Musik-Theorie ist die Studie dessen, wie Musik arbeitet. Es untersucht die Sprache und Notation der Musik. Es bemüht sich, Muster und Strukturen in den Techniken von Komponisten über oder innerhalb von Genres, Stilen, oder historische Perioden zu identifizieren. In einem großartigen Sinn destilliert Musik-Theorie und analysiert die grundsätzlichen Rahmen oder Elemente der Musik — Rhythmus, Harmonie (harmonische Funktion), Melodie, Struktur, Form, Textur usw. Weit gehend kann Musik-Theorie jede Behauptung, Glauben oder Vorstellung oder über die Musik einschließen. Eine Person, die diese Eigenschaften studiert, ist als ein Musik-Theoretiker bekannt. Einige haben Akustik, menschliche Physiologie und Psychologie zur Erklärung dessen angewandt, wie, und warum Musik wahrgenommen wird.

Grundlagen der Musik

Musik hat viele verschiedene Grundlagen oder Elemente. Diese schließen ein, aber werden nicht beschränkt auf: Wurf, geschlagen oder Puls, Rhythmus, Melodie, Harmonie, Textur, Zuteilung von Stimmen, Timbre oder Farbe, ausdrucksvolle Qualitäten (Dynamik und Aussprache), und Form oder Struktur. Zusätzlich zu diesen "Grundlagen" gibt es andere wichtige Konzepte, die in der Musik sowohl in West-als auch Nichtwestkulturen einschließlich "Skalen und/oder Weisen" und "Gleichklangs gegen die Dissonanz verwendet sind."

Wurf

Wurf ist eine subjektive Sensation, allgemein die Tiefe (langsamere Welle-Frequenz) oder Höhe (schnellere Welle-Frequenz) von einem Ton widerspiegelnd. Die meisten Menschen scheinen, Verhältniswurf zu besitzen, was bedeutet, dass sie jedes Zeichen hinsichtlich etwas Bezugswurfs, oder als ein Zwischenraum vom vorherigen Wurf wahrnehmen. Bedeutsam demonstrieren weniger Menschen absoluten Wurf (oder absolutes Gehör), die Fähigkeit, bestimmte Würfe ohne Vergleich zu einem anderen Wurf zu identifizieren. Die menschliche Wahrnehmung des Wurfs kann umfassend zum Narren gehalten werden, um Gehörtrugbilder zu schaffen. Trotz dieser perceptual Kuriositäten wird wahrgenommener Wurf fast immer mit der grundsätzlichen Frequenz eines Zeichens mit einer kleineren Verbindung nah verbunden, um Druck-Niveau erklingen zu lassen, harmonischer Inhalt (Kompliziertheit) des Tons, und zur sofort vorhergehenden Geschichte von Zeichen hat gehört. Im Allgemeinen, je höher die Frequenz des Vibrierens, desto höher der wahrgenommene Wurf ist, und die Frequenz, tiefer der Wurf senkt. Jedoch, sogar für Töne der gleichen Intensität, hat Wurf wahrgenommen und hat gemessen Frequenz stehen in einer einfachen geradlinigen Beziehung nicht.

An und unter ungefähr 1,000 Hz wird die wahrgenommene Lautheit eines Tons niedriger, als gesunde Frequenz abnimmt, aber über etwa 2,000 Hz die wahrgenommenen Lautheitszunahmen weil wird die Frequenz des Tons höher. Das ist wegen der natürlichen Empfindlichkeit des Ohrs zu höher dem aufgestellten Ton, sowie der besonderen Empfindlichkeit des Ohrs, um um das 2000-4000-Hz-Gebiet, die Frequenzreihe zu klingen, die der grösste Teil der menschlichen Stimme besetzt.

In der Westmusik hat es lange mehrere konkurrierende Wurf-Standarddefinieren-Stimmsysteme gegeben. Meiste haben einen besonderen Schlüssel klangvoll mit immer entfernteren immer problematischeren gemacht; das zu Grunde liegende Problem ist mit der Physik von Vibrationen verbunden.

