Kinematographie (von, kinema "Bewegung" und, graphein, "um" zu registrieren), ist die Entwicklung von Film-Images. Es kann den Gebrauch des Films oder der Digitalbilder gewöhnlich mit einer Filmkamera einschließen. Es ist nah mit der Kunst noch der Fotografie verbunden. Viele zusätzliche technische Schwierigkeiten und kreative Möglichkeiten entstehen, wenn die Kamera und Elemente der Szene in der Bewegung sein können.

Geschichte

Kinematographie ist eine zu Filmen einzigartige Kunstform. Obwohl das Herausstellen von Images auf mit dem Licht empfindlichen Elementen auf den Anfang des 19. Jahrhunderts zurückgeht, haben Filme eine neue Form der Fotografie und neue ästhetische Techniken gefordert.

Im Säuglingsalter von Filmen war der Kameramann gewöhnlich auch der Direktor und die Person, die physisch die Kamera behandelt. Da sich die Kunstform und Technologie entwickelt haben, ist eine Trennung zwischen Direktor und Kameramaschinenbediener erschienen. Mit dem Advent der künstlichen Beleuchtung und schneller (leichter empfindlich) Rohfilme, zusätzlich zu technologischen Förderungen in der Optik und den neuen Techniken wie Farbenfilm und widescreen, haben die technischen Aspekte der Kinematographie einen Fachmann in diesem Gebiet nötig gemacht.

Kinematographie war Schlüssel während des stillen Filmzeitalters - keines Tons abgesondert von der Hintergrundmusik, keines Dialogs - die Filme haben davon abgehangen, sich zu entzünden, handelnd, und sind untergegangen.

1919, in Hollywood, dem neuen Film-Kapital der Welt, wurde einer der ersten (und noch vorhanden) Handelsgesellschaften gebildet: Die amerikanische Gesellschaft von Kameramännern (ASC), der gestanden hat, um den Beitrag des Kameramannes zur Kunst und Wissenschaft des Film-Bildens anzuerkennen. Ähnliche Handelsvereinigungen sind in anderen Ländern auch gegründet worden.

Der ASC definiert Kinematographie als

Kreativer und interpretierender Prozess von:a, der in der Autorschaft eines ursprünglichen Kunststücks aber nicht der einfachen Aufnahme eines physischen Ereignisses kulminiert. Kinematographie ist nicht eine Unterkategorie der Fotografie. Eher ist Fotografie nur ein Handwerk, das der Kameramann zusätzlich zu anderen physischen, organisatorischen, geschäftsführenden, interpretierenden und bildmanipulierenden Techniken verwendet, um einen zusammenhängenden Prozess zu bewirken.

Aspekte

Zahlreiche Aspekte tragen zur Kunst der Kinematographie bei. Sie sind:

Bildsensor und Rohfilm

Kinematographie kann mit Rollen des Films oder eines Digitalbildsensors beginnen. Förderungen in Filmemulsion und Korn-Struktur haben eine breite Reihe von verfügbaren Rohfilmen zur Verfügung gestellt. Die Auswahl an einem Rohfilm war eine der ersten in der Vorbereitung einer typischen Filmproduktion des 20. Jahrhunderts getroffenen Entscheidungen.

Beiseite von der Filmmaß-Auswahl — 8 Mm (Dilettant), 16 Mm (semiprofessioneller) 35-Mm-(Fachmann) und 65 Mm (epische Fotografie, die selten außer in speziellen Ereignis-Treffpunkten verwendet ist) — hat der Kameramann eine Auswahl an Lagern in der Umkehrung (die, wenn entwickelt, ein positives Image schaffen) und negative Formate zusammen mit einer breiten Reihe von Filmempfindlichkeiten (unterschiedliche Empfindlichkeit, um sich zu entzünden), von ISO 50 (langsam, am wenigsten empfindlich, um sich zu entzünden), zu 800 (sehr schnell, äußerst empfindlich, um sich zu entzünden), und sich unterscheidende Antwort auf die Farbe (niedrige Sättigung, hohe Sättigung) und Unähnlichkeit (unterschiedliche Niveaus zwischen reinem Schwarzem (keine Aussetzung) und reinem Weiß (ganze Überbelichtung).

