Dokumentarfilme setzen eine breite Kategorie von nichterfundenen Filmen ein, die zu etwas Aspekt der Wirklichkeit, in erster Linie zu den Zwecken der Instruktion oder des Aufrechterhaltens einer historischen Aufzeichnung beabsichtigt sind. Ein 'Dokumentarfilm' wurde auf dem Rohfilm — dem einzigen Medium verfügbar ursprünglich gedreht — aber schließt jetzt Video- und Digitalproduktion ein, die entweder unmittelbar zum Video, gemacht als ein Fernsehprogramm oder veröffentlicht sein kann, um sich in Kinos filmen zu lassen. "Dokumentarfilm" ist als eine "Filmherstellungspraxis, eine filmische Tradition und Weise des Publikum-Empfangs" beschrieben worden, der sich ständig entwickelt und ohne klare Grenzen ist.

Das Definieren 'des Dokumentarfilms'

Im populären Mythos wurde das Wort 'Dokumentarfilm' von schottischem documentarian John Grierson in seiner Rezension des Films von Robert Flaherty Moana (1926) ins Leben gerufen, an der New Yorker Sonne am 8. Februar 1926 veröffentlicht, "vom Kinobesucher" (ein Schriftstellername für Grierson) geschrieben.

Die Grundsätze von Grierson des Dokumentarfilms waren, dass das Potenzial des Kinos, um Leben zu beobachten, in einer neuen Kunstform ausgenutzt werden konnte; dass der "ursprüngliche" Schauspieler und "die ursprüngliche" Szene bessere Führer sind als ihre Fiktionskollegen zur Interpretation der modernen Welt; und das Materialien, die "so vom Rohstoff genommen sind", kann echter sein als der gehandelte Artikel. In dieser Beziehung richten sich die Ansichten von Grierson auf die Definition von conterierson von Vertov des Dokumentarfilms aus, weil "die kreative Behandlung der Aktualität" etwas Annahme gewonnen hat, obwohl es philosophische Fragen über Dokumentarfilme präsentiert, die stagings und Wiederholungen enthalten.

In seinen Aufsätzen hat sowjetischer Filmemacher Dziga Vertov für das Präsentieren "des Lebens argumentiert, wie es" (d. h. Leben gefilmt erschlichen) und "Leben gefangen unversehens" (Leben ist, das provoziert oder durch die Kamera überrascht ist).

Der amerikanische Filmkritiker Schält Lorentz definiert einen Dokumentarfilm als "ein sachlicher Film, der dramatisch ist." Andere stellen weiter fest, dass ein Dokumentarfilm von den anderen Typen von Sachliteratur-Filmen hervortritt, für eine Meinung und eine spezifische Nachricht zusammen mit den Tatsachen zur Verfügung zu stellen, die er präsentiert.

Dokumentarpraxis ist der komplizierte Prozess, Dokumentarprojekte zu schaffen. Es bezieht sich darauf, was Leute mit Mediageräten, Inhalt, Form und Produktionsstrategien tun, um die kreativen, ethischen und begrifflichen Probleme und Wahlen zu richten, die entstehen, weil sie Dokumentarfilme machen.

Es gibt klare Verbindungen in Bezug auf die Praxis mit der Zeitschrift und das Zeitungseigenschaft-Schreiben und tatsächlich zur Sachliteratur-Literatur. Viele der allgemeinen Formen des Dokumentarfilms, zum Beispiel das biografische Filmepos oder Profil; oder das Beobachtungsstück. Diese allgemeinen Formen werden auf der Universität der Winchester Journalismus-Abteilung erforscht 'zeigt Web', wo sich 'lange formen, wird Journalismus' durch das Genre oder den Inhalt, aber nicht in Bezug auf die Produktion als Film, Radio oder 'Druck' klassifiziert.

