Japanische Kunst bedeckt eine breite Reihe von Kunststilen und Medien, einschließlich alter Töpferwaren, Skulptur in Holz und Bronze, Tintenanstrich auf Seide und Papier und mehr kürzlich manga, Cartoon zusammen mit einer Myriade anderer Typen von Kunstwerken. Es hat auch eine lange Geschichte im Intervall von den Anfängen der menschlichen Wohnung in Japan einmal im 10. Millennium v. Chr. zur Gegenwart.

Historisch ist Japan plötzlichen Invasionen von neuen und ausländischen Ideen unterworfen gewesen, die von langen Zeiträumen des minimalen Kontakts mit der Außenwelt gefolgt sind. Mit der Zeit haben die Japaner die Fähigkeit entwickelt, schließlich jene Elemente der Auslandskultur zu absorbieren, zu imitieren, und zu assimilieren, die ihre ästhetischen Einstellungen ergänzt hat. Die frühste komplizierte Kunst in Japan wurde in den 7. und 8. Jahrhunderten im Zusammenhang mit dem Buddhismus erzeugt. Im 9. Jahrhundert, als die Japaner begonnen haben, sich von China abzuwenden und einheimische Formen des Ausdrucks zu entwickeln, sind die weltlichen Künste immer wichtiger geworden; bis zum Ende des 15. Jahrhunderts sind sowohl religiöse als auch weltliche Künste gediehen. Nach dem Ōnin Krieg (1467-1477) ist Japan in eine Periode der politischen, sozialen und wirtschaftlichen Störung eingegangen, die seit mehr als einem Jahrhundert gedauert hat. Im Staat, der Unter Führung Tokugawa shogunate erschienen ist, hat organisierte Religion eine viel weniger wichtige Rolle in den Leben von Leuten gespielt, und die Künste, die überlebt haben, waren in erster Linie weltlich.

Malerei ist der bevorzugte künstlerische Ausdruck in Japan, das von Dilettanten und Fachleuten gleich geübt ist. Bis zu den modernen Zeiten haben die Japaner mit einer Bürste aber nicht einem Kugelschreiber geschrieben, und ihre Vertrautheit mit Pinseltechniken hat sie besonders empfindlich zu den Werten und der Ästhetik der Malerei gemacht. Mit dem Anstieg der populären Kultur in der Periode von Edo hat ein Stil von Holzschnitt-Drucken gerufen ukiyo-e ist eine Hauptkunstform geworden, und seine Techniken waren abgestimmt fein, um bunte Drucke von allem von täglichen Nachrichten bis Schulbücher zu erzeugen. Die Japaner, in dieser Periode, haben Skulptur ein viel weniger mitfühlendes Medium für den künstlerischen Ausdruck gefunden; der grösste Teil japanischen Skulptur wird mit der Religion und dem mit der sich vermindernden Wichtigkeit vom traditionellen Buddhismus geneigten Gebrauch des Mediums vereinigt.

Japanische Keramik ist unter dem feinsten in der Welt und schließt die frühsten bekannten Kunsterzeugnisse ihrer Kultur ein. In der Architektur werden japanische Einstellungen für natürliche Materialien und eine Wechselwirkung des Innen- und Außenraums klar ausgedrückt.

Heute, Rivalen von Japan die meisten anderen modernen Nationen in seinen Beiträgen zur modernen Kunst, Mode und Architektur, mit Entwicklungen eines aufrichtig modernen, globalen, und multikulturell (oder acultural) Begabung.

Geschichte der japanischen Kunst

Jōmon Kunst

Die ersten Kolonisten Japans, die Jōmon Leute (c 11000?-c 300 v. Chr.), genannt für die Schnur-Markierungen, die die Oberflächen ihrer Tonbehälter geschmückt haben, waren nomadische Jäger-Sammler, die später organisierte Landwirtschaft geübt haben und Städte mit der Bevölkerung von Hunderten wenn nicht Tausenden gebaut haben. Sie haben einfache Häuser von Holz und Strohdach-Satz in seichte irdene Gruben gebaut, um Wärme vom Boden zur Verfügung zu stellen. Sie haben großzügig geschmückte Töpferwaren-Lagerungsbehälter gefertigt, Tonfigürchen haben dogū und Kristalljuwelen genannt.

Kunst von Yayoi

Die folgende Welle von Einwanderern war die Leute von Yayoi, die für den Bezirk in Tokio genannt sind, wo Reste ihrer Ansiedlungen zuerst gefunden wurden. Diese Leute, in Japan ungefähr 350 v. Chr. ankommend, haben ihre Kenntnisse der Feuchtgebiet-Reiskultivierung, die Fertigung von Kupferwaffen und Bronzeglocken (dōtaku), und radgeworfene, Brennofen-angezündete Keramik gebracht.

Kunst von Kofun

Die dritte Bühne in der japanischen Vorgeschichte, Kofun, oder Hügelgrab, Periode (c n.Chr. 250-552), vertritt eine Modifizierung der Kultur von Yayoi, zuzuschreibend entweder zur inneren Entwicklung oder zu Außenkraft. Die Periode wird für die großen Beträge kofun geschaffen während dieser Periode genannt. In dieser Periode haben verschiedene Gruppen von Leuten politische Verbindungen gebildet und haben in eine Nation verschmelzt. Typische Kunsterzeugnisse sind Bronzespiegel, Symbole von politischen Verbindungen, und Tonskulpturen haben haniwa genannt, die außerhalb Grabstätten aufgestellt wurden.

Asuka und Kunst von Nara

Während der Perioden von Asuka und Nara so genannt, weil der Sitz der japanischen Regierung im Asuka Tal von 552 bis 710 und in der Stadt Nara bis 784 gelegen wurde, hat die erste bedeutende Invasion durch die asiatische Kontinentalkultur in Japan stattgefunden.

Die Übertragung des Buddhismus hat den anfänglichen Impuls für Kontakte zwischen China, Korea und Japan zur Verfügung gestellt. Die Japaner haben die Seiten der chinesischen Kultur anerkannt, die in ihr eigenes rentabel vereinigt werden konnte: Ein System, um Ideen und Töne ins Schreiben umzuwandeln; Historiographie; komplizierte Theorien der Regierung, wie eine wirksame Bürokratie; und, am wichtigsten für die Künste, neuen Technologien, neuen Bautechniken, fortgeschrittenere Methoden, sich in Bronze, und neuen Techniken und Medien für die Malerei zu werfen.

Im Laufe der 7. und 8. Jahrhunderte, jedoch, des Hauptfokus in Kontakten zwischen Japan und dem asiatischen Kontinent war die Entwicklung des Buddhismus. Nicht alle Gelehrten einigen sich über die bedeutenden Daten und die passenden Namen, um für verschiedene Zeitabschnitte zwischen 552, das offizielle Datum der Einführung des Buddhismus in Japan, und 784 zu gelten, als das japanische Kapital von Nara übertragen wurde. Die allgemeinsten Benennungen sind die Periode von Suiko, 552-645; die Hakuhō Periode, 645-710, und die Tenpyō Periode, 710-784.

Auf die frühsten japanischen Skulpturen des Buddha wird zum 6. und das 7. Jahrhundert datiert. Sie sind schließlich auf den 1. - das 3. Jahrhundert CE Greco-buddhistische Kunst von Gandhara zurückzuführen, der charakterisiert ist, indem er Kleid-Muster und realistische Übergabe überflutet, auf der chinesische und koreanische künstlerische Charakterzüge überlagert waren. Nachdem die chinesische Nördliche buddhistische Kunst von Wei eine koreanische Halbinsel eindringen lassen hatte, buddhistische Ikonen war das gebrachte Japan durch koreanische Einwanderer. Besonders wurde die halbsitzende Form von Maitreya in einen hoch entwickelten Alten griechischen Kunststil angepasst, der nach Japan, wie gezeigt, durch den Kōryū-ji Miroku Bosatsu und die Chūgū-ji Siddhartha Bildsäulen übersandt wurde. Obwohl viele Historiker Korea als ein bloßer Sender des Buddhismus porträtieren, waren die Drei Königreiche und besonders Baekje, als energische Agenten in der Einführung und Bildung einer buddhistischen Tradition in Japan in 538 oder 552 instrumental.