Außerdem hat sich das Befestigen von Zeichen zu Standardfrequenzen (erforderlich für Instrument-Schöpfer) ebenso geändert. "Konzert" wurde an 435 Hz durch Frankreich 1859 gesetzt, während in England, Einen verschiedenen zwischen 439 und 452 Hz vereinbaren Sie. Eine Frequenz von 440 Hz wurde als der Standard 1939 empfohlen, und 1955 hat die Internationale Organisation für die Standardisierung die Wahl versichert. A440 ist jetzt weit, obwohl nicht exklusiv, verwendet als Eine obengenannte Mitte C.

Der Unterschied in der Frequenz zwischen zwei Würfen wird einen Zwischenraum genannt. Der grundlegendste Zwischenraum ist der Einklang, der einfach zwei desselben Wurfs ist, der von der ein bisschen komplizierteren Oktave gefolgt ist, die entweder eine Verdoppelung oder das Halbieren der grundsätzlichen Frequenz anzeigt.

Skalen und Weisen

Zeichen können in verschiedene Skalen und Weisen eingeordnet werden. Westmusik-Theorie teilt allgemein die Oktave in eine Reihe von 12 Zeichen, die in ein Musikstück eingeschlossen werden könnten. Diese Reihe von zwölf Zeichen wird eine chromatische Skala genannt. In der chromatischen Skala wird der Zwischenraum zwischen angrenzenden Zeichen einen Halbschritt oder Halbton genannt. Muster der Hälfte und ganzen Schritte (2 Halbtöne oder ein Ton) können eine Skala in dieser Oktave zusammensetzen. Die meistens gestoßenen Skalen sind die sieben abgetönt größer, der harmonische Minderjährige, der melodische Minderjährige, und der natürliche Minderjährige. Andere Beispiele von Skalen sind die Octatonic-Skala und die pentatonische oder fünf abgetönte Skala, die darin üblich, aber auf die Volksmusik nicht beschränkt ist. Es gibt Skalen, die dem chromatischen 12-Zeichen-Muster, zum Beispiel im klassischen Osmanen, persischer, arabischer und Indianermusik nicht folgen. Arabische und persische klassische Traditionen machen häufig von Viertel-Tönen, Hälfte der Größe eines Halbtons Gebrauch, wie der Name darauf hinweist.

In der Musik das schriftliche Verwenden des Systems der hauptgeringen Klangfarbe bestimmt der Schlüssel eines Stückes die verwendete Skala. (Eine Weise zu zeigen, wie sich verschiedene Schlüssel auf einander beziehen, kann im Kreis von Fünfteln gesehen werden.) Das Umstellen eines Stückes vom C Major dem D Major wird alle Zeichen zwei Halbtöne (oder ein voller Schritt) höher machen. Sogar im modernen gleichen Temperament, den Schlüssel ändernd, kann das Gefühl eines Musikstücks ändern, weil es die Beziehung der Würfe der Zusammensetzung zur Wurf-Reihe der Instrumente ändert, die das Stück spielen. Das betrifft häufig das Timbre der Musik, sowie technische Implikationen für die Darsteller zu haben. Jedoch ein Stück in einem Schlüssel durchführend, aber nicht kann ein anderer unerkannt durch den zufälligen Zuhörer gehen, seit dem Ändern des Schlüssels ändert die Beziehung der individuellen Würfe zu einander nicht.

Gleichklang und Dissonanz

Gleichklang kann als Harmonien grob definiert werden, deren Ton-Ergänzung und jede Klangfülle der anderen und Dissonanz als diejenigen vergrößern, die kompliziertere akustische Wechselwirkungen schaffen (genannt, 'schlägt'). Ein vereinfachtes Beispiel ist das von "angenehmen" Tönen gegen "unangenehme". Eine andere Weise, an die Beziehung zu denken, betrachtet Stabilität; wie man manchmal betrachtet, sind dissonante Harmonien nicht stabil und wollen sich" oder "Entschlossenheit" zum Gleichklang "bewegen. Jedoch ist das nicht zu sagen, dass Dissonanz unerwünscht ist. Eine Zusammensetzung gemacht völlig aus konsonanten Harmonien kann zum Ohr angenehm und noch langweilig sein, weil es keine aufzulösenden Instabilitäten gibt.

Melodie wird häufig organisiert, um mit sich ändernden Harmonien aufeinander zu wirken (manchmal hat einen Akkord-Fortschritt genannt), die sie begleiten, Gleichklang und Dissonanz aufstellend. Die Kunst des Melodie-Schreibens hängt schwer nach den Wahlen von Tönen für ihren nichtharmonischen oder harmonischen Charakter ab.