Geschichte

Vor1900

Früher Film (vor1900) wurde durch die Neuheit beherrscht, ein Ereignis zu zeigen. Sie waren auf dem Film gewonnene Einzelschussmomente: Ein Zug, der in eine Station, ein Bootsdocken oder Fabrikarbeiter eingeht, die Arbeit verlassen. Diese kurzen Filme wurden "Aktualitäts"-Filme genannt; der Begriff "Dokumentarfilm" wurde bis 1926 nicht ins Leben gerufen. Viele der ersten Filme, wie diejenigen, die von Auguste und Louis Lumière gemacht sind, waren eine Minute oder weniger in der Länge wegen technologischer Beschränkungen.

Filme, sich vielen Menschen (zum Beispiel zeigend, eine Fabrik verlassend), wurden häufig aus kommerziellen Gründen gemacht: Die Leute, die filmen werden, waren eifrig, für die Zahlung, der Film zu sehen, ihnen zeigend. Ein bemerkenswerter Film hat in mehr als eineinhalb Stunde, Dem Kampf von Corbett-Fitzsimmons eingestempelt. Mit dem Wegbahnen für filmschlingende Technologie hat Enoch J. Rector die Gesamtheit eines berühmten 1897-Preisboxkampfs auf Kino-Schirmen über das Land präsentiert.

Der französische Chirurg Eugène-Louis Doyen hat eine Reihe von chirurgischen Filmen einmal vor dem Juli 1898 angefangen. Bis 1906, das Jahr seines letzten Films, hat Doyen mehr als 60 Operationen registriert. Da Doyen gesagt hat, dass seine ersten Filme ihn unterrichtet haben, wie man Berufsfehler korrigiert, die er nicht gewusst hatte. Zu wissenschaftlichen Zwecken nach 1906 hat Doyen 15 seiner Filme in drei Kompilationen verbunden, von denen zwei, die Sechs-Filme-Reihe Extirpation des tumeurs encapsulées (1906), und der Vier-Filme-Les Opérations sur la cavité crânienne (1911) überleben. Diese und fünf andere der Filme von Doyen überleben.

Zwischen Juli 1898 und 1901 hat der rumänische Professor Gheorghe Marinescu mehrere Wissenschaftsfilme in seiner Neurologie-Klinik in Bukarest gemacht: Die Wandern-Schwierigkeiten von organischem hemiplegy (1898), Die Wandern-Schwierigkeiten von organischem paraplegies (1899), Ein Fall von hysteric hemiplegy haben durch Hypnose (1899), Die Wandern-Schwierigkeiten der progressiven Ortsveränderung ataxy (1900) und Krankheiten der Muskeln (1901) geheilt. Alle diese kurzen Filme sind bewahrt worden. Der Professor hat seine Arbeiten "Studien mit der Hilfe des Kinematographen" genannt, und hat die Ergebnisse, zusammen mit mehreren Konsekutivrahmen, in Problemen der Zeitschrift "La Semaine Médicale" von Paris, zwischen 1899 und 1902 veröffentlicht. 1924 hat Auguste Lumiere die Verdienste der Wissenschaftsfilme von Marinescu anerkannt:" Ich habe Ihre wissenschaftlichen Berichte über den Gebrauch des Kinematographen in Studien von Nervenkrankheiten gesehen, als ich noch "La Semaine Médicale" erhielt, aber zurück dann hatte ich andere Sorgen, die mich keine Freizeit verlassen haben, um biologische Studien zu beginnen. Ich muss sagen, dass ich jene Arbeiten vergessen habe und ich Ihnen dankbar bin, dass Sie sie zu mir erinnert haben. Leider sind nicht viele Wissenschaftler Ihrem Weg gefolgt."

1900-1920

Reisebeschreibungsfilme waren im frühen Teil des 20. Jahrhunderts sehr populär. Auf sie wurde häufig von Verteilern als "scenics" verwiesen. Scenics waren unter der populärsten Sorte von Filmen zurzeit. Ein wichtiger früher Film, um sich außer dem Konzept des landschaftlichen zu bewegen, war Im Land der Hauptjäger (1914), der Primitivismus und Exotik in einer inszenierten Geschichte umarmt hat, die als ehrliche Wiederholungen des Lebens von Indianern präsentiert ist, ist das mehr nicht echt.

