Kammermusik ist eine Form der klassischen Musik, die für eine kleine Gruppe von Instrumenten geschrieben ist, die traditionell in einem Palastraum angepasst werden konnten. Am weit gehendsten schließt es jede Kunstmusik ein, die durch eine kleine Anzahl von Darstellern mit einem Darsteller zu einem Teil durchgeführt wird. Das Wort "Raum" bedeutet, dass die Musik in einem kleinen Zimmer häufig in einem privaten Salon mit einer vertrauten Atmosphäre durchgeführt werden kann. Jedoch schließt es gewöhnlich, definitionsgemäß, Soloinstrument-Leistungen nicht ein.

Wegen seiner vertrauten Natur ist Kammermusik als "die Musik von Freunden beschrieben worden." Seit mehr als 200 Jahren wurde Kammermusik in erster Linie von Amateurmusikern in ihren Häusern, und sogar heute gespielt, als der grösste Teil der Kammermusik-Leistung vom Haus bis den Konzertsaal abgewandert ist, gibt es noch viele Musiker, Dilettanten und Fachmann, die fortsetzen, Kammermusik für ihr eigenes Vergnügen zu spielen. Das Spielen der Kammermusik verlangt spezielle Sachkenntnisse, sowohl Musical als auch sozial, die von den Sachkenntnissen verschieden sind, die erforderlich sind, um Solo oder symphonische Arbeiten zu spielen.

Johann Wolfgang von Goethe hat Kammermusik (spezifisch, Streichquartett-Musik) als "vier vernünftige Menschen beschrieben, die sprechen." Dieses Unterhaltungsparadigma ist ein Faden gewesen, der durch die Geschichte der Kammermusik-Zusammensetzung vom Ende des 18. Jahrhunderts zur Gegenwart gewebt ist. Die Analogie zum Gespräch kehrt in Beschreibungen und Analysen von Kammermusik-Zusammensetzungen wieder.

Geschichte

Von seinen frühsten Anfängen in der Mittelalterlichen Periode zur Gegenwart ist Kammermusik ein Nachdenken der Änderungen in der Technologie und der Gesellschaft gewesen, die es erzeugt hat.

Frühe Anfänge

Während des Mittleren Alters und der frühen Renaissance wurden Instrumente in erster Linie als Begleitung für Sänger verwendet. Schnur-Spieler würden zusammen mit der vom Sänger gesungenen Melodie-Linie spielen. Es gab auch rein instrumentale Ensembles, häufig Saitenvorgänger der Geige-Familie, genannt Gemahle Einige Analytiker denken, dass der Ursprung von klassischen instrumentalen Ensembles die Sonate da Kamera (Raum-Sonate) und die Sonate da chiesa (Kirchsonate) ist.

Das waren Zusammensetzungen für ein bis fünf oder mehr Instrumente. Die Sonate da Kamera war ein Gefolge von langsamen und schnellen Bewegungen, die Tanzmelodien eingestreut sind; der Sonate-da chiesa war dasselbe, aber die Tänze wurden weggelassen. Diese Formen haben sich allmählich in die Trio-Sonate des Barocks — zwei dreifache Instrumente und ein Bassinstrument, häufig mit einer Tastatur oder anderem chording Instrument (Kielflügel, Organ, Harfe oder Kitt, zum Beispiel) das Ausfüllen der Harmonie entwickelt.

Während der Barocken Periode Kammermusik weil wurde ein Genre nicht klar definiert. Häufig konnten Arbeiten auf jeder Vielfalt von Instrumenten, im Orchester- oder den Raum-Ensembles gespielt werden. Die Kunst der Fuge von Johann Sebastian Bach kann zum Beispiel auf einem Tastatur-Instrument (Kielflügel oder Organ) oder durch ein Streichquartett oder Schnur-Orchester gespielt werden. Die Instrumentierung von Trio-Sonaten wurde auch häufig flexibel angegeben; einige von den Sonaten von Handel werden für die "deutsche Flöte eingekerbt, Hoboy [Oboe] oder Geige" Basslinien konnte durch violone, Cello, theorbo, oder Fagott gespielt werden, und manchmal würden sich drei oder vier Instrumente der Basslinie im Einklang anschließen. Manchmal haben Komponisten Bewegungen für Raum-Ensembles mit Orchesterbewegungen gemischt. 'Der Tafelmusik' von Telemann (1733) hat zum Beispiel fünf Sätze von Bewegungen für verschiedene Kombinationen von Instrumenten, mit einer vollen Orchesterabteilung endend.

Barocke Kammermusik war häufig kontrapunktisch; d. h. jedes Instrument hat dieselben melodischen Materialien zu verschiedenen Zeiten gespielt, einen komplizierten, verwebten Stoff des Tons schaffend. Weil jedes Instrument im Wesentlichen dieselben Melodien spielte, waren alle Instrumente gleich. In der Trio-Sonate gibt es häufig keinen Verwandten oder Soloinstrument, aber alle drei Instrumente teilen gleiche Wichtigkeit.

Die harmonische Rolle, die durch die Tastatur oder das andere chording Instrument gespielt ist, war Tochtergesellschaft, und gewöhnlich wurde der Tastatur-Teil nicht sogar ausgeschrieben; eher wurde die chordal Struktur des Stückes durch numerische Codes über die Basslinie, genannt bemalten Bass angegeben.

In der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts haben Geschmäcke begonnen sich zu ändern: Viele Komponisten haben einen neuen Stil von Galant mit der "dünneren Textur bevorzugt... und haben klar Melodie und Bass" zu den Kompliziertheiten des Kontrapunkts definiert. Jetzt ist eine neue Gewohnheit entstanden, der eine neue Form der Kammermusik zur Welt gebracht hat: das Ständchen. Schutzherren haben Straßenmusiker eingeladen, Abendkonzerte unter den Balkons ihrer Häuser, ihrer Freunde und ihrer Geliebten zu spielen. Schutzherren und Musiker haben Komponisten beauftragt, passende Gefolge über Tänze und Melodien für Gruppen von zwei bis fünf oder sechs Spielern zu schreiben. Diese Arbeiten wurden Ständchen (sera=night), Notturnos, divertimenti, oder Kassationen (von gasse=street) genannt. Der junge Joseph Haydn wurde beauftragt, mehrere über diese zu schreiben.

Haydn, Mozart und der klassische Stil

Joseph Haydn wird allgemein das Schaffen der modernen Form der Kammermusik zugeschrieben, weil wir es wissen. In 83 Streichquartetten, 45 Klavier-Trio, und zahlreichem Schnur-Trio, Duetten und Windensembles, hat Haydn den Unterhaltungsstil der Zusammensetzung und der gesamten Form eingesetzt, die die Welt der Kammermusik seit den nächsten zwei Jahrhunderten beherrschen sollte.

Ein Beispiel der Unterhaltungsweise der Zusammensetzung ist das Streichquartett von Haydn Op. 20, Nr. 4 im D Major. In der ersten Bewegung, nach einer Behauptung des Hauptthemas durch alle Instrumente, bricht die erste Geige in eine Drilling-Zahl ein, die durch die zweite Geige, die Viola und das Cello unterstützt ist. Das Cello antwortet mit seiner eigenen Drilling-Zahl, dann die Viola, während die anderen Instrumente ein sekundäres Thema gegen diese Bewegung spielen. Verschieden vom Kontrapunkt, wo jeder Teil im Wesentlichen dieselbe melodische Rolle als andere hier spielt, trägt jedes Instrument seinen eigenen Charakter, sein eigener Kommentar zur Musik bei, wie es sich entwickelt.

Haydn hat sich auch auf einer gesamten Form für seine Kammermusik-Zusammensetzungen niedergelassen, die der Standard mit geringen Schwankungen bis zu den heutigen Tag werden würden. Die Eigenschaft Streichquartett von Haydn hat vier Bewegungen:

Die öffnende Bewegung von:An in der Sonate-Form, gewöhnlich mit zwei sich abhebenden Themen, die von einer Entwicklungsabteilung gefolgt sind, wo das thematische Material umgestaltet und umgestellt wird, und mit einer Zusammenfassung der anfänglichen zwei Themen endend.

Die lyrische Bewegung von:A in einem langsamen oder gemäßigten Tempo, das manchmal aus drei Abteilungen gebaut ist, die sich in der Ordnung ABCABC, und manchmal eine Reihe von Schwankungen wiederholen.

:A-Menuett oder Scherzo, eine leichte Bewegung in drei Viertel-Mal, mit einer Hauptabteilung, einer sich abhebenden Trio-Abteilung und einer Wiederholung der Hauptabteilung.

:A schnelle Finale-Abteilung in der Rondo-Form, einer Reihe von sich abhebenden Abteilungen mit einer Hauptrefrain-Abteilungsöffnung und dem Schließen der Bewegung und Wiederholen zwischen jeder Abteilung.

Seine Neuerungen haben Haydn der Titel "Vater des Streichquartetts" verdient, und er wurde von seinen Zeitgenossen als der Hauptkomponist seiner Zeit anerkannt. Aber er war keineswegs der einzige Komponist, der neue Weisen der Kammermusik entwickelt. Sogar vor Haydn experimentierten viele Komponisten bereits mit neuen Formen. Giovanni Battista Sammartini, Ignaz Holzbauer und Franz Xaver Richter haben Vorgängern des Streichquartetts geschrieben.

Wenn Haydn den Unterhaltungsstil der Zusammensetzung geschaffen hat, hat Wolfgang Amadeus Mozart außerordentlich sein Vokabular ausgebreitet. Seine Kammermusik hat zahlreiche Meisterwerke zum Kammermusik-Repertoire hinzugefügt. Das sieben Klavier-Trio von Mozart und zwei Klavier-Quartette waren erst, um den Unterhaltungsgrundsatz auf die Kammermusik mit dem Klavier anzuwenden. Das Klavier-Trio von Haydn ist im Wesentlichen Klavier-Sonaten mit der Geige und dem Cello, das größtenteils Nebenrollen spielt, die dreifachen und Basslinien der Klavier-Kerbe verdoppelnd. Aber Mozart gibt den Schnuren eine unabhängige Rolle, mit ihnen als ein Schalter zum Klavier, und ihre individuellen Stimmen zum Kammermusik-Gespräch hinzufügend.

Mozart hat die kürzlich erfundene Klarinette ins Kammermusik-Arsenal, mit dem Kegelstatt Trio für die Viola, die Klarinette und das Klavier, K eingeführt. 498, und das Quintett für die Klarinette und das Streichquartett, K. 581. Er hat auch andere innovative Ensembles, einschließlich des Quintetts für Geige, zwei Violen, Cello und Horn, K versucht. 407, Quartette für die Flöte und Schnuren und verschiedenen Blasinstrument-Kombinationen. Er hat sechs Schnur-Quintette für zwei Geigen, zwei Violen und Cello geschrieben, die die reichen Tenor-Töne der Violen erforschen, eine neue Dimension zum Streichquartett-Gespräch hinzufügend.

Die Streichquartette von Mozart werden als der Gipfel der klassischen Kunst betrachtet. Die sechs Streichquartette, die er Haydn, seinem Freund und Mentor gewidmet hat, haben den älteren Komponisten angeregt, dem Vater von Mozart zu sagen, "Ich sage Ihnen vor dem Gott als ein ehrlicher Mann, dass Ihr Sohn der größte Komponist ist, der mir entweder persönlich oder durch den Ruf bekannt ist. Er hat Geschmack, und, was mehr, die tiefsten Kenntnisse der Zusammensetzung ist."

Viele andere Komponisten haben Raum-Zusammensetzungen während dieser Periode geschrieben, die zurzeit populär waren und noch heute gespielt werden. Luigi Boccherini, spanischer Komponist und Cellist, hat fast hundert Streichquartette und mehr als hundert Quintette für zwei Geigen, Viola und zwei Cellos geschrieben. In diesem innovativen Ensemble, das später von Schubert verwendet ist, gibt Boccherini protzig, virtuosic Solo zum Hauptcello als eine Vitrine für sein eigenes Spielen. Geiger Carl Ditters von Dittersdorf und Cellist Johann Baptist Vanhal, wer sowohl gespielte Erholungsquartette mit Haydn auf der zweiten Geige als auch Mozart auf der Viola, waren populäre Kammermusik-Komponisten der Periode.

Vom Haus bis Saal

Die Umdrehung des 19. Jahrhunderts hat dramatische Änderungen in der Gesellschaft und in der Musik-Technologie gesehen, die weit reichende Effekten unterwegs hatte, wurde Kammermusik zusammengesetzt und gespielt.

Zusammenbruch des aristokratischen Systems

Im Laufe des 18. Jahrhunderts war der Komponist normalerweise ein Angestellter eines Aristokraten, und die Kammermusik, die er zusammengesetzt hat, war für das Vergnügen und die Leistung durch aristokratische Dilettanten. Haydn war zum Beispiel ein Angestellter des Grafs Nikolaus Esterházy, eines Musik-Geliebten und baryton Amateurspielers, für den Haydn vieles von seinem Schnur-Trio geschrieben hat. Mozart hat drei Streichquartette für den König Preußens, Frederick William II, einen Cellisten geschrieben. Viele Quartette von Beethoven wurden zuerst mit dem Schutzherrn Graf Andrey Razumovsky auf der zweiten Geige durchgeführt. Boccherini hat für den König Spaniens gedichtet.

Mit dem Bankrott der Aristokratie und neuen Gesellschaftsordnungen überall in Europa mussten Komponisten zunehmend ihre eigenen Wege machen, indem sie verkauft haben und ihre Zusammensetzungen durchgeführt haben. Sie haben häufig Abonnement-Konzerte gegeben, einen Saal vermietend und die Quittungen von der Leistung sammelnd. Zunehmend wurde Kammermusik nicht nur geschrieben, um von reichen Dilettanten durchgeführt zu werden, aber von Berufsmusikern für ein zahlendes Publikum durchgeführt zu werden.

Änderungen in der Struktur von Saiteninstrumenten

Am Anfang des 19. Jahrhunderts hat luthiers neue Methoden entwickelt, die Geige, die Viola und das Cello zu bauen, das diesen Instrumenten einen reicheren Ton, mehr Volumen und mehr tragende Macht gegeben hat. Auch in dieser Zeit hat bowmakers sich die Geige länger mit einem dickeren Zierband des Haars unter der höheren Spannung verbeugen lassen. Das hat den Vorsprung des Instrumentes verbessert, und hat auch mögliche neue den Bogen führende Techniken gemacht. 1820 hat Louis Spohr den chinrest erfunden, der Geigern mehr Freizügigkeit in ihren linken Händen für eine flinkere Technik gegeben hat. Diese Änderungen haben zur Wirksamkeit von öffentlichen Leistungen in großen Sälen beigetragen, und haben das Repertoire von für Kammermusik-Komponisten verfügbaren Techniken ausgebreitet.

Erfindung des Pianofortes

Das Pianoforte wurde wirklich von Bartolomeo Cristofori am Anfang des 18. Jahrhunderts erfunden, aber erst als das Ende dieses Jahrhunderts, mit technischen Verbesserungen in seinem Aufbau, es getan hat, werden ein wirksames Instrument für die Leistung. Das verbesserte Pianoforte wurde von Mozart und anderen Komponisten sofort angenommen, die begonnen haben, Raum-Ensembles mit dem Klavier zusammenzusetzen, eine Hauptrolle spielend. Das Klavier sollte immer dominierender im Laufe des 19. Jahrhunderts soviel werden, so dass viele Komponisten, wie Franz Liszt und Frédéric Chopin, fast exklusiv für das Klavier-Solo geschrieben haben.

Beethoven

Auf dieser Periode der Änderung rittlings zu sitzen, ist der Riese der Westmusik, Ludwig van Beethovens. Beethoven hat Kammermusik umgestaltet, es zu einem neuen Flugzeug sowohl in Bezug auf seinen Inhalt als auch in Bezug auf die technischen Anforderungen erhebend, die es an seine Darsteller und seine Zuschauer gestellt hat. Seine Arbeiten, in den Wörtern von Maynard Solomon, waren "die Modelle, gegen die Romantik des neunzehnten Jahrhunderts seine Ergebnisse und Misserfolge gemessen hat." Seine späten Quartette wurden insbesondere als eine so entmutigende Ausführung betrachtet, dass viele Komponisten nach ihm Angst zum Aufsatz das Medium gehabt haben; Johannes Brahms hat gedichtet und hat 20 Streichquartette aufgerissen, bevor er gewagt hat, eine Arbeit zu veröffentlichen, die er gefühlt hat, war des "Riesen würdig, der hinten marschiert."

Beethoven hat sein formelles Debüt als ein Komponist mit drei Klavier-Trio, Op gemacht. 1. Sogar diese frühen Arbeiten, veröffentlicht, als Beethoven nur 22 Jahre alt war, während er an einer ausschließlich klassischen Form geklebt hat, haben Zeichen der neuen Pfade gezeigt, dass Beethoven in den nächsten Jahren schmieden sollte. Als er das Manuskript des Trios Haydn, seinem Lehrer vor der Veröffentlichung gezeigt hat, hat Haydn die ersten zwei genehmigt, aber hat vor dem Veröffentlichen des dritten Trios, im C Minderjährigen, als zu radikal gewarnt, warnend, dass es nicht "verstanden und günstig vom Publikum erhalten würde."

Tatsächlich ist die Vorhersage von Haydn falsch gewesen; das dritte Trio hat sich erwiesen, vom Satz am populärsten zu sein, und die Kritiken von Haydn haben verursacht, zwischen ihm und dem empfindlichen Beethoven ausfallend. Das Trio, ist tatsächlich, eine Abfahrt von der Form, die Haydn und Mozart gebildet hatten. Beethoven macht dramatische Abweichungen des Tempos innerhalb von Ausdrücken und innerhalb von Bewegungen. Er vergrößert außerordentlich die Unabhängigkeit der Schnuren, besonders das Cello, ihm erlaubend, sich über dem Klavier und gelegentlich sogar der Geige zu erstrecken.

Wenn sein Op. 1 Trio hat die Arbeiten von Beethoven ins Publikum, sein Septett, Op eingeführt. 20, hat ihn als einer von Europas populärsten Komponisten gegründet. Das Septett, das für Geige, Viola, Cello, Kontrabass, Klarinette, Horn, und Fagott eingekerbt ist, war ein riesiger Erfolg. Es wurde in Konzerten immer wieder gespielt. Es ist in Abschriften für viele Kombinationen erschienen — von denen einer, für die Klarinette, Cello und Klavier, von Beethoven selbst geschrieben wurde — und so populär war, dass sich Beethoven gefürchtet hat, es würde seine anderen Arbeiten verfinstern. So viel, so dass vor 1815 Carl Czerny geschrieben hat, dass Beethoven "sein Septett nicht erleiden konnte und böse wegen des universalen Beifalls gewachsen ist, den es erhalten hat." Das Septett wird als ein klassischer divertimento in sechs Bewegungen, einschließlich zwei Menuette und einer Reihe von Schwankungen geschrieben. Es ist mit anziehenden Melodien, mit dem Solo für jeden einschließlich des Kontrabasses voll.

In seinen 17 Streichquartetten, die über den Kurs von 37 seiner 56 Jahre zusammengesetzt sind, geht Beethoven von der klassischen Komponist-Durchschnitt-Vorzüglichkeit bis Schöpfer der Musikromantik, und überschreitet schließlich Klassizismus und Romantik, um ein Genre zu schaffen, das sich über Kategorisierung hinwegsetzt. Stravinsky hat sich auf Große Fuge, der späten Quartette, als "dieses absolut zeitgenössische Musikstück bezogen, das für immer zeitgenössisch sein wird."

Die Streichquartette 1-6, Op. 18 wurden im klassischen Stil in demselben Jahr geschrieben, den Haydn seinem Op geschrieben hat. 76 Streichquartette. Sogar hier hat Beethoven die formellen Strukturen gestreckt, die von Haydn und Mozart den Weg gebahnt sind. Im Quartett Op. 18, Nr. 1, im F Major, zum Beispiel, gibt es ein langes, lyrisches Solo für das Cello in der zweiten Bewegung, dem Cello einen neuen Typ der Stimme im Quartett-Gespräch gebend. Und die letzte Bewegung von Op. 18 schafft Nr. 6, "La Malincolia", einen neuen Typ der formellen Struktur, eine langsame, melancholische Abteilung mit einem manischen Tanz durchschießend. Beethoven sollte diese Form in späteren Quartetten verwenden, und sie wurde von Brahms und anderen ebenso angenommen.

In den Jahren 1805-1806 hat Beethoven drei Op zusammengesetzt. 59 Quartette in einer Kommission von Graf Razumovsky, der die zweite Geige in ihrer ersten Leistung gespielt hat. Diese Quartette, von der Mitte von Beethoven der Periode, waren Pioniere im romantischen Stil. Außer dem Einführen vieler struktureller und stilistischer Neuerungen waren diese Quartette technisch viel schwieriger — so viel zu leisten, so dass sie waren, und außer der Reichweite von vielen Amateurschnur-Spielern bleiben. Als sich der erste Geiger Ignaz Schuppanzigh über ihre Schwierigkeit beklagte, erwiderte Beethoven, "Denken Sie, dass ich mich über Ihre elende Geige sorge, wenn der Geist mich bewegt?" Unter den Schwierigkeiten sind komplizierte Synkopen und Quer-Rhythmen; synchronisierte Läufe der sechzehnten, zweiunddreißigsten und vierundsechzigsten Zeichen; und plötzliche Modulationen, die spezielle Aufmerksamkeit auf die Tongebung verlangen. Zusätzlich zu Op. 59 Quartette, Beethoven hat noch zwei Quartette während seiner Mitte der Periode — Op geschrieben. 74, das "Harfe"-Quartett, das für die ungewöhnliche einer Harfe ähnliche Wirkung genannt ist, schafft Beethoven mit pizzicato Durchgängen in der ersten Bewegung und Op. 95, der "Serioso".

Der Serioso ist eine Übergangsarbeit, die in der späten Periode von Beethoven — eine Periode von Zusammensetzungen der großen Selbstbeobachtung hineinführt. "Die besondere Art der Innerlichkeit der letzten Stil-Periode von Beethoven" schreibt Joseph Kerman, gibt einer das Gefühl, dass "die Musik nur für den Komponisten und für einen anderen Rechnungsprüfer, einen ehrfurchtsvollen Lauscher klingt: Sie." In den späten Quartetten wird das Quartett-Gespräch häufig auseinander genommen, wie ein Strom des Bewusstseins weitergehend. Melodien werden abgebrochen, oder in der Mitte der melodischen Linie vom Instrument bis Instrument passiert. Beethoven verwendet neue Effekten, nie vorher essayed in der Streichquartett-Literatur: die ätherische, traumhafte Wirkung von offenen Zwischenräumen zwischen der hohen E-Schnur und dem offenen Eine Schnur im Trio von Op. 132; der Gebrauch von sul ponticello (auf der Brücke der Geige spielend), für einen spröden, kratzenden Ton in Presto Bewegung von Op. 131; der Gebrauch der lydischen Weise, die in der Westmusik seit 200 Jahren in Op ungehört ist. 132; eine Cello-Melodie hat hoch über allen anderen Schnuren im Finale von Op gespielt. 132. Und doch für diese ganze Zusammenhanglosigkeit wird jedes Quartett mit einer sich überwölbenden Struktur dicht entworfen, die die Arbeit zusammen bindet.

Beethoven hat acht Klavier-Trio, fünf Schnur-Trio, zwei Schnur-Quintetten und zahlreichen Stücken für das Windensemble geschrieben. Er hat auch zehn Sonaten für die Geige und das Klavier und fünf Sonaten für das Cello und das Klavier geschrieben.

Franz Schubert bis 1850

Als Beethoven, in seinen letzten Quartetten, in seiner eigenen Richtung abgegangen ist, ist Franz Schubert fortgefahren und hat den erscheinenden romantischen Stil eingesetzt. In seinen 31 Jahren hat Schubert viel von seinem Leben zur Kammermusik gewidmet, 15 Streichquartette, zwei Klavier-Trio, Schnur-Trio, ein Klavier-Quintett zusammensetzend, das allgemein als das Forellenquintett, ein Oktett für Schnuren und Winde und sein berühmtes Quintett für zwei Geigen, Viola und zwei Cellos bekannt ist.

Die Musik von Schubert, als sein Leben, hat die Unähnlichkeiten und Widersprüche seiner Zeit veranschaulicht. Einerseits war er der Liebling der wienerischen Gesellschaft: Er hat in Soireen die Hauptrolle gespielt, die bekannt als Schubertiaden geworden sind, wo er seine leichten, gesitteten Zusammensetzungen gespielt hat, die den gemütlichkeit Wiens der 1820er Jahre ausgedrückt haben. Andererseits wurde sein eigenes kurzes Leben in der Tragödie verschleiert, die durch die Armut und kranke Gesundheit zertrümmert ist. Kammermusik war das ideale Medium, um diesen Konflikt auszudrücken, ", um seine im Wesentlichen lyrischen Themen mit seinem Gefühl für die dramatische Äußerung innerhalb einer Form beizulegen, die die Möglichkeit von äußersten Farbenunähnlichkeiten zur Verfügung gestellt hat." Das Schnur-Quintett in C, D.956, ist ein Beispiel dessen, wie dieser Konflikt in der Musik ausgedrückt wird. Nach einer langsamen Einführung führt das erste Thema der ersten Bewegung, glühend und dramatisch, zu einer Brücke der steigenden Spannung, plötzlich kulminierend und ins zweite Thema, ein trällerndes Duett in den niedrigeren Stimmen einbrechend. Das Wechseln sturm und drang und die Entspannung gehen während der Bewegung weiter.

Diese kämpfenden Kräfte werden in einigen der anderen Arbeiten von Schubert ausgedrückt: im Quartett-Tod und der Jungfrau, dem Quartett von Rosamunde und in stürmischem Ein-Bewegung-Quartettsatz.

Verschieden von Schubert hatte Felix Mendelssohn ein Leben des Friedens und Wohlstands. Geboren in eine wohlhabende jüdische Familie in Hamburg hat sich Mendelssohn ein Wunderkind bewährt. Durch das Alter 16 hatte er seine erste Hauptraum-Arbeit, das Schnur-Oktett, Op geschrieben. 20. Bereits in dieser Arbeit hat Mendelssohn etwas vom einzigartigen Stil gezeigt, der war, seine späteren Arbeiten zu charakterisieren; namentlich, die Mariengarn-Licht-Textur seiner Scherzo-Bewegungen, veranschaulicht auch durch die Bewegung von Canzonetta des Streichquartetts, Op. 12, und das Scherzo des Klavier-Trios Nr. 1 im D Minderjährigen, Op. 49.

Eine andere Eigenschaft, für die Mendelssohn den Weg gebahnt hat, ist die zyklische Form in der gesamten Struktur. Das bedeutet den Wiedergebrauch des thematischen Materials von einer Bewegung bis das folgende, um die Gesamtstück-Kohärenz zu geben. In seinem zweiten Streichquartett öffnet er das Stück mit einer friedlichen Adagio-Abteilung in Einem Major, der sich von der stürmischen ersten Bewegung in Einem Minderjährigen abhebt. Nach dem Finale, kräftig Presto Bewegung, kehrt er zum öffnenden Adagio zurück, um das Stück zu schließen. Dieses Streichquartett ist auch die Huldigung von Mendelssohn Beethoven; die Arbeit wird mit Notierungen aus den mittleren und späten Quartetten von Beethoven beschlagen.

Während seines erwachsenen Lebens hat Mendelssohn zwei Klavier-Trio, sieben Arbeiten für das Streichquartett, zwei Schnur-Quintetten, dem Oktett, einem Sextett für das Klavier und die Schnuren und die zahlreichen Sonaten für das Klavier mit der Geige, dem Cello und der Klarinette geschrieben.

Robert Schumann hat die Entwicklung der zyklischen Struktur fortgesetzt. In seinem Klavier-Quintett in der E Wohnung, Op. 44 schreibt Schumann eine doppelte Fuge im Finale, mit dem Thema der ersten Bewegung und dem Thema der letzten Bewegung. Sowohl Schumann als auch Mendelssohn, im Anschluss an das von Beethoven angeführte Beispiel, haben die Fuge wiederbelebt, die aus Bevorzugung seit der Barocken Periode gefallen war. Jedoch, anstatt strenge, lebensgroße Fugen zu schreiben, haben sie Kontrapunkt als eine andere Weise des Gespräches zwischen den Kammermusik-Instrumenten verwendet. Viele Raum-Arbeiten von Schumann, einschließlich aller drei seiner Streichquartette und seines Klavier-Quartetts ließen kontrapunktische Abteilungen nahtlos in die gesamte compositional Textur verweben.

Die Komponisten der ersten Hälfte des 19. Jahrhunderts waren des Unterhaltungsparadigmas akut bewusst, das von Haydn und Mozart gegründet ist. Schumann hat geschrieben, dass in einem wahren Quartett "jeder etwas hat, um... ein Gespräch, häufig aufrichtig schön, häufig sonderbar und trüb gewebt unter vier Menschen zu sagen." Ihr Bewusstsein wird vom Komponist- und Virtuose-Geiger Louis Spohr veranschaulicht. Spohr hat seine 36 Streichquartette in zwei Typen geteilt: der quatuor brillant, im Wesentlichen ein Geige-Konzert mit der Schnur-Trio-Begleitung; und Quatuor-Dialog, in der Unterhaltungstradition.

Kammermusik und Gesellschaft im 19. Jahrhundert

Die Mitte des 19. Jahrhunderts hat mehr Änderungen in der Gesellschaft und in Musikgeschmäcken gesehen, die ihren Einfluss auf Kammermusik-Zusammensetzung und Leistung hatten.

Während Verbesserungen in Instrumenten zu mehr öffentlichen Leistungen der Kammermusik geführt haben, hat es sehr viel ein Typ der Musik gemusst, so viel, wie durchgeführt, gespielt zu werden. Amateurquartett-Gesellschaften sind überall in Europa aufgekommen, und keine mittelmäßig-große Stadt in Deutschland oder Frankreich würde ohne eines sein. Diese Gesellschaften haben Hauskonzerte, kompilierte Musik-Bibliotheken gesponsert, und haben das Spielen von Quartetten und anderen Ensembles gefördert.

Tausende von Quartetten wurden von Hunderten von Komponisten veröffentlicht; zwischen 1770 und 1800 wurden mehr als 2000 Quartette veröffentlicht, und der Schritt hat sich im nächsten Jahrhundert nicht geneigt. Im Laufe des 19. Jahrhunderts haben Komponisten jetzt lange vernachlässigte Streichquartette veröffentlicht: George Onslow hat 36 Quartette und 35 Quintette geschrieben; Gaetano Donizetti hat Dutzende von Quartetten, Antonio Bazzini, Anton Reicha, Carl Reissiger, Joseph Suk geschrieben, und andere haben geschrieben, um eine unersättliche Nachfrage nach Quartetten zu füllen. Außerdem gab es einen lebhaften Markt für Streichquartett-Maßnahmen von populären und Volksmelodien, Klavier-Arbeiten, Symphonien und Opernarien.

Aber gegenüberliegende Kräfte waren bei der Arbeit. Die Mitte des 19. Jahrhunderts hat den Anstieg von Superstar-Virtuosen gesehen, die Aufmerksamkeit weg von der Kammermusik zur Sololeistung gelenkt haben. Frédéric Chopin und Franz Liszt haben "Solokonzerte" — einen Begriff präsentiert, der von Liszt ins Leben gerufen ist —, der Mengen von ekstatischen Anhängern angezogen hat, die am Ton ihres Spielens ohnmächtig geworden sind. Das Klavier, das serienmäßig hergestellt werden konnte, ist ein Instrument der Vorliebe und viele Komponisten, wie Chopin und Liszt, zusammengesetzt in erster Linie wenn nicht exklusiv für das Klavier geworden.

Die Überlegenheit des Klaviers, und der symphonischen Zusammensetzung, war nicht bloß eine Sache der Vorliebe; es war auch eine Sache der Ideologie. In den 1860er Jahren ist ein Schisma unter romantischen Musikern über die Richtung der Musik gewachsen. Liszt und Richard Wagner haben eine Bewegung geführt, die behauptet hat, dass "reine Musik" seinen Kurs mit Beethoven geführt hatte, und dass neu, programmatic Formen der Musik die Zukunft der Kunst waren. Die Komponisten dieser Schule haben keinen Nutzen für die Kammermusik gehabt. Das Entgegensetzen dieser Ansicht war Johannes Brahms und seine Partner, besonders der mächtige Musik-Kritiker Eduard Hanslick. Dieser Krieg der Romantiker hat die künstlerische Welt der Periode, mit dem schmähenden Austausch zwischen den zwei Lagern, Konzertboykotts und Bitten geschüttelt.

Obwohl das Amateurspielen im Laufe des 19. Jahrhunderts gediehen ist, war das auch eine Periode, professionalization der Kammermusik-Leistung zu vergrößern. Berufsquartette haben begonnen, die Kammermusik-Konzertbühne zu beherrschen. Das Quartett von Hellmesberger, das von Joseph Hellmesberger und dem Quartett von Joachim geführt ist, das von Joseph Joachim geführt ist, hat viele der neuen Streichquartette durch Brahms und andere Komponisten debütiert. Ein anderer berühmter Quartett-Spieler war Vilemina Norman Neruda, auch bekannt als Dame Hallé. Tatsächlich, während des letzten Drittels des Jahrhunderts, haben Frauen begonnen, ihren Platz auf der Konzertbühne zu nehmen: Ein Vollfrau-Streichquartett, das von Emily Shinner und dem Quartett von Lucas, auch alle Frauen geführt ist, war zwei bemerkenswerte Beispiele.

Zum 20. Jahrhundert

Es war Johannes Brahms, der die Fackel der Romantischen Musik zum 20. Jahrhundert getragen hat. Verkündet von Robert Schumann als der Schmied "neuer Pfade" in der Musik ist die Musik von Brahms eine Brücke vom klassischen bis das moderne. Einerseits war Brahms ein Traditionalist, die Musiktraditionen von Bach und Mozart erhaltend. Überall in seiner Kammermusik verwendet er traditionelle Techniken des Kontrapunkts, Fugen und Kanons in reiche gesprächige und harmonische Texturen vereinigend. Andererseits hat Brahms die Struktur und das harmonische Vokabular der Kammermusik ausgebreitet, traditionelle Begriffe der Klangfarbe herausfordernd. Ein Beispiel davon ist im Brahms das zweite Schnur-Sextett, Op. 36.

Traditionell haben Komponisten das erste Thema eines Stückes im Schlüssel des Stückes geschrieben, fest diesen Schlüssel als das Stärkungsmittel, oder nach Hause, Schlüssel des Stückes feststellend. Das öffnende Thema von Op. 36 Anfänge im Stärkungsmittel (G größer), aber bereits durch das dritte Maß hat zum Schlüssel ohne Beziehung der größeren E-Wohnung moduliert. Da sich das Thema entwickelt, erstreckt es sich durch verschiedene Schlüssel vor dem Zurückkommen zum Stärkungsmittel G größer. Diese "harmonische Kühnheit", weil Swafford es beschreibt, hat den Weg für kühnere Experimente geöffnet, um zu kommen.

Nicht nur in der Harmonie, sondern auch in der gesamten Musikstruktur, war Brahms ein Neuerer. Er hat eine Technik entwickelt, die Arnold Schoenberg als "sich entwickelnde Schwankung" beschrieben hat. Anstatt getrennt definierter Ausdrücke führt Brahms häufig Ausdruck in den Ausdruck, und mischt melodische Motive, um einen Stoff der dauernden Melodie zu schaffen. Schoenberg, der Schöpfer des 12-Töne-Systems der Zusammensetzung, hat die Wurzeln seines Modernismus Brahms, in seinem Aufsatz "Brahms das Progressive" verfolgt.

Alles in allem hat Brahms 24 Arbeiten der Kammermusik, einschließlich drei Streichquartette, fünf Klavier-Trios, des Quintetts für das Klavier und die Schnuren, Op veröffentlicht. 34, und andere Arbeiten. Unter seinen letzten Arbeiten waren das Klarinette-Quintett, Op. 115, und ein Trio für die Klarinette, das Cello und das Klavier. Er hat einem Trio für die ungewöhnliche Kombination von Klavier, Geige und Horn, Op geschrieben. 40. Er hat auch zwei Lieder für Altstimme, Viola und Klavier, Op geschrieben. 91, die Form der Stimme mit der selbstständigen Schnur-Begleitstimme wiederbelebend, die seit dem Barock eigentlich aufgegeben worden war.

Die Erforschung der Klangfarbe und der von Brahms begonnenen Struktur wurde von Komponisten der französischen Schule fortgesetzt. Das Klavier-Quintett von César Franck im F Minderjährigen, gelassen 1879, hat weiter die zyklische Form gegründet, die zuerst von Schumann und Mendelssohn erforscht ist, dasselbe thematische Material in jeder der drei Bewegungen wiederverwendend. Das Streichquartett von Claude Debussy, Op. 10, wird als eine Wasserscheide in der Geschichte der Kammermusik betrachtet. Das Quartett verwendet die zyklische Struktur, und setzt eine Endscheidung von den Regeln der klassischen Harmonie ein. "Irgendwelche Töne in jeder Kombination und in jeder Folge sind künftig frei, in einer Musikkontinuität verwendet zu werden" hat Debussy geschrieben. Pierre Boulez hat gesagt, dass Debussy Kammermusik von der "starren Struktur, eingefrorenen Redekunst und starren Ästhetik befreit hat."

Das Quartett von Debussy, wie die Streichquartette von Maurice Ravel und Gabriel Faurés, hat eine neue Ton-Farbe für die Kammermusik, eine Farbe und mit der impressionistischen Bewegung vereinigte Textur geschaffen. Violenspieler James Dunham, der Clevelands und Sequoia-Quartette, schreibt über das Verwirrungsquartett, "Ich wurde einfach durch das Kehren des Klangs, die Sensation von Farben überwältigt, die sich ständig ändern..." Für diese Komponisten waren Raum-Ensembles das ideale Fahrzeug, um diesen atmosphärischen Sinn zu übersenden, und Raum-Arbeiten haben viele ihrer oeuvre eingesetzt.

Nationalismus in der Kammermusik

Die Parallele mit der Tendenz, neue Weisen der Klangfarbe und Textur zu suchen, war eine andere neue Entwicklung in der Kammermusik: der Anstieg des Nationalismus. Komponisten haben sich immer mehr zu den Rhythmen und Klangfarben ihrer Heimatländer für die Inspiration und das Material gedreht. "Europa wurde durch die Romantische Tendenz getrieben, in Musiksachen die nationalen Grenzen immer mehr scharf zu gründen" hat Alfred Einstein geschrieben. "Das Sammeln und Sieben von alten traditionellen melodischen Schätzen haben... die Basis für eine kreative Kunstmusik gebildet." Für viele dieser Komponisten war Kammermusik das natürliche Fahrzeug, um ihre nationalen Charaktere auszudrücken.

Tschechischer Komponist Antonín Dvořák hat in seiner Kammermusik eine neue Stimme für die Musik seines Eingeborenen Bohemia geschaffen. In 14 Streichquartetten, drei Schnur-Quintetten, zwei Klavier-Quartetten, einem Schnur-Sextett, vier Klavier-Trio und vielen anderen Raum-Zusammensetzungen, vereinigt Dvořák Volksmusik und Weisen als ein integraler Bestandteil seiner Zusammensetzungen. Zum Beispiel, im Klavier-Quintett in Einem Major, Op. 81 ist die langsame Bewegung Dumka, eine slawische Volksballade, die zwischen einem langsamen ausdrucksvollen Lied und einem schnellen Tanz abwechselt. Die Dvořák's Berühmtheit im Herstellen einer nationalen Kunstmusik war so groß, dass der New Yorker Philanthrop und Musik-Kenner Jeannette Thurber ihn nach Amerika eingeladen haben, um ein Konservatorium anzuführen, das einen amerikanischen Stil der Musik gründen würde. Dort hat Dvořák sein Streichquartett im F Major, Op geschrieben. 96, mit einem Spitznamen bezeichnet "Der Amerikaner." Während man die Arbeit zusammengesetzt hat, wurde Dvořák von einer Gruppe von Kickapoo Indern unterhalten, die heimische Tänze und Lieder durchgeführt haben, und diese Lieder im Quartett vereinigt worden sein können.

Bedřich Smetana, ein anderer Tscheche, hat einem Klavier-Trio und Streichquartett geschrieben, von denen beide heimische tschechische Rhythmen und Melodien vereinigen. In Russland hat russische Volksmusik die Arbeiten des Endes von Komponisten des 19. Jahrhunderts durchdrungen. Pyotr Ilyich Tchaikovsky verwendet einen typischen russischen Volkstanz in der Endbewegung seines Schnur-Sextetts, Souvenir de Florence, Op. 70. Das zweite Streichquartett von Alexander Borodin enthält Verweisungen auf die Volksmusik, und die langsame Notturno-Bewegung dieses Quartetts ruft mittelöstliche Weisen zurück, die in den moslemischen Abteilungen des südlichen Russlands aktuell waren. Edvard Grieg hat den Musikstil seines heimischen Norwegens in seinem Streichquartett im G Minderjährigen, Op verwendet. 27.

In Ungarn haben Komponisten Zoltán Kodály und Béla Bartók für die Wissenschaft von ethnomusicology den Weg gebahnt, indem sie eine der ersten umfassenden Studien der Volksmusik durchgeführt haben. Sich über die madjarischen Provinzen erstreckend, haben sie, registriert abgeschrieben, und haben Zehntausende von Volksmelodien klassifiziert. Sie haben diese Melodien in ihren Zusammensetzungen verwendet, die durch die asymmetrischen Rhythmen und modalen Harmonien dieser Musik charakterisiert werden. Ihre Kammermusik-Zusammensetzungen und diejenigen des tschechischen Komponisten Leoš Janáček, haben die nationalistische Tendenz mit der Suche des 20. Jahrhunderts nach neuen Klangfarben verbunden. Janáček's Streichquartette vereinigen nicht nur die Klangfarben der tschechischen Volksmusik, sie widerspiegeln auch die Rhythmen der Rede auf der tschechischen Sprache.

Neue Töne für eine neue Welt

Das Ende der Westklangfarbe, begonnen subtil von Brahms und gemacht ausführlich durch Debussy, hat eine Krise für Komponisten des 20. Jahrhunderts aufgestellt. Es war nicht bloß ein Problem zu finden, dass neue Typen von Harmonien und melodischen Systemen die diatonische Skala ersetzt haben, die die Basis der Westharmonie war; die ganze Struktur der Westmusik — der Beziehungen zwischen Bewegungen und zwischen Strukturelementen innerhalb von Bewegungen — hat auf den Beziehungen zwischen verschiedenen Schlüsseln basiert. So wurden Komponisten mit dem Gebäude einer ganzen neuen Struktur für die Musik herausgefordert.

Das wurde mit dem Gefühl verbunden, dass das Zeitalter, das die Erfindung von Automobilen, dem Telefon, der elektrischen Beleuchtung und dem Weltkrieg gesehen hat, neue Weisen des Ausdrucks gebraucht hat. "Das Jahrhundert des Flugzeugs verdient seine Musik" hat Debussy geschrieben.

Inspiration aus der Volksmusik

Die Suche nach einer neuen Musik hat mehrere Richtungen genommen. Das erste, geführte durch Bartók, war zu den tonalen und rhythmischen Konstruktionen der Volksmusik. Die Forschung von Bartók ins Ungarisch und die andere osteuropäische und mittelöstliche Volksmusik hat ihm eine Musikwelt offenbart, die Musikskalen gebaut ist, die weder größere noch geringe und komplizierte Rhythmen waren, die der Westmusik ausländisch waren. In seinem fünften Quartett, zum Beispiel, verwendet Bartók eine Taktart, "dem klassisch erzogenen Musiker, aber zweite Natur dem Volksmusiker erschreckend." Strukturell, auch, erfindet Bartók häufig oder borgt von Volksweisen. Im sechsten Streichquartett, zum Beispiel, beginnt Bartók jede Bewegung mit einer langsamen, elegischen Melodie, die vom melodischen Hauptmaterial der Bewegung gefolgt ist, und schließt das Quartett mit einer langsamen Bewegung, die völlig auf dieser Elegie gebaut wird. Das ist eine in vielen Volksmusik-Kulturen übliche Form.

Die sechs Streichquartette von Bartók sind häufig im Vergleich zu den späten Quartetten von Beethoven. In ihnen baut Bartók neue Musikstrukturen, erforscht in der klassischen Musik nie vorher erzeugte Klänge (zum Beispiel, das Schnappen pizzicato, wo der Spieler die Schnur hebt und sie zurück auf dem Griffbrett mit einem hörbaren Summen schnappen lässt), und Weisen des Ausdrucks schafft, die diese Arbeiten abgesondert von allem andere setzen. "Die letzten zwei Quartette von Bartók verkündigen die Heiligkeit des Lebens, Fortschritts und des Siegs der Menschheit trotz der antihumanistischen Gefahren der Zeit öffentlich" schreibt Analytiker John Herschel Baron. Das letzte Quartett, schriftlich, als sich Bartók vorbereitete, aus der nazistischen Invasion Ungarns für ein neues und unsicheres Leben in den Vereinigten Staaten zu fliehen, wird häufig als eine autobiografische Behauptung der Tragödie seiner Zeiten gesehen.

Bartók war in seinen Erforschungen der Volksmusik nicht allein. Die drei Stücke von Igor Stravinsky für das Streichquartett werden als drei russische Volkslieder, aber nicht als ein klassisches Streichquartett strukturiert. Stravinsky, wie Bartók, hat asymmetrische Rhythmen überall in seiner Kammermusik verwendet; der Histoire du soldat, in der eigenen Einordnung von Stravinsky für die Klarinette, Geige und Klavier, wechselt ständig Taktarten zwischen zwei, drei aus, vier und fünf schlägt zur Bar. In Großbritannien haben sich Komponisten Ralph Vaughan Williams, William Walton und Benjamin Britten auf englische Volksmusik für viel von ihrer Kammermusik gestützt: Vaughan Williams vereinigt Volkslieder und Land, das in seinem ersten Streichquartett fiedelt. Amerikanischer Komponist Charles Ives hat Musik geschrieben, die ausgesprochen amerikanisch war. Ives hat programmatic Titel zu viel von seiner Kammermusik gegeben; sein erstes Streichquartett wird zum Beispiel "Von der Heilsarmee" genannt, und setzt amerikanische Protestantische Kirchenlieder in mehreren Plätzen an.

Serialism, Polyklangfarbe und Polyrhythmen

Eine zweite Richtung in der Suche nach einer neuen Klangfarbe war serialism. Arnold Schoenberg hat die, oder Serienzwölftonmethode der Zusammensetzung als eine Alternative zur durch das diatonische System zur Verfügung gestellten Struktur entwickelt. Die Methode hat Gebäude eines Stückes mit einer Reihe der 12 Zeichen der Skala zur Folge, es permutierend und es sich superauferlegend, um die Zusammensetzung zu schaffen.

Schoenberg ist sofort in die Serienmethode nicht angekommen. Seine erste Raum-Arbeit, das Schnur-Sextett Verklärte Nacht, war größtenteils eine späte deutsche romantische Arbeit, obwohl es in seinem Gebrauch von Modulationen kühn war. Die erste Arbeit, die offen gesagt atonal war, war das zweite Streichquartett; die letzte Bewegung dieses Quartetts, das einen Sopran einschließt, hat keine Schlüsselunterschrift. Schoenberg hat weiter atonality mit dem Pierrot Lunaire, für Sänger, Flöte oder Pikkoloflöte, Klarinette, Geige, Cello und Klavier erforscht. Der Sänger verwendet eine Technik genannt Sprechstimme, halbwegs zwischen Rede und Lied.

Nach dem Entwickeln der Zwölftontechnik hat Schoenberg mehrere Raum-Arbeiten, einschließlich noch zwei Streichquartette, eines Schnur-Trios und eines Windquintetts geschrieben. Ihm wurde von mehreren anderen Zwölftonkomponisten gefolgt, davon am prominentesten, wen seine Studenten Alban Berg waren, die das Lyrische Gefolge für das Streichquartett und Anton Webern geschrieben haben, der Fünf Bewegungen für das Streichquartett, op geschrieben hat. 6.

Serialism war nicht das einzige neue Experiment in der Klangfarbe. Darius Milhaud hat den Gebrauch der Polyklangfarbe, d. h. Musik entwickelt, wo verschiedene Instrumente in verschiedenen Schlüsseln zur gleichen Zeit spielen. Milhaud hat 18 Streichquartette geschrieben; Quartette Nummer 14 und 15 werden geschrieben, so dass jeder allein gespielt werden kann, oder die zwei zur gleichen Zeit als ein Oktett gespielt werden können. Milhaud hat auch Jazzidiome, als in seinem Gefolge für die Klarinette, die Geige und das Klavier verwendet.

Charles Ives hat nicht nur Polyklangfarbe in seinen Raum-Arbeiten, sondern auch Polymeter verwendet. In seinem ersten Streichquartett schreibt er eine Abteilung, wo die erste Geige und Viola rechtzeitig spielen, während die zweite Geige und das Cello darin spielen.

Neoklassizismus

Der Blutandrang von Richtungen, die Musik im ersten Viertel des 20. Jahrhunderts genommen hat, hat zu einer Reaktion durch viele Komponisten geführt. Geführt von Stravinsky haben diese Komponisten auf die Musik des vorklassischen Europas für die Inspiration und Stabilität geachtet. Während die neoklassizistischen Arbeiten von Stravinsky — wie der Doppelte Kanon für das Streichquartett — zeitgenössisch klingen, werden sie auf dem Barock und früh den klassischen Formen — der Kanon, die Fuge und die Barocke Sonate-Form modelliert.

Paul Hindemith war ein anderer neoclassicist. Seine viele Raum-Arbeiten sind im Wesentlichen tonal, obwohl sie viele dissonante Harmonien verwenden. Hindemith hat sieben Streichquartette und zwei Schnur-Trio unter anderen Raum-Arbeiten geschrieben. Als Komponisten Arbeiten der zunehmenden Kompliziertheit außer der Reichweite von Amateurmusikern schrieben, hat Hindemith ausführlich die Wichtigkeit vom Amateurmusik-Bilden anerkannt, und hat absichtlich Stücke geschrieben, die innerhalb der geistigen Anlagen von unprofessionellen Spielern waren.

Dmitri Shostakovich war einer der fruchtbarsten von Kammermusik-Komponisten des 20. Jahrhunderts, 15 Streichquartette, zwei Klavier-Trio, das Klavier-Quintett und die vielen anderen Raum-Arbeiten schreibend. Die Musik von Shostakovitch wurde seit langem in der Sowjetunion verboten, und Shostakovitch selbst war in der persönlichen Gefahr der Zwangsverschickung nach Sibirien. Sein achtes Quartett ist eine autobiografische Arbeit, die seine tiefe Depression von seinem ostracization ausdrückt, an Selbstmord grenzend: Es zitiert aus vorherigen Zusammensetzungen, und verwendet das Vier-Zeichen-Motiv DSCH, die Initialen des Komponisten.

Das Ausdehnen der Grenzen

Als das Jahrhundert fortgeschritten ist, haben viele Komponisten Arbeiten für kleine Ensembles geschaffen, die, während sie formell als Kammermusik betrachtet werden könnten, viele der grundsätzlichen Eigenschaften herausgefordert haben, die das Genre im Laufe der letzten 150 Jahre definiert hatten.

Musik von Freunden

Die Idee, Musik zusammenzusetzen, die zuhause gespielt werden konnte, ist größtenteils aufgegeben worden. Bartók war unter dem ersten, um sich mit dieser Idee zu lösen. "Bartók hat sich nie diese Quartette für die private Leistung, aber eher für große, öffentliche Konzerte vorgestellt." Beiseite von den vielen fast unüberwindlichen technischen Schwierigkeiten von vielen modernen Stücken sind einige von ihnen für die Leistung in einem kleinen Zimmer kaum passend. Zum Beispiel, Verschiedene Züge durch Steve Reich wird für das lebende Streichquartett eingekerbt und hat Band, der Schichten zusammen ein sorgfältig orchestrierter Missklang der Rede, registrierten Zugtöne und drei Streichquartette registriert.

Unterhaltungsparadigma

Wie die Spieler eines Streichquartetts kann, ein Gespräch führen, wenn sie über das Publikum in vier getrennten Hubschraubern fliegen? Das ist im Helikopter-Streichquartett durch Karlheinz Stockhausen der Fall gewesen. Als das Stück 1995 durchgeführt wurde, hatten die Spieler Ohrhörer mit einer Klick-Spur, um ihnen zu ermöglichen, rechtzeitig zu spielen.

Beziehung des Komponisten und Darstellers

Traditionell hat der Komponist die Zeichen geschrieben, und der Darsteller hat sie interpretiert. Aber das ist nicht mehr der Fall in viel moderner Musik. In Für Kommende Zeiten (Seit Zeiten, um Zu kommen), schreibt Stockhausen poetische, rätselhafte Instruktionen den Darstellern, die dann diese neue Form "der intuitiven" Musik improvisieren müssen. "Sternkonstellationen/mit allgemeine Sternschnuppen der Punkte/und... Plötzliches Ende" ist eine Probe.

Komponist Terry Riley beschreibt, wie er mit dem Quartett von Kronos, ein der zeitgenössischen Musik gewidmetes Ensemble arbeitet: "Wenn ich eine Kerbe für sie schreibe, ist es eine nicht redigierte Kerbe. Ich habe in gerade einem minimalen Betrag der Dynamik und ausdrückenden Zeichen gestellt... wir verbringen viel Zeit, verschiedene Ideen erprobend, um die Musik zu gestalten, um es zu bilden. Am Ende des Prozesses lässt es die Darsteller wirklich die Musik besitzen. Das zu mir ist der beste Weg für Komponisten und Musiker, um aufeinander zu wirken."