Sie illustrieren den Endpunkt der Übertragung der Silk Road der Kunst während der ersten paar Jahrhunderte unseres Zeitalters. Andere Beispiele können in der Entwicklung der Ikonographie des japanischen Fūjin Windgottes, der Niō Wächter und der nah-klassischen Blumenmuster in Tempel-Dekorationen gefunden werden.

Die frühsten buddhistischen Strukturen, die noch in Japan und den ältesten Holzgebäuden im Fernen Osten noch vorhanden sind, werden am Hōryū-ji nach Südwesten von Nara gefunden. Zuerst gebaut am Anfang des 7. Jahrhunderts als der private Tempel des Kronprinzen Shōtoku besteht es aus 41 unabhängigen Gebäuden. Die wichtigsten, der Hauptanbetungssaal, oder Kondō (Goldener Saal), und Gojū-no-tō (Fünfstöckige Pagode), stehen im Zentrum eines offenen von einem roofed Kloster umgebenen Gebiets. Der Kondō, im Stil von chinesischen Anbetungssälen, ist eine zweistöckige Struktur des post-beam Aufbaus, der durch einen irimoya oder versessenes Satteldach von keramischen Ziegeln bedeckt ist.

Innerhalb des Kondō, auf einer großen rechteckigen Plattform, sind einige der wichtigsten Skulpturen der Periode. Das Hauptimage ist eine Shaka Dreieinigkeit (623), der historische durch zwei bodhisattvas flankierte Buddha, Skulptur-Wurf in Bronze durch den Bildhauer Tori Busshi (ist Anfang des 7. Jahrhunderts gediehen) in der Huldigung dem kürzlich gestorbenen Prinzen Shōtoku. An den vier Ecken der Plattform sind die Wächter-Könige der Vier Richtungen, die in Holz ungefähr 650 geschnitzt sind. Auch aufgenommen an Hōryū-ji ist der Tamamushi Schrein, eine Holzreplik eines Kondō, der auf einer hohen Holzbasis gesetzt wird, die mit figural Bildern geschmückt wird, die in einem Medium von mit dem Lack gemischten Mineralpigmenten durchgeführt sind.

Tempel-Gebäude wurde im 8. Jahrhundert um den Tōdai-ji in Nara eingestellt. Gebaut als das Hauptquartier für ein Netz von Tempeln in jeder der Provinzen ist der Tōdaiji der ehrgeizigste religiöse Komplex, der in den frühen Jahrhunderten der buddhistischen Anbetung in Japan aufgestellt ist. Passend ist der (53-ft) 16.2-M-Buddha (hat 752 vollendet), eingeschlossen im Hauptsaal von Buddha oder Daibutsuden, eine Rushana Buddha, die Zahl, die die Essenz von Buddhahood vertritt, wie der Tōdaiji das Zentrum für den Kaiserlich gesponserten Buddhismus und seine Verbreitung überall in Japan vertreten hat. Nur einige Bruchstücke der ursprünglichen Bildsäule überleben, und der gegenwärtige Saal und zentraler Buddha sind Rekonstruktionen von der Periode von Edo.

Gebündelt um Daibutsuden auf einem freundlich schrägen Hang sind mehrere sekundäre Säle: Der Hokke-dō (Saal von Lotus Sutra), mit seinem Hauptimage, Fukukenjaku Kannon (der populärste bodhisattva), gefertigt des trockenen Lacks (hat Stoff im Lack eingetaucht und hat sich über eine Holzarmatur geformt); Kaidanin (Ordinationssaal) mit seinen großartigen Tonbildsäulen der Vier Wächter-Könige; und der Stapelplatz, genannt den Shōsōin. Diese letzte Struktur ist als ein kunsthistorisches geheimes Lager von großer Bedeutung, weil darin die Werkzeuge versorgt werden, die in der Hingabe-Zeremonie des Tempels in 752, das augenöffnende Ritual für das Image von Rushana, sowie die Regierungsdokumente und viele weltliche von der Reichsfamilie besessene Gegenstände verwendet wurden.

Kunst von Heian

In 794 wurde die Hauptstadt Japans Heian-kyō offiziell übertragen (heutiger Kyoto), wo es bis 1868 geblieben ist. Die Begriff-Periode von Heian bezieht sich auf die Jahre zwischen 794 und 1185, als Kamakura shogunate am Ende des Genpei Krieges gegründet wurde. Die Periode wird weiter in frühen Heian und späten Heian, oder Zeitalter von Fujiwara, das Angeldatum geteilt, das 894, das Jahr ist, Reichsbotschaften nach China wurden offiziell unterbrochen.

Frühe Heian Kunst: In der Reaktion zum wachsenden Reichtum und der Macht des organisierten Buddhismus in Nara, dem Priester ist Kūkai (am besten bekannt durch seinen postumen Titel Kōbō Daishi, 774-835) nach China gereist, um Shingon, eine Form des Vajrayana Buddhismus zu studieren, den er in Japan in 806 eingeführt hat. Am Kern von Shingon ist die Anbetung mandalas, Diagramme des geistigen Weltalls, das dann begonnen hat, Tempel-Design zu beeinflussen. Japanische buddhistische Architektur hat auch den stupa, ursprünglich eine architektonische Indianerform in seiner chinesisch-artigen Pagode angenommen.

Die für diese neue Sekte aufgestellten Tempel wurden in den Bergen, weit weg vom Gericht und dem Laienstand im Kapital gebaut. Die unregelmäßige Topografie dieser Seiten hat japanische Architekten gezwungen, die Probleme des Tempel-Aufbaus nochmals zu überdenken, und auf diese Weise mehr einheimische Elemente des Designs zu wählen. Dächer des Zypresse-Rindes haben diejenigen des keramischen Ziegels ersetzt, Holzbretter wurden statt irdener Stöcke verwendet, und ein getrenntes Anbetungsgebiet für den Laienstand wurde vor dem Hauptheiligtum hinzugefügt.

Der Tempel, der am besten den Geist von frühen Tempeln von Heian Shingon widerspiegelt, ist der Murō-ji (Anfang des 9. Jahrhunderts), Satz tief in einem Standplatz von Zypresse-Bäumen auf einem Berg südöstlich von Nara. Das Holzimage (auch früher 9. c.) Shakyamuni ist der "historische" Buddha, der in einem sekundären Gebäude am Murō-ji eingeschlossen ist, für die frühe Skulptur von Heian mit seinem schwerfälligen Körper typisch, der durch dicke Vorhang-Falten bedeckt ist, die im hompa-shiki (Rollen-Welle) Stil und sein strenger, zurückgezogener Gesichtsausdruck geschnitzt sind.

Kunst von Fujiwara: In der Periode von Fujiwara ist Reiner Landbuddhismus, der leichte Erlösung durch den Glauben an Amida (der Buddha des Westparadieses) angeboten hat, populär geworden. Diese Periode wird nach der Familie von Fujiwara, dann das stärkste im Land genannt, wer als Regenten für den Kaiser, das Werden, tatsächlich, die Zivildiktatoren geherrscht hat. Gleichzeitig hat der Adel von Kyoto eine eleganten ästhetischen Verfolgungen gewidmete Gesellschaft entwickelt. So sicher und schön war ihre Welt, dass sie das Paradies als viel verschieden seiend nicht empfangen konnten. Sie haben eine neue Form des Saals von Buddha, des Saals von Amida geschaffen, der das weltliche mit dem religiösen vermischt, und ein oder mehr Images von Buddha innerhalb einer Struktur aufnimmt, die den Herrenhäusern des Adels ähnelt.