Nachdenken ist ein getrenntes Gebiet. Pathé ist der am besten bekannte globale Hersteller solcher Filme des Anfangs des 20. Jahrhunderts. Ein lebhaftes Beispiel ist Moskau, das im Schnee (1909) gekleidet ist.

Früh haben Farbenfilm-Prozesse wie Kinemacolor und Prizmacolor Reisebeschreibungen verwendet, um den neuen Farbenprozess zu fördern. Im Gegensatz hat sich Farbfilm in erster Linie auf das Bekommen ihres Prozesses konzentriert, der vom Studio von Hollywood für erfundene Hauptfilme angenommen ist.

Auch während dieser Periode der Dokumentarfilm von Frank Hurley wurde Süden (1919), über die Trans-antarktische Reichsentdeckungsreise veröffentlicht. Es hat die erfolglose Antarktische Entdeckungsreise dokumentiert, die von Ernest Shackleton 1914 geführt ist.

Die 1920er Jahre

Romantik

Mit dem Nanook von Robert J. Flaherty des Nordens 1922 hat Dokumentarfilm Romantik umarmt; Flaherty hat mehrere schwer inszenierte romantische Filme während dieser Zeit Periode gefilmt, häufig sich zeigend, wie seine Themen 100 Jahre früher und nicht gelebt hätten, wie sie Recht dann gelebt haben. Zum Beispiel in Nanook des Nordens hat Flaherty seinen Themen nicht erlaubt, ein Walross mit einer nahe gelegenen Schrotflinte zu schießen, aber ließ sie eine Harpune stattdessen verwenden. Etwas von Flaherty inszenierend, wie Gebäude eines unbedeckten Iglus für Innenschüsse, wurde getan, um die sich verfilmen lassende Technologie der Zeit anzupassen.

Paramount Pictures hat versucht, den Erfolg von Nanook von Flaherty und Moana mit zwei romantisierten Dokumentarfilmen, Gras (1925) und Chang (1927), beide zu wiederholen, die von Merian Cooper und Ernest Schoedsack geleitet sind.

Die Stadtsymphonie

Der Festländer oder Realist, Tradition hat sich auf Menschen innerhalb von Mensch-gemachten Umgebungen konzentriert, und hat die so genannten "" Symphonie-Stadtfilme wie das Berlin von Walter Ruttmann, Symphonie einer Stadt eingeschlossen (von denen Grierson in einem Artikel bemerkt hat, dass Berlin vertreten hat, was ein Dokumentarfilm nicht sein sollte), der Rien que les heures von Alberto Cavalcanti und der Mann von Dziga Vertov mit der Filmkamera. Diese Filme neigen dazu, Leute als Produkte ihrer Umgebung, und mager zur Avantgarde zu zeigen.

Kino-Pravda

Dziga Vertov war zum sowjetischen Kino-Pravda (wörtlich, "filmische Wahrheit") Wochenschau-Reihe der 1920er Jahre zentral. Vertov hat die Kamera — mit seinen verschiedenen Linsen, dem mit dem Schussgegenschuss-Redigieren, Zeitraffer-, Fähigkeit zur Zeitlupe geglaubt, hören Sie Bewegung auf, und Zeitraffer — konnte Wirklichkeit genauer machen als das menschliche Auge, und hat eine Filmphilosophie daraus gemacht.

Wochenschau-Tradition

Die Wochenschau-Tradition ist im Dokumentarfilm wichtig; Wochenschauen wurden auch manchmal inszeniert, aber waren gewöhnlich Wiederholungen von Ereignissen, die bereits geschehen waren, nicht versucht, Ereignisse zu steuern, wie sie im Prozess des Ereignisses waren. Zum Beispiel wurde viel von der Kampfgesamtlänge vom Anfang des 20. Jahrhunderts inszeniert; die Kameramänner würden gewöhnlich vor Ort nach einem Hauptkampf ankommen und Szenen wiederholen, um sie zu filmen.

Die 1940er Jahre der 1920er Jahre

Die propagandistische Tradition besteht aus mit dem ausführlichen Zweck gemachten Filmen, ein Publikum eines Punkts zu überzeugen. Einer der notorischsten Propaganda-Filme ist der Film von Leni Riefenstahl Triumph des Willens (1935), der den 1934-Nazi Parteikongress aufgezeichnet hat und von Adolf Hitler beauftragt wurde. Linksgerichtete Filmemacher Joris Ivens und Henri Storck haben Borinage (1931) über das belgische Kohlenbergbau-Gebiet geleitet. Luis Buñuel hat einen "surrealistischen" Dokumentarfilm Las Hurdes (1933) geleitet.

Schälen Sie Lorentz Der Pflug, Der die Prärie (1936) und Der Fluss (1938) und Willard Van Dyke Gebrochen hat, ist Die Stadt (1939) bemerkenswerte Neue Geschäft-Produktion, jeder präsentierende komplizierte Kombinationen des sozialen und ökologischen Bewusstseins, der Regierungspropaganda und der linksgerichteten Gesichtspunkte. Frank Capra, Warum Wir Kampf (1942-1944) Reihe eine Wochenschau-Reihe in den Vereinigten Staaten waren, die von der Regierung beauftragt sind, das amerikanische Publikum zu überzeugen, dass es Zeit war, um Krieg zu führen. Constance Bennett und ihr Mann Henri de la Falaise haben zwei Eigenschaft-Länge-Dokumentarfilme, (1935) gefilmt in Bali und Kilou der Mörder Tiger (1936) gefilmt in Indochina erzeugt.

In Kanada wurde der Filmausschuss, der von John Grierson aufgestellt ist, aus denselben Propaganda-Gründen geschaffen. Es hat auch Wochenschauen geschaffen, die von ihren nationalen Regierungen als legitime Gegenpropaganda zur psychologischen Kriegsführung des nazistischen Deutschlands (orchestriert von Joseph Goebbels) gesehen wurden. Heute, der Nationale Filmausschuss Kanadas der Nationale Filmausschuss Kanadas rühmt sich einer riesengroßen Sammlung von Online-Videos, die zum Publikum frei sind. Der NFB hat auch den beispiellosen Schritt im Bilden ihrer Videos leicht und gesetzlich embeddable auf anderen Websites gemacht. Hier ist ein Beispiel, ein Dokumentarfilm auf dem Sänger Leonard Cohen.

In Großbritannien sind mehrere verschiedene Filmemacher zusammen unter John Grierson gekommen. Sie sind bekannt als die Dokumentarfilmbewegung geworden. Grierson, Alberto Cavalcanti, Harry Watt, Basil Wright und Humphrey Jennings unter anderen haben geschafft, Propaganda, Information und Ausbildung mit einer poetischeren ästhetischen Annäherung an den Dokumentarfilm zu vermischen. Beispiele ihrer Arbeit schließen Treibnetzfischdampfer (John Grierson), Lied der Ceylon (Basil Wright) ein, Feuer Wurden Gelegt und Ein Tagebuch für Timothy (Humphrey Jennings). Ihre Arbeit ist mit Dichtern wie W. H. Auden, Komponisten wie Benjamin Britten und Schriftsteller wie J. B. Priestley verbunden gewesen. Unter den am besten bekannten Filmen der Bewegung sind Nachtpost und Kohlengesicht.

Die 1970er Jahre der 1950er Jahre

Cinéma-vérité

Cinéma vérité (oder das nah zusammenhängende direkte Kino) war von einigen technischen Fortschritten abhängig, um zu bestehen: Licht, ruhige und zuverlässige Kameras und tragbarer synchronisierter Ton.

Cinéma vérité und ähnliche Dokumentartraditionen können so in einer breiteren Perspektive als eine Reaktion gegen Studio-basierte Filmproduktionseinschränkungen gesehen werden. Das Schießen auf der Position, mit kleineren Mannschaften, würde auch in der französischen Neuen Welle, die Filmemacher geschehen, die von Fortschritten in der Technologie ausnutzen, die kleinere, tragbare Kameras erlaubt, und hat Ton synchronisiert, um Ereignisse auf der Position zu filmen, als sie sich entfaltet haben.

Obwohl die Begriffe manchmal austauschbar gebraucht werden, gibt es wichtige Unterschiede zwischen cinéma vérité (Jean Rouch) und dem nordamerikanischen "Direkten Kino" (oder genauer""), den Weg gebahnt durch, unter anderen, Kanadier Allan King, und Pierre Perrault und Amerikaner Robert Drew, Richard Leacock, Frederick Wiseman und Albert und David Maysles.

Die Direktoren der Bewegung nehmen verschiedene Gesichtspunkte auf ihrem Grad der Beteiligung mit ihren Themen. Kopple und Pennebaker wählen zum Beispiel Nichtbeteiligung (oder mindestens keine offene Beteiligung), und Perrault, Rouch, Koenig, und Kroitor bevorzugen direkte Beteiligung oder sogar Provokation, wenn sie es für notwendig halten.

Die Filme Primär und (beide, die von Robert Drew erzeugt sind), Harlan County, die USA (geleitet von Barbara Kopple), Dont Blick zurück (D. A. Pennebaker), Einsamer Junge (Wolf Koenig und Roman Kroitor) werden alle oft cinéma vérité Filme gehalten.

Die Grundlagen des Stils schließen im Anschluss an eine Person während einer Krise mit einem Bewegen, häufig tragbar, Kamera ein, um persönlichere Reaktionen zu gewinnen. Es gibt keine Sitzstreik-Interviews, und das schießende Verhältnis (der Betrag des Filmschusses zum Endprodukt) reicht sehr hoch häufig 80 bis eines. Von dort finden Redakteure und formen die Arbeit in einen Film. Die Redakteure der Bewegung — wie Werner Nold, Charlotte Zwerin, Muffie Myers, Susan Froemke und Ellen Hovde — werden häufig überblickt, aber ihr Eingang zu den Filmen war so lebenswichtig, dass ihnen häufig Kodirektor-Kredite gegeben wurden.

Berühmte cinéma vérité/direct Kino-Filme schließen Les Raquetteurs, Impresario, Verkäufer in der Nähe vom Tod ein, Die Kinder, Sahen und Graue Gärten Zu.

Politische Waffen

In den 1960er Jahren und 1970er Jahren wurde Dokumentarfilm häufig als eine politische Waffe gegen den Neokolonialismus und Kapitalismus im Allgemeinen, besonders in Lateinamerika, sondern auch in einer sich ändernden Quebecer Gesellschaft konzipiert. La Hora de los hornos (Die Stunde der Brennöfen, von 1968), geleitet von Octavio Getino und Fernando E. Solanas, hat eine ganze Generation von Filmemachern beeinflusst. Unter den vielen politischen Dokumentarfilmen erzeugt am Anfang der 1970er Jahre war "Chile: Ein Eigenbericht," der erste eingehende erklärende Blick des öffentlichen Fernsehens des Sturzes im September 1973 der Regierung von Salvador Allende in Chile durch militärische Führer unter Augusto Pinochet, der von documentarians Ari Martinez und José Garcia erzeugt ist.