Neue Töne

Komponisten suchen neue Timbres, die von der traditionellen Mischung von Schnuren, Klavier und Holzblasinstrumenten entfernt sind, die Kammermusik im 19. Jahrhundert charakterisiert haben. Diese Suche hat zur Integration von neuen Instrumenten, wie der theremin und der Synthesizer in Kammermusik-Zusammensetzungen geführt.

Viele Komponisten haben neue Timbres innerhalb des Fachwerks von traditionellen Instrumenten gesucht. Bartók hat für die Suche mit seiner Sonate für zwei Klavier und Schlagzeug den Weg gebahnt. Andere Beispiele sind das Oktett von Gordon Jacob für acht Violen, und die Quartertone Stücke von Charles Ives für zwei Klavier haben einen quartertone einzeln abgestimmt. Andere Komponisten haben Elektronik verwendet, um neue Klänge zu schaffen. Ein Beispiel ist die Schwarzen Engel von George Crumb für das elektrische Streichquartett. Die Spieler beugen nicht nur ihre verstärkten Instrumente, sie schlagen auch auf ihnen mit Fingerhüten, reißen sie mit Heftklammern und Spiel auf der falschen Seite der Brücke oder zwischen den Fingern und der Nuss ab.

Was bedeuten diese Änderungen für die Zukunft der Kammermusik? "Mit den technologischen Fortschritten sind Fragen der Ästhetik und soziologischen Änderungen in der Musik gekommen" schreibt Analytiker Baron. "Diese Änderungen sind häufig auf Beschuldigungen hinausgelaufen, dass Technologie Kammermusik zerstört hat, und dass technologischer Fortschritt im umgekehrten Verhältnis zum Musikwert ist. Die Heftigkeit dieser Angriffe unterstreicht nur, wie grundsätzlich diese Änderungen, und nur die Zeit wird es zeigen sind, wenn Menschheit aus ihnen einen Nutzen ziehen wird."

Kammermusik in der zeitgenössischen Gesellschaft

Analytiker geben zu, dass sich die Rolle der Kammermusik in der Gesellschaft tief in den letzten 50 Jahren geändert hat; noch gibt es wenig Abmachung betreffs, wie diese Änderung ist. Einerseits behauptet Baron, dass "Kammermusik zuhause... sehr wichtig in Europa und Amerika bis zum Zweiten Weltkrieg geblieben ist, nach dem die zunehmende Invasion des Radios und Aufnahme sein Spielraum beträchtlich reduziert haben." Diese Ansicht wird durch subjektive Eindrücke unterstützt. "Heute gibt es noch so viele Millionen von Leuten, die Musik zuhören, aber weit weniger Spielen-Kammermusik gerade für das Vergnügen davon" sagt Leiter und Pianist Daniel Barenboim.

Jedoch weisen neue Überblicke darauf hin, dass es, im Gegenteil, ein Wiederaufleben des Hausmusik-Bildens gibt. Im Rundfunkprogramm "Bewahrt Amateurhilfe Kammermusik" von 2005, Reporter Theresa Schiavone zitiert eine Meinungsumfrage, eine Zunahme im Verkauf von Saiteninstrumenten in Amerika zeigend. Joe Lamond, der Präsident der Nationalen Vereinigung von Musik-Herstellern (NAMM) schreibt die Zunahme einem Wachstum des Hausmusik-Bildens durch Erwachsene zu, die sich Ruhestand nähern. "Ich würde wirklich auf die demographischen Daten [Baby] boomers achten" hat er in einem Interview gesagt. Diese Leute "fangen an, nach etwas zu suchen, was Sachen zu ihnen... nichts sie sich gut mehr fühlen lässt als das Spielen der Musik."

Eine Studie durch das europäische Musik-Büro 1996 weist darauf hin, dass nicht nur ältere Leute Musik spielen. "Die Zahl von Jugendlichen heute, um Musik getan zu haben, hat sich fast vergleichsweise mit denjenigen verdoppelt, die vor 1960 getragen sind," zeigt sich die Studie. Während der grösste Teil dieses Wachstums in der volkstümlichen Musik ist, sind einige in der Kammermusik und Kunstmusik gemäß der Studie.

Während es keine Abmachung über die Zahl von Kammermusik-Spielern gibt, sind die Gelegenheiten für Dilettanten zu spielen sicher gewachsen. Die Zahl von Kammermusik-Lagern und Rückzügen, wo sich Dilettanten seit einem Wochenende oder einem Monat treffen können, um zusammen zu spielen, hat geknospet. Die Musik für die Liebe Davon, eine Organisation, um das Amateurspielen zu fördern, veröffentlicht ein Verzeichnis von Musik-Werkstätten, das mehr als 500 Werkstätten in 24 Ländern für Dilettanten 2008 verzeichnet, bieten Associated Chamber Music Players (ACMP) ein Verzeichnis von mehr als 5,000 Amateurspielern weltweit an, die Partner für Kammermusik-Sitzungen begrüßen.

Unabhängig von, ob die Zahl von Amateurspielern gewachsen oder zurückgewichen ist, hat die Zahl von Kammermusik-Konzerten im Westen außerordentlich in den letzten 20 Jahren zugenommen. Konzertsäle haben das Haus als der Treffpunkt für Konzerte größtenteils ersetzt. Baron schlägt vor, dass einer der Gründe für diese Woge "die schnell wachsenden Kosten von Orchesterkonzerten und die astronomischen Gebühren ist, die von berühmten Solisten gefordert sind, die beide aus der Reihe von den meisten Zuschauern bewertet haben." Das Repertoire auf diesen Konzerten ist fast allgemein die Klassiker des 19. Jahrhunderts. Jedoch werden moderne Arbeiten in Programme und einige Gruppen wie das Quartett von Kronos zunehmend eingeschlossen, widmen sich fast exklusiv zur zeitgenössischen Musik und den neuen Zusammensetzungen; und Ensembles wie das Schildkröte-Inselstreichquartett, diese Vereinigung klassische, andere und Jazzstile, Überkreuzungsmusik zu schaffen.

Mehrere Gruppen haben klassische Kammermusik aus dem Konzertsaal, und zurück in die Straßen genommen, wo es vor 300 Jahren begonnen hat. Einfache Maßnahmen, eine Gruppe von Raum-Musikern in Seattle (Washington, die USA), gibt Konzerte in Einkaufszentren, Cafés und Straßenbahnen. Stern FK Radium hat ihren eigenen Stil der ursprünglichen, modernen Kammermusik angepasst, die als "Musik-Kasten" häufig bekannt ist, der auf Außenkonzerten in Washington, D.C gespielt ist. (Die USA). Die Vorsehung (Rhode Island, die USA) Streichquartett hat das "Fassade Schnuren" Programm angefangen, improvisierte Konzerte und Lehren aus einer Fassade in einer der schlechteren Nachbarschaft der Vorsehung anbietend. "Was wirklich das für mich macht" hat Rajan Krishnaswami gesagt, sind Cellist und Gründer von Einfachen Maßnahmen, "die Publikum-Reaktion... Sie bekommen wirklich dieses Publikum-Feed-Back."

Kammermusik-Leistung

Kammermusik-Leistung ist ein Spezialfeld, und verlangt mehrere Sachkenntnisse, die nicht normalerweise für die Leistung von symphonischen oder Solomusik erforderlich sind. Viele Darsteller und Autoren haben über die für einen erfolgreichen Raum-Musiker erforderlichen Spezialtechniken geschrieben. Das Kammermusik-Spielen schreibt M.D. Herter Norton, verlangt, dass "Personen... einen vereinigten Ganzen noch Personen bleiben lassen. Der Solist ist ein Ganzer zu sich, und im Orchester wird die Individualität in Zahlen verloren...".

"Musik von Freunden"

Viele Darsteller behaupten, dass die vertraute Natur des Kammermusik-Spielens bestimmte Persönlichkeitscharakterzüge verlangt.

David Waterman, Cellist des Endellion Quartetts, schreibt, dass der Raum-Musiker "Bestimmtheit und Flexibilität erwägen muss." Gute enge Beziehung ist notwendig. Arnold Steinhardt, der erste Geiger des Guarneri Quartetts, bemerkt, dass viele Berufsquartette unter dem häufigen Umsatz von Spielern leiden. "Viele Musiker können die Beanspruchung nicht nehmen, mano ein mano mit denselben drei Menschen Jahr für Jahr zu gehen."

Frau Norton, ein Geiger, der Quartett studiert hat, das mit dem Kneisel Quartett am Anfang des letzten Jahrhunderts spielt, geht bis jetzt, dass Spieler von verschiedenen Teilen in einem Quartett verschiedene Persönlichkeitscharakterzüge haben. "Durch die Tradition ist die erste Geige der Führer", aber "das bedeutet kein unbarmherziges Überwiegen." Der zweite Geiger "ist kleiner jedermanns Diener." "Der künstlerische Beitrag jedes Mitgliedes wird durch seine Sachkenntnis im Erklären oder Überwinden dieser Individualität gemessen, die er besitzen muss, um überhaupt interessant zu sein."

Interpretation

"Für eine Person fordern die Probleme der Interpretation genug heraus" schreibt Fährmann, "aber für ein Quartett, das mit einigen der tiefsten, vertrauten und tief empfundenen Zusammensetzungen in der Musik-Literatur kämpft, prüft die Kommunalnatur der Beschlussfassung häufig mehr als die Entscheidungen selbst."