Der Hō-ō-dō (Saal von Phönix, vollendet 1053) Byōdō-in, ein Tempel in Uji nach Südosten von Kyoto, ist das Vorbild von Sälen von Fujiwara Amida. Es besteht aus einer rechteckigen Hauptstruktur, die durch zwei L-shaped Flügel-Gänge und einen Schwanz-Gang flankiert ist, der am Rand eines großen künstlichen Teichs gesetzt ist. Innen, ein einzelnes goldenes Image von Amida (c. 1053) wird auf einer hohen Plattform installiert. Die Amida Skulptur wurde durch Jōchō durchgeführt, wer einen neuen Kanon von Verhältnissen und eine neue Technik (yosegi) verwendet hat, in dem vielfache Stücke von Holz wie Schalen gestaltet und von innen angeschlossen werden. Angewandt auf die Wände des Saals sind kleine Entlastungsholzschnitzereien von celestials, der Gastgeber hat geglaubt, um Amida begleitet zu haben, als er vom Westparadies hinuntergestiegen ist, um die Seelen von Gläubigern im Moment des Todes zu sammeln und sie in Lotusblume-Blüten zum Paradies zu transportieren. Raigō Bilder auf den Holztüren des Hō-ō-dō, den Abstieg des Amida Buddha zeichnend, sind ein frühes Beispiel von Yamato-e, japanisch-artiger Malerei, und enthalten Darstellungen der Landschaft um Kyoto.

E-maki: Im letzten Jahrhundert der Periode von Heian, der horizontale, illustrierte Bericht handscroll, bekannt als e-maki (, angezündet. "Bilderschriftrolle"), ist hervorgetreten. Ungefähr von 1130 datierend, vertritt das illustrierte 'Märchen von Genji' einen der Höhepunkte der japanischen Malerei. Geschrieben ungefähr dem Jahr 1000 durch Murasaki Shikibu, eine Hofdame der Kaiserin Akiko, befasst sich der Roman mit dem Leben und liebt Genji und der Welt des Gerichtes von Heian nach seinem Tod. Die Künstler des 12. Jahrhunderts der e-maki Version haben ein System der bildlichen Vereinbarung ausgedacht, die visuell den emotionalen Inhalt jeder Szene befördert. In der zweiten Hälfte des Jahrhunderts ist ein verschiedener, lebhafterer Stil der dauernden Bericht-Illustration populär geworden. Der Ban Dainagon Ekotoba (gegen Ende des 12. Jahrhunderts), eine Schriftrolle, die sich mit einer Intrige am Gericht befasst, betont Zahlen in der aktiven Bewegung, die in schnell durchgeführten Pinselstrichen und dünnen, aber vibrierenden Farben gezeichnet ist.

E-maki dienen auch als einige der frühsten und größten Beispiele des otoko-e (Die Bilder von Männern) und onna-e (Frauenbilder) Stile der Malerei. Es gibt viele feine Unterschiede in den zwei Stilen, an die ästhetischen Einstellungen der Geschlechter appellierend. Aber vielleicht am leichtesten bemerkenswert sind die Unterschiede im Gegenstand. Onna-e, der durch das Märchen von Genji handscroll verkörpert ist, befasst sich normalerweise mit Gerichtsleben, besonders die Hofdamen, und mit romantischen Themen. Otoko-e hat andererseits häufig historische Ereignisse, besonders Kämpfe registriert. Die Belagerung des Sanjō Palasts (1160), gezeichnet im "Nachtangriff auf den Sanjō Palast" Abteilung von Heiji Monogatari handscroll ist ein berühmtes Beispiel dieses Stils.

Kunst von Kamakura

1180 ist ein Krieg zwischen den zwei stärksten Krieger-Clans, Taira und Minamoto ausgebrochen; fünf Jahre später ist Minamoto siegreich erschienen und hat einen De-Facto-Sitz der Regierung am Seedorf Kamakura gegründet, wo es bis 1333 geblieben ist. Mit der Verschiebung der Macht vom Adel bis die Krieger-Klasse mussten die Künste ein neues Publikum befriedigen: Männer haben den Sachkenntnissen des Kriegs gewidmet, Priester haben dazu verpflichtet, Buddhismus analphabetischen Bürgerlichen, und Konservativen, dem Adel und einigen Mitgliedern des Priestertums bereitzustellen, das die abnehmende Macht des Gerichtes bedauert hat. So charakterisieren Realismus, eine Popularisieren-Tendenz und ein klassisches Wiederaufleben die Kunst der Periode von Kamakura. In der Periode von Kamakura sind Kyoto und Nara die Zentren von der künstlerischen Produktion und hohen Kultur geblieben.

Skulptur: Die Kei Schule von Bildhauern, besonders Unkei, hat einen neuen, realistischeren Stil der Skulptur geschaffen. Die zwei Niō Wächter-Images (1203) im Großen Südtor des Tōdai-ji in Nara illustrieren den dynamischen supra-realistischen Stil von Unkei. Die Images, ungefähr 8 M (ungefähr 26 ft) hoch, wurden vielfacher Blöcke in einer Periode von ungefähr drei Monaten, eine Leistung geschnitzt, die für ein entwickeltes Studio-System von Handwerkern bezeichnend ist, die unter der Richtung eines Master-Bildhauers arbeiten. Die polyverchromten Holzskulpturen von Unkei (1208, Kōfuku-ji, Nara) zwei Indianerweiser, Muchakus und Seshins, der legendären Gründer der Hossō Sekte, sind unter den vollendetesten realistischen Arbeiten der Periode; wie gemacht, durch Unkei werden sie bemerkenswert individualisiert und glaubwürdige Images. Eine der berühmtesten Arbeiten dieser Periode ist eine Amitabha Triade (vollendet 1195) in Jōdo-ji in Ono, der von Kaikei, dem Nachfolger von Unkei geschaffen ist.

Kalligrafie und Malerei: Der Kegon Engi Emaki, die illustrierte Geschichte der Gründung der Sekte von Kegon, ist ein ausgezeichnetes Beispiel der Popularisieren-Tendenz in der Malerei von Kamakura. Die Kegon Sekte, einer der wichtigsten in der Periode von Nara, ist auf schweren Zeiten während der Überlegenheit der Reinen Landsekten gefallen. Nach dem Genpei Krieg (1180-1185) Priester hat sich Myōe von Kōzan-ji bemüht, die Sekte wiederzubeleben und auch einen Unterschlupf für durch den Krieg verwitwete Frauen zur Verfügung zu stellen. Die Frauen des Samurais waren abgehalten worden, mehr als ein Silbenschrift-System zu erfahren, um Töne und Ideen abzuschreiben (sieh kana), und die meisten waren unfähig, Texte zu lesen, die chinesische Begriffszeichen (kanji) verwendet haben.

So verbindet Kegon Engi Emaki Durchgänge des Textes, der mit einem Maximum von leicht lesbaren Silben und Illustrationen geschrieben ist, die den Dialog zwischen Charakteren haben, die neben den Sprechern, eine mit zeitgenössischen Cartoons vergleichbare Technik geschrieben sind. Der Anschlag des e-maki, die Leben der zwei koreanischen Priester, die die Sekte von Kegon gegründet haben, wird schnell durchschritten und mit fantastischen Leistungen wie eine Reise zum Palast des Ozeankönigs und eine scharfe Liebesgeschichte gefüllt.