Rhythmus

Rhythmus ist die Einordnung von Tönen und bringt rechtzeitig zum Schweigen. Meter belebt Zeit mit regelmäßigen Pulsgruppierungen, genannt Maßnahmen oder Bars. Taktart- oder Meter-Unterschrift gibt an, wie vieler schlägt, sind in einem Maß, und welcher Wert des schriftlichen Zeichens aufgezählt und als eine geschlagene Single gefühlt wird. Durch vergrößerte Betonung und Angriff (und feine Schwankungen in der Dauer) können besondere Töne akzentuiert werden. Es gibt Vereinbarung in den meisten Musiktraditionen für eine regelmäßige und hierarchische Betonung dessen schlägt, um den Meter zu verstärken. Synkopierte Rhythmen sind Rhythmen dass Akzent unerwartete Teile des geschlagenen. Das Spielen gleichzeitiger Rhythmen in mehr als einer Taktart wird Polymeter genannt. Siehe auch Polyrhythmus.

In den letzten Jahren sind Rhythmus und Meter ein wichtiges Gebiet der Forschung unter Musik-Gelehrten geworden. Die neue Arbeit in diesen Gebieten schließt Bücher von Bengt-Olov Palmqvist, Fred Lerdahl und Ray Jackendoff und Jonathan Kramer ein.

Akkord

Melodie

Eine Melodie ist eine Reihe von Tönen, die in der Folge klingen. Die Töne einer Melodie werden normalerweise in Bezug auf Wurf-Systeme wie Skalen oder Weisen geschaffen. Der Rhythmus einer Melodie basiert häufig auf der Tongebung der Sprache, den physischen Rhythmen des Tanzes oder dem einfach periodischen Herzschlag. Melodie wird normalerweise in Ausdrücke innerhalb einer größeren sich überwölbenden Struktur geteilt. Die Elemente einer Melodie sind Wurf, Dauer, Dynamik und Timbre.

Harmonie

Harmonie ist die Studie von vertikalen Klängen in der Musik. Vertikaler Klang bezieht sich auf das Betrachten der Beziehungen zwischen Würfen, die zusammen vorkommen; gewöhnlich bedeutet das zur gleichen Zeit, obwohl Harmonie auch durch eine Melodie einbezogen werden kann, die eine harmonische Struktur entwirft.

Die Beziehung zwischen zwei Würfen wird einen Zwischenraum genannt. Eine größere Struktur, die mehr als zwei Würfe einschließt, wird einen Akkord genannt. In der üblichen Praxis und volkstümlichen Musik sind Harmonien allgemein tertian. Das bedeutet, dass, dessen Zwischenraum die Akkorde zusammengesetzt werden, ein Drittel ist. Deshalb besteht eine Wurzelpositionstriade (mit dem Wurzelzeichen in der niedrigsten Stimme) aus dem Wurzelzeichen, ein Zeichen ein Drittel oben und ein Zeichen ein Drittel darüber (ein fünfter über der Wurzel). Die siebenten Akkorde fügen ein Drittel über dem Spitzenzeichen einer Triade (ein siebenter über der Wurzel) hinzu. Es gibt einige bemerkenswerte Ausnahmen. Im 20. Jahrhundert klassische Musik, viele alternative Typen der harmonischen Struktur wurden erforscht. Eine Weise, Harmonie in der Musik der üblichen Praxis zu analysieren, ist durch ein System der Römischen Ziffer; in der volkstümlichen Musik und dem Jazz wird ein System von Akkord-Symbolen verwendet; und in der Posttonmusik wird eine Vielfalt von Annäherungen, am häufigsten Mengenlehre verwendet.

Die Wahrnehmung des Wurfs innerhalb der Harmonie hängt von mehreren Faktoren einschließlich der Wechselwirkung von Frequenzen innerhalb der Harmonie und der durch das schnelle Schlagen von nahe gelegenem partials erzeugten Rauheit ab. Wurf-Wahrnehmung wird auch durch die Vertrautheit des Zuhörers mit der Musik und kulturellen Vereinigungen betroffen.

"Harmonie", wie verwendet, durch Musik-Theoretiker kann sich auf jede Art der Gleichzeitigkeit ohne ein Werturteil, im Vergleich mit einem allgemeineren Gebrauch "in der Harmonie" oder "harmonisch" beziehen, der auf der Fachsprache als Gleichklang beschrieben werden könnte.

Monofalsch ist die Textur einer Melodie gehört nur allein. Wenn eine Melodie durch Akkorde begleitet wird, ist die Textur homophony. In homophony ist die Melodie gewöhnlich, aber nicht immer geäußert in den höchsten Zeichen. Eine dritte Textur, genannt Polyfonie, besteht aus mehreren gleichzeitigen Melodien der gleichen Wichtigkeit.

Textur

Musiktextur ist der gesamte Ton eines Musikstücks, das allgemein gemäß der Zahl und Beziehung zwischen Teilen oder Linien der Musik beschrieben ist: monofalsch, heterophony, Polyfonie, homophony, oder monody. Die wahrgenommene Textur eines Stückes kann auch durch das Timbre der Instrumente, die Zahl von Instrumenten verwendet, und die Entfernung zwischen jeder Musiklinie unter anderem betroffen werden.

Timbre

Timbre, manchmal genannt "Farbe", oder "Ton-Farbe" ist die Qualität oder der Ton einer Stimme oder Instrumentes. Die Qualität des Timbres ändert sich weit vom Instrument bis Instrument, oder von der Stimme bis Stimme. Das Timbre von einigen Instrumenten kann durch die Verwendung bestimmter Techniken geändert werden, während man spielt. Zum Beispiel ändert sich das Timbre einer Trompete, wenn ein Stumme in die Glocke eingefügt wird, oder eine Stimme sein Timbre ändern kann, in der Weise ein Darsteller den stimmlichen Apparat, (z.B die Stimmbänder, der Mund und das Diaphragma) manipuliert. Allgemein gibt es keine allgemeine Musiknotation, die spezifisch mit einer Änderung im Timbre, spricht (wie "pianissimo" "sehr weich" zur Abwechselung in der Dynamik anzeigen würde).

Ausdrucksvolle Qualitäten

Ausdrucksvolle Qualitäten sind jene Elemente in der Musik, die Änderung in der Musik schaffen, die mit dem Wurf, Rhythmus oder Timbre nicht verbunden sind. Sie schließen Dynamik und Aussprache ein.

Dynamik

In der Musik bezieht sich der Begriff "Dynamik" normalerweise auf die Weichheit oder Lautheit eines Tons oder Zeichens: z.B pianissimo oder fortissimo. Bis neulich wurden die meisten Triebkräfte in der schriftlichen Form so in Italienisch getan, aber werden manchmal kürzlich geschrieben oder ins Englisch übersetzt. Eine andere Bedeutung des Wortes bezieht sich auf jeden Aspekt der Ausführung von Ereignissen in einem gegebenen Stück; irgendein stilistisch (stakkato, legato usw.) oder funktionell (Geschwindigkeit) ist auch bekannt als Dynamik. Der Begriff wird auch auf das schriftliche angewandt oder hat gedruckt Musiknotation hat gepflegt, Dynamik anzuzeigen.

Aussprache

Aussprache ist die Weise, auf die der Darsteller ihre Technik anwendet, um die Töne oder Zeichen zum Beispiel, stakkato oder legato durchzuführen. Aussprache wird häufig beschrieben aber nicht gemessen, deshalb gibt es Zimmer, um zu dolmetschen, wie man genau jede Aussprache durchführt. Zum Beispiel, wird stakkato häufig "getrennt" oder "distanziert" genannt, anstatt einen definierten oder numerierten Betrag zu haben, durch den die Trennung oder der Abstand stattfinden sollen. Häufig wird die Weise, auf die sich ein Darsteller dafür entscheidet, eine gegebene Aussprache durchzuführen, so durch den Zusammenhang des Stückes oder Ausdrucks getan. Außerdem werden der Typ oder Stil der Aussprache vom Instrument und Musikperiode, z.B die klassische Periode abhängen, aber es gibt einen allgemein anerkannten Satz von Aussprachen, die die meisten alle Instrumente (und Stimmen) gemeinsam haben. Sie, sind in der Größenordnung von lange zum kurzen: legato ("glatt, verbunden"); tenuto ("gedrückt", "verlängert, aber hat sich" gelöst); marcato (schwer akzentuiert und hat sich gelöst); stakkato ("getrennt", "losgemacht"); "martelé" (oder "Dach-Akzent" oder "Tipi-Akzent") für seine schriftliche Gestalt (kurz und hart). Einige von diesen kann verbunden werden, um bestimmte "Zwischen"-Aussprachen zu schaffen. Zum Beispiel ist portato die Kombination von tenuto und stakkato. Einige Instrumente haben einzigartige Methoden, durch die man Töne wie spicatto für Schnuren erzeugt, wo der Bogen von der Schnur springt.

Form oder Struktur

Form ist eine Seite der Musik-Theorie, die das Konzept der Musiksyntax auf einem lokalen und globalen Niveau erforscht. Die Syntax wird häufig in Bezug auf Ausdrücke und Perioden (für das lokale Niveau) oder Abteilungen oder Genre (für die globale Skala) erklärt. Beispiele von Standardformen der Westmusik schließen die Fuge, die Erfindung, die Sonate allegro, den Kanon, strophic, das Thema und die Schwankungen und das Rondo ein. Volkstümliche Musik macht häufig von der Strophic-Form oft in Verbindung mit Zwölf Bar-Niedergeschlagenheit Gebrauch.

Theorien der Harmonisierung

Das vierstimmige Schreiben

Das vierstimmige Choral-Schreiben wird verwendet, um die grundlegende Vereinbarung der "Periode-Musik der Üblichen Praxis", der Zeitabschnitt von ungefähr 1650 bis 1900 zu unterrichten und zu analysieren. In der deutschen als funktionelle Harmonie gekennzeichneten Musikwissenschaft-Tradition. Die vierstimmigen zu liturgischen Zwecken geschriebenen Choräle von Johann Sebastian Bach dienen als ein Modell für Studenten. Diese Choräle stellen eine Fusion des geradlinigen und vertikalen Denkens aus. In der Analyse werden die harmonische Funktion und der Rhythmus sowie die Gestalt und Implikationen von jeder der vier Linien analysiert. Studenten werden dann beauftragt, Choräle, häufig mit gegeben Melodien zusammenzusetzen (weil Bach getan hätte), über eine gegebene Basslinie, oder innerhalb eines Akkord-Fortschritts im Anschluss an Regeln der Stimmenführung zu dichten.

Obwohl traditionell konzipiert, als eine stimmliche Übung für Sopran, Altstimme, Tenor und Bass, konnten andere allgemeine vierstimmige Schriften aus einem Messingquartett (zwei Trompeten, Waldhorn und Posaune) oder ein Streichquartett (einschließlich der Geige I, Geige II, Viola und Cello) bestehen.

Es gibt sieben im vierstimmigen Schreiben verwendete Akkorde, die auf jedes Zeichen der Skala basieren. Die Akkorde werden gewöhnlich Römische Ziffern I, II, III, IV, V, VI und VII gegeben, um sich auf triadische (drei-Zeichen-)-Akkorde zu beziehen, die auf jedem aufeinander folgenden Zeichen der größeren oder geringen Skala gestützt sind, in der das Stück ist. Akkorde können auf zwei Weisen analysiert werden. Mit dem Fall empfindliche harmonische Analyse würde dass Hauptweise-Akkorde (Ich, IV, V, usw.) feststellen Einschließlich des vermehrten (zum Beispiel, VII), würde mit Römischen Großschrift-Ziffern, und Akkorden der geringen Weise, einschließlich des verringerten (ii, iii, vi, und dem verringerten vii Akkord, vii) in Notenschrift geschrieben, würde mit Römischen Kleinziffern in Notenschrift geschrieben. Wenn ein Skala-Grad außer der Wurzel des Akkords im Bass ist, wie man sagt, ist der Akkord in der Inversion, und das wird durch über der römischen Ziffer geschriebene Zahlen angezeigt. Mit Triaden zeigen 6 an, dass die erste Inversion, und 6 4 die zweite Inversion anzeigt. Mit den siebenten Akkorden, 6 5 zeigt an, dass die erste Inversion, 4 3 anzeigt, dass die zweite Inversion, und 4 2 die dritte Inversion anzeigt. (Ich, IV, V, usw.) Schenkerian harmonische Analyse, gestaltet nach den Theorien von Heinrich Schenker, würde feststellen, dass die Weise in der Endanalyse, und so allen Harmonien nicht von Bedeutung ist, werden in der Großschrift in Notenschrift geschrieben.

Die Sachkenntnis im Harmonisieren eines Chorals von Bach liegt im im Stande Sein, einen Ausdruck in einem Schlüssel zu beginnen und zu einem anderen Schlüssel entweder am Ende des ersten Ausdrucks, der Anfang des folgenden, oder vielleicht am Ende des zweiten Ausdrucks zu modulieren. Jeder Choral ist häufig in der Lage, zu verschiedenen tonal zusammenhängenden Gebieten zu modulieren: der Verhältnismajor (III) oder gering (vi), die Dominante (V) oder sein Verhältnisminderjähriger (iii), die Subdominante (IV) oder sein Verhältnisminderjähriger (ii). Andere chromatische Akkorde, können wie das verringerte siebente (zusammengesetzt aus geringen Dritteln angehäuft aufeinander) oder die Sekundäre Dominante (die Dominante der Dominante - eine Art Hauptversion des Akkords II) verwendet werden. Bestimmte Standardrhythmen, werden am meisten namentlich II - V - ich beobachtet. Die Standardsammlung der Choräle von J. S. Bach wurde von Albert Riemenschneider editiert, und diese Sammlung ist z.B hier sogleich verfügbar.

Musik-Wahrnehmung und Erkennen

Serienzusammensetzung und Mengenlehre

Musiksemiologie

Musik-Themen

Notation

Musiknotation ist die symbolische Darstellung der Musik (um mit der Audioaufnahme nicht verwirrt zu sein). Historisch, und im engeren Sinn wird das mit Bildzeichen erreicht. Computerdateiformate sind wichtig ebenso geworden. Sprache und Handzeichen werden auch verwendet, um Musik in erster Linie im Unterrichten symbolisch zu vertreten.

In der Standardwestmusik-Notation wird Musik grafisch durch Zeichen vertreten, die auf einem Personal oder Dauben mit der vertikalen Achse grob entsprechend dem Wurf und der horizontalen Achse grob entsprechend der Zeit gelegt sind. Bemerken Sie Hauptgestalten, Stämme, Fahnen, und Bande werden verwendet, um Dauer anzuzeigen. Zusätzliche Symbole vertreten Schlüssel, Tempo, Dynamik, Akzente, Reste usw.

Mathematik

In der Musik Geschichtsmathematik waren das Fundament des ersten Verstehens von Tönen, Zwischenräumen und Skalen, die von den Griechen zwischen 530 und 500 v. Chr. entwickelt sind. Diese Entdeckung hat nach der Kürzung einer Schnur einer Harfe durch einen halben basiert, eine Oktave schaffend. Weiter hat das Trennen derselben Schnur in zwei Drittel oder vier gleiche Teile Zwischenräume erzeugt, die als Fünftel und Viertel beziehungsweise bekannt sind.

Guerino Mazzola, zusammen mit einer Gruppe von Mitarbeitern einschließlich Beiträge durch zwei seiner Studenten, hat einer Theorie eine Basis in der algebraischen Geometrie geboten, und topos Theorie ursprünglich gestellt bestellen hervor seinen 1990 Geometrie der Töne vor, und aktualisiert bestellen 2002 Den Topos der Musik vor. Dmitri Tymoczko hat eine Theorie vorgebracht, die darauf hinweist, dass Beziehungen zwischen Zeichen in mehrdimensionalen geometrischen Formen oder orbifolds bestehen. Mazzola und Tymoczko haben an der Debatte bezüglich ihrer Theorien teilgenommen, die in einer Reihe von an ihren jeweiligen Websites verfügbaren Kommentaren dokumentiert sind.

Tymoczko hat seine Theorie entdeckt, als er alle möglichen zwei Zeichen-Akkorde in Säulen auf einer Platte von Papier niedergeschrieben hat. Nach dem Tun so hat Tymoczko die Möglichkeit beobachtet, dass ein Muster, Zwei-Zeichen-Akkorde, die Minimalist-Form eines Akkords bestanden hat (weil ein Akkord jede Kombination jede Zahl von Zeichen gespielt gleichzeitig ist), wird grafisch durch einen Streifen von Mobius, eine zweidimensionale in einem dreidimensionalen Raum eingebettete Oberfläche vertreten. Da die Akkorde aus steigenden Zahlen von Zeichen zusammengesetzt werden, wird die geometrische Form, die sie übernehmen, immer hoch entwickelter. Drei-Zeichen-Akkorde werden durch gedrehte dreidimensionale Gestalten, und Vier-Zeichen-Akkorde, vierdimensionale Gestalten vertreten. Diese Grundsätze auf Tonbeziehungen gelten für jedes Genre der Musik und sind von Theoretikern und Komponisten seit mittelalterlichen Zeiten unabsichtlich geübt worden. Die Bedeutung dieser Entdeckung wird im Unterrichten und der Verwendung der Musik-Theorie eingewurzelt. Die vereinfachten Beziehungen von Tönen als geometrische Gestalten erlauben Studenten der Musik, die Zusammensetzung von komplizierten Musikhunderten zu verstehen. Dabei können Studenten die Beziehungen anwenden, die in herausragenden Beispielen der melodischen Zusammensetzung leichter in ihr eigenes Schreiben verwendet sind. Tymoczko erklärt diese Einfachheit als, zu sein, Es war diese Idee, die Tymoczko zur Studie der mathematischen Musik-Theorie führen und seine Entdeckung von Darstellungen dieser Beziehungen erklärt. Tymoczko hat diese Werkzeuge verwendet, um seine eigene Zusammensetzung und in einer Analyse der Westmusik in seinem Buch Eine Geometrie der Musik zu erleichtern: Harmonie und Kontrapunkt in der Verlängerten Üblichen Praxis. ===-Analyse ===

Analyse ist die Anstrengung, Musik zu beschreiben und zu erklären. Analyse ist sofort ein allumfassender Begriff, der den Prozess beschreibt, jeden Teil der Musik, sowie ein spezifisches Feld der formellen Analyse oder das Feld der stilistischen Analyse zu beschreiben. Formelle Analyse versucht, auf Fragen der Hierarchie und Form zu antworten, und stilistische Analyse versucht, den Stil des Stückes zu beschreiben. Diese zwei verschiedenen Teilfelder fallen häufig zusammen.

Die Analyse von harmonischen Strukturen wird normalerweise durch eine Analyse der römischen Ziffer präsentiert. Jedoch, im Laufe der Jahre, als Musik und die Theorie der Musik beide gewachsen sind, hat sich eine Menge von Methoden, Musik zu analysieren, vorgestellt. Zwei sehr populäre Methoden, Analyse von Schenkerian und Neo-Riemannian Analyse, haben viel vom Feld beherrscht. Analyse von Schenkerian versucht, Musik durch Schichten des Vordergrunds, middleground, und, schließlich und wichtig, der Hintergrund "zu reduzieren". Neo-Riemannian (oder Transformations-) hat Analyse als eine Erweiterung der Theorien von Hugo Riemann der Musik, und dann der Konzepte des dehnbaren Riemanns des Wurfs und der Transformation in eine mathematisch reiche Sprache der Analyse begonnen. Während beide Theorien als Methoden der Analyse für die Tonmusik entstanden sind, sind beide erweitert worden, um in der Nichttonmusik ebenso zu verwenden.

Ohr-Ausbildung

Ohrensachkenntnisse - die Fähigkeit, Musikmuster durch das Ohr, im Vergleich mit durch das Lesen der Notation zu identifizieren - bilden einen Schlüsselteil eines Handwerks eines Musikers und werden gewöhnlich neben der Musik-Theorie unterrichtet. Die meisten Ohrensachkenntnis-Kurse erziehen die Wahrnehmung des Verhältniswurfs (die Fähigkeit, Wurf in einem feststehenden Zusammenhang zu bestimmen), und Rhythmus. Anblick-Singen - die Fähigkeit, fremde Musik ohne Hilfe zu singen - ist allgemein ein wichtiger Bestandteil von Ohrensachkenntnis-Kursen. Absoluter Wurf oder absolutes Gehör beschreiben die Fähigkeit, eine besondere Audiofrequenz als eine gegebene Musiknote ohne jede vorherige Verweisung zu erkennen.

Siehe auch

• Wurf (psychophysics)
• Musik-Theorie von AP
• Theorie, zu malen
• Musikwissenschaft
• Liste von Musik-Theoretikern

Referenzen

Quellen

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Links

• Dillen, Kombi von Oskar, Umriss der grundlegenden Musik-Theorie (2011)
• http://www.musictheoryhelp.co.uk