Moderne Dokumentarfilme

Kasse-Analytiker haben bemerkt, dass dieses Filmgenre immer erfolgreicher in der Theaterausgabe mit Filmen wie Fahrenheit 9/11, Supergröße Ich, Food, Inc., Erde, März der Pinguine, Religulous und Einer Ungünstigen Wahrheit unter den prominentesten Beispielen geworden ist. Im Vergleich zu dramatischen Bericht-Filmen haben Dokumentarfilme normalerweise viel niedrigere Budgets, der sie attraktiv für Filmgesellschaften macht, weil sogar eine beschränkte Theaterausgabe hoch gewinnbringend sein kann.

Die Natur von Dokumentarfilmen hat in den letzten 20 Jahren vom Kino verité Stil eingeführt in den 1960er Jahren ausgebreitet, in dem der Gebrauch der tragbaren Kamera und des Stereogeräts eine vertraute Beziehung zwischen Filmemacher und Thema erlaubt hat. Die Linienmakel zwischen dem Dokumentarfilm und Bericht und einigen Arbeiten sind sehr persönlich, wie die Zungen des verstorbenen Marlon Riggs Aufgeknotet (1989) und Schwarz Ist... Schwarz Ist nicht (1995), die ausdrucksvolle, poetische und rhetorische Elemente mischen und Subjektivität aber nicht historische Materialien betont. Historische Dokumentarfilme, wie die merklichen 14-stündigen Augen auf dem Preis: Amerikas Jahre der Bürgerlichen Rechte (1986 - Teil 1 und 1989 - Teil 2) durch Henry Hampton, Vier Kleine Mädchen (1997) durch Spike Lee und Den Bürgerkrieg durch Kenntnis-Brandwunden, hat UNESCO unabhängigen Film auf der Sklaverei 500 Jahre Später, ausgedrückt nicht nur eine kennzeichnende Stimme sondern auch eine Perspektive und Punkt von Ansichten zuerkannt. Einige Filme wie Die Dünne Blaue Linie durch Errol Morris haben sich stilisiert wieder - Erlasse vereinigt, und Roger & Me von Michael Moore hat viel mehr interpretierende Kontrolle mit dem Direktor gelegt. Der kommerzielle Erfolg dieser Dokumentarfilme kann auf diese Bericht-Verschiebung in der Dokumentarform zurückzuführen sein, einige Kritiker zur Frage führend, ob solche Filme Dokumentarfilme aufrichtig genannt werden können; Kritiker beziehen sich manchmal auf diese Arbeiten als "mondo Filme" oder "docu-ganda". Jedoch, directorial Manipulation von Dokumentarthemen ist seit der Arbeit von Flaherty bemerkt worden, und kann zur Form wegen problematischer ontologischer Fundamente endemisch sein.

Obwohl Dokumentarfilme mit der zunehmenden Beliebtheit des Genres finanziell lebensfähiger sind und das Advent der DVD, für die Dokumentarfilmproduktion finanziell unterstützend, schwer erfassbar bleibt. Innerhalb des letzten Jahrzehnts sind die größten Ausstellungsgelegenheiten aus dem Sendungsmarkt erschienen, Filmemacher verpflichtet zu den Geschmäcken und Einflüssen der Fernsehsprecher machend, die ihre größte Finanzierungsquelle geworden sind.

Moderne Dokumentarfilme haben ein Übergreifen mit Fernsehformen, mit der Entwicklung des "Wirklichkeitsfernsehens", das gelegentlich Ränder auf dem Dokumentarfilm, aber öfter zum erfundenen oder inszenierten wenden. Das Bilden - Dokumentarshows, wie ein Film oder ein Computerspiel erzeugt wurden. Gewöhnlich gemacht zu Beförderungszwecken ist es an einer Anzeige näher als ein klassischer Dokumentarfilm.

Moderne Leichtgewichtsdigitalvideokameras und das computergestützte Redigieren haben Dokumentarschöpfern außerordentlich geholfen, wie den dramatischen Fall in Ausrüstungspreisen hat. Der erste Film, um vollen Vorteil dieser Änderung zu nehmen, war Martin Kunert und die Stimmen von Eric Manes des Iraks, wohin 150 DV Kameras in den Irak während des Krieges gesandt wurden und zu Irakern gegangen sind, um sich zu registrieren.