Eine Arbeit in einer konservativeren Ader ist die illustrierte Version des Tagebuches von Murasaki Shikibu. E-maki Versionen ihres Romans haben fortgesetzt, erzeugt zu werden, aber der Adel, hat auf das neue Interesse am Realismus abgestimmt, der noch seit letzten Tagen des Reichtums und der Macht nostalgisch ist, wiederbelebt und hat das Tagebuch illustriert, um die Pracht der Zeiten des Autors wiederzuerlangen. Einer der schönsten Durchgänge illustriert die Episode, in der Murasaki Shikibu an Gefangenem in ihrem Zimmer von zwei jungen Höflingen spielerisch gehalten wird, während, gerade draußen, Mondlicht auf den moosigen Banken eines Bachs im Reichsgarten glänzt.

Kunst von Muromachi

Während der Periode von Muromachi (1338-1573), auch genannt die Periode von Ashikaga, hat eine tiefe Änderung in der japanischen Kultur stattgefunden. Der Ashikaga Clan hat Kontrolle des shogunate genommen und hat sein Hauptquartier zurück zu Kyoto zum Bezirk Muromachi der Stadt bewegt. Mit der Rückkehr der Regierung zum Kapital sind die Popularisieren-Tendenzen der Periode von Kamakura abgelaufen, und kultureller Ausdruck hat einen aristokratischeren, elitären Charakter übernommen. Zen-Buddhismus, Ch'an secttraditionally, der vorgehabt ist, in China im 6. Jahrhundert gegründet worden zu sein, wurde seit einem zweiten Mal in Japan eingeführt und hat Wurzel geschlagen.

Malerei: Wegen weltlicher Wagnisse und Handelsmissionen nach durch Zen-Tempel organisiertem China wurden viele chinesische Bilder und Gegenstände der Kunst in Japan importiert und haben tief japanische Künstler beeinflusst, die für Zen-Tempel und den shogunate arbeiten. Nicht nur haben diese Importe den Gegenstand der Malerei geändert, aber sie haben auch den Gebrauch der Farbe modifiziert; die hellen Farben von Yamato-e haben zum monochromes der Malerei auf die chinesische Weise getragen, wo Bilder allgemein nur schwarze und weiße oder verschiedene Töne einer einzelnen Farbe haben.

Typisch für die frühe Malerei von Muromachi ist das Bild durch den Priester-Maler Kao (aktiv Anfang des 15. Jahrhunderts) vom legendären Mönch Kensu (Hsien-Tzu in Chinesisch) im Moment er hat Erläuterung erreicht. Dieser Typ der Malerei wurde mit schnellen Pinselstrichen und einem Minimum des Details durchgeführt. 'Einen Katzenfisch mit einem Kürbis' (Anfang des 15. Jahrhunderts, Taizō-in, Myōshin-ji, Kyoto), durch den Priester-Maler Josetsu (aktiver c fangend. 1400), kennzeichnet einen Wendepunkt in der Malerei von Muromachi. Durchgeführt ursprünglich für einen Schirm des niedrigen Stehens ist es als eine hängende Schriftrolle mit Inschriften von zeitgenössischen Zahlen oben wiederbestiegen worden, von denen eine die Malerei als seiend im "neuen Stil kennzeichnet." Im Vordergrund wird ein Mann auf der Bank eines Stroms gezeichnet, der einen kleinen Kürbis hält und auf einen großen schlüpfrigen Katzenfisch schaut. Nebel füllt den Mittelgrund, und die Hintergrundberge scheinen, in der Ferne weit zu sein. Es wird allgemein angenommen, dass sich der "neue Stil" der Malerei, durchgeführt 1413, auf einen mehr chinesischen Sinn des tiefen Raums innerhalb des Bilderflugzeugs bezieht.

Die ersten Künstler der Periode von Muromachi sind die Priester-Maler Shūbun und Sesshū. Shūbun, ein Mönch am Tempel von Kyoto von Shokoku-ji, der im malenden Lesen in einem Bambus-Wäldchen (1446) eine realistische Landschaft mit dem tiefen Zurücktreten in den Raum geschaffen ist. Sesshū, verschieden von den meisten Künstlern der Periode, ist im Stande gewesen, nach China zu reisen und Chinesisch zu studieren, das an seiner Quelle malt. Landschaft der Vier Jahreszeiten (Sansui Chokan; c. 1486) ist eine der vollendetesten Arbeiten von Sesshu, eine ständige Landschaft im Laufe der vier Jahreszeiten zeichnend.

Azuchi-Momoyama Kunst

In der Periode von Momoyama (1573-1603), einer Folge von militärischen Führern, wie Oda Nobunaga, Toyotomi Hideyoshi und Tokugawa Ieyasu, versucht, um politische und Friedensstabilität nach Japan nach einem Zeitalter von fast 100 Jahren des Kriegs zu bringen. Oda, ein geringer Anführer, hat Macht erworben, die genügend ist, um De-Facto-Kontrolle der Regierung 1568 zu nehmen und fünf Jahre später letzten Ashikaga shogun zu vertreiben. Hideyoshi hat Befehl nach dem Tod von Oda genommen, aber seine Pläne, erbliche Regel zu gründen, wurden von Ieyasu vereitelt, der Tokugawa shogunate 1603 gegründet hat.

Malerei: Die wichtigste Schule der Malerei in der Periode von Momoyama war die der Kanō Schule, und die größte Neuerung der Periode war die Formel, die von Kano Eitoku für die Entwicklung von kolossalen Landschaften auf den Schiebetüren entwickelt ist, die ein Zimmer einschließen. Die Dekoration des Hauptzimmers, das dem Garten Juko-in, ein Subtempel von Daitoku-ji (ein Zen-Tempel in Kyoto) gegenübersteht, ist vielleicht das beste noch vorhandene Beispiel der Arbeit von Eitoku. Ein massiver ume Baum und Zwillingskiefern werden auf Paaren von gleitenden Schirmen an diagonal entgegengesetzten Ecken, ihre Stämme gezeichnet, die den verticals der Eckposten und ihrer Zweige wiederholen, die sich bis zu den linken und das richtige ausstrecken, die angrenzenden Tafeln vereinigend. Der Schirm von Eitoku, 'chinesische Löwen', auch in Kyoto, den kühnen, hell farbigen Stil offenbaren, bevorzugt vom Samurai zu malen.

Hasegawa Tohaku, ein Zeitgenosse von Eitoku, hat einen etwas verschiedenen und dekorativeren Stil für groß angelegte Schirm-Bilder entwickelt. In seinem 'Ahorn-Schirm', jetzt im Tempel Chishaku-in, Kyoto, hat er den Stamm des Baums im Zentrum gelegt und hat die Glieder fast zum Rand der Zusammensetzung erweitert, einen flacheren, weniger architektonische Arbeit schaffend, als Eitoku, aber eine visuell prächtige Malerei. Sein sechsfacher Schirm, 'Kiefer-Holz', ist eine meisterhaft Übergabe in monochromer Tinte eines Wäldchens von im Nebel eingewickelten Bäumen.

Kunst der Periode von Edo

Tokugawa shogunate hat unbestrittene Kontrolle der Regierung 1603 mit einem Engagement gewonnen, Frieden und wirtschaftliche und politische Stabilität zum Land zu bringen; im großen Maß war es erfolgreich. Der shogunate hat bis 1867 überlebt, als er gezwungen wurde, wegen seines Misserfolgs zu kapitulieren, sich mit Druck von Westnationen zu befassen, um das Land zum Außenhandel zu öffnen. Eines der dominierenden Themen in der Periode von Edo war die repressiven Policen des shogunate und die Versuche von Künstlern, diesen Strikturen zu entkommen. Der erste von diesen war das Schließen des Landes Ausländern und den Ausstattungen ihrer Kulturen und der Auferlegung von strengen Codes des Verhaltens, das jeden Aspekt des Lebens, die Kleidung betrifft, die man, die Person ein geheirateter und die Tätigkeiten getragen hat, hat man gekonnt oder sollte nicht fortfahren.

In den frühen Jahren der Periode von Edo, jedoch, war der volle Einfluss von Policen von Tokugawa noch nicht gefühlt worden, und einige von Japans feinsten Ausdrücken in der Architektur und Malerei wurden erzeugt: Katsura Palast in Kyoto und den Bildern von Tawaraya Sōtatsu, dem Pionier der Schule von Rimpa.

