Musik der Vereinigten Staaten

Die Musik der Vereinigten Staaten widerspiegelt die mehrethnische Bevölkerung des Landes durch eine verschiedene Reihe von Stilen. Unter den international berühmtesten Genres des Landes sind Hüfte-Sprung, Niedergeschlagenheit, Land, Rhythmus und Niedergeschlagenheit, Jazz, Herrenfriseursalon, Knall, techno, und Rock 'n' Roll. Die Vereinigten Staaten haben die größte Musik-Industrie in der Welt, und seine Musik wird um die Welt gehört. Seit dem Anfang des 20. Jahrhunderts haben einige Formen der amerikanischen volkstümlichen Musik ein fast globales Publikum gewonnen.

Indianer waren die frühsten Einwohner des Landes, das heute als die Vereinigten Staaten bekannt ist und seine erste Musik gespielt hat. Im 17. Jahrhundert beginnend, haben Einwanderer vom Vereinigten Königreich, Irland, Spanien, Deutschland und Frankreich begonnen, in die große Anzahl anzukommen, mit ihnen neue Stile und Instrumente bringend. Afrikanische Sklaven haben Musiktraditionen gebracht, und jede nachfolgende Welle von Einwanderern hat zu einem Schmelztiegel beigetragen.

Viel moderne volkstümliche Musik kann seine Wurzeln zum Erscheinen gegen Ende des 19. Jahrhunderts der afroamerikanischen Niedergeschlagenheit und des Wachstums der Evangelium-Musik in den 1920er Jahren verfolgen. Die afroamerikanische Basis für verwendete Elemente der volkstümlichen Musik ist auf europäische und einheimische Musik zurückzuführen gewesen. Die Vereinigten Staaten haben auch dokumentierte Volksmusik gesehen und volkstümliche Musik registriert, die in den ethnischen Stilen der ukrainischen, irischen, schottischen, polnischen, hispanischen und jüdischen Gemeinschaften, unter anderen erzeugt ist.

Viele amerikanische Städte und Städte haben vibrierende Musik-Szenen, die abwechselnd mehrere Regionalmusikstile unterstützen. Zusammen mit Musikzentren wie Philadelphia, Seattle, New York City, San Francisco, New Orleans, Detroit, Minneapolis, Chicago, Nashville, Austin und Los Angeles, viele kleinere Städte wie der Asbury Park, hat New Jersey kennzeichnende Stile der Musik erzeugt. Der Cajun und die kreolischen Traditionen in der Louisiana Musik, den Leuten und den populären Stilen der hawaiischen Musik, und dem Wiesenrispengras und der alten Zeitmusik der Südöstlichen Staaten sind einige Beispiele der Ungleichheit in der amerikanischen Musik.

Eigenschaften

Die Musik der Vereinigten Staaten kann durch den Gebrauch der Synkope und asymmetrischen Rhythmen, langen, unregelmäßigen Melodien charakterisiert werden, die, wie man sagt, die weit geöffnete Erdkunde (die amerikanische Landschaft)" und der "Sinn der persönlichen Freiheitseigenschaft des amerikanischen Lebens" "widerspiegeln. Einige verschiedene Aspekte der amerikanischen Musik, wie das Anruf-Und-Ansprechformat, werden aus afrikanischen Techniken und Instrumenten abgeleitet.

Überall im späteren Teil der amerikanischen Geschichte, und in moderne Zeiten ist die Beziehung zwischen der amerikanischen und europäischen Musik ein besprochenes Thema unter Gelehrten der amerikanischen Musik gewesen. Einige haben für die Adoption von mehr rein europäischen Techniken und Stilen gedrängt, die manchmal als mehr raffiniert oder elegant wahrgenommen werden, während andere wegen eines Sinns des Musiknationalismus bedrängt haben, der unverwechselbar amerikanische Stile feiert. Moderner klassischer Musik-Gelehrter John Warthen Struble hat sich amerikanisch und europäisch abgehoben, beschließend, dass die Musik der Vereinigten Staaten von Natur aus verschieden ist, weil die Vereinigten Staaten Jahrhunderte der Musikevolution als eine Nation nicht gehabt haben. Statt dessen ist die Musik der Vereinigten Staaten die von Dutzenden oder Hunderte von einheimischen und einwandernden Gruppen, alle von denen entwickelt größtenteils in der Regionalisolierung bis zum amerikanischen Bürgerkrieg, als Leute von jenseits des Landes in Armeeeinheiten, Handelsmusikstilen und Methoden zusammengebracht wurden. Struble hat die Balladen des Bürgerkriegs "für die erste amerikanische Volksmusik mit wahrnehmbaren Eigenschaften gehalten, die einzigartig nach Amerika betrachtet werden können: Die erste 'amerikanische' tönende Musik, im Unterschied zu jedem Regionalstil ist auf ein anderes Land zurückzuführen gewesen."

Der Bürgerkrieg, und die Periode im Anschluss daran, hat eine allgemeine Blüte der amerikanischen Kunst, Literatur und Musik gesehen. Amateurmusikensembles dieses Zeitalters können als die Geburt der amerikanischen volkstümlichen Musik gesehen werden. Musik-Autor David Ewen beschreibt diese frühen Amateurbänder als das Kombinieren "der Tiefe und des Dramas der Klassiker mit der anspruchslosen Technik, sich Kompliziertheit für den direkten Ausdruck enthaltend. Wenn es stimmliche Musik wäre, würden die Wörter in Englisch trotz der Snobs sein, die Englisch eine unsingbare Sprache erklärt haben. In gewisser Hinsicht war es ein Teil des kompletten Erwachens Amerikas, das nach dem Bürgerkrieg, eine Zeit geschehen ist, in der amerikanische Maler, Schriftsteller und 'ernste' Komponisten spezifisch amerikanische Themen gerichtet haben." Während dieser Periode die Wurzeln der Niedergeschlagenheit, des Evangeliums, hat Jazz- und Countrymusic Gestalt genommen; im 20. Jahrhundert sind diese der Kern der amerikanischen volkstümlichen Musik geworden, die sich weiter zu den Stilen wie Rhythmus und Niedergeschlagenheit, Rock 'n' Roll und Hüfte-Sprung-Musik entwickelt hat.

Soziale Identität

Musik verflicht sich mit Aspekten der amerikanischen sozialen und kulturellen Identität, einschließlich durch soziale Klasse, Rasse und Ethnizität, Erdkunde, Religion, Sprache, Geschlecht und Sexualität. Die Beziehung zwischen Musik und Rasse ist vielleicht das stärkste Bestimmungswort der Musical-Bedeutung in den Vereinigten Staaten. Die Entwicklung einer afroamerikanischen Musikidentität, aus ungleichen Quellen von Afrika und Europa, ist ein unveränderliches Thema in der Musik-Geschichte der Vereinigten Staaten gewesen. Wenig Dokumentation besteht der afroamerikanischen Kolonialzeitalter-Musik, als sich Stile, Lieder und Instrumente von jenseits des Westlichen Afrikas im Schmelztiegel der Sklaverei vermischt haben. Durch die Mitte des 19. Jahrhunderts war eine ausgesprochen afroamerikanische Volkstradition wohl bekannte und weit verbreitete und afroamerikanische Musiktechniken, Instrumente und Images sind ein Teil der amerikanischen Hauptströmungsmusik durch spirituals, Minnesänger-Shows und Sklavenlieder geworden. Afroamerikanische Musikstile sind ein integraler Bestandteil der amerikanischen volkstümlichen Musik durch Niedergeschlagenheit, Jazz, Rhythmus und Niedergeschlagenheit, und dann Rock 'n' Roll, Seele und Hüfte-Sprung geworden; alle diese Stile wurden von Amerikanern aller Rassen verbraucht, aber wurden in afroamerikanischen Stilen und Idiomen geschaffen, bevor sie schließlich in der Leistung und dem Verbrauch über Rassenlinien üblich werden. Im Gegensatz ist Countrymusic sowohl afrikanisch als auch europäisch, sowie indianisch und hawaiisch, Traditionen zurückzuführen und ist lange noch als eine Form der weißen Musik wahrgenommen worden.

Wirtschaftliche und soziale Klasse trennt amerikanische Musik durch die Entwicklung und den Verbrauch der Musik, wie die Schirmherrschaft aus der Oberschicht von Symphonie-Gängern und die allgemein armen Darsteller der ländlichen und ethnischen Volksmusik. Auf der Klasse gestützte Musikabteilungen sind jedoch nicht absolut, und werden manchmal so sehr wahrgenommen wie wirkliche; populäre amerikanische Countrymusic ist zum Beispiel ein kommerzielles Genre, das entworfen ist, um an eine Arbeiteridentität "zu appellieren, ob seine Zuhörer wirklich Arbeiterklasse sind". Countrymusic wird auch mit der geografischen Identität verflochten, und ist im Ursprung und der Funktion spezifisch ländlich; andere Genres, wie R&B und Hüfte-Sprung, werden als von Natur aus städtisch wahrgenommen. Für viel amerikanische Geschichte ist Musik-Bilden "feminized Tätigkeit" gewesen. Im 19. Jahrhundert wurden Amateurklavier und das Singen richtig für die Mitte - und Frauen aus der Oberschicht betrachtet. Frauen waren auch ein Hauptteil der frühen Leistung der volkstümlichen Musik, obwohl registