Das Leiten ist die Kunst, eine Musikleistung über sichtbare Gesten zu leiten. Die primären Aufgaben des Leiters sind, Darsteller zu vereinigen, das Tempo zu setzen, klare Vorbereitungen durchzuführen, und schlägt, und kritisch zu hören und den Ton des Ensembles zu gestalten. Orchester, Chöre, Konzertbänder und andere Musikensembles haben häufig Leiter.

Nomenklatur

Der Hauptleiter einer Orchester- oder Operngesellschaft wird manchmal einen Musik-Direktor oder Hauptleiter, oder durch die deutschen Wörter Kapellmeister oder Dirigent genannt. Leiter von Chören oder Chören werden manchmal den Chordirektor, Chor-Master oder Chorleiter besonders für mit einem Orchester vereinigte Chöre genannt. Leiter von militärischen Bändern und anderen Bändern können den Titel des Kapellmeisters oder Tambourmajors halten. Auf respektierte ältere Leiter wird manchmal durch das italienische Wort, Maestro verwiesen ("Master" als in "demjenigen, der die Kunst" gemeistert hat).

Geschichte des Leitens

Eine frühe Form des Leitens ist cheironomy, der Gebrauch von Handgesten, um melodische Gestalt anzuzeigen. Das ist mindestens schon zu Lebzeiten von das Mittlere Alter geübt worden. In der christlichen Kirche hat die Person, die diese Symbole gibt, einen Personal gehalten, seine Rolle zu bedeuten, und es scheint, dass weil Musik mehr rhythmisch beteiligt geworden ist, wurde der Personal oben und unten bewegt, um das geschlagene anzuzeigen, als eine frühe Form der Keule handelnd.

Im 17. Jahrhundert sind andere Geräte, um den Zeitlauf anzuzeigen, in Gebrauch eingetreten. Aufgewickelte Platten von Papier, kleineren Stöcken und schmucklosen Händen werden alle in Bildern von dieser Periode gezeigt. Der große Personal war für den Tod von Jean-Baptiste Lully verantwortlich, der seinen Fuß mit demjenigen verletzt hat, während er einen Te Deum für die Wiederherstellung des Königs von Krankheit geführt hat. Die Wunde ist brandig, und trotz der Anstrengungen von Ärzten die Gangrän-Ausbreitung zu seinem Bein geworden, und er ist zwei Monate später gestorben.

In der instrumentalen Musik hat ein Mitglied des Ensembles gewöhnlich als der Leiter gehandelt. Das war manchmal der Hauptgeiger, der seinen Bogen als eine Keule oder einen lutenist verwenden konnte, wer den Hals seines Instrumentes rechtzeitig mit dem geschlagenen bewegen würde. Es war üblich, vom Kielflügel in Stücken zu führen, die einen Generalbass-Teil hatten. In Opernleistungen gab es manchmal zwei Leiter - der Tastatur-Spieler hat für die Sänger die Verantwortung getragen, und der Hauptgeiger hat das Orchester geleitet.

Bis zum Anfang des 19. Jahrhunderts ist es die Norm geworden, um einen hingebungsvollen Leiter zu haben, der kein Instrument während der Leistung auch gespielt hat. Die Größe des üblichen Orchesters hat sich während dieser Periode ausgebreitet, und der Gebrauch einer Keule ist mehr üblich geworden, weil es leichter war zu sehen als bloße Hände oder gerolltes Papier. Unter den frühsten bemerkenswerten Leitern waren Louis Spohr, Carl Maria von Weber, Louis Antoine Jullien und Felix Mendelssohn, von denen alle auch Komponisten waren. Wie man fordert, ist Mendelssohn der erste Leiter gewesen, um eine Holzkeule zu verwerten, um Zeit, eine Praxis noch allgemein im Gebrauch heute zu behalten. Unter prominenten Leitern, die nicht getan haben oder keine Keule verwenden, sind Pierre Boulez, Ferenc Fricsay, Valery Gergiev, Nikolaus Harnoncourt, Kurt Masur, Dimitri Mitropoulos, Yannick Nézet-Séguin, Leopold Stokowski, und manchmal Leonard Bernstein, Eugene Ormandy und Georg Solti.

Die Komponisten Hector Berlioz und Richard Wagner haben Größe als Leiter erreicht, und sie haben zwei der frühsten dem Thema gewidmeten Aufsätze geschrieben. Berlioz wird als der erste Virtuose-Leiter betrachtet. Wagner war dafür größtenteils verantwortlich, die Rolle des Leiters als derjenige zu gestalten, der seine eigene Ansicht von einem Stück auf die Leistung aber nicht diejenige auferlegt, der gerade dafür verantwortlich ist sicherzustellen, dass Einträge rechtzeitig gemacht werden, und dass es einen geschlagenen vereinigten gibt. Vorgänger, die sich darauf konzentriert haben zu führen, schließen François Antoine Habeneck ein, der den Orchestre de la Société des concerts du Conservatoire 1828 gegründet hat, obwohl Berlioz später an den losen Standards von Habeneck der Probe alarmiert werden sollte.

Der ehemalige Meister von Wagner Hans von Bülow (1830-1894) wurde besonders als ein Leiter gefeiert, obwohl er auch seine anfängliche Karriere als ein Pianist, ein Instrument aufrechterhalten hat, auf dem er als unter den größten Darstellern betrachtet wurde (war er ein geschätzter Klavier-Student von Franz Liszt, dessen Tochter Cosima er geheiratet hat - obwohl sie ihn für Wagner verlassen sollte. Liszt war eine Hauptzahl in der Geschichte des Leitens, die bemerkenswerte Leistungen erreicht hat).

Bülow hat die technischen Standards des Leitens zu einem beispiellosen Niveau durch solche Neuerungen als getrennte, ausführliche Proben von verschiedenen Abteilungen des Orchesters ("Schnittprobe") erhoben. In seinen Posten als Kopf (folgend) der bayerischen Staatsoper, des Meiningen Gerichtsorchesters und der Berliner Philharmonie hat er ein Niveau der Nuance gebracht, und die Subtilität zur Orchesterleistung hat vorher nur im Solo das instrumentale Spielen gehört, und hat dabei einen tiefen Eindruck auf jungen Künstlern wie Richard Strauss gemacht, der im Alter von 20 Jahren als sein Helfer und Felix Weingartner gedient hat, der gekommen ist, um seine Interpretationen zu missbilligen, aber durch seine Orchesterstandards tief beeindruckt war.

Die folgende Generation von Leitern hat technische Standards zu neuen Niveaus gebracht; vielleicht am bemerkenswertesten war der Arthur Nikisch ungarischen Ursprungs (1855-1922), wer Bülow als Musik-Direktor der Berliner Philharmonie 1895 nachgefolgt hat. Er hatte vorher als Kopf der Leipziger Oper, des Bostoner Sinfonieorchesters und Leipzigs Gewandhaus Orchester gedient, und sollte als Musik-Direktor des Londoner Sinfonieorchesters dienen. Nikisch premiered wichtige Arbeiten von Anton Bruckner und Pyotr Ilyich Tchaikovsky, der außerordentlich seine Arbeit bewundert hat; Johannes Brahms, nach dem Hören von ihn seine Vierte Symphonie führen, hat gesagt, dass es "ziemlich vorbildlich war, ist es unmöglich, es etwas besser zu hören."

Nikisch hat das Londoner Sinfonieorchester auf der Tour durch die Vereinigten Staaten im April 1912, der ersten amerikanischen Tour durch ein europäisches Orchester genommen. Er hat auch eine der frühsten Aufnahme-Aufnahme einer ganzen Symphonie gemacht: Der Beethoven, der mit der Berliner Philharmonie im November 1913 fünft ist. Nikisch war auch der erste Leiter, um seine Kunst auf dem Film - leider still gewinnen zu lassen. Der Film bestätigt Berichte, dass er besonders mesmerisierenden Gebrauch des Augenkontakts und Ausdrucks gemacht hat, um mit einem Orchester zu kommunizieren; solche späteren Leiter als Fritz Reiner haben festgestellt, dass dieser Aspekt seiner Technik einen starken Einfluss selbstständig hatte.