Das Problem, Konsens über Musikprobleme zu finden, wird durch die Tatsache kompliziert, dass jeder Spieler eine verschiedene Rolle spielt, die scheinen kann, Dynamik oder Gesten gegen diejenigen anderer Teile in demselben Durchgang zu fordern. Manchmal werden diese Unterschiede sogar in der Kerbe — zum Beispiel angegeben, wo Quer-Triebkräfte, mit einem Instrument crescendoing angezeigt werden, während ein anderer weicher wird.

Eines der Probleme, die in der Probe gesetzt werden müssen, ist, wer das Ensemble an jedem Punkt des Stückes führt. Normalerweise führt die erste Geige das Ensemble. Jedoch gibt es Durchgänge, die verlangen, dass andere Instrumente führen. Zum Beispiel sagt John Dalley, der zweite Geiger des Guarneri Quartetts, "Wir werden häufig [den Cellisten] fragen, um in pizzicato Durchgängen zu führen. Eine Vorbereitungsbewegung eines Cellisten für pizzicato ist größer und langsamer als dieser eines Geigers."

Spieler besprechen Probleme der Interpretation in der Probe; aber häufig, Mitte Leistung, machen Spieler Sachen spontan, die anderen Spieler verlangend, in Realtime zu antworten. "Nach zwanzig Jahren im [Guarneri] Quartett bin ich bei Gelegenheit glücklich überrascht, sich völlig falsch darüber zu finden, was ich denke, dass ein Spieler tun wird, oder wie er in einem besonderen Durchgang reagieren wird" sagt Violenspieler Michael Tree.

Ensemble, Mischung und Gleichgewicht

Das Spielen setzt zusammen eine Hauptherausforderung an Kammermusik-Spieler ein. Viele Zusammensetzungen stellen Schwierigkeiten in der Koordination, mit Zahlen wie hemiolas, Synkope und schnelle Einklänge auf. Aber außer der Herausforderung des Spielens ist zusammen die größere Herausforderung, gut zusammen zu klingen.

Um einen vereinigten Kammermusik-Ton zu schaffen —, um zu verschmelzen — müssen die Spieler die Details ihrer Technik koordinieren. Sie müssen entscheiden, wenn man Vibrato und wie viel verwendet. Sie müssen häufig ihre Verbeugung und Atmen koordinieren, um Einheit des Tons zu sichern. Sie müssen sich über spezielle Techniken, wie spiccato, sul tasto, sul ponticello und so weiter einigen.

Gleichgewicht bezieht sich auf das Verhältnisvolumen von jedem der Instrumente. Weil Kammermusik ein Gespräch ist, manchmal muss ein Instrument, manchmal ein anderer hervortreten. Es ist nicht immer eine einfache Sache für Mitglieder eines Ensembles, um das richtige Gleichgewicht zu bestimmen, während es spielt; oft verlangen sie einen Außenzuhörer oder eine Aufnahme, um ihnen zu sagen, dass die Beziehungen zwischen den Instrumenten richtig sind.

Tongebung

Das Kammermusik-Spielen wirft spezielle Probleme der Tongebung auf. Das Klavier wird mit dem gleichen Temperament abgestimmt, d. h. die 12 Zeichen der Skala sind genau ebenso unter Drogeneinfluss. Diese Methode macht es möglich für das Klavier, in jedem Schlüssel zu spielen; jedoch klingen alle Zwischenräume außer der Oktave sehr ein bisschen aus der Melodie. Schnur-Spieler können mit der gerade Tongebung spielen, d. h. sie können spezifische Zwischenräume (wie Fünftel) genau in der Melodie spielen. Außerdem können Schnur und Windspieler ausdrucksvolle Tongebung verwenden, den Wurf eines Zeichens ändernd, um eine musikalische oder dramatische Wirkung zu schaffen. "Schnur-Tongebung ist ausdrucksvoller und empfindlich als gleich-gelaunte Klavier-Tongebung."

Jedoch verlangt das Verwenden wahrer und ausdrucksvoller Tongebung sorgfältige Koordination mit den anderen Spielern besonders, wenn ein Stück harmonische Modulationen durchgeht. "Die Schwierigkeit in der Streichquartett-Tongebung ist, den Grad der Freiheit zu bestimmen, die Sie in jedem gegebenen Moment haben" sagt Steinhardt.

Die Kammermusik-Erfahrung

Spieler der Kammermusik, sowohl Dilettant als auch Fachmann, zeugen für ein einzigartiges Entzücken mit dem Spielen im Ensemble. "Es ist nicht eine Überspitztheit, um zu sagen, dass dort vor mir eine verzauberte Welt ausgebreitet hat" schreibt Walter Willson Cobbett, ergebener Amateurmusiker und Redakteur des Cyclopedic Überblicks von Cobbett über die Kammermusik.

Ensembles entwickeln eine nahe Intimität der geteilten Musikerfahrung. "Es ist auf der Konzertbühne, wo die Momente der wahren Intimität vorkommen" schreibt Steinhardt. "Wenn eine Leistung im Gange ist, gehen alle vier von uns zusammen in eine Zone der Magie irgendwo zwischen unseren Musik-Standplätzen ein und werden eine Röhre, Bote und Missionar... Es ist eine Erfahrung, die zu persönlich ist, um darüber zu sprechen, und noch färbt es jeden Aspekt unserer Beziehung, jede gutmütige Musikkonfrontation, den ganzen Berufsklatsch, den letzten Viola-Witz."

Das Spielen der Kammermusik ist die Inspiration für zahlreiche Bücher, sowohl Fiktion als auch Sachliteratur gewesen. Eine Gleiche Musik von Vikram Seth, erforscht das Leben und die Liebe des zweiten Geigers eines erfundenen Quartetts, Maggiore. Zentral zur Geschichte ist die Spannungen und die zwischen den vier Mitgliedern des Quartetts entwickelte Intimität. "Eine fremde Zusammensetzung, die ist, sind wir [in der Leistung], nicht selbst mehr, aber Maggiore, der aus so vielen disjunct Teilen zusammengesetzt ist: Stühle, Standplätze, Musik, Bögen, Instrumente, Musiker..." Das Rosendorf Quartett, durch Natan Shaham, beschreibt die Proben mit einem Streichquartett in Palästina vor der Errichtung des Staates Israels. Weil die Liebe Davon durch Wayne Booth eine nichterfundene Rechnung des Romans des Autors mit dem Cello-Spielen und der Kammermusik ist.

Kammermusik-Gesellschaften

Zahlreiche Gesellschaften werden der Aufmunterung und Leistung der Kammermusik gewidmet. Einige von diesen sind:

• Vivre Musicale Sieger des 2011-2012 CMA/ASCAP-Preises für die Abenteuerliche Programmierung, Vivre Musicale ist eine gemeinnützige Kammermusik-Gesellschaft, die sich bemüht, jung und kommende Musiker zur Verfügung zu stellen, die ein starker Fuß in der klassischen Musik-Welt durch die Diversifikation von Konzerten, Genres und dem melding zusammen verschiedener Kunstformen hält, die weiter das Konzert erhöhen, das Erfahrung geht.
• die Verbundenen Kammermusik-Spieler oder ACMP - Das Kammermusik-Netz, eine internationale Organisation, die das Amateur- und Berufskammermusik-Spielen fördert. ACMP hat einen Fonds, um Kammermusik-Projekte zu unterstützen, und veröffentlicht ein Verzeichnis von Raum-Musikern weltweit.
• Kammermusik Amerika unterstützt Berufskammermusik-Gruppen durch Bewilligungen für Residenzen und Kommissionen, durch Preis-Programme, und durch Berufsentwicklungsprogramme.
• die Cobbett Vereinigung für die Kammermusik-Forschung ist eine Organisation, die der Wiederentdeckung von Arbeiten der vergessenen Kammermusik gewidmet ist.
• Die Musik für die Liebe Davon veröffentlicht ein Rundschreiben auf Amateurkammermusik-Tätigkeiten weltweit, sowie ein Handbuch zu Musik-Werkstätten für Dilettanten.
• die Ottawa Kammermusik-Gesellschaft, eine gemeinnützige Organisation, die öffentliche Beteiligung und Anerkennung der Kammermusik fördert. Der OCMS hat Ottawa Kammermusik-Fest, das größte Kammermusik-Fest in der Welt seit 1994 organisiert.

Zusätzlich zu diesen nationalen und internationalen Organisationen gibt es zahlreiche regionale und lokale Organisationen diese Unterstützungskammermusik.

Ensembles

Das ist eine teilweise Liste der Typen von in der Kammermusik gefundenen Ensembles. Das Standardrepertoire für Raum-Ensembles ist reich, und die Gesamtheit der Kammermusik im Druck in der Notenblätter-Form ist fast grenzenlos. Sieh die Artikel über jede Instrument-Kombination für Beispiele des Repertoires.

Referenzen

Bibliografie

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• Das Neue Wäldchen-Wörterbuch der Musik & Musiker (Hrsg. Stanley Sadie, 1980)

Links

• earsense chamberbase eine Online-Datenbank von mehr als 20,000 Raum-Arbeiten mit einer starken und flexiblen Suchschnittstelle.
• Kommentierte Bibliografie der doppelten Windquintett-Musik