Architektur: Losgemachter Katsura enthält Palast, der in der Imitation des Palasts von Genji gebaut ist, eine Traube von shoin Gebäuden, die Elemente der klassischen japanischen Architektur mit innovativen Neuformulierungen verbinden. Der ganze Komplex wird durch einen schönen Garten mit Pfaden für das Wandern umgeben.

Viele mächtige Daimyo (Feudalherren) haben einen japanischen Stromkreis-Stil-Garten im Territorium-Land gebaut, und haben sich um die Schönheit beworben.

Malerei: Sōtatsu hat einen herrlichen dekorativen Stil durch das Erfrischen von Themen von der klassischen Literatur, das Verwenden von hervorragend gefärbten Zahlen und Motiven vom natürlichen Weltsatz gegen Blattgold-Hintergründe entwickelt. Eine seiner feinsten Arbeiten ist das Paar von Schirmen The Waves at Matsushima in der Galerie Freer in Washington, D.C. Ein Jahrhundert später hat Korin Sōtatsu's Stil nachgearbeitet und hat visuell prächtige Arbeiten einzigartig sein eigenes geschaffen. Vielleicht sind seine feinsten die Schirm-Bilder von roten und weißen Pflaume-Blüten.

Skulptur Der buddhistische Mönch Enkū hat 120,000 buddhistische Images in einem rauen, individuellen Stil geschnitzt.

Holzschnitt-Drucke und Bunjinga: Die Schule der im Westen am besten bekannten Kunst ist die der ukiyo-e Bilder und Holzschnitt-Drucke der Halbwelt, die Welt des kabuki Theaters und des Bordell-Bezirks. Ukiyo-e Drucke haben begonnen, gegen Ende des 17. Jahrhunderts erzeugt zu werden, aber 1764 hat Harunobu den ersten mehrfarbigen Druck erzeugt. Drucken Sie Entwerfer der folgenden Generation, einschließlich Torii Kiyonagas und Utamaros, geschaffen elegant und manchmal aufschlussreiche Bilder von Kurtisanen.

Im 19. Jahrhundert war die dominierende Zahl Hiroshige, ein Schöpfer von romantischen und etwas sentimentalen Landschaft-Drucken. Die sonderbaren Winkel und Gestalten, durch die Hiroshige häufig Landschaft und die Arbeit von Kiyonaga und Utamaro, mit seiner Betonung auf flachen Flugzeugen und starken geradlinigen Umrissen angesehen hat, hatten einen tiefen Einfluss auf solche Westkünstler als Edgar Degas und Vincent van Gogh. Über in Westmuseen gehaltene Gestaltungsarbeiten würden diese dieselben printmakers später einen starken Einfluss auf den Bildern und ästhetischen Annäherungen nehmen, die von frühen Modernist-Dichtern wie Ezra Pound, Richard Aldington und H.D.. verwendet sind

Eine andere Schule, zeitgenössisch mit ukiyo-e zu malen, war Bunjinga, ein Stil, der auf von chinesischen Gelehrten-Malern durchgeführten Bildern gestützt ist. Ebenso ukiyo-e Künstler hat beschlossen, Zahlen vom Leben außerhalb der Strikturen von Tokugawa shogunate zu zeichnen, Künstler von Bunjin haben sich chinesischer Kultur zugewandt. Die Vorbilder dieses Stils sind Ike kein Taiga, Yosa Buson, Tanomura Chikuden und Yamamoto Baiitsu.

Kunst der Vorkriegsperiode

Als der Kaiser Japans herrschende Macht 1868 wiedergewonnen hat, wurde Japan wieder durch neue und ausländische Formen der Kultur angegriffen. Während der Vorkriegsperiode hat Die Einführung von kulturellen Westwerten zu einer Zweiteilung in der japanischen Kunst, sowie in fast jedem anderen Aspekt der Kultur, zwischen traditionellen Werten und Versuchen geführt, eine Vielfalt von sich streitenden neuen Ideen zu kopieren und zu assimilieren. Dieser Spalt ist offensichtlich gegen Ende des 20. Jahrhunderts geblieben, obwohl viel Synthese bis dahin bereits vorgekommen war, und eine internationale kulturelle Atmosphäre geschaffen hat und zeitgenössische japanische Künste zu jemals mehr innovativen Formen stimuliert hat.

Bis zum Anfang des 20. Jahrhunderts wurden europäische Kunstformen gut eingeführt, und ihre Ehe hat bemerkenswerte Gebäude wie die Bahnstation von Tokio und die Nationale Diät erzeugt, die Baut, die noch heute bestehen.

Viele künstlerische neue japanische Gärten wurden mit Jihe Ogawa gebaut.

Manga wurde zuerst in der Periode von Meiji, beeinflusst außerordentlich durch englische und französische politische Cartoons angezogen. Jedoch ist etwas Kunst, die im Zeitalter von Meiji, wie joge-e (umkehrbare Images) populär ist, im modernen Japan nicht mehr populär.

Architektur: Station von Tokio, ein Gebäude der Giyōfū Architektur, die mit Ziegeln und pseudoeuropäischem Stil voll ist. Dieser Stil Gebäude wurde im städtischen Gebiet gebaut.

Malerei: Die erste Antwort der Japaner zu Westkunstformen war offenherzige Annahme, und 1876 wurde die Technologische Kunstschule geöffnet, italienische Lehrer anstellend, um Westmethoden zu unterrichten. Die zweite Antwort war ein Pendel-Schwingen in der entgegengesetzten Richtung, die von Okakura Kakuzō und dem Amerikaner Ernest Fenollosa angeführt ist, der japanische Künstler dazu ermuntert hat, traditionelle Themen und Techniken zu behalten, während er Arbeiten mehr in Übereinstimmung mit dem zeitgenössischen Geschmack geschaffen hat. Das war eine Strategie, die schließlich gedient hat, um den Einfluss der japanischen Kunst so weit Kalkutta, London und Boston zu erweitern, in den Jahren bis zum Ersten Weltkrieg führend. Aus diesen zwei Polen der künstlerischen Theorie - ist auf Europa zurückzuführen gewesen, und von Ostasien beziehungsweise - hat Yōga (Westartige Malerei) und Nihonga (japanische Malerei), Kategorien entwickelt, die gültig bis zu den heutigen Tag bleiben.

Kunst der Nachkriegsperiode

Nach dem Ende des Zweiten Weltkriegs 1945 haben viele Künstler begonnen, in Kunstformen zu arbeiten, ist auf die internationale Szene zurückzuführen gewesen, von lokalen künstlerischen Entwicklungen in die Hauptströmung der Weltkunst abrückend. Aber traditionelle japanische Vorstellungen, haben besonders im Gebrauch des Modulraums in der Architektur, der bestimmten Abstand-Zwischenräume in der Musik und dem Tanz, einer Neigung zu bestimmten Farbenkombinationen und charakteristischen literarischen Formen angedauert.

Kunst von 1603 bis 1945 (Periode von Edo und Vorkriegsperiode) wurde von Großhändlern unterstützt. Schalter zur Periode von Edo und Vorkriegsperiode wurde die Kunst der Nachkriegsperiode zur Kunst geändert, die von Leuten als Verbraucher unterstützt wird. Das große Angebot an für die Japaner verfügbaren Kunstformen widerspiegelt den kräftigen Staat der Künste, die weit von den japanischen Leuten unterstützt sind und von der Regierung gefördert sind. In den 1950er Jahren und 1960er Jahren hat Japans künstlerischer avant garde die international einflussreiche Gruppe von Gutai eingeschlossen, die hervorgebracht hat oder verschiedene Nachkriegsgenres wie Leistungskunst, Installation Kunst-, Begriffskunst und tragbare Kunst vorausgesehen hat. In der Fotografie war Kansuke Yamamoto ein prominenter Fotograf.

Amerikanische Kunst und Architektur haben außerordentlich Japan beeinflusst. Obwohl die Angst vor Erdbeben streng das Gebäude eines Wolkenkratzers eingeschränkt hat, lassen technologische Fortschritte Japanisch größere und höhere Gebäude mit künstlerischeren Meinungen bauen.

Da Japan immer wenig Unterscheidung zwischen der 'feinen dekorativen 'und' Kunstkunst' gemacht hat, weil der Westen getan hat, seit der Renaissance ist es wichtig, Japans bedeutende und einzigartige Beiträge zu den Feldern der Kunst in der Unterhaltung, dem kommerziellen Gebrauch und dem grafischen Design zu bemerken. Von Amerika importierte Cartoons haben zu anime geführt, die zuerst exklusiv von manga Geschichten abgeleitet wurden. Heute ist anime im Überfluss, und viele Künstler und Studio haben sich zur großen Berühmtheit als Künstler erhoben; Hayao Miyazaki und die Künstler und Zeichner von Trickfilmen des Studios Ghibli werden allgemein betrachtet, um unter dem besten die anime Welt zu sein, müssen sich bieten. Japan gedeiht auch in den Feldern des grafischen Designs, Werbegrafik (z.B Werbetafeln, Zeitschrift-Anzeigen), und in der Videospiel-Grafik und Konzeptkunst.

Zeitgenössische Kunst in Japan

Japanische moderne Kunst nimmt so viele Formen und Schnellzüge so viele verschiedene Ideen an moderne Kunst im Allgemeinen weltweit. Es erstreckt sich von Anzeigen, anime, Videospielen und Architektur, wie bereits erwähnt, zur Skulptur, Malerei und Zeichnung in allen ihren unzähligen Formen.

Viele Künstler setzen wirklich fort, auf die traditionelle Weise, mit schwarzer Tinte und Farbe auf Papier oder Seide zu malen. Einige von diesen zeichnen traditionellen Gegenstand in den traditionellen Stilen, während andere neue und verschiedene Motive und Stile erforschen, während sie die traditionellen Medien verwenden. Dennoch enthalten sich andere geborener Medien und Stile, Westölfarben oder jede Zahl anderer Formen umarmend.

In der Skulptur hält dasselbe für wahr; einige Künstler bleiben bei den traditionellen Weisen, einige, es mit einem modernen Talent tuend, und einige wählen Westlich oder brandmarken neue Weisen, Stile und Medien. Yo Akiyama ist gerade einer von vielen modernen japanischen Bildhauern. Er arbeitet in erster Linie in Tontöpferwaren und Keramik, Arbeiten schaffend, die sehr einfach und aufrichtig sind, aussehend, dass sie aus der Erde selbst geschaffen wurden. Ein anderer Bildhauer, mit Eisen und anderen modernen Materialien, hat eine große moderne Kunstskulptur in der israelischen Hafen-Stadt Haifa, genannt Hanabi (Feuerwerk) gebaut.

Takashi Murakami ist wohl einer der wohl bekanntesten japanischen modernen Künstler in der Westwelt. Murakami und die anderen Künstler in seinem Studio schaffen Stücke in einem Stil, der durch anime begeistert ist, der er "Superwohnung" synchronisiert hat. Seine Stücke nehmen eine Menge von Formen, davon, bis Skulptur, einige zu malen, die in der Größe aufrichtig massiv sind. Aber die meisten wenn nicht die ganze Show sehr klar dieser Anime-Einfluss, helle Farben und vereinfachte Details verwertend.

Darstellende Künste

Eine bemerkenswerte Zahl der traditionellen Formen der japanischen Musik, des Tanzes und des Theaters hat in der zeitgenössischen Welt überlebt, etwas Beliebtheit durch die Wiederidentifizierung mit japanischen kulturellen Werten genießend. Traditionelle Musik und Tanz, die ihre Ursprünge zum alten religiösen Gebrauch - Buddhisten, Shintō, und Leute verfolgen - sind in den dramatischen Leistungen von Noh, Kabuki und bunraku Theater bewahrt worden. Alte Gerichtsmusik und Tanzformen, die auf Kontinentalquellen zurückzuführen sind, wurden durch Reichshaushaltsmusiker und Tempel und Schrein-Truppen bewahrt. Einige der ältesten Musikinstrumente in der Welt sind im dauernden Gebrauch in Japan von der Jōmon Periode gewesen, wie gezeigt, dadurch findet des Steins und der Tonflöten und der Zithern habend zwischen zwei und vier Schnuren, zu denen Periode-Metallglocken von Yayoi und Gongs hinzugefügt wurden, um frühe Musikensembles zu schaffen. Vor der frühen historischen Periode (sechst zu 7. Jahrhunderten) gab es eine Vielfalt von großen und kleinen Trommeln, Gongs, Geläuten, Flöten und Saiteninstrumenten, wie der importierte einer Mandoline ähnliche biwa und die flache Sechssaitenzither, die sich zum Dreizehnsaitenkoto entwickelt hat. Diese Instrumente haben sich geformt die Orchester für das 7. Jahrhundert haben kontinental feierliche Gerichtsmusik (gagaku) abgeleitet, die, zusammen mit dem Begleiten bugaku (ein Typ des Gerichtstanzes), von solchen Formen am ältesten sind, die noch am Reichsgericht, den alten Tempeln und den Schreinen durchgeführt sind. Buddhismus hat den rhythmischen Singsang, noch verwendet eingeführt, die Shigin unterstützen, und die mit heimischen Ideen angeschlossen wurden, die Entwicklung der stimmlichen Musik, solcher als in Noh unterzulegen.

Ästhetische Konzepte

Japanische Kunst wird durch die einzigartige Widersprüchlichkeit charakterisiert. In der Keramik der vorgeschichtlichen Perioden, zum Beispiel, wurde Überfülle vom disziplinierten und raffinierten Künstlertum gefolgt. Ein anderes Beispiel wird durch zwei Strukturen des 16. Jahrhunderts zur Verfügung gestellt, die Pole einzeln sind: Der Katsura Hat sich Gelöst Palast ist eine Übung in der Einfachheit, mit einer Betonung auf natürlichen Materialien, rau und unzurechtgemacht, und eine Sympathie für die Schönheit hat zufällig erreicht; Nikkō Tōshō-gū ist eine starr symmetrische Struktur, die von hell farbigen Entlastungsholzschnitzereien angefüllt ist, die jede sichtbare Oberfläche bedecken. Japanische Kunst, geschätzt nicht nur wegen seiner Einfachheit sondern auch wegen seiner bunten Überfülle, hat das 19. Jahrhundert Westmalerei und das 20. Jahrhundert Westarchitektur beträchtlich beeinflusst.

Japans ästhetische Vorstellungen, auf verschiedene kulturelle Traditionen zurückzuführen seiend, sind in der Produktion von einzigartigen Kunstformen formend gewesen. Im Laufe der Jahrhunderte hat sich eine breite Reihe von künstlerischen Motiven entwickelt und wurde raffiniert, erfüllt mit der symbolischen Bedeutung werdend. Wie eine Perle haben sie viele Schichten der Bedeutung und eines hohen Schimmers erworben. Japanische Ästhetik stellt einen Schlüssel zum Verstehen künstlerischer Arbeiten zur Verfügung, die feststellbar von denjenigen verschieden sind, die aus Westtraditionen kommen.