Leiter der Generationen nach Nikisch haben häufig umfassende registrierte Beweise ihrer Künste verlassen. Zwei besonders einflussreiche und weit registrierte Zahlen werden häufig etwas ungenau als interpretierende Antipoden behandelt. Sie waren der italienische Leiter Arturo Toscanini (1867-1957) und der deutsche Leiter Wilhelm Furtwängler (1886-1954). Toscanini hat in Orchestern unter Giuseppe Verdi gespielt und hat sein Debüt-Leiten Aida 1886 gemacht, in der letzten Minute für im unwohlen Leiter einspringend. Er wird bis jetzt von solchen Behörden wie James Levine als der größte von allen Leitern von Verdi betrachtet. Aber das Repertoire von Toscanini war breit, und es war in seinen Interpretationen des deutschen symphonists Beethovens und Brahms, dass er besonders berühmt und einflussreich war, strengere und schnellere Tempos bevorzugend, als ein Leiter wie Bülow oder, vor ihm, Wagner. Und doch, sein Stil zeigt mehr Beugung, als sein Ruf andeuten kann, und er am enthüllenden Detail und Veranlassen von Orchester besonders begabt war, auf eine Singen-Weise zu spielen.

Furtwängler, den viele als der größte Dolmetscher von Wagner betrachten (obwohl Toscanini auch in diesem Komponisten bewundert wurde) und Bruckner, hat Beethoven und Brahms mit ziemlich viel Beugung des Tempos - aber allgemein gewissermaßen geführt, der die Struktur und Richtung der Musik besonders klar offenbart hat. Er war ein vollendeter Komponist sowie Darsteller und ein Apostel des Theoretikers Heinrich Schenker, der Sorge betont hat, um harmonischen Langstreckenspannungen und Entschlossenheiten in einem Stück, einer Kraft des Leitens von Furtwängler zu unterliegen. Zusammen mit seinem Interesse am in großem Umfang hat Furtwängler auch die Details des Stückes auf eine besonders zwingende und ausdrucksvolle Weise gestaltet.

Die zwei Männer hatten sehr verschiedene Techniken: Toscanini war Italianate, mit einer langen, großen Keule und klar schlägt (häufig das nicht Verwenden seiner linken Hand); Furtwängler schlagen mit der weniger offenbaren Präzision Takt, weil er einen mehr rund gemachten Ton gewollt hat (obwohl es ein Mythos ist, dass seine Technik vage war; viele Musiker haben beglaubigt, dass er leicht war, auf seine eigene Weise zu folgen). Auf jeden Fall illustrieren ihre Beispiele einen größeren Punkt über das Leiten der Technik in der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts: Es wurde nicht standardisiert. Große und einflussreiche Leiter der Mitte des 20. Jahrhunderts wie Leopold Stokowski (1882-1977), Otto Klemperer (1885-1973), Herbert von Karajan (1908-1989) und Leonard Bernstein (1918-1990) - beiläufig, der erste amerikanische Leiter, um Größe und internationale Berühmtheit zu erreichen - hatten Techniken weit geändert.

Karajan und Bernstein haben einen anderen offenbaren Antipoden in den 80er Jahren der 1960er Jahre, Karajan als Musik-Direktor der Berliner Philharmonie (1955-89) und Bernstein als, für einen Teil dieser Periode, Musik-Direktor der New Yorker Philharmonie (1957-69), und später häufigen Gast-Leiter in Europa gebildet. Die Technik von Karajan wurde hoch kontrolliert, und schließlich hat er mit seinen häufig geschlossenen Augen geführt; die Technik von Bernstein, war mit hoch ausdrucksvollen Gesichtsgesten und Hand- und Körperbewegungen überzeugend. Karajan konnte seit Stunden führen, ohne seine Füße zu bewegen, während, wie man bekannt, Bernstein zuweilen in die Luft an einem großen Höhepunkt gesprungen ist. Als der Musik-Direktor der Berliner Philharmonie hat Karajan warme, vermischte Schönheit des Tons kultiviert, der manchmal, wie zu gleichförmig angewandt, kritisiert worden ist; im Vergleich, im einzigen Äußeren von Bernstein mit der Berliner Philharmonie 1979 - in der Symphonie von Mahler Nein. 9 (Mahler) - er hat versucht zu veranlassen, dass das Orchester einen "hässlichen" Ton in einem bestimmten Durchgang erzeugt hat, in dem er geglaubt hat, dass es der ausdrucksvollen Bedeutung der Musik angepasst hat (der erste Hornspieler hat abgelehnt, und ist schließlich bereit gewesen, eine Doppelbesetzung statt sich spielen zu lassen). Sowohl Karajan als auch Bernstein haben umfassenden Gebrauch von Fortschritten in Medien gemacht, um ihre Kunst, aber auf tellingly verschiedene Weisen zu befördern. Bernstein hat Hauptvorzugstarifzeit nationale Fernsehreihe veranstaltet, um zu erziehen und Kinder und das Publikum auf freiem Fuß über die klassische Musik hinauszureichen; Karajan hat eine Reihe von Filmen spät in seinem Leben gemacht, aber in ihnen hat er nicht gesprochen. Beide gemachten zahlreichen Aufnahmen, aber ihre Einstellungen zur Aufnahme haben sich unterschieden: Karajan hat oft neue Studio-Aufnahmen gemacht, um Fortschritte in der Aufnahme der Technik auszunutzen, die ihn fasziniert hat - hat er eine Rolle im Setzen der Spezifizierungen der CD gespielt - aber Bernstein ist in seinen New postyorker Tagen gekommen (um größtenteils) auf lebenden Konzertaufnahmen zu beharren, glaubend, dass Musik-Bilden in einem Studio ohne ein Publikum nicht lebendig geworden ist.

Im letzten Drittel des 20. Jahrhunderts, Technik - besonders mit der rechten Hand und der Keule führend - ist zunehmend standardisiert geworden. Leiter wie Willem Mengelberg in Amsterdam bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs hatten umfassende Probe-Zeit gehabt, um Orchester sehr genau zu formen, und konnten so idiosynkratische Techniken haben; moderne Leiter, die weniger Zeit mit jedem gegebenen Orchester verbringen, müssen Ergebnisse mit viel weniger Probe bekommen. Eine mehr standardisierte Technik erlaubt Kommunikation, viel schneller zu sein. Dennoch zeigen die Techniken von Leitern noch sehr viel Vielfalt, besonders mit dem Gebrauch der linken Hand, der Gesichtsbehandlung und des Augenausdrucks und der Körpersprache.

Im Laufe des 20. Jahrhunderts waren die Reihen von Hauptleitern überwältigend weiß, männlich und europäisch; aber das Eintreten ins 21. Jahrhundert, das sich und Leiter ändert, kommt aus immer verschiedeneren Hintergründen. Frauen waren fast von in den Reihen unerhört, Orchesterleiter während der meisten 19. und 20. Jahrhunderte zu führen - es gibt bemerkenswerte und ernüchternde Rechnungen von Orchestern, die sich weigern, um sie zu spielen - aber heute haben Künstler wie Marin Alsop und Simone Young die Geschlechtbarriere zum Punkt entscheidend gebrochen, dass Geschlechtneutralität im Feld denkbar ist und Musiker zunehmend Geschlecht als ein Nichtproblem betrachten. Alsop wurde zu Musik-Direktor des Baltimorer Sinfonieorchesters 2007 ernannt - die erste Frau, die jemals ernannt ist, ein Haupt-US-Orchester - und auch Orquestra Sinfônica anzuführen, tut Estado de São Paulo 2012. Young hat ähnlichen firsts eingekerbt, als sie Leiter der Oper der Freien und Hansestadt Hamburg] und das Philharmoniker Hamburg 2005 geworden ist; sie ist auch der erste Frau-Leiter, um den Ringzyklus von Richard Wagner zu registrieren. Und während Mexiko mehrere internationale Hauptleiter erzeugt hat, ist Alondra de la Parra die erste Frau mexikanischen Ursprungs geworden, um Unterscheidung im Beruf zu erreichen. Ähnlich ist asiatischer Ursprung unbeachtlich wegen der internationalen Erfolge von Leitern vom Fernen Osten wie Seiji Ozawa geworden, der der Bostoner Sinfonieorchester-Musik-Direktor von 1973 bis 2002 nach dem Halten ähnlicher Posten in San Francisco und Toronto, und Myung-Whun Chungs war, der Hauptposten in Deutschland und Frankreich gehalten hat und jetzt das Seouler Philharmonie-Orchester zur internationalen Aufmerksamkeit bringt. Es gibt noch einen bedauerlichen unter der Darstellung Künstler des Afrikaners, des Afroamerikaners oder der afrikanisch-europäischen Ursprünge im Leiten-Beruf, aber es hat bemerkenswerte Ausnahmen, wie Henry Lewis, Dean Dixon, James DePreist, Paul Freeman und Michael Morgan gegeben. Sogar mit der letzten anerkannten Sorge können wir noch annehmen, dass die Hauptleiter des nächsten Jahrhunderts die Bevölkerung in der Welt viel demografischer vertretend sind, als für das Feld vorher typisch gewesen ist.

Technik

Das Leiten ist ein Mittel, künstlerische Richtungen Darstellern während einer Leistung mitzuteilen. Obwohl es viele formelle Regeln darauf gibt, wie man richtig führt, sind andere subjektiv, und ein großes Angebot an verschiedenen Leiten-Stilen bestehen abhängig von Ausbildung und Kultiviertheit des Leiters. Die primären Verantwortungen des Leiters sind, Darsteller zu vereinigen, das Tempo zu setzen, klare Vorbereitungen durchzuführen, und schlägt, hören Sie kritisch und gestalten Sie den Ton des Ensembles, und die Interpretation und das Schreiten der Musik zu kontrollieren. Kommunikation ist während einer Leistung jedoch in der Probe ohne Worte, die häufige Unterbrechungen Richtungen betreffs erlauben, wie die Musik gespielt werden sollte.

Das Leiten verlangt ein Verstehen der Elemente des Musikausdrucks (Tempo, Dynamik, Aussprache) und die Fähigkeit, ihnen effektiv einem Ensemble mitzuteilen. Die Fähigkeit, Nuancen der Phrasierung und des Ausdrucks durch Gesten mitzuteilen, ist auch vorteilhaft. Führende Gesten sind vorzugsweise im Voraus vom Leiter bereit, während man die Kerbe studiert, aber können manchmal unwillkürlich sein.

Eine Unterscheidung wird manchmal zwischen Orchesterleiten und Chorleiten gemacht. Gewöhnlich verwenden Orchesterleiter eine Keule öfter als Chorleiter. Der Griff der Keule ändert sich vom Leiter dem Leiter.

Geschlagen und Tempo

Die geschlagene von der Musik wird normalerweise mit der rechten Hand des Leiters, mit oder ohne eine Keule angezeigt. Die Hand verfolgt eine Gestalt in der Luft in jeder Bar (Maß) abhängig von der Taktart, anzeigend, dass jeder mit einer Änderung von nach unten bis nach oben gerichtete Bewegung geschlagen hat. Die Images zeigen die allgemeinsten geschlagenen Muster, wie gesehen, aus dem Gesichtspunkt des Leiters.

