Pictorialism ist der Name, der einem internationalen Stil und ästhetischer Bewegung gegeben ist, die Fotografie während der späteren 19. und frühen 20. Jahrhunderte beherrscht hat. Es gibt keine Standarddefinition des Begriffes, aber im Allgemeinen bezieht er sich auf einen Stil, in dem der Fotograf irgendwie manipuliert hat, was eine aufrichtige Fotographie als ein Mittel sonst sein würde, ein Image "zu schaffen", anstatt ihn einfach zu registrieren. Gewöhnlich scheint eine bildliche Fotographie, an einem scharfen Fokus (weiter Mangel zu haben, als andere), wird in einer oder mehr Farben außer Schwarzweiß-(im Intervall vom warmen gedruckt, der zu tiefblau braun ist), und kann sichtbare Pinselstriche oder andere Manipulation der Oberfläche haben. Für den pictorialist war eine Fotographie, wie eine Malerei, Zeichnung oder Gravieren, eine Weise, eine emotionale Absicht in den Bereich des Zuschauers der Einbildungskraft zu planen.

Pictorialism als eine Bewegung ist ungefähr von 1885 bis 1915 gediehen, obwohl er noch von einigen erst die 1940er Jahre gefördert wurde. Es hat als Antwort auf Ansprüche begonnen, dass eine Fotographie nichts anderes als eine einfache Aufzeichnung der Wirklichkeit war, und sich zu einer internationalen Bewegung verwandelt hat, um den Status der ganzen Fotografie als eine wahre Kunstform vorzubringen. Seit mehr als drei Jahrzehnten haben Maler, Fotografen und Kunstkritiker gegenüberliegende künstlerische Philosophien diskutiert, schließlich im Erwerb von Fotographien durch mehrere Hauptkunstmuseen kulminierend.

Unter den berühmtesten bildlichen Fotografen waren Julia Margaret Cameron, George Davison, Frederick H. Evans und Alfred Horsley Hinton in England; Alfred Stieglitz, Rudolf Eickemeyer der Jüngere. Edward Steichen, Clarence H. White, F. Holland Day und Annie Brigman in den Vereinigten Staaten; Constant Puyo, Robert Demachy und Pierre Dubreuil in Frankreich; Heinrich Kühn, Hans Watzek und Hugo Henneberg in Österreich; Ogawa Kazumasa, W. K. Burton und Kashima Seibei in Japan; William Notman, Sidney Carter und Percy Hodgins in Kanada; und John Kauffmann und Harold Cazneaux in Australien.

Pictorialism hat sich allmählich in der Beliebtheit nach 1920 geneigt, obwohl es aus der Beliebtheit bis zum Ende des Zweiten Weltkriegs nicht verwelkt ist. Während dieser Periode ist der neue Stil des fotografischen Modernismus in Mode und das zu mehr scharf eingestellten Images ausgewechselte Interesse des Publikums eingetreten. Mehrere wichtige Fotografen des 20. Jahrhunderts, einschließlich Ansel Adams, Edward Westons und Imogen Cunninghams haben ihre Karrieren in einem pictorialist Stil begonnen, aber haben in die scharf eingestellte Fotografie vor den 1930er Jahren gewechselt.

Übersicht

Die Fotografie als ein technischer Prozess, der mit der Entwicklung des Films und der Drucke in einer Dunkelkammer verbunden ist, ist am Anfang des 19. Jahrhunderts mit den Vorzeichen von traditionellen fotografischen Drucken entstanden, in Bekanntheit ungefähr 1838-1840 eintretend. Nicht lange nachdem wurde das neue Medium, Fotografen, Maler gegründet, und andere haben begonnen, über die Beziehung zwischen den wissenschaftlichen und künstlerischen Aspekten des Mediums zu streiten. Schon in 1853 hat englischer Maler William John Newton vorgeschlagen, dass die Kamera künstlerische Ergebnisse erzeugen konnte, wenn der Fotograf ein ein bisschen unscharfes Image behalten würde.. Andere haben heftig geglaubt, dass eine Fotographie zur Sehaufzeichnung eines Chemie-Experimentes gleichwertig war. Fotografie-Historiker Naomi Rosenblum weist darauf hin, dass "der Doppelcharakter des Mediums — seine Kapazität, sowohl Kunst als auch Dokument zu erzeugen — bald nach seiner Entdeckung … demonstriert wurde. Dennoch wurde ein guter Teil des neunzehnten Jahrhunderts ausgegeben debattierend, welche von diesen Richtungen die wahre Funktion des Mediums war."

Diese Debatten haben ihre Spitze während der späten neunzehnten und frühen zwanzigsten Jahrhunderte erreicht, in der Entwicklung einer Bewegung kulminierend, die gewöhnlich als ein besonderer Stil der Fotografie charakterisiert wird: pictorialism. Dieser Stil wird zuerst durch einen ausgesprochen persönlichen Ausdruck definiert, der die Fähigkeit der Fotografie betont, Sehschönheit aber nicht einfach Rekordtatsachen zu schaffen. Jedoch kürzlich haben Historiker anerkannt, dass pictorialism mehr ist als gerade ein Sehstil. Es hat sich im direkten Zusammenhang mit den sich ändernden sozialen und kulturellen Einstellungen der Zeit, und, als solcher entwickelt, es sollte einfach als eine Sehtendenz nicht charakterisiert werden. Ein Schriftsteller hat bemerkt, dass pictorialism "gleichzeitig eine Bewegung, eine Philosophie, ein ästhetischer und ein Stil war."

Wogegen einige Geschichten der Fotografie porträtieren, ist pictorialism als das Ergebnis einer geradlinigen Evolution von künstlerischen Feingefühlen nicht geschehen; eher wurde es durch "ein komplizierter, auseinander gehendes, häufig leidenschaftlich widerstreitende Talsperre von Strategien gebildet." Während Fotografen und andere debattiert haben, ob Fotografie Kunst sein konnte, hat das Advent der Fotografie direkt die Rollen und den Lebensunterhalt von vielen traditionellen Künstlern betroffen. Vor der Entwicklung der Fotografie war ein gemaltes Miniaturbildnis die allgemeinsten Mittel, eine Gleichheit einer Person zu registrieren. Tausende von Malern sind mit dieser Kunstform beschäftigt gewesen. Aber Fotografie hat schnell das Bedürfnis nach und Interesse an Miniaturbildnissen verneint. Ein Beispiel dieser Wirkung wurde auf der jährlichen Ausstellung der Königlichen Akademie in London gesehen; 1830 wurden mehr als 300 Miniaturbilder ausgestellt, aber vor 1870 waren nur 33 auf der Anzeige. Fotografie hatte für einen Typ der Kunstform übernommen, aber die Frage dessen, ob Fotografie selbst künstlerisch sein konnte, war nicht aufgelöst worden.