Dokumentarfilme ohne Wörter

Filme in der Dokumentarform ohne Wörter sind gemacht worden. Von 1982 konnten die Trilogie von Qatsi und der ähnliche Baraka als Sehton-Gedichte mit der Musik beschrieben werden, die mit den Images, aber keinem gesprochenen Inhalt verbunden ist. Koyaanisqatsi (ein Teil der Trilogie von Qatsi) besteht in erster Linie aus der Zeitlupe und Zeitrafferfotografie von Städten und vielen natürlichen Landschaften über die Vereinigten Staaten. Baraka versucht, den großen Puls der Menschheit zu gewinnen, weil er strömt und in der täglichen Tätigkeit und den religiösen Zeremonien schwärmt.

Bodysong wurde 2003 gemacht und hat einen britischen Unabhängigen Filmpreis für den "Besten britischen Dokumentarfilm" gewonnen.

Der 2004-Film Entstehung zeigt Tier und Pflanzenleben in Staaten von Vergrößerung, Zerfall, Geschlecht und Tod, mit einigen, aber wenig, Narration.

Andere Dokumentarformen

Docufiction

Docufiction ist ein Genre von zwei grundlegenden, Fiktionsfilm und Dokumentarfilm, geübt, seitdem die ersten Dokumentarfilme gemacht wurden.

Kompilationsfilme

Kompilationsfilme wurde 1927 von Esfir Schub mit Dem Fall der Dynastie von Romanov den Weg gebahnt. Neuere Beispiele schließen Punkt des Auftrags (1964) ein, der von Emile de Antonio über das Hören von McCarthy und Das Atomcafé geleitet ist, das völlig aus der gefundenen Gesamtlänge gemacht wird, die verschiedene Agenturen von der amerikanischen Regierung über die Sicherheit der Kernradiation gemacht haben (zum Beispiel Truppen einmal sagend, dass es sicher ist, bestrahlt zu werden, so lange sie ihre Augen und Münder geschlossen halten). Ähnlich verbindet Die Letzte Zigarette das Zeugnis von verschiedenen Tabakfirmenmanagern vor dem amerikanischen Kongress mit der archivalischen Propaganda, die die Vorteile des Rauchens preist.

Siehe auch

• Belebter Dokumentarfilm
• Bürger-Medien
• Konzertfilm
• Tanzfilm
• Docudrama
• Docufiction
• Dokumentarfilmfestspiele
• Dokumentarweise
• Dokumentarpraxis
• Ethnofiction
• Film von Ethnographic
• Filmherstellung
• Liste von Dokumentarfilmen
• Liste von Film-zusammenhängenden Themen
• Listen von Direktoren und Erzeugern von Dokumentarfilmen
• Mockumentary
• Film von Docuempathy
• Film von Mondo
• Natur-Dokumentarfilm
• Teilnehmendes Video
• Politisches Kino
• Fernsehen des öffentlichen Zugangs
• Wirklichkeitsfilm
• Aktualitätsfilm
• Rockumentary
• Reisedokumentarfilm
• Sehanthropologie
• Webdokumentarfilm
• Frauenkino

Einige Dokumentarfilmpreise

• Oscar für die Dokumentareigenschaft
• Joris Ivens Award, Internationale Dokumentarfilmfestspiele Amsterdam (IDFA), (genannt nach Joris Ivens)
• Großartiger Prize Visions du Réel

Zeichen und Verweisungen

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Links

• Berkeley.edu, Dokumentarklassiker - Bildaufzeichnung von wesentlichen Dokumentarfilmen über das Mediamittel-Zentrum von UC Berkeley
• Documentary.org, internationale Dokumentarvereinigung