Das pessimistische zeigt das erste an, das der Bar geschlagen ist, und das fröhliche zeigt das der Bar geschlagene letzte an. Der Moment, in dem das geschlagene vorkommt, wird genannt (Mehrzahl-: Oder ictuses), und wird gewöhnlich durch einen plötzlichen (obwohl nicht notwendigerweise groß) Klick des Handgelenkes oder der Änderung in der Keule-Richtung angezeigt. In einigen Beispielen wird "ictus" auch verwendet, um sich auf eine Horizontalebene zu beziehen, in der alle ictuses wie die Spitze eines Musik-Standplatzes physisch gelegen werden, wo eine Keule an jedem ictus geklopft wird. Die Geste, die bis zum ictus führt, wird die "Vorbereitung" genannt, und der dauernde Fluss von unveränderlichen schlägt wird "" (das deutsche Wort für die Bar oder das Maß) genannt.

Wenn das Tempo langsam ist oder das Verlangsamen, oder wenn die Taktart zusammengesetzt ist, wird ein Leiter manchmal "Unterteilungen" des Schlagens anzeigen. Der Leiter kann das tun, indem er eine kleinere Bewegung in derselben Richtung wie die Bewegung für das geschlagene hinzufügt, dem es gehört.

Änderungen zum Tempo werden durch das Ändern der Geschwindigkeit des geschlagenen angezeigt. Um auszuführen und einen rallentando zu kontrollieren, kann ein Leiter geschlagene Unterteilungen einführen.

Während einige Leiter beide Hände verwenden, um anzuzeigen, dass das geschlagene, mit der linken Hand, die die richtige, formelle Ausbildung widerspiegelt, solch eine Annäherung entmutigt. Der Sekundenzeiger wird deshalb verwendet, für den Eingängen von individuellen Spielern oder Abteilungen das Stichwort zu geben, und Anzeigen von Dynamik, Phrasierung, Ausdruck und anderen Elementen zu helfen.

Dynamik

Triebkräfte werden auf verschiedene Weisen angezeigt. Das dynamische kann durch die Größe der Leiten-Bewegungen, größere Gestalten mitgeteilt werden, die lautere Töne vertreten. Änderungen im dynamischen kann mit der Hand Zeichen gegeben werden, die nicht verwendet wird, um das geschlagene anzuzeigen: Eine nach oben gerichtete Bewegung (gewöhnlich Palme) zeigt crescendo an; eine Bewegung nach unten (gewöhnlich Palme unten) zeigt ein Diminuendo an. Das Ändern der Größe, Bewegungen zu führen, läuft oft auf Änderungen im Charakter der Musik abhängig von Verhältnissen hinaus.

Dynamik kann mit verschiedenen Gesten fein abgestimmt werden: Vertretung von jemandes Palme den Darstellern oder der Neigung weg von ihnen kann eine Abnahme im Volumen demonstrieren. Um das gesamte Gleichgewicht der verschiedenen Instrumente oder Stimmen anzupassen, können diese Signale verbunden oder zu einer besonderen Abteilung oder Darsteller geleitet werden.

Stichwortgebung

Die Anzeige von Einträgen, wenn ein Darsteller oder Abteilung beginnen sollten (vielleicht nach einem langen Zeitraum des Schweigens) zu spielen, wird genannt "das Stichwort gebend". Ein Stichwort muss mit der Gewissheit den genauen Moment der Ankunft ictus voraussagen, so dass alle Spieler oder durch das Stichwort betroffene Sänger beginnen können, gleichzeitig zu spielen. Stichwortgebung wird durch das Engagieren der Spieler erreicht, bevor ihr Zugang und die Durchführung einer klaren Vorbereitung, häufig zu den spezifischen Spielern befohlen haben. Eine Einatmung, die kann oder kein halbhörbarer "Atemzug" vom Leiter sein kann, ist ein allgemeines Element in der Stichwortgebungstechnik von vielen Leitern. Bloßer Augenkontakt oder ein Blick in der allgemeinen Richtung der Spieler können in vielen Beispielen, als genügend sein, wenn mehr als eine Abteilung des Ensembles zur gleichen Zeit hereingeht. Größere Musikereignisse können bevollmächtigen, dass der Gebrauch eines größeren oder mehr emphatischen Stichwortes vorgehabt hat, Gefühl und Energie zu fördern.

Andere Musikelemente

Aussprache kann durch den Charakter des ictus, im Intervall vom kurzen und scharfen für stakkato, zum langen und der Flüssigkeit für legato angezeigt werden. Viele Leiter ändern die Spannung der Hände: Gespannte Muskeln und starre Bewegungen können marcato entsprechen, während entspannte Hände und weiche Bewegungen legato oder espressivo entsprechen können.

Phrasierung kann durch breite Oberkreisbogen oder durch eine glatte Handbewegung entweder vorwärts oder Seite-zu-Seite angezeigt werden. Ein gehaltenes Zeichen wird häufig durch eine Hand gehalten an Wohnung mit der Palme angezeigt. Das Ende eines Zeichens, genannt eine "Abkürzung" oder "Ausgabe", kann durch eine kreisförmige Bewegung, das Schließen der Palme oder das Klemmen des Fingers und Daumens angezeigt werden. Einer Ausgabe wird gewöhnlich durch eine Vorbereitung vorangegangen und mit einer ganzen Stille geschlossen.

Leiter haben zum Ziel, Augenkontakt mit dem Ensemble so viel wie möglich, ermutigender Augenkontakt dafür und Erhöhung des Dialogs zwischen Spielern/Sängern und Leiter aufrechtzuerhalten. Gesichtsausdrücke können auch wichtig sein, um den Charakter der Musik zu demonstrieren oder die Spieler zu ermutigen.

Siehe auch

• Orchester von Conductorless
• Maestro
• Larry G. Curtis und David L. Kuehn, Ein Handbuch zum Erfolgreichen Instrumentalen Leiten, McGraw-Hügel, 1992. Internationale Standardbuchnummer 978-0697126948
• Michel Faul, Louis Jullien: musique, Schauspiel et folie au XIXe siècle, Atlantica 2006. Internationale Standardbuchnummer 9782351650387.
• Norman Lebrecht, Das Maestro-Mythos: Große Leiter in der Verfolgung der Macht, 2. revidierten und aktualisierten Ausgabe, Zitadelle-Presse 2001
• Brock McElheran, Technik für Anfänger und Fachleuten", Presse der Universität Oxford, die USA 1989 Führend. Internationale Standardbuchnummer 978-0193858305
• Ilya Musin, Die Technik, , Muzyka Verlagshaus, Moskau, 1967 Zu führen
• Ennio Nicotra, Einführung in die Orchesterleiten-Technik in Übereinstimmung mit der Orchesterleiten-Schule von Ilya Musin book+DVD; englischer, deutscher, italienischer, spanischer Text (Edizioni Curci Mailand, Italien 2007)
• Frederik Prausnitz, Kerbe und Bühne, W. W. Norton, 1983. Internationale Standardbuchnummer 978-0393951547
• Max Rudolf, Die Grammatik des Leitens, Macmillan die USA, 2. Hrsg. 1981. Internationale Standardbuchnummer: 978-0028722207

Referenzen

Weiterführende Literatur

• Elliott W. Galkin, Eine Geschichte des Orchesterleitens in der Theorie und der Praxis, der Pendragon Presse (New York, New York), 1988. Internationale Standardbuchnummer 978-0918728470

Außenverbindungen

• Gesellschaft von Ilya Musin
• Wie man Musik Führt: Eine Zündvorrichtung Für Anfänger durch Dan Leeman, am 4. Mai 2011
• Was man denkt, wenn Sie durch Lee Humphries führen
• Das Lernen zum Anblick - singt: Die geistige Mechanik von Ohrenbildern durch Lee Humphries
• Beruf: Leiter, australischer Leiter Benjamin Northey auf der Erfahrung des Leitens, am 29. Mai 2007
• Chortechnik und Interpretation durch Henry Coward, H. W. Gray, 1914
• Das Video der New York Times, einschließlich der Bewegungsfestnahme von Alan Gilbert, wie er demonstriert und die Rolle eines Leiters bespricht, das Märchen des Soldaten von Stravinsky probend.