Einige Maler haben bald Fotografie als ein Werkzeug angenommen, um ihnen zu helfen, eine Pose eines Modells, eine Landschaft-Szene oder andere Elemente zu registrieren, um in ihre Kunst einzuschließen. Es ist bekannt, dass viele der großen Maler des 19. Jahrhunderts, einschließlich Delacroix, Courbets, Manets, Degas, Cézannes, und Gauguins, Fotographien selbst, verwendete Fotographien durch andere genommen haben und Images von Fotographien in ihre Arbeit vereinigt haben. Während erhitzte Debatten über die Beziehung zwischen Fotografie und Kunst im Druck und in Hörsälen weitergegangen haben, ist die Unterscheidung zwischen einem fotografischen Image und einer Malerei immer schwieriger geworden wahrzunehmen. Als Fotografie fortgesetzt hat sich zu entwickeln, sind die Wechselwirkungen zwischen Malerei und Fotografie immer mehr gegenseitig geworden. Mehr als einige bildliche Fotografen, einschließlich Alvin Langdon Coburns, Edward Steichens, Gertrude Käsebiers, wurden Oskar Gustave Rejlander und Sarah Choate Sears, als Maler ursprünglich erzogen oder haben Malerei zusätzlich zu ihren fotografischen Sachkenntnissen aufgenommen.

Es war während dieser derselben Periode, dass Kulturen und Gesellschaften um die Welt durch eine Eskalation im interkontinentalen Reisen und Handel betroffen wurden. Bücher und auf einem Kontinent veröffentlichte Zeitschriften konnten exportiert und auf einem anderen mit der zunehmenden Bequemlichkeit verkauft werden, und die Entwicklung von zuverlässigen Postdienstleistungen hat individuellen Meinungsaustausch, Techniken und, am wichtigsten für die Fotografie, wirkliche Drucke erleichtert. Diese Entwicklungen haben zu pictorialism geführt "eine internationalere Bewegung in der Fotografie zu sein, als fast jedes andere fotografische Genre." Kameraklubs in den Vereinigten Staaten, England, Frankreich, Deutschland, Österreich, Japan und anderen Ländern haben regelmäßig Arbeiten jedem die Ausstellungen eines anderen geliehen, haben technische Information ausgetauscht und haben Aufsätze und kritische Kommentare in den Zeitschriften eines Anderen veröffentlicht. Geführt durch Den Verbundenen Ring in England, den Photoabfall in den Vereinigten Staaten und den Photo-Club de Paris in Frankreich, den ersten Hunderten und dann haben Tausende von Fotografen leidenschaftlich gemeinsame Interessen in dieser mehrdimensionalen Bewegung verfolgt. Innerhalb der Spanne wenig mehr als eines Jahrzehnts wurden bemerkenswerte bildliche Fotografen in Westeuropa und Osteuropa, Nordamerika, Asien und Australien gefunden.

Der Einfluss von Kameras von Kodak

Seit den ersten vierzig Jahren nachdem wurde ein praktischer Prozess des Gefangennehmens und Reproduzierens von Images erfunden, Fotografie ist das Gebiet einer hoch hingebungsvollen Gruppe von Personen geblieben, die Erfahrung und Sachkenntnisse in der Wissenschaft, Mechanik und Kunst hatten. Um eine Fotographie zu machen, musste eine Person sehr viel von der Chemie, der Optik, dem Licht, der Mechanik von Kameras erfahren, und wie sich diese Faktoren verbinden, um eine Szene richtig zu machen. Es war nicht etwas, womit sich ein gelehrter leicht oder leicht, und, als solcher beschäftigt hat, wurde es auf eine relativ kleine Gruppe von Akademikern, Wissenschaftlern und Berufsfotografen beschränkt.

Alles davon hat sich in Periode von ein paar Jahren geändert. 1888 hat George Eastman die erste tragbare Amateurkamera, die Kamera von Kodak eingeführt. Es wurde mit dem Slogan auf den Markt gebracht "Sie drücken den Knopf, wir tun den Rest." Die Kamera wurde mit einer Rolle des Films vorgeladen, der ungefähr 100 2.5" runde Bilderaussetzungen erzeugt hat, und es leicht getragen und während seiner Operation tragbar werden konnte. Nachdem alle Schüsse auf dem Film ausgestellt wurden, wurde die ganze Kamera in die Gesellschaft von Kodak in Rochester, New York zurückgegeben, wo der Film entwickelt wurde, Drucke wurden gemacht, und neuer fotografischer Film wurde innen gelegt. Dann wurden die Kamera und Drucke dem Kunden zurückgegeben, der bereit war, mehr Bilder zu nehmen.

Der Einfluss dieser Änderung war enorm. Plötzlich konnte fast jeder eine Fotographie nehmen, und innerhalb der Spanne von Fotografie von ein paar Jahren ist einer des größten Modeschreis in der Welt geworden. Fotografie-Sammler Michael Wilson hat "Tausende von kommerziellen Fotografen und hundertfach beobachtet, weil viele Dilettanten Millionen von Fotographien jährlich … Der Niedergang in der Eigenschaft als Berufsarbeit erzeugten und der Platzregen von Schnellschüssen (ein von der Jagd geliehener Begriff, bedeutend, aus einem schnellen Schuss auszusteigen, ohne Zeit in Anspruch zu nehmen, um zu zielen), auf eine von technisch guten, aber ästhetisch gleichgültigen Fotographien überflutete Welt hinausgelaufen ist."

Gleichzeitig mit dieser Änderung war die Entwicklung von nationalen und internationalen kommerziellen Unternehmen, um die neue Nachfrage für Kameras, Filme und Drucke zu befriedigen. An der 1890-Welt wurde die Kolumbianische Ausstellung in Chicago, das mehr als 27 Millionen Menschen, Fotografie für Dilettanten angezogen hat, an einer beispiellosen Skala auf den Markt gebracht. Es gab vielfache große Ausstellungsstücke, die Fotographien von der ganzen Welt, viele Kamera und Dunkelkammer-Ausrüstungshersteller zeigen, die sich zeigen und ihre letzten Waren, Dutzende des Bildnis-Studios und sogar Sofortdokumentation der Ausstellung selbst verkaufen. Plötzlich waren Fotografie und Fotografen Haushaltswaren.

Viele ernste Fotografen wurden erschrocken. Ihr Handwerk, und zu etwas ihrer Kunst, wurde durch eine kürzlich beschäftigte, nicht kontrollierte und größtenteils talentlose Bürgerschaft hinzugewählt. Die Debatte über die Kunst und Fotografie hat sich um das Argument verstärkt, dass, wenn irgendjemand eine Fotographie dann nehmen konnte, Fotografie Kunst nicht vielleicht genannt werden konnte. Einige der leidenschaftlichsten Verteidiger der so Kunst-Fotografie haben darauf hingewiesen, dass Fotografie nicht sollte und nicht gesehen angesehen kann, wie "jedes/oder" Medium  einige Fotographien tatsächlich einfache Aufzeichnungen der Wirklichkeit ist, aber mit den richtigen Elementen sind einige tatsächlich Kunstwerke. William Howe Downs, Kunstkritiker für die Bostoner Abendabschrift, hat diese Position 1900 summiert, indem er gesagt hat, dass "Kunst nicht so viel eine Sache von Methoden und Prozessen ist, wie es eine Angelegenheit des Temperaments, des Geschmacks und des Gefühls … In den Händen des Künstlers ist, wird die Fotographie ein Kunststück … Kurzum, Fotografie ist, was der Fotograf es  eine Kunst oder ein Handel macht."