Förderungen und Anpassungen an fast alle Maße des Films haben die "Super"-Formate geschaffen, worin das Gebiet des Films, der verwendet ist, um ein Einzelbild eines Images zu gewinnen, ausgebreitet wird, obwohl das physische Maß des Films dasselbe bleibt. Fantastische 8 Mm Fantastisch 16 Mm und Fantastische 35 Mm verwerten alle mehr vom gesamten Filmgebiet für das Image als ihre "regelmäßigen" Nichtsuperkollegen.

Je größer das Filmmaß, desto höher die gesamte Bildentschlossenheitsklarheit und technische Qualität.

Die vom Filmlaboratorium verwendeten Techniken, um den Rohfilm zu bearbeiten, können auch eine beträchtliche Abweichung im erzeugten Image anbieten. Indem sie die Temperatur kontrollieren und die Dauer ändern, in der der Film die Entwicklungschemikalien und durch das Auslassen bestimmter chemischer Prozesse (oder teilweise das Auslassen von ihnen allen) eingesaugt wird, können Kameramänner sehr verschiedene Blicke von einem einzelnen Rohfilm im Laboratorium erreichen. Einige Techniken, die verwendet werden können, sind Stoß-Verarbeitung, bleichen Umleitung und böse Verarbeitung.

Arbeit des 21. Jahrhunderts verwendet größtenteils Digitalkinematographie und hat keine Rohfilme, aber die Kameras selbst können auf Weisen angepasst werden, die weit außer den geistigen Anlagen eines besonderen Rohfilms gehen. Sie können unterschiedliche Grade der Farbenempfindlichkeit, Bildunähnlichkeit, leichte Empfindlichkeit und so weiter zur Verfügung stellen. Eine Kamera kann alle verschiedenen Blicke von verschiedenen Emulsionen erreichen, obwohl sie schwer diskutiert wird, betreffs dessen Methode, ein Image zu gewinnen, die "beste" Methode ist. Digitalbildanpassungen (ISO, Unähnlichkeit usw.) werden durch das Schätzen derselben Anpassungen durchgeführt, die stattfinden würden, wenn wirklicher Film im Gebrauch wäre, und so für die Kamerasensorentwerfer-Wahrnehmungen von verschiedenen Rohfilmen und Bildanpassungsrahmen verwundbar wäre.

Filter

Filter, wie Verbreitungsfilter oder Farbenwirkungsfilter, werden auch weit verwendet, um Stimmung oder dramatische Effekten zu erhöhen. Die meisten fotografischen Filter werden aus zwei Stücken des optischen Glases geklebt zusammen mit einer Form des Images oder leichten Manipulationsmaterials zwischen dem Glas zusammengesetzt. Im Fall von Farbenfiltern gibt es häufig ein lichtdurchlässiges zwischen zwei Flugzeugen des optischen Glases gedrücktes Farbenmedium. Farbenfilter arbeiten durch das Entwerfen bestimmter Farbenwellenlängen des Lichtes davon, den Film zu erreichen. Mit dem Farbenfilm arbeitet das sehr intuitiv, worin ein blauer Filter den Durchgang des roten, orange und gelben Lichtes einschränken und eine blaue Tönung auf dem Film schaffen wird. Schwarz-weiß Fotografie, Farbenfilter werden etwas Schalter intuitiv verwendet; zum Beispiel kann ein gelber Filter, der blaue Wellenlängen des Lichtes einschränkt, verwendet werden, um einen Tageslicht-Himmel (durch das Beseitigen blauen Lichtes davon dunkel zu machen, den Film zu schlagen, so außerordentlich den größtenteils blauen Himmel unterbelichtend), während man menschlichste Gesichtsfarbe nicht beeinflusst. Bestimmte Kameramänner, wie Christopher Doyle, sind für ihren innovativen Gebrauch von Filtern weithin bekannt. Filter können vor der Linse oder in einigen Fällen hinter der Linse für verschiedene Effekten verwendet werden.

Linse

Linsen können der Kamera beigefügt werden, um einen bestimmten Blick, Gefühl oder Wirkung durch den Fokus, die Farbe usw. zu geben.

Wie das menschliche Auge tut, schafft die Kamera Perspektive- und Raumbeziehungen mit dem Rest der Welt. Jedoch, verschieden von jemandes Auge, kann ein Kameramann verschiedene Linsen zu verschiedenen Zwecken auswählen. Die Schwankung in der im Brennpunkt stehenden Länge ist einer der Hauptvorteile. Die im Brennpunkt stehende Länge der Linse bestimmt den Winkel der Ansicht und, deshalb, das Feld der Ansicht. Kameramänner können von einer Reihe von breiten Winkellinsen, "normalen" Linsen wählen und lange Linsen, sowie Makrolinsen und andere spezielle Wirkungslinse-Systeme wie Borescope-Linsen einstellen. Weitwinkel-Linsen haben kurze im Brennpunkt stehende Längen und machen Raumentfernungen offensichtlicher. Eine Person wird in der Ferne als viel kleiner gezeigt, während sich jemand in der Vorderseite groß abzeichnen wird. Andererseits reduzieren lange Fokus-Linsen solche Überspitztheit, weit entfernte Gegenstände als anscheinend eng miteinander zeichnend und Perspektive glatt machend. Die Unterschiede zwischen der Perspektiveübergabe sind wirklich nicht wegen der im Brennpunkt stehenden Länge allein, aber durch die Entfernung zwischen den Themen und der Kamera. Deshalb schafft der Gebrauch von verschiedenen im Brennpunkt stehenden Längen in der Kombination mit der verschiedenen Kamera, um Entfernungen zu unterwerfen, diese verschiedene Übergabe. Das Ändern der im Brennpunkt stehenden Länge, während nur es dieselbe Kameraposition behält, betrifft Perspektive, aber den Winkel der Ansicht nur nicht. Ein Zoomobjektiv erlaubt einem Kameramaschinenbediener, ihre im Brennpunkt stehende Länge innerhalb eines Schusses oder schnell zwischen Einstellungen für Schüsse zu ändern. Da Hauptlinsen größere optische Qualität anbieten und "schneller" sind (größere Öffnungsöffnungen, verwendbar im weniger leichten) als Zoomobjektive werden sie häufig in der Berufskinematographie über Zoomobjektive angestellt. Bestimmte Szenen oder sogar Typen der Filmherstellung können jedoch den Gebrauch von Zooms für die Geschwindigkeit oder Bequemlichkeit des Gebrauches, sowie Schüsse verlangen, die eine Zoom-Bewegung einschließen.

Als in anderer Fotografie wird die Kontrolle des ausgestellten Images in der Linse mit der Kontrolle der Diaphragma-Öffnung getan. Für die richtige Auswahl, die Kameramann-Bedürfnisse dass alle Linsen, mit dem T-Halt, nicht F-Halt eingraviert werden, so dass der schließliche leichte Verlust wegen des Glases die Aussetzungskontrolle nicht betrifft, wenn er es mit den üblichen Metern setzt. Die Wahl der Öffnung betrifft auch Bildqualität (Abweichungen) und Tiefe des Feldes (sieh unten).

Tiefe des Feldes und Fokus

Im Brennpunkt stehende Länge und Diaphragma-Öffnung betreffen die Tiefe des Feldes einer Szene — d. h. wie viel der Hintergrund, Mitte Boden und Vordergrund im "annehmbaren Fokus" gemacht wird (nur ein genaues Flugzeug des Images ist im genauen Fokus) auf dem Film oder Videoziel. Die Tiefe des Feldes (um mit der Tiefe des Fokus nicht verwirrt zu sein), wird durch die Öffnungsgröße und die im Brennpunkt stehende Entfernung bestimmt. Eine große oder tiefe Tiefe des Feldes wird mit einer sehr kleinen Iris-Öffnung und dem Konzentrieren auf einen Punkt in der Ferne erzeugt, wohingegen eine seichte Tiefe des Feldes mit einer großen (offenen) Iris-Öffnung und an der Linse näherer Fokussierung erreicht wird. Die Tiefe des Feldes wird auch durch die Format-Größe geregelt. Wenn man das Feld der Ansicht und den Winkel der Ansicht denkt, je kleiner das Image ist, desto kürzer die im Brennpunkt stehende Länge sein sollte, um dasselbe Feld der Ansicht zu behalten. Dann, je kleiner das Image ist, desto mehr Tiefe des Feldes für dasselbe Feld der Ansicht erhalten wird. Deshalb, 70 Mm hat weniger Tiefe des Feldes als 35 Mm für ein gegebenes Feld der Ansicht, 16 Mm mehr als 35 Mm, und Videokameras noch mehr Tiefe des Feldes als 16 Mm. Da videographers versuchen, mit dem Blick des 35-Mm-Films mit Digitalkameras wettzueifern, ist das ein Problem der Frustration - übermäßige Tiefe des Feldes mit Digitalkameras und dem Verwenden zusätzlicher optischer Geräte, um diese Tiefe des Feldes zu reduzieren.

Im Bürger Kane (1941) haben Kameramann Gregg Toland und Direktor Orson Welles dichtere Öffnungen verwendet, um sehr große Tiefe des Feldes in den Szenen zu schaffen, häufig jedes Detail des Vordergrunds und Hintergrund der Sätze im scharfen Fokus machend. Diese Praxis ist als tiefer Fokus bekannt. Tiefer Fokus ist ein populäres kinematografisches Gerät von den 1940er Jahren vorwärts in Hollywood geworden. Heute ist die Tendenz für den seichteren Fokus.

Das Flugzeug des Fokus von einem Gegenstand oder Charakter zu einem anderen innerhalb eines Schusses zu ändern, ist als ein Gestell-Fokus allgemein bekannt.

Aspekt-Verhältnis und das Gestalten

Das Aspekt-Verhältnis eines Images ist das Verhältnis seiner Breite zu seiner Höhe. Das kann entweder als ein Verhältnis von 2 ganzen Zahlen, solcher als 4:3, oder in einem dezimalen Format, solcher als 1.33:1 oder einfach 1.33 ausgedrückt werden.

Verschiedene Verhältnisse stellen verschiedene ästhetische Effekten zur Verfügung. Standards für das Aspekt-Verhältnis haben sich bedeutsam mit der Zeit geändert.

Während des stillen Zeitalters haben sich Aspekt-Verhältnisse weit, vom Quadrat 1:1, den ganzen Weg bis zum äußersten widescreen 4:1 Polyvision geändert. Jedoch, von den 1910er Jahren, haben sich stille Filme allgemein auf dem Verhältnis 4:3 (1.33) niedergelassen. Die Einführung des Tons auf dem Film hat kurz das Aspekt-Verhältnis eingeengt, um Zimmer für einen gesunden Streifen zu erlauben. 1932 wurde ein neuer Standard, das Akademie-Verhältnis 1.37, mittels der Verdickung der Rahmenlinie eingeführt.

Seit Jahren wurden Hauptströmungskameramänner auf das Verwenden des Akademie-Verhältnisses, aber in den 1950er Jahren dank der Beliebtheit von Cinerama beschränkt, widescreen Verhältnisse wurden eingeführt, um Zuschauer ins Theater und weg von ihren Hausfernsehern zurückzuziehen. Diese neuen widescreen formatieren zur Verfügung gestellte Kameramänner ein breiterer Rahmen, innerhalb dessen man ihre Images zusammensetzt.

Viele verschiedene fotografische Eigentumssysteme wurden erfunden und in den 1950er Jahren verwertet, um widescreen Kino zu schaffen, aber man beherrscht Film heute: Der Anamorphic-Prozess, der optisch das Image drückt, um zweimal das horizontale Gebiet zu derselben wie "kugelförmige" Standardlinsen vertikalen Größe zu fotografieren.

Das erste hat allgemein Anamorphic-Format verwendet war CinemaScope, der ein 2.35 Aspekt-Verhältnis verwendet hat, obwohl es ursprünglich 2.55 war. CinemaScope wurde von 1953 bis 1967 verwendet, aber wegen technischer Fehler im Design und seinem Eigentumsrecht durch den Fuchs beherrschen mehrere Drittgesellschaften, die durch die technischen Verbesserungen von Panavision in den 1950er Jahren geführt sind, jetzt den anamorphic cine Linse-Markt.

Änderungen zu SMPTE Vorsprung-Standards haben das geplante Verhältnis von 2.35 bis 2.39 1970 verändert, obwohl das nichts bezüglich der fotografischen anamorphic Standards geändert hat; alle Änderungen hinsichtlich des Aspekt-Verhältnisses der anamorphic 35-Mm-Fotografie sind zu Kamera- oder Kinoprojektor-Tor-Größen, nicht dem optischen System spezifisch.

Nach "widescreen Kriege" der 1950er Jahre hat sich die Film-Industrie in 1.85 als ein Standard für den Theatervorsprung in den Vereinigten Staaten und dem Vereinigten Königreich niedergelassen. Das ist eine abgeschnittene Version 1.37. Europa und Asien haben für 1.66 zuerst gewählt, obwohl 1.85 diese Märkte in letzten Jahrzehnten größtenteils durchdrungen hat. Bestimmtes "Epos" oder Abenteuer-Kino haben den anamorphic 2.39 verwertet.

In den 1990er Jahren, mit dem Advent des hochauflösenden Videos, haben Fernsehingenieure die 1.78 (16:9) Verhältnis als ein mathematischer Kompromiss zwischen dem Theaterstandard 1.85 und den 1.33 des Fernsehens geschaffen, weil es nicht praktisch war, um eine traditionelle CRT Fernsehtube mit einer Breite 1.85 zu erzeugen. Bis zu diesem Punkt war nichts jemals in 1.78 hervorgebracht worden. Heute ist das ein Standard für das hochauflösende Video und für das widescreen Fernsehen. Einige Kino-Filme werden jetzt mit HDTV Kameras gedreht.

Beleuchtung

Licht ist notwendig, um eine Bildaussetzung auf einem Rahmen des Films oder auf einem Digitalziel (CCD, usw.) zu schaffen. Die Kunst der Beleuchtung für die Kinematographie geht weit außer der grundlegenden Aussetzung jedoch in die Essenz der Seherzählkunst. Beleuchtung trägt beträchtlich zur emotionalen Antwort bei ein Publikum hat Beobachtung eines Films.

Als sobald hat ein Direktor Sahin Michael Derun gesagt, dass "Der Unterschied zwischen Porno und Erotik die Beleuchtung", ist, einfach auf die Wichtigkeit von der Beleuchtung in der Kinematographie hinweisend.

Kamerabewegung

Kinematographie kann kein bewegendes Thema nur zeichnen, aber kann eine Kamera verwenden, die den Gesichtspunkt oder Perspektive des Publikums vertritt, die sich während des Kurses des Filmens bewegt. Diese Bewegung spielt eine beträchtliche Rolle auf der emotionalen Sprache von Filmimages und der emotionalen Reaktion des Publikums zur Handlung. Techniken erstrecken sich von den grundlegendsten Bewegungen auszuwaschen (horizontale Verschiebung im Gesichtspunkt von einer festen Position; wie das Wenden Ihres Kopfes Seite-zu-Seite) und das Kippen (vertikale Verschiebung im Gesichtspunkt von einer festen Position; wie das Neigen Ihres Kopfs zurück, um auf den Himmel zu schauen oder unten auf den Boden zu schauen), zu dollying (die Kamera auf einer bewegenden Plattform legend, es oder weiter vom Thema näher zu rücken), (das Stellen der Kamera auf einer bewegenden Plattform verfolgend, es nach links oder Recht zu bewegen), (das Bewegen der Kamera in einer vertikalen Position zögernd; das Imstandesein, es vom Boden zu heben sowie es Seite-zu-Seite von einer festen Grundposition zu schwingen), und Kombinationen des obengenannten.

Kameras sind zu fast jeder vorstellbaren Form des Transports bestiegen worden.

Die meisten Kameras können auch tragbar sein, der in den Händen des Kameramaschinenbedieners gehalten wird, der sich von einer Position bis einen anderen bewegt, während er die Handlung filmt. Persönliche Stabilisierungsplattformen sind gegen Ende der 1970er Jahre durch die Erfindung von Garrett Brown entstanden, der bekannt als Steadicam geworden ist. Der Steadicam ist ein Körpergeschirr und Stabilisierungsarm, der zur Kamera in Verbindung steht, die Kamera unterstützend, während er ihn von den Körperbewegungen des Maschinenbedieners isoliert. Nachdem das Patent von Steadicam am Anfang der 1990er Jahre abgelaufen ist, haben viele andere Gesellschaften begonnen, ihr Konzept des persönlichen Kameraausgleichers zu verfertigen.

Spezielle Effekten

Die ersten speziellen Effekten im Kino wurden geschaffen, während der Film gedreht wurde. Diese sind gekommen, um als "unter Ausschluss der Öffentlichkeit" Effekten bekannt zu sein. Später wurden optische und digitale Effekten entwickelt, so dass Redakteure und Seheffekten-Künstler den Prozess dichter kontrollieren konnten, indem sie den Film in der Postproduktion manipuliert haben.

Für Beispiele von vielen unter Ausschluss der Öffentlichkeit spezielle Effekten, sieh die Arbeit des frühen Filmemachers Georges Méliès.

Rahmenrate-Auswahl

Film-Images werden einem Publikum mit einer unveränderlichen Geschwindigkeit präsentiert. Im Theater sind es 24 Rahmen pro Sekunde, in NTSC (US-)-Fernsehen sind es 30 Rahmen pro Sekunde (29.97, um genau zu sein), im FREUND (Europa) Fernsehen es sind 25 Rahmen pro Sekunde. Diese Geschwindigkeit der Präsentation ändert sich nicht.

Jedoch durch das Verändern der Geschwindigkeit, mit der das Image gewonnen wird, können verschiedene Effekten geschaffen werden wissend, dass schneller oder langsamer registriertes Image mit einer unveränderlichen Geschwindigkeit gespielt wird.

Zum Beispiel wird Zeitrafferfotografie durch das Herausstellen eines Images an einer äußerst langsamen Rate geschaffen. Wenn ein Kameramann eine Kamera veranlasst, einen Rahmen jede Minute seit vier Stunden, und dann auszustellen, dass Gesamtlänge an 24 Rahmen pro Sekunde geplant wird, wird ein vierstündiges Ereignis 10 Sekunden bringen, um zu präsentieren, und man kann die Ereignisse eines ganzen Tages (24 Stunden) in gerade einer Minute präsentieren.

Das Gegenteil davon, wenn ein Image mit Geschwindigkeiten darüber gewonnen wird, an dem sie, die Wirkung präsentiert werden, ist (Zeitlupe) das Image außerordentlich zu verlangsamen. Wenn ein Kameramann eine Person schießt, die in eine Lache an 96 Rahmen pro Sekunde taucht, und dieses Image an 24 Rahmen pro Sekunde abgespielt wird, wird die Präsentation 4mal so lange nehmen wie das wirkliche Ereignis. Äußerste Zeitlupe, viele tausend von Rahmen gewinnend, kann pro Sekunde Dinge präsentieren, die normalerweise für das menschliche Auge, wie Kugeln im Flug und shockwaves unsichtbar sind, der durch Medien, eine potenziell starke cinematographical Technik reist.

In Filmen ist die Manipulation der Zeit und Raums ein beträchtlicher beitragender Faktor zu den Bericht-Erzählkunst-Werkzeugen. Film editierend spielt eine viel stärkere Rolle in dieser Manipulation, aber die Rahmenrate-Auswahl in der Fotografie der ursprünglichen Handlung ist auch ein beitragender Faktor zur sich verändernden Zeit. Zum Beispiel, die Modernen Zeiten von Charlie Chaplin wurde mit der "stillen Geschwindigkeit" (18 fps) geschossen, aber ist mit der "gesunden Geschwindigkeit" vorgesprungen (24 fps), der die Pritsche-Handlung noch rasender scheinen lässt.

Geschwindigkeit aufrichtend, oder einfach "das Aufrichten", ist ein Prozess, wodurch sich die Festnahme-Rahmenrate der Kamera mit der Zeit ändert. Zum Beispiel, wenn im Laufe 10 Sekunden der Festnahme, die Festnahme-Rahmenrate von 60 Rahmen pro Sekunde zu 24 Rahmen pro Sekunde, wenn abgespielt, an der Standardfilmrate von 24 Rahmen pro Sekunde angepasst wird, wird eine einzigartige Zeitmanipulationswirkung erreicht. Zum Beispiel würde jemand, eine Tür aufstoßend und in die Straße hinausgehend, scheinen, im Zeitlupentempo anzufangen, aber in ein paar Sekunden später innerhalb desselben Schusses würde die Person scheinen, "schritthaltend" (normale Geschwindigkeit) hereinzugehen. Das entgegengesetzte Aufrichten der Geschwindigkeit wird in Der Matrix getan, wenn Neo in die Matrix zum ersten Mal wiedereingeht, um das Orakel zu sehen. Da er aus dem Lager "Lastpunkt" kommt, holt die Kamera zu Neo mit der normalen Geschwindigkeit heran, aber weil es näher am Gesicht von Neo wird, scheint Zeit, sich zu verlangsamen, die Manipulation der Zeit selbst innerhalb der Matrix später im Film ahnen lassend.

Personal

In der hinuntersteigenden Ordnung des höheren Dienstalters wird der folgende Personal beteiligt:

• Der Direktor der Fotografie hat auch Kameramann genannt
• Kameramaschinenbediener hat auch Kameramann genannt
• Die erste Helfer-Kamera hat auch Fokus puller genannt
• Die zweite Helfer-Kamera hat auch Klöppel-Lader genannt

In der Filmindustrie ist der Kameramann für die technischen Aspekte der Images (Beleuchtung, Linse-Wahlen, Zusammensetzung, Aussetzung, Filtrieren, Filmauswahl) verantwortlich, aber arbeitet nah mit dem Direktor, um sicherzustellen, dass die künstlerische Ästhetik die Vision des Direktors der Geschichte unterstützt, die wird erzählt. Die Kameramänner sind die Leiter der Kamera, des Griffs und der sich entzündenden Mannschaft auf einem Satz, und aus diesem Grund werden sie häufig Direktoren der Fotografie oder DPs genannt. In der britischen Tradition, wenn der DOP wirklich die Kamera sich bedient, werden sie den Kameramann genannt. Auf der kleineren Produktion ist es für eine Person üblich, alle diese Funktionen allein durchzuführen. Der berufliche Werdegang schließt gewöhnlich ein, die Leiter von seconding, firsting, schließlich zum Funktionieren der Kamera hinaufkletternd.

Direktoren der Fotografie treffen viele kreative und interpretierende Entscheidungen während des Kurses ihrer Arbeit von der Vorproduktion bis Postproduktion, von denen alle das gesamte Gefühl und den Blick des Films betreffen. Viele dieser Entscheidungen sind dem ähnlich, was ein Fotograf bemerken muss, wenn er ein Bild nimmt: Der Kameramann kontrolliert die Filmwahl selbst (von einer Reihe von verfügbaren Lagern mit unterschiedlichen Empfindlichkeiten, um sich zu entzünden und sich zu färben), die Auswahl an der Linse im Brennpunkt stehende Längen, Öffnungsaussetzung und Fokus. Kinematographie hat jedoch einen zeitlichen Aspekt (sieh Fortsetzung der Vision), verschieden von noch der Fotografie, die rein ein einzelnes stilles Image ist. Es ist auch umfangreicher und anstrengender, um sich mit Filmkameras zu befassen, und es schließt eine kompliziertere Reihe von Wahlen ein. Da solch ein Kameramann häufig kooperativ mit mehr Menschen arbeiten muss, als einen Fotografen tut, der oft als eine einzelne Person fungieren konnte. Infolgedessen schließt der Job des Kameramannes auch Personalmanagement und logistische Organisation ein.

Evolution der Technologie: neue Definitionen

Traditionell hat sich der Begriff "Kinematographie" auf das Arbeiten mit Film-Filmemulsion bezogen, aber es ist jetzt mit der Bildaufzeichnung und dem Digitalvideo wegen der Beliebtheit der Digitalkinematographie größtenteils synonymisch.

Moderne Digitalbildverarbeitung hat es auch möglich gemacht, Bilder davon radikal zu modifizieren, wie sie ursprünglich gewonnen wurden. Das hat neuen Disziplinen erlaubt, in einige der Wahlen vorzudringen, die einmal das exklusive Gebiet des Kameramannes waren.

Siehe auch

• 3. Film
• Kinematographie-Abteilung von WikiBook
• Kameramann
• Spezielle Wirkung
• Oscar für die beste Kinematographie
• Digitalkino
• Erfundener Film
• Aufnahmestab
• Filmherstellung
• Filmtheorie
• Geschichte des Kinos
• Die Liste des Films formatiert
• Liste von Filmtechniken
• Liste von Film-zusammenhängenden Themen (Umfassende alphabetische Auflistung und Wörterverzeichnis).
• Liste von videozusammenhängenden Themen
• Fotografischer Film
• Filme über die Kinematographie:
• Visionen des Lichtes (1993)
• Kameramann-Stil (2006)

Außenverbindungen

• Die Geschichte der Kinematographie an Kodak.
• Cinematography.com Diskussionsforen
• Brandwunden, Paul die Geschichte der Entdeckung der Kinematographie
• Kinematographie-Adressenliste-Seiten, die von E-Mail-Diskussionen zwischen dem DP'S und ihre Mannschaften editiert sind
• JackCabbage: Filmbeleuchtung - Diskussion und ausgewählte Lesungen
• Online-Filmherstellung