Innerhalb der ostasiatischen künstlerischen Tradition ist China der anerkannte Lehrer gewesen und Lackiert den ergebenen Studenten. Dennoch haben mehrere japanische Künste ihren eigenen Stil entwickelt, der von verschiedenen chinesischen Künsten unterschieden werden kann. Die kolossale, symmetrisch erwogene, vernünftige Annäherung von chinesischen Kunstformen ist miniaturisiert, unregelmäßig, und subtil andeutend in japanischen Händen geworden. Miniatursteingärten, winzige Werke (Bonsai) und Ikebana (Blumenbinden), in denen das ausgewählte wenige einen Garten vertreten haben, waren die Lieblingsverfolgungen von raffinierten Aristokraten seit einem Millennium, und sie sind ein Teil des zeitgenössischen kulturellen Lebens geblieben.

Die Diagonale, einen natürlichen Fluss, aber nicht das feste Dreieck widerspiegelnd, ist das begünstigte Strukturgerät, ob in der Malerei, architektonisch oder Garten-Design, Tanzschritte oder Musiknotationen geworden. Ungerade Zahlen ersetzen gerade Zahlen in der Regelmäßigkeit eines chinesischen Master-Musters, und ein Ziehen zu einer Seite erlaubt einem Motiv, um eines dreidimensionalen Gegenstands die Ecke zu gehen, so Kontinuität und Bewegung gebend, die in einem statischen frontalen Design fehlt. Japanische Maler haben die Geräte der Abkürzung, Nahaufnahme und Abblende vor dem 12. Jahrhundert in yamato-e, oder japanisch-artig, Schriftrolle-Malerei, vielleicht ein Grund verwendet, warum moderne Filmherstellung solch eine natürliche und erfolgreiche Kunstform in Japan gewesen ist. Vorschlag wird aber nicht direkte Behauptung verwendet; schiefe poetische Hinweise und anspielende und nicht überzeugende Melodien und Gedanken haben sich enttäuschend dem Westländer erwiesen, der versucht, in die Bedeutungen von Literatur, Musik, Malerei und sogar Umgangssprache einzudringen.

Die Japaner haben begonnen, solche ästhetischen Ideen in mehreren sinnträchtigen Ausdrücken durch mindestens das zehnte oder das 11. Jahrhundert zu definieren. Die vornehmen Verbesserungen der aristokratischen Periode von Heian haben sich zur eleganten Einfachheit entwickelt, die als die Essenz des guten Geschmacks in der heruntergespielten Kunst gesehen ist, die shibui genannt wird. Zwei Begriffe, die aus dem Zen-Buddhisten nachdenkliche Methoden entstehen, beschreiben Grade der Ruhe: Ein, die Ruhe, die in der bescheidenen Melancholie (wabi), dem anderen, die Gelassenheit gefunden ist, die das Vergnügen der unterworfenen Schönheit (sabi) begleitet. Zen hat gedacht auch hat eine Vorliebe beigetragen, für das unerwartete zu verbinden oder, verwendet zu erschrecken, um jemandes Bewusstsein zur Absicht der Erläuterung zu rütteln. In der Kunst wurde diese Annäherung in Kombinationen solcher unwahrscheinlichen Materialien als Leitung ausgedrückt, die im Lack und in sich streitenden poetischen Bildern eingelegt ist. Unerwartet humorvoll und manchmal stammen groteske Images und Motive auch vom Zen koan (Rätsel). Obwohl die Künste seit der Periode von Edo hauptsächlich weltlich gewesen sind, setzen traditionelle Ästhetik und Lehrmethoden, allgemein von religiösen Quellen stammend, fort, künstlerischer Produktion zu unterliegen.

Künstler

Traditionell war der Künstler ein Fahrzeug für den Ausdruck und, war in Übereinstimmung mit der Rolle eines Handwerkers oder Unterhaltungskünstlers des niedrigen sozialen Status persönlich zurückhaltend. Der Kalligraph, ein Mitglied der konfuzianischen Literaten-Klasse oder edler Samurai-Klasse in Japan, hatten einen höheren Status, während Künstler des großen Genies häufig in der Periode von Kamakura anerkannt wurden, indem sie einen Namen von einem Feudalherrn erhalten haben und sich so sozial erhoben haben. Die darstellenden Künste wurden allgemein jedoch in weniger Wertschätzung gehalten, und die behauptete Unmoral von Schauspielerinnen des frühen Theaters von Kabuki hat die Regierung von Tokugawa veranlasst, Frauen von der Bühne zu verriegeln; weibliche Rollen in Kabuki und Noh wurden danach von Männern gespielt.

Nach dem Zweiten Weltkrieg haben sich Künstler normalerweise in Kunstvereinigungen versammelt, von denen einige Berufsgesellschaften lange gegründet wurden, während andere die letzte Kunstbewegung widerspiegelt haben. Die Künstler-Liga von Japan war zum Beispiel für die größte Zahl von Hauptausstellungen, einschließlich renommierten jährlichen Nitten (Kunstausstellung von Japan) verantwortlich. Der P.E.N. Der Klub Japans (tritt P.E.N. für Prosa, Aufsatz und Bericht ein), eines Zweigs einer Organisation der internationalen Schriftsteller, war von den Vereinigungen von ungefähr dreißig Hauptautoren am größten. Schauspieler, Tänzer, Musiker und andere Aufführungskünstler haben sich ihrer eigenen Gesellschaften, einschließlich der Kabuki Gesellschaft, organisiert 1987 gerühmt, um die traditionellen hohen Standards dieser Kunst aufrechtzuerhalten, die, wie man dachte, durch die moderne Neuerung gefährdet wurden. Vor den 1980er Jahren, jedoch, hatten sich avantgardistische Maler und Bildhauer aller Gruppen enthalten und waren "nicht befestigte" Künstler.

Kunstschulen

Es gibt mehrere Spezialuniversitäten für die Künste in Japan, das von den nationalen Universitäten geführt ist. Das wichtigste ist die Kunstuniversität von Tokio, einer der schwierigsten von allen nationalen Universitäten, um hereinzugehen. Ein anderes Samenzentrum ist Tama Kunstuniversität in Tokio, das viele Japans spätes 20. Jahrhundert innovative junge Künstler erzeugt hat. Traditionelle Ausbildung in den Künsten, ist auf chinesische traditionelle Methoden zurückzuführen gewesen, bleibt; Experten unterrichten von ihren Häusern oder Hauptschulen, die innerhalb einer Beziehung des Masters-Schülers arbeiten. Ein Schüler experimentiert mit einem persönlichen Stil bis zum Erzielen des höchsten Niveaus der Ausbildung, oder des Absolvierens einer Kunstschule oder des Werdens Kopf einer Schule nicht. Viele junge Künstler haben dieses System als erstickende Kreativität und Individualität kritisiert. Eine neue Generation der Avantgarde hat mit dieser Tradition Schluss gemacht, häufig seine Ausbildung im Westen erhaltend. In den traditionellen Künsten, jedoch, bewahrt das System des Masters-Schülers die Geheimnisse und Sachkenntnisse der Vergangenheit. Einige Abstammungen des Masters-Schülers können zur Periode von Kamakura verfolgt werden, von der sie fortsetzen, einen Stil oder Thema eines großen Masters zu verwenden. Japanische Künstler betrachten technische Virtuosität als die Conditio sine qua non ihrer Berufe, eine Tatsache anerkannt durch den Rest der Welt als einer der Gütestempel der japanischen Kunst.