Alle diese Elemente  die Debatten über die Fotografie und Kunst, die Einflüsse von Kameras von Kodak und die sich ändernden sozialen und kulturellen Werte der Zeiten  haben sich verbunden, um den Weg für eine Evolution darin zu bereiten, wie Kunst und Fotografie, unabhängig und zusammen, am Ende des Jahrhunderts erscheinen würden. Der Kurs, der pictorialism gesteuert hat, wurde fast gesetzt, sobald fotografische Prozesse gegründet wurden, aber erst als das letzte Jahrzehnt des 19. Jahrhunderts, dass eine internationale pictorialist Bewegung zusammen gekommen ist.

Das Definieren pictorialism

1869 hat englischer Fotograf Henry Peach Robinson ein Buch genannt die Bildliche Wirkung in der Fotografie veröffentlicht: Hinweise Auf der Zusammensetzung Und dem Helldunkel Für Fotografen zu sein. Das ist die erste übliche Anwendung des Begriffes "bildlicher", der sich auf die Fotografie im Zusammenhang eines bestimmten stilistischen Elements - Helldunkel  ein italienischer Begriff bezieht, der von Malern und Kunsthistorikern gebraucht ist, der sich auf den Gebrauch der dramatischen Beleuchtung und Schattierung bezieht, um eine ausdrucksvolle Stimmung zu befördern. In seinem Buch hat Robinson gefördert, was er "Kombinationsdruck", eine Methode genannt hat, die er fast 20 Jahre früher ausgedacht hatte, indem er individuelle Elemente von getrennten Images in ein neues einzelnes Image verbunden hat, indem er vielfache Negative oder Drucke manipuliert hat. Robinson hat so gedacht, dass er "Kunst" durch die Fotografie geschaffen hatte, seitdem es nur durch sein direktes Eingreifen war, dass das Endimage geschehen ist.

Robinson hat fortgesetzt, sich auf der Bedeutung des Begriffes überall in seinem Leben auszubreiten. In einem Vortrag und dann in einem Artikel 1886, betitelter Fotografie: Eine Bildliche Kunst, er hat empfohlen, dass Fotografen an der künstlerischen Ästhetik der zeitgenössischen Malerei kleben. Er hat "Dieselben Gesetze geschrieben, die regieren, regeln Maler Fotografen.

Andere Fotografen und Kunstkritiker, einschließlich Oskar Rejlanders, Marcus Aurelius Roots, John Ruskins, haben diese Ideen zurückgeworfen. Eine der primären Kräfte hinter dem Anstieg von pictorialism war der Glaube, dass gerade Fotografie rein Vertretungs war, dass es Wirklichkeit ohne den Filter der künstlerischen Interpretation gezeigt hat. Es war für, alle Absichten und Zwecke, eine einfache Aufzeichnung der Sehtatsachen, an künstlerischer Absicht oder Verdienst Mangel habend. Robinson und andere haben stark gefunden, dass die "gewöhnlich akzeptierten Beschränkungen der Fotografie überwunden werden mussten, wenn eine Gleichheit des Status erreicht werden sollte.

Robert Demachy fasste später dieses Konzept in einem betitelten Artikel zusammen, "Was Unterschied Dort Zwischen einer Guten Fotographie und einer Künstlerischen Fotographie Ist?". Er hat geschrieben, dass "Wir begreifen müssen, dass, bildliche Fotografie übernehmend, wir uns unwissentlich vielleicht uns zur strengen Einhaltung von Regeln Hunderte von Jahren gebunden haben, die älter sind als die ältesten Formeln unseres chemischen Handwerks. Wir sind in den Tempel der Kunst durch eine Hintertür geglitten, und haben uns unter der Menge von Meistern gefunden."

Eine der Herausforderungen in der Förderung der Fotografie als Kunst war, dass es viele verschiedene Meinungen darüber gab, wie Kunst schauen sollte. Nach dem Dritten Salon von Philadelphia hat sich 1900, der Dutzende von bildlichen Fotografen, einem Kritiker präsentiert hat, gefragt, "ob die Idee von der Kunst in irgendetwas wie der wahre Sinn jemals gehört oder von der großen Mehrheit von Ausstellern gedacht worden war."

Während einige Fotografen sich gesehen haben wahre Künstler werden, indem sie mit Malerei, mindestens einer Schule der Malerei direkt inspirierter Fotografen wettgeeifert haben. Während der 1880er Jahre, als Debatten über die Kunst und Fotografie gewöhnlich, ein Stil wurden, bekannt zu malen, weil ist Tonalism zuerst erschienen. Innerhalb von ein paar Jahren ist es ein bedeutender künstlerischer Einfluss auf die Entwicklung von pictorialism geworden. Maler wie James McNeil Whistler, George Inness, Ralph Albert Blakelock und Arnold Böcklin haben die Interpretation der Erfahrung der Natur gesehen, die so mit der einfachen Aufnahme eines Images der Natur gegenübergestellt ist, wie die höchste Aufgabe des Künstlers. Diesen Künstlern war es notwendig, dass ihre Bilder eine emotionale Antwort dem Zuschauer befördern, der durch eine Betonung auf den atmosphärischen Elementen im Bild und durch den Gebrauch "vager Gestalten und unterworfener Klangfarben … [entlockt wurde, um] ein Sinn der elegischen Melancholie zu befördern."

Dieses dasselbe Feingefühl auf die Fotografie anwendend, hat Alfred Stieglitz es später dieser Weg festgesetzt: "Atmosphäre ist das Medium, durch das wir alle Dinge sehen. Um, um deshalb sie in ihrem wahren Wert auf einer Fotographie zu sehen, wie wir in der Natur tun, Atmosphäre dort sein muss. Atmosphäre macht alle Linien weich; es teilt den Übergang vom Licht in Grade ein, um allmählich überzugehen; es ist für die Fortpflanzung des Sinns der Entfernung notwendig. Diese Düsterheit des Umrisses, der für entfernte Gegenstände charakteristisch ist, ist wegen der Atmosphäre. Jetzt, was Atmosphäre zur Natur ist, ist Ton zu einem Bild."

Paul L. Anderson, ein fruchtbarer zeitgenössischer Befürworter von pictorialism, hat seinen Lesern über diese wahre Kunstfotografie beförderten "Vorschlag und Mysterium", benachrichtigt, in dem "Mysterium im Leisten einer Gelegenheit für die Übung der Einbildungskraft besteht, wohingegen Vorschlag das Anregen der Einbildungskraft durch direkte oder indirekte Mittel einschließt." Wissenschaft, pictorialists hat gekämpft, könnte auf eine Nachfrage nach der ehrlichen Information antworten, aber Kunst muss auf das menschliche Bedürfnis nach der Anregung der Sinne antworten. Das konnte nur durch das Schaffen eines Zeichens der Individualität für jedes Image und, ideal, jeden Druck getan werden.

Weil pictorialists wahre Individualität durch die Entwicklung eines einzigartigen Drucks ausgedrückt wurde, der von vielen betrachtet ist, die Zusammenfassung der künstlerischen Fotografie zu sein. Durch die Manipulierung des Äußeren von Images dadurch, was einige genannt "das Adeln von Prozessen", wie Kaugummi oder Bromoil-Druck, pictorialists im Stande gewesen sind, einzigartige Fotographien zu schaffen, die manchmal für Zeichnungen oder Steindrucke falsch waren.

