie in den Kreis von Prinzen ein. Viel dekorative Skulptur auf Gebäuden ist ein Handel geblieben, aber Bildhauer, die individuelle Stücke erzeugen, wurden auf einem Niveau mit Malern erkannt. Aus mindestens dem 18. Jahrhundert hat Skulptur auch Mittelstandsstudenten angezogen, obwohl es langsamer war, um so zu tun, als Malerei. Ebenso haben Frau-Bildhauer länger genommen, um zu erscheinen, als Frau-Maler, und sind allgemein bis zum 20. Jahrhundert mindestens weniger prominent gewesen.

Techniken

Das Steinschnitzen

Das Steinschnitzen ist eine alte Tätigkeit, wo Stücke des rauen natürlichen Steins durch die kontrollierte Eliminierung des Steins gestaltet werden. Infolge der Dauerhaftigkeit des Materials können Beweise gefunden werden, dass sogar die frühsten Gesellschaften einer Form der Steinarbeit nachgehangen haben. Petroglyphs (auch genannt Felsen-Gravieren) sind vielleicht die frühste Form: Images haben durch das Entfernen des Teils einer Felsen-Oberfläche geschaffen, die in situ durch das Einschneiden bleibt, pickend, und dem Abschleifen schnitzend. Kolossale Skulptur bedeckt große Arbeiten und architektonische Skulptur, die Gebäuden beigefügt wird. Das Schnitzen von Hardstone ist das Schnitzen zu künstlerischen Zwecken von Halbedelsteinen wie Jade, Achat, Onyx, Bergkristall, sard oder Karneol und ein allgemeiner Begriff für einen Gegenstand gemacht auf diese Weise. Eingravierte Edelsteine sind kleine geschnitzte Edelsteine einschließlich Kameen, die ursprünglich als Siegel-Ringe verwendet sind.

Bronzeskulptur

Bronze ist das populärste Metall für Wurf-Metallskulpturen; eine Wurf-Bronzeskulptur wird häufig einfach eine "Bronze" genannt. Allgemeine Bronzelegierung hat das ungewöhnliche und wünschenswerte Eigentum der Erweiterung ein bisschen, kurz bevor sie untergehen, so die feinsten Details einer Form füllend. Ihre Kraft und fehlt der Brüchigkeit (Dehnbarkeit) ist ein Vorteil, wenn Zahlen in der Handlung, besonders wenn im Vergleich zur verschiedenen Keramik oder den Steinmaterialien geschaffen werden sollen (sieh Marmorskulptur für mehrere Beispiele).

Holzschnitzwerk

Holzschnitzwerk ist eine Form von Arbeitsholz mittels eines Schneidwerkzeugs, das in der Hand gehalten ist (das kann ein Macht-Werkzeug sein), auf eine Holzzahl oder Figürchen hinauslaufend (das kann in der Natur abstrakt sein), oder in der Skulpturverzierung eines Holzgegenstands.

Glasgussteil, Versammlung, das Bildhauern

Glas kann für die Skulptur durch eine breite Reihe von Arbeitstechniken verwendet werden. Heißes Gussteil kann durch das ladling geschmolzene Glas in Formen getan werden, die durch das Drücken von Gestalten in Sand, geschnitzten Grafit oder ausführliche Formen des Pflasters/Kieselerde geschaffen worden sind. Brennofen-Gussteil-Glas schließt Heizungsklötze des Glases in einem Brennofen ein, bis sie Flüssigkeit sind und in eine Warten-Form darunter im Brennofen fließen. Glas kann auch geformt mit Handwerkzeugen entweder als eine feste Masse oder als ein Teil eines geblasenen Gegenstands sein heiß.

Beispiele des als ein Skulpturmedium verwendeten Glases:

Gussteil

Das Werfen ist ein Fertigungsverfahren, durch das ein flüssiges Material (Bronze, Kupfer, Glas, Aluminium, Eisen) (gewöhnlich) in eine Form gegossen wird, die eine hohle Höhle der gewünschten Gestalt, und dann erlaubt enthält fest zu werden. Das feste Gussteil wird dann vertrieben oder ausgebrochen, um den Prozess zu vollenden. Gussteil kann verwendet werden, um heiße flüssige Metalle oder verschiedene Materialien zu bilden, die Kälte nach dem Mischen von Bestandteilen (wie Epoxydharze, Beton, Pflaster und Ton) gesetzt hat. Gussteil wird meistenteils verwendet, um komplizierte Gestalten zu machen, die sonst schwierig oder unwirtschaftlich sein würden, um durch andere Methoden zu machen.

Gussteil ist ein 6,000-jähriger Prozess. Das älteste überlebende Gussteil ist ein Kupferfrosch von 3200 v. Chr.

Bewahrung

Skulpturen sind zu Umweltbedingungen wie Temperatur, Feuchtigkeit und Aussetzung vom leichten und ultravioletten Licht empfindlich. Saurer Regen kann auch bestimmten Baumaterialien und historischen Denkmälern Schaden verursachen. Das resultiert, wenn die Schwefelsäure im Regen chemisch mit den Kalzium-Zusammensetzungen in den Steinen (Kalkstein, Sandstein, Marmor und Granit) reagiert, um Gips, der dann Flocken davon zu schaffen.

Ähnliche Künste

Andere Künste, die mit der Skulptur verbunden sind:

• Ton, modellierend
• Knochen, der schnitzt
• Collage
• Kostüm
• Decollage
• Puppe
• Dynamische Texturen
• Erdkunst
• Blumendesign (Ikebana)
• Glasbläserei
• Hologramm
• Elfenbein, das schnitzt
• Lebende Skulptur
• Maske
• Origami
• Töpferwaren
• Kürbis, der schnitzt
• Zuckerskulptur
• Schweißen
• Holzschnitzwerk

Siehe auch

• Afrikanische Skulptur
• Arborsculpture
• Zusammenbau
• Basrelief und Erleichterung
• Bronzeskulptur
• Butter-Skulptur
• Keramischer
• Kubistische Skulptur

Umweltskulptur

• Reitskulptur
• Gefundene Gegenstände
• Garten-Skulptur
• Gasskulptur
• Glaskunst
• Glasskulptur
• Geschichte der Skulptur
• Eis, das schnitzt

Elfenbein, das schnitzt

• Kinetische Skulptur

Leichte Skulptur

• Liste von weiblichen Bildhauern
• Liste von Bildhauern

Lebende Skulptur

• Marmorskulptur
• Mobiltelefone
• Umriss der Skulptur
• Petroglyph
• Öffentliche Skulptur
• Sand-Skulptur
• Skulptur des USA-

Mit der Seite spezifische Kunst

• Schnee-Skulptur
• Bildsäule
• Stein, der schnitzt
• Steinskulptur
• Stonemasonry
• Terrakotta
• Wachs-Skulptur

Schweißen

Links

• Aufsätze auf der Skulptur von der Süßen Dornstrauch-Universität, Abteilung der Kunstgeschichte
• Internationales Skulptur-Zentrum
• Steinbildhauer-Gilde der offiziellen Website von Amerika
• Skulptur-Künstler-Auflistungen von-artists.org
• Escultores.com Videos und Bilder der Skulptur
• Das Pökeln des Museums des Glases
• Unheimliche, Wunderbare Moderne Skulpturen - Lichtbildervortrag durch die Zeitschrift Life
• Wohltätigkeit von Cass Sculpture Foundation, die dem Beauftragen kolossaler Skulptur gewidmet ist
• Teuerste Skulptur in der Welt