Die nationale Regierung hat die Künste durch die Agentur für Kulturelle Angelegenheiten aktiv unterstützt, sich 1968 als ein spezieller Körper des Bildungsministeriums niedergelassen. Das Budget der Agentur für FY 1989 hat sich zur ￥37.8 Milliarde nach fünf Jahren von Budgetkürzungen erhoben, aber hat noch viel weniger als 1 Prozent des allgemeinen Budgets vertreten. Die kulturelle Angelegenheitsabteilung der Agentur hat Information über die Künste innerhalb Japans und international verbreitet, und die Kulturelle Eigenschaften-Schutzabteilung hat das kulturelle Erbe der Nation geschützt. Die Kulturelle Angelegenheitsabteilung ist mit solchen Gebieten wie Kunst und Kulturpromotion, Kunstcopyrights und Verbesserungen auf der nationalen Sprache beschäftigt. Es unterstützt auch sowohl nationale als auch lokale Künste und kulturelle Feste, und es fundiert reisende kulturelle Ereignisse in Musik, Theater, Tanz, Kunstausstellungen und Filmherstellung. Spezielle Preise werden angeboten, um junge Künstler und gegründete Praktiker zu ermutigen, und einige Bewilligungen werden jedes Jahr gegeben, um ihnen zu ermöglichen, sich auswärts auszubilden. Nationale Museen des Kapitals der Agentur der modernen Kunst in Kyoto und Tokio und Das Nationale Museum der Westkunst in Tokio, die sowohl japanische als auch internationale Shows ausstellen. Die Agentur unterstützt auch die Kunstakademie von Japan, die bedeutende Personen von Künsten und Briefen ehrt, sie zur Mitgliedschaft ernennend und ￥3.5 Million im Geldpreis anbietend. Preise werden in Gegenwart vom Kaiser gemacht, der persönlich den höchsten Ritterschlag, die Kulturelle Medaille schenkt.

Private Bürgschaft und Fundamente

Kunstschirmherrschaft und Promotion durch die Regierung werden verbreitert, um eine neue kooperative Anstrengung mit dem korporativen Japan einzuschließen, um Finanzierung außer dem dichten Budget der Agentur für Kulturelle Angelegenheiten zur Verfügung zu stellen. Viele andere öffentliche und private Einrichtungen nehmen besonders im knospenden Feld teil, Kunstpreise zuzuerkennen. Eine steigende Zahl von großen Vereinigungen schließt sich Hauptzeitungen beim Fördern von Ausstellungen und Leistungen und beim Geben jährlicher Preise an. Die wichtigsten von den vielen literarischen gegebenen Preisen sind der ehrwürdige Naoki Prize und der Akutagawa Prize, das letzte Wesen die Entsprechung vom Pulitzer Prize in den Vereinigten Staaten.

1989 hat eine Anstrengung, interkulturellen Austausch zu fördern, zur Errichtung eines japanischen "Nobelpreises" für die Künste, den Erstklassigen Imperiale durch die Kunstvereinigung von Japan geführt. Dieser Preis von 100,000 US$ wurde größtenteils vom Massenmedien-Konglomerat Fujisankei Communications Group gefördert und wurde auf einer Weltauswahl-Basis zuerkannt.

Mehrere Fundamente, die die Künste fördern, sind in den 1980er Jahren einschließlich des Kulturellen Eigenschaften-Fundaments entstanden, das aufgestellt ist, um historische Seiten in Übersee besonders entlang der Silk Road im Inneren Asien und an Dunhuang in China zu bewahren. Eine andere internationale Verabredung wurde 1988 mit der Smithsonian USA-Einrichtung für den kooperativen Austausch von Hochtechnologie-Studien von asiatischen Kunsterzeugnissen getroffen. Die Regierung spielt eine Hauptrolle, indem sie das Fundament von Japan finanziell unterstützt, das sowohl individuelle als auch Institutionsbewilligungen, Effekten wissenschaftlicher Austausch zur Verfügung stellt, jährliche Preise, unterstützte Veröffentlichungen und Ausstellungen zuerkennt, und traditionelle japanische Kunstgruppen sendet, um auswärts zu leisten. Das Kunstfest, das seit zwei Monaten gehalten ist, jeder fällt auf alle darstellenden Künste rein, wird von der Agentur für Kulturelle Angelegenheiten gesponsert. Hauptstädte stellen auch wesentliche Unterstützung für die Künste zur Verfügung; eine steigende Zahl von Städten hatte in den 1980er Jahren große Zentren für die darstellenden Künste und, stimuliert durch die Regierungsfinanzierung gebaut, bot Preise wie der durch die Stadt Matsue begonnene Preis von Lafcadio Hearn an. Mehrere neue Selbstverwaltungsmuseen stellten auch ungefähr einem Drittel mehr Möglichkeiten in den 1980er Jahren zur Verfügung, als vorher verfügbar war. Gegen Ende der 1980er Jahre hat Tokio mehr als zwanzig neue kulturelle Säle, namentlich, großer Bunkamura hinzugefügt, der von Tokyu Group und der Rekonstruktion des Erdball-Theaters von Shakespeare gebaut ist. Alle diese Anstrengungen widerspiegeln eine steigende populäre Begeisterung für die Künste. Japanische Kunstkäufer haben die Westkunstmärkte gegen Ende der 1980er Jahre gekehrt, Rekordhöhen für impressionistische Bilder und US$ 51.7 Millionen bezahlend, die für eine blaue Periode Picasso allein sind.

Referenzen

Siehe auch

• Nationale Schätze Japans
• Liste von nationalen Schätzen Japans (Handwerke - andere)
• Kultur Japans
• Ostkunstgeschichte
• Geschichte, zu malen
• Buddhistische Kunst
• Japanische Architektur
• Japanischer Garten
• Japanische Kalligrafie
• Japanischer lacquerware
• Japanisch, das malt
• Japanische Töpferwaren und Porzellan
• Japanische Skulptur
• Japanisches Theater
• Holzschnitt, der in Japan druckt
• Kunstgalerien
• Japan
• Tokio Nationales Museum, est. 1872
• Kyoto Nationales Museum, est. 1889
• Nara Nationales Museum, est. 1889
• Kyushu Nationales Museum, est. 2005

• Freiere Galerie der Kunst, est. 1923
• Museum von schönen Künsten, Boston
• Dieser Artikel hat ursprünglich auf dem Material von WebMuseum Paris - Berühmte Gestaltungsarbeit-Ausstellung http://www.ibiblio.org/wm/paint/tl/japan/. basiert
• Japan -
• "Die Verbreitung der Klassischen Kunst in der Altertümlichkeit" durch John Boardman (Universität von Princeton Presse, 1994) internationale Standardbuchnummer 0-691-03680-2
• Kaempfer, H. M. und W. O. G. Sickinghe Die Faszinierende Welt des japanischen Künstlers. Eine Sammlung von Aufsätzen auf der japanischen Kunst durch Mitglieder der Gesellschaft für japanische Künste und Handwerke, Den Haag, Gesellschaft für japanische Künste und Handwerke, 1971. Internationale Standardbuchnummer 0-87093-156-3
• "Alexander der Große: Kulturelle Ostwestkontakte von Griechenland nach Japan" (Nippon Hoso Kyokai und Tokio Nationales Museum, 2003)
• "De l'Indus à l'Oxus, Archéologie de l'Asie Centrale", Osmund Bopearachchi, Christine Sachs, internationale Standardbuchnummer 2-9516679-2-2
• "Die Straßenkreuzungen Asiens, Transformation im Image und den Symbolen", 1992, internationale Standardbuchnummer 0-9518399-1-8

Links

• Die Kunst des Bonsai-Projektes
• Die Vision und Kunst von Shinjo Ito: Skulpturen, Kalligrafie, Fotographien eines Buddhisten Großer Master (Großartiger Acharya)
• Japanische Drucke durch John Gould Fletcher
• Tokio Nationales Museum: Fotographien von der Sammlung von Japan. Umfassende Sammlung von allen Perioden.

• Ukiyo-e in "Eine Weltgeschichte der Kunst"
• Japan Kulturelles Profil - nationales kulturelles Portal für geschaffenes Japan durch den Besuch des Fundaments der Künste/Japans
• Ruth und Institut von Sherman Lee für die japanische Kunstsammlung, Online-Sammlung von Images vom Online-Archiv Kaliforniens/Universität Kaliforniens Merced
• Musik-Kultur — japanische Musik /
• Die Forschungssammlung von Herbert Offen der Bibliothek von Phillips am Peabody Museum von Essex