Viele der stärksten Stimmen, die pictorialism an seinem Anfang verfochten haben, waren eine neue Generation von Amateurfotografen. Im Gegensatz zu seiner Bedeutung heute hat das Wort "Dilettant" eine verschiedene Konnotation in den Diskussionen dieser Zeit gehalten. Anstatt einen unerfahrenen Anfänger anzudeuten, hat das Wort jemanden charakterisiert, der um die künstlerische Vorzüglichkeit und eine Freiheit vom starren akademischen Einfluss gekämpft hat. Ein Dilettant wurde als jemand gesehen, der die Regeln brechen konnte, weil er oder sie durch die dann starren Regeln nicht gebunden wurde, die von lange gegründeten Fotografie-Organisationen wie die Königliche Fotografische Gesellschaft dargelegt sind. Ein Artikel im britischen Zeitschriftenamateurfotografen hat festgestellt, dass "Fotografie eine Kunst  vielleicht die einzige ist, in der der Dilettant bald gleich ist, und oft, der Fachmann in Kenntnissen hervorragt." Diese Einstellung hat in vielen Ländern um die Welt vorgeherrscht. In 1893 Hamburg Internationale Fotografische Ausstellung in Deutschland wurde nur der Arbeit von Dilettanten erlaubt. Alfred Lichtwark dann hat der Direktor des Kunsthalle Hamburgs geglaubt, dass "die einzige gute Porträtmalerei in jedem Medium von Amateurfotografen getan wurde, die die Wirtschaftsfreiheit und Zeit hatten, um zu experimentieren."

Im Laufe der Jahre wurden andere Namen pictorialism, einschließlich der "Kunstfotografie" und Camerawork (beide von Alfred Stieglitz), "Impressionistische Fotografie" (von George Davision), "neue Vision (Neue Vision), und schließlich "subjektive Fotografie" (Subjektive Fotographie) in Deutschland nach den 1940er Jahren gegeben. In Spanien wurden bildliche Fotografen manchmal "Interventionisten" (intervencionistas) genannt, obwohl der Stil selbst als "Interventionismus" nicht bekannt war.

Galerie

Image:Alice Boughton-Dawn.jpg|Alice Boughton, Morgendämmerung, 1909

Image:Brigman.jpg|Annie Brigman, Seele der Verfluchten Kiefer, 1908

Image: Clarence H Weißer-Raindrops.jpg|Clarence H. Weiß, Regentropfen, 1903

Image:PaulHaviland-DorisKEane.jpg|Paul Haviland, Doris Keane, 1912

Image: Demachy---Kampf-1904.jpg|Robert Demachy, Kampf, 1904

Image:Stieglitz-Hand.jpg|Alfred Stieglitz, Die Hand des Mannes, 1902

Image:Steichen bügeln Steichen, Bügeleisen-Gebäude, 1904 jpg|Edward

Image: Constant Puyo-Eingeschlafen, 1897.jpg|Constant Puyo, Sommeil, 1897

Image:Alvin Langdon Coburn-Spiderwebs.jpg|Alvin Langdon Coburn, Spinnengewebe, 1908

Image:Day, Fred Holland (1864-1933) - Sieben letzte Wörter von Christus (Detail) - Selbstbildnis jpg|F. Tag von Holland, Die Sieben Letzten Wörter von Christus (Detail)

Image:Mary Devens-Ferry.jpg|Mary Devens, "Das Fährschiff", c1904

Image:DeMeyer-Casati.jpg|Adolph de Meyer, "Marchesa Casati", 1912

Image:JosephKeiley-Lenore.jpg|Joseph Keiley, Lenore, 1907

Image:Clarence H Weiß-nackt 1908.jpg|Clarence H. Weiß, Nackt, 1908

Image:Constant Puyo-Montmartre 1906.jpg|Constant Puyo, Montmarte, 1906

Image:White und Stieglitz-Torso.jpg|Clarence H. White und Alfred Stieglitz, Rumpf, 1907

Übergang in den Modernismus

Die Evolution von pictorialism aus dem 19. Jahrhundert gut in die 1940er Jahre war sowohl langsam als auch entschlossen. Von seinen Wurzeln in Europa hat es sich in die Vereinigten Staaten und der Rest der Welt in mehreren halbverschiedenen Stufen ausgebreitet. Vor 1890 pictorialism, die durch Verfechter erschienen sind, die hauptsächlich in England, Deutschland, Österreich und Frankreich waren. Während der 1890er Jahre hat sich das Zentrum nach New York und die vielseitigen Anstrengungen von Stieglitz bewegt. Vor 1900 hatte pictorialism Länder um die Welt erreicht, und Hauptausstellungen der bildlichen Fotografie wurden in Dutzenden von Städten gehalten.

Ein kulminierender Moment für pictorialism und für die Fotografie ist im Allgemeinen 1910 vorgekommen, als die Galerie Albright in Büffel 15 Fotographien von Stieglitz' 291 Galerie gekauft hat. Das war das erste Mal, als Fotografie als eine Kunstform offiziell anerkannt wurde, die einer Museum-Sammlung würdig ist, und es einer bestimmten Verschiebung in Denken vieler Fotografen Zeichen gegeben hat. Stieglitz, der so lange für diesen Moment gearbeitet hatte, hat durch das Anzeigen geantwortet, dass er bereits an eine neue Vision außer pictorialism dachte. Er hat geschrieben, "Es ist höchste Zeit, dass die Absurdität und Vortäuschung in der bildlichen Fotografie, ein solarplexus geschlagen werden, … Ansprüche der Kunst blasen, wird nicht tun. Lassen Sie den Fotografen eine vollkommene Fotographie machen. Und wenn er zufällig ein Geliebter der Vollkommenheit und ein Hellseher ist, wird die resultierende Fotographie gerade und - eine wahre Fotographie schön sein."

Kurz nachdem Stieglitz begonnen hat, seine Aufmerksamkeit mehr zur modernen Malerei und Skulptur und Clarence H. White zu lenken, und andere die Führung einer neuen Generation von Fotografen übernommen haben. Da die harten Realien des Ersten Weltkriegs Leute um die Welt betroffen haben, hat der Geschmack des Publikums für die Kunst der Vergangenheit begonnen sich zu ändern. Entwickelte Länder der Welt konzentriert immer mehr in der Industrie und dem Wachstum und der Kunst haben diese Änderung durch die Aufmachung hart-schneidiger Images von neuen Gebäuden, Flugzeugen und Industrielandschaften widerspiegelt.

Pictorialism hatte größtenteils seinen Kurs geführt, aber es im frühen Teil des 21. Jahrhunderts ist es jetzt populärer als jemals. Adolf Fassbender, ein Fotograf des 20. Jahrhunderts, der fortgesetzt hat, bildliche Fotographien gut in die 1960er Jahre zu machen, hat geglaubt, dass pictorialism ewig ist, weil er auf die Schönheit zuerst basiert. Er hat geschrieben, dass "Es keine Lösung im Versuchen gibt, pictorialism dafür auszurotten, würde man dann Idealismus, Gefühl und den ganzen Sinn der Kunst und Schönheit zerstören müssen. Es wird immer pictorialism geben."

Pictorialism durch das Land

Australien

Einer der primären Katalysatoren von pictorialism in Australien war John Kauffmann (1864-1942), wer fotografische Chemie studiert hat und in London, Zürich und Wien zwischen 1889 und 1897 druckend. Als er zu seinem Heimatland 1897 zurückgekehrt ist, hat er außerordentlich seine Kollegen beeinflusst, indem er ausgestellt hat, was eine Zeitung Fotographien genannt hat, die für Kunstwerke "falsch sein konnten." Im Laufe des nächsten Jahrzehnts hat ein Kern von Fotograf-Künstlern, einschließlich Harold Cazneaux, Frank Hurleys, Cecil Bostocks, Henri Mallards, Rose Simmondss und Olive Cottons, bildliche Arbeiten an Salons und Ausstellungen über das Land ausgestellt und hat ihre Fotos in der australischen Fotografischen Zeitschrift und der australasischen Photorezension veröffentlicht.

Österreich

1891 hat der Club der Amatuer Photographen in Wien (Wiener Amateurfotograf-Klub) die erste Internationale Ausstellung der Fotografie in Wien gehalten. Der Klub, der von Carl Sma, Federico Mallmann und Charles Scolik gegründet ist, wurde gegründet, um Beziehungen mit fotografischen Gruppen in anderen Ländern zu fördern. Nachdem Alfred Buschbeck Leiter des Klubs 1893 geworden ist, hat er seinen Namen zu Wiener Kamera-Klub (Wiener Kameraklub) vereinfacht und hat begonnen, eine großzügige Zeitschrift genannt Wiener Photographische Blätter zu veröffentlichen, der bis 1898 weitergemacht hat. Es hat regelmäßig Artikel von einflussreichen ausländischen Fotografen wie Alfred Stieglitz und Robert Demachy gezeigt.

Als in anderen Ländern haben gegenüberliegende Gesichtspunkte eine breitere Reihe von Fotografen im Definieren verpflichtet, was pictorialism bedeutet hat. Hans Watzek, Hugo Henneberg und Heinrich Kühn haben eine Organisation genannt Das Kleeblatt (Der Trilfolium) ausdrücklich gebildet, um den Informationsaustausch mit anderen Organisationen in anderen Ländern, besonders, Frankreich, Deutschland und den Vereinigten Staaten zu vergrößern. Am Anfang eine kleine, informelle Gruppe, Das Kleeblatt hat es Einfluss in Wiener Kamera-Klub durch seine internationalen Verbindungen vergrößert, und mehrere andere Organisationen, die pictorialism fördern, wurden in anderen Städten überall im Gebiet geschaffen. Als in anderen Ländern ist das Interesse an pictorialism verwelkt nach dem Ersten Weltkrieg, und schließlich ist der grösste Teil der österreichischen Organisation in die Zweideutigkeit während der 1920er Jahre geglitten.

Kanada

Pictorialism in Kanada hat am Anfang um Sidney Carter (1880-1956), den ersten von seinen Landsmännern im Mittelpunkt gestanden, um zum Photoabfall gewählt zu werden. Das hat ihn angeregt, eine Gruppe von bildlichen Fotografen in Toronto, den Studio-Klub in Toronto, mit Harold Mortimer-Lamb (1872-1970) und Gefährten Secessionist Percy Hodgins zusammenzubringen. 1907 hat Carter Kanadas erste Hauptausstellung der bildlichen Fotografie an Montreals Kunstvereinigung organisiert.

England

Schon in 1853 hat Amateurfotograf William J. Newton die Idee vorgeschlagen, dass "ein 'natürlicher Gegenstand', wie ein Baum, in die Übereinstimmung 'die anerkannten Grundsätze der feinen Kunst'" fotografiert werden sollte. Von dort haben andere frühe Fotografen, einschließlich Henry Peach Robinsons und Peter Henry Emersons, fortgesetzt, das Konzept der Fotografie als Kunst zu fördern. 1892 hat Robinson, zusammen mit George Davison und Alfred Maskell, die erste Organisation gewidmet spezifisch dem Ideal der Fotografie als Kunst  Der Verbundene Ring eingesetzt. Sie haben gleich gesinnte Fotografen, einschließlich Frank Sutcliffes, Frederick H. Evans, Alvin Langdon Coburns, Frederick Hollyers, James Craig Annans, Alfred Horsley Hintons und anderer eingeladen, sich ihnen anzuschließen. Bald war Der Verbundene Ring an der vordersten Reihe der Bewegung, um Fotografie als eine Kunstform betrachten zu lassen.

Nachdem Der Verbundene Ring eine ausgesuchte Gruppe von Amerikanern als Mitglieder eingeladen hat, sind Debatten über die Absichten und den Zweck des Klubs ausgebrochen. Als mehr Amerikaner als britische Mitglieder auf ihrem jährlichen Ausstellungsstück 1908 gezeigt wurde, wurde eine Bewegung eingeführt, um die Organisation zu entlassen. Vor 1910 hat sich Der Verbundene Ring aufgelöst, und seine Mitglieder sind ihren eigenen Weg gegangen.

Frankreich

Pictorialism in Frankreich wird durch zwei Namen, Constant Puyo und Robert Demachy beherrscht. 1894, zusammen mit Maurice Bucquet, haben sie den Photo-Club de Paris als eine getrennte Organisation vom Société française de photographie gegründet. Sie haben sofort eine Meinungsverschiedenheit verursacht, indem sie vier Maler und den Nationalen Inspektor für die Schönen Künste für die Jury für die 1894-Ausstellung des Klubs ausgewählt haben. 1902 haben die zwei die Revue Photographique, eine Zeitschrift angefangen, die schnell die einflussreichste französische Veröffentlichung über die Fotografie während des Anfangs des 20. Jahrhunderts geworden ist.

Deutschland

Die Brüder Theodor und Oskar Hofmeister aus Hamburg waren unter dem ersten, um für die Fotografie als Kunst in ihrem Land zu verteidigen. Auf Sitzungen der Gesellschaft für die Promotion der Amateurfotografie (Gesellschaft zur Förderung der Amateur-Photographie), andere Fotografen, einschließlich Heinrich Becks, haben George Einbeck und Otto Scharf, die Ursache von pictorialism vorgebracht. Der Homeisters, zusammen mit Heinrich Kühn, hat später Das Präsidium (Das Praesidium) gebildet, dessen Mitglieder in Hauptausstellungen an Kunsthalle in Hamburg instrumental waren.

Japan

1889 Fotografen Ogawa Kazumasa, W. K. Burton, Kashima Seibei und mehrere andere haben den Nihon Shashin-Kai gebildet (Japan Fotografische Gesellschaft), um geijutsu shashin (Kunstfotografie) in diesem Land zu fördern. Die Annahme dieses neuen Stils war zuerst langsam, aber 1893 hat Burton eine Haupteinladungsausstellung bekannt als Gaikoku Shashin-ga Tenrain-kai oder die Fotografische Auslandskunstausstellung koordiniert. Die 296 Arbeiten, die gezeigt wurden, sind aus Mitgliedern des Londoner Kameraklubs, einschließlich wichtiger Fotographien durch Peter Henry Emerson und George Davison gekommen. Die Breite und Tiefe dieser Ausstellung hatten einen enormen Einfluss auf japanische Fotografen, und es "hat das Gespräch der Kunstfotografie im ganzen Land galvanisiert." Nachdem die Ausstellung Burton beendet hat und Kashima eine neue Organisation, der Dai Nihon Shashin Hinpyō-kai (Größere Fotografie-Kritik-Gesellschaft von Japan) gegründet hat, ihre besonderen Gesichtspunkte auf der Kunstfotografie vorzubringen.

1904 wurde eine neue Zeitschrift genannt Shashin Geppo (Monatsfoto-Zeitschrift) angefangen, und viele Jahre lang war es das Mittelstück für die Förderung und Debatten über pictorialism. Die Bedeutung und Richtung der Kunstfotografie, wie verfochten, durch Ogawa und andere wurden in der neuen Zeitschrift von Fotografen Tarō Saitō und Haruki Egashira herausgefordert, der, zusammen mit Tetsusuke Akiyama und Seiichi Katō, eine neue als Yūtsuzu-sha bekannte Gruppe gebildet hat. Diese neue Gruppe hat ihre eigenen Konzepte dessen gefördert, was sie "die innere Wahrheit" der Kunstfotografie genannt haben. Für das nächste Jahrzehnt haben viele Fotografen auf eine dieser zwei Organisationen ausgerichtet.

In den 1920er Jahren wurden neue Organisationen gebildet, der den Übergang zwischen pictorialism und Modernismus überbrückt hat. Am prominentesten unter diesen war Shashin Geijustu-sha (Fotografische Kunstgesellschaft) gebildet durch Shinzō Fukuhara und seinen Bruder Rosō Fukuhara. Sie haben das Konzept von hikari zu sono kaichō gefördert (Licht mit seiner Harmonie), der eine offene Manipulation eines Images für weich eingestellte Images mit dem Silbergelatine-Druck zurückgewiesen hat.

Die Niederlande

Die erste Generation von holländischem pictorialists, einschließlich Bram Lomans, Chris Schuvers und Carl Emile Mögles, hat begonnen, 1890 zu arbeiten. Sie haben sich am Anfang auf naturalistische Themen konzentriert und haben Platin-Druck bevorzugt. Obwohl am Anfang es keine holländische Entsprechung vom Verbundenen Ring oder Photoabfall gab, haben mehrere kleinere Organisationen zusammengearbeitet, um den Ersten Internationalen Salon für die Kunstfotografie 1904 zu erzeugen. Drei Jahre später Adriann Bure, Ernest Loeb, haben Johan Huijsen und andere den holländischen Klub für die Kunstfotografie gegründet (Nederlandsche Klub voor Foto-Kunst), der eine wichtige Sammlung der bildlichen an der Leiden Universität jetzt aufgenommenen Fotografie angehäuft hat. Eine zweite Generation von holländischem pictorialists hat Henri Berssenbrugge, Bernard Eilers und Berend Zweers eingeschlossen.

Spanien

Die Hauptzentren der bildlichen Fotografie in Spanien waren Madrid und Barcelona. Die Führung der Bewegung in Madrid war Antonio Cánovas, der den Real Sociedad Fotográfica de Madrid gegründet hat und die Zeitschrift La Fotografía editiert hat. Cánovas hat behauptet, erst zu sein, um künstlerische Fotografie nach Spanien einzuführen, aber während seiner Karriere ist er eingewurzelt im allegorischen Stil des frühen englischen pictorialists wie Robinson geblieben. Er hat sich geweigert, jede Oberflächenmanipulation in seinen Drucken zu verwenden, sagend, dass Stil "nicht ist, nicht sein kann und Fotografie nie sein wird." . Andere einflussreiche Fotografen im Land waren Carlos Iñigo, Manueller Renon, Joan Vilatobà und eine Person bekannt nur als der Conde de la Ventosa. Verschieden vom Rest Europas ist pictorialism populär in Spanien im Laufe der 1920er Jahre und der 1930er Jahre geblieben, und Ventosa war der fruchtbarste pictorialist dieser Periode. Leider bleiben sehr wenige ursprüngliche Drucke von einigen dieser Fotografen; die meisten ihrer Images sind jetzt nur von der Zeitschrift-Fortpflanzung bekannt.

Die Vereinigten Staaten

Eine der Schlüsselfiguren im Herstellen sowohl die Definition als auch Richtung von pictorialism war Amerikaner Alfred Stieglitz, der als ein Dilettant begonnen hat, aber schnell die Promotion von pictorialism seinen Beruf und Obsession gemacht hat. Durch seine Schriften, sein Organisieren und seine persönlichen Anstrengungen, bildliche Fotografen vorwärts zu gehen und zu fördern, war Stieglitz eine dominierende Zahl in pictorialism von seinen Anfängen bis zu seinem Ende. Von deutschen Fotografen 1892 in den Fußstapfen tretend, hat Stieglitz eine Gruppe eingesetzt, die er den Photoabfall in New York genannt hat. Stieglitz hat die Mitglieder der Gruppe mit der Hand gepflückt, und er hat dicht kontrolliert, was sie getan hat, und als sie es getan hat. Indem er Fotografen ausgewählt hat, deren Vision nach seinem, einschließlich Gertrude Käsebiers, Eva Watson-Schütze, Alvin Langdon Coburns, Edward Steichens und Joseph Keileys ausgerichtet wurde, hat Stieglitz einen Kreis von Freunden gebaut, die enormen individuellen und gesammelten Einfluss über die Bewegung hatten, um Fotografie als Kunst akzeptieren zu lassen. Stieglitz hat auch ständig pictorialism durch zwei Veröffentlichungen gefördert, die er, Kamerazeichen und Kameraarbeit editiert hat, und indem er eingesetzt hat und eine Galerie in New York geführt hat, das viele Jahre lang nur bildliche Fotografen (die Kleinen Galerien des Photoabfalls) ausgestellt hat.

Während viel am Anfang in den Mittelpunkt gestellt um Stieglitz, pictorialism in den Vereinigten Staaten nach New York nicht beschränkt wurde. In Boston F. Hollander Tag war einer der fruchtbarsten und bekannten pictorialists seiner Zeit. Clarence H. White, der außergewöhnliche bildliche Fotographien erzeugt hat, während in Ohio, hat fortgesetzt, eine ganze neue Generation von Fotografen zu unterrichten. Auf der Westküste haben der Kameraklub von Kalifornien und Südliche Kameraklub von Kalifornien prominente pictorialists Annie Brigman, Arnold Genthe, Adelaide Hanscom Leeson, Emily Pitchford und William E. Dassonville eingeschlossen. Später wurde der Seattler Kameraklub mit einer Gruppe von japanisch-amerikanischem pictorialists, einschließlich Dr Kyo Koike, Frank Asakichi Kunishiges und Iwao Matsushitas angefangen.

Techniken

Bildliche Fotografen haben begonnen, indem sie einen gewöhnlichen Glasteller oder negativen Film genommen haben. Einige haben den Fokus der Szene angepasst oder haben eine spezielle Linse verwendet, um ein weicheres Image zu erzeugen, aber größtenteils hat das Druckverfahren das Endäußere der Fotographie kontrolliert. Pictorialists hat eine Vielfalt von Papieren und chemischen Prozessen verwendet, um besondere Effekten zu erzeugen, und einige haben dann die Töne und Oberfläche von Drucken mit Bürsten, Tinte oder Pigmenten manipuliert. Der folgende ist eine Liste der meistens verwendeten bildlichen Prozesse. Mehr Details über diese Prozesse können in Crawford (Seiten 8595) und in Daum (Seiten 332334) gefunden werden. Wenn sonst nicht bemerkt, werden die Beschreibungen unten aus diesen zwei Büchern zusammengefasst.

• Bromoil: Das ist eine Variante auf dem Öldruckprozess, der einem Druck erlaubt, vergrößert zu werden. In diesem Prozess wird ein regelmäßiger Silbergelatine-Druck gemacht, dann in einer Lösung des Kaliums bichromate gebleicht. Das härtet die Oberfläche des Drucks und erlaubt Tinte, dabei zu bleiben. Sowohl die leichteren als auch dunkleren Gebiete eines Bromoil-Drucks können manipuliert werden, eine breitere Tonreihe zur Verfügung stellend, als ein Öldruck.
• Kohlenstoff-Druck: Das ist ein äußerst feiner Druck, der durch Überzug-Papiertaschentuch mit dem Kalium bichromate, Kohlenstoff gemacht ist, schwarz oder ein anderes Pigment und Gelatine. Kohlenstoff-Drucke können außergewöhnliches Detail zur Verfügung stellen und sind unter den am meisten dauerhaften von allen fotografischen Drucken. Wegen der Stabilität des Papiers sowohl vorher als auch nach der Verarbeitung war Kohlenstoff-Druck-Gewebe eines der frühsten gewerblich gemachten fotografischen Produkte.
• Cyanotype: Einer der frühsten fotografischen Prozesse, cyanotypes hat eine kurze Erneuerung erfahren, als pictorialists mit ihren tiefblauen Farbentönen experimentiert hat. Die Farbe ist aus Überzug-Papier mit mit dem Licht empfindlichen Eisensalzen gekommen.
• Kaugummi bichromate: Einer der Lieblinge der pictorialist, diese Drucke wurden durch die Verwendung des Gummiarabikums, Kalium bichromate und die farbigen Pigmente des eines oder mehr Künstlers zu Papier gemacht. Diese sensibilisierte Lösung wird langsam hart, wo Licht sie schlägt, und diese Gebiete biegsam seit mehreren Stunden bleiben. Der Fotograf hatte sehr viel Kontrolle, indem er die Mischung der Lösung geändert hat, eine kürzere oder längere Aussetzung erlaubend, und indem er sich gebürstet hat oder die pigmented Gebiete nach der Aussetzung gerieben hat.
• Öldruck: Gemacht durch die Verwendung schmieriger Tinten auf Papier, das mit einer Lösung des Kaugummis bichromate und der Gelatine angestrichen ist. Wenn ausgestellt, obwohl eine Verneinung, die Kaugummi-Gelatine hart wird, wo Licht sie schlägt, während unbelichtete Gebiete weich bleiben. Die Tinten des Künstlers werden dann durch die Bürste angewandt, und die Tinten kleben nur an den gehärteten Gebieten. Durch diesen Prozess kann ein Fotograf die leichteren Gebiete eines Kaugummi-Drucks manipulieren, während die dunkleren Gebiete stabil bleiben. Ein Öldruck kann nicht vergrößert werden, da es im direkten Kontakt mit der Verneinung sein muss.
• Platin-Druck: Platin-Drucke verlangen einen Zwei-Schritte-Prozess. Erstens wird Papier mit Eisensalzen sensibilisiert und im Kontakt mit einer Verneinung ausgestellt, bis ein schwaches Image gebildet wird. Dann wird das Papier in einem Prozess chemisch entwickelt, der die Eisensalze durch Platin ersetzt. Das erzeugt ein Image mit einer sehr breiten Reihe von Tönen, jeder höchst begriffen.

Bildliche Fotografen

Folgender ist zwei Listen von prominenten Fotografen, die sich mit pictorialism während ihrer Karrieren beschäftigt haben. Die erste Liste schließt Fotographien ein, die vorherrschend pictorialists für alle oder fast alle ihre Karrieren (allgemein diejenigen waren, die von 1880-1920 energisch sind). Die zweite Liste schließt Fotografen des 20. Jahrhunderts ein, die einen bildlichen Stil früh in den Karrieren verwendet haben, aber die für die reine oder gerade Fotografie wohl bekannter sind.

Fotografen, die predominately pictorialists waren

• James Craig Annan, 1846-1946, schottischer
• Zaida Ben-Yusuf, 1898-1933, amerikanischer
• Fernand Bignon (1888-1969), französischer
• Alice Boughton, 1866?-1943, amerikanischer
• Annie Brigman, 1869-1950, amerikanischer
• Julia Margaret Cameron1815-1879, englischer
• Rose Clark, 1852-1942, amerikanischer
• Alvin Langdon Coburn, 1882-1966, amerikanischer/englischer
• F. Hollander Tag, 1864-1933, amerikanischer
• George Davison, 1854-1930, englischer
• Robert Demachy (1859-1936), französischer
• Mary Devens, 1857-1920, amerikanischer
• Pierre Dubreuil (1872-1944), französischer
• Rudolf Eickemeyer der Jüngere. (1862-1932), amerikanischer
• Peter Henry Emerson (1856-1936), Engländer]
• Frederick H. Evans (1853-1943), englischer
• Frank Eugene, 1865-1936, amerikanischer
• Ogawa Isshin, 1860-1929, japanischer
• Gertrude Käsebier (1852-1934), amerikanischer
• Kashima Seibei, 1866-1924, japanischer
• Joseph Keiley, 1869-1914
• Heinrich Kühn, 1866-1944, österreichischer
• Sarah Ladd, 1860-1927, amerikanischer
• Adelaide Hanscom Leeson, amerikanischer
• Eugene Lemaire (1874-1948), belgischer
• Gustave Marissiaux (1872-1929), belgischer
• Adoph de Meyer, 1868-1949, französischer/deutscher
• Léonard Missone (1870-1943), belgischer
• Ogawa Kazumasa, 1860-1929, japanischer
• Constant Puyo (1857-1933), französischer
• Jane Reece, 1868?-1961, amerikanischer
• Henry Peach Robinson, 1830-1901, englischer
• Sarah Choate, Verdorrt 1858-1935, amerikanischer
• George Seeley, 1880-1955, amerikanischer
• Alfred Stieglitz (1864-1946), amerikanischer
• Karl Struss (1886-1981), amerikanischer
• Frank Sutcliffe, 1853-1941, englischer
• John William Twycross 1871-1936, australischer
• Elizabeth Flint Wade, 1849-1915, amerikanischer
• Eva Watson-Schütze, 1867-1935, amerikanischer
• Hans Watzek, 1843-1903, österreichischer
• Clarence H. White, 1871-1925, amerikanischer
• Myra Albert Wiggins, 1869-1956, amerikanischer

Fotografen des 20. Jahrhunderts, die als pictorialists begonnen

• Ansel Adams, 1902-1984, amerikanischer
• Cecil Bostock 1884-1939 australische
• Imogen Cunningham, 1883-1976, amerikanischer
• Laura Gilpin, 1891-1979, amerikanischer
• Margrethe Mather, 18861952, amerikanischer
• Olivbaumwolle, 1911-2003, australischer
• Edward Steichen, 1879-1973, amerikanischer
• Edward Weston, 1886-1958, amerikanischer

Siehe auch

• Bromoil Prozess
• Kohlenstoff-Druck
• Kaugummi bichromate
• Verbundener Ring
• Anderson, Paul L. Die Feine Kunst der Fotografie. Philadelphia: Lippincott, 1919.
• Anderson, Paul L. Pictorial Photography: Es sind Grundsätze und Praxis. Allgemeine Bücher, 2009. (Nachdruck der 1917-Ausgabe). Internationale Standardbuchnummer 1-153-08767-7
• Braun, Julie K. Contesting Images: Fotografie und die Kolumbianische Ausstellung In der Welt. Tucson: Universität der Arizoner Presse, 1994. Internationale Standardbuchnummer 0-8165-1382-1
• Bunnell, Peter. Eine Fotografische Vision: Bildliche Fotografie, 1889-1923. Salt Lake City, Utah: Peregrine Smith, 1980. Internationale Standardbuchnummer 0-87905-059-4
• Crawford, William. Die Bewahrer des Lichtes, Einer Geschichte & Arbeitshandbuches zu Frühen Fotografischen Prozessen. Dobbs Fährschiff, NT: Morgan & Morgan, 1979. Internationale Standardbuchnummer 871001586
• Daum, Patrick (Hrsg.). Impressionistische Kamera: Bildliche Fotografie in Europa, 1888-1918 (2006). Internationale Standardbuchnummer 1-85894-331-0
• Doty, Robert. Photoabfall, Fotografie als Feine Kunst. Rochester, New York: Haus von George Eastman, 1960.
• Emerson, Peter Henry. "Fotografie, Eine Bildliche Kunst." Der Amateurfotograf. Vol 3 (am 19. März 1886), Seiten 138-139.
• Fulton, Marianne mit Bonnie Yochelson und Kathleen A. Erwin. Pictorialism in den Modernismus: Die Schule von Clarence H. White der Fotografie. NY: Rizzoli, 1996. Internationale Standardbuchnummer 0-8478-1936-1
• Harker, Margaret. Der Verbundene Ring: Die Abfall-Bewegung in der Fotografie in Großbritannien, 18921910. London" Heinemann, 1979
• Johnson, Drew Heath. Das Gefangennehmen des Lichtes: Masterpeieces Kaliforniens Photographys, 1850 zur Gegenwart. Oakland: Oaklander Museum der Kunst, 2001. Internationale Standardbuchnummer
• König, S. Carl. Fotografische Impressionisten Spaniens: Eine Geschichte der Ästhetik und Technik der Bildlichen Fotografie. Lewiston, New York: Edwin Meller Press, 1989. Internationale Standardbuchnummer 0-88946-564-9
• Kolton, L. A. (Hrsg.).. Private Bereiche des Lichtes: Amateurfotografie in Kanada, 1839-1940. Toronto: Fitzhenry und Whiteside, 1984. Internationale Standardbuchnummer 0-88902-744-7
• Leijerzapf, Ingeborg Th. Juwelen voor een fotomuseum / Meisterwerke der holländischen Bildlichen Fotografie 1890-1915. Leiden: Kombi von Stichting Vrienden het Prentenkabinet van de Universiteit, 1998. Internationale Standardbuchnummer 90 804274 2 X
• Martin, David und Nicolette Bromberg. Schatten einer Flüchtigen Welt: Bildliche Fotografie und der Seattler Kameraklub. Seattle: Die Kunstgalerie Henry, 2011. Internationale Standardbuchnummer 0-295-99085-6
• McCarroll. Stacey. Kalifornien Dreamin': Kameraklubs und die Bildliche Fotografie-Tradition. Boston: Bostoner Universität Kunstgalerie, 2004. Internationale Standardbuchnummer 1 881450 21 X
• Naef, Weston J. Die Sammlung von Alfred Stieglitz, Fünfzig Pionieren der Modernen Fotografie. NY: Wikinger-Presse, 1978. Internationale Standardbuchnummer 0-670-67051-0
• Nori, Claude. Französische Fotografie von Seinen Ursprüngen bis die Gegenwart. New York; Pantehon, 1979. Internationale Standardbuchnummer 0-394-50670-7
• Roberts, Pam (Hrsg.). Alfred Stieglitz: Kameraarbeit, Die Ganzen Fotographien das 1903-1917 Köln: Taschen, 1998. Internationale Standardbuchnummer 3-8228-3784-9
• Grün, Jonathan. Kameraarbeit: Eine Kritische Anthologie. NY: Öffnung, 1973. Internationale Standardbuchnummer 0-912334-73-8
• Padon, Thomas (Hrsg.).. Wahrheitsschönheit, Pictorialism und die Fotographie als Kunst, 1845  1945. Vancouver, v. Chr.: Kunstgalerie von Vancouver, 2008. Internationale Standardbuchnummer 978-1-55365-294-6
• Peterson, Christian A. Nach der Photositzung: Amerikanische Bildliche Fotografie 1910-1955. New York: Norton, 1997. Internationale Standardbuchnummer 0-393-04111-5
• Rosenblum, Naomi. Eine Weltgeschichte der Fotografie. New York: Abbeville Presse, 1989. Internationale Standardbuchnummer 1-55859-054-4
• Scharf, Aaron. Kunst und Fotografie. New York: Pinguin, 1991. Internationale Standardbuchnummer 0-14-013132-9
• Sternberger, Paul Spencer. Zwischen dem Dilettanten & Ästheten: Die Legitimierung der Fotografie als Kunst in Amerika, 1880-1900. Albuquerque: Universität der Presse von New Mexico, 2001. Internationale Standardbuchnummer 0-8263-2151-8
• Taylor, John. Bildliche Fotografie in Großbritannien, 1900-1920. London: Kunstrat Großbritanniens, 1978. Internationale Standardbuchnummer 0-7287-0171-5
• Essen, Anne Wilkes (Hrsg.). Die Geschichte der japanischen Fotografie. Neuer Hafen: Yale Universität Presse, 2003. Internationale Standardbuchnummer 0-300-09925-8
• Watriss, Wendy (Hrsg.). Image und Gedächtnis: Fotografie von Lateinamerika, 1866-1994. Austin: Universität der Presse von Texas, 1998. Internationale Standardbuchnummer 0-292-79118-6
• Wilson, Michael und Reed, Dennis. Pictorialism in Kalifornien: Fotographien 1900-1940. Malibu: Getty-Museum, 1994. Internationale Standardbuchnummer 0-89236-312-6

Referenzen

Links

• Im Lob von Pictorialism: Früh Bildliche Fotografie. Eine Diskussion über die bildliche Fotografie und 28 Beispiele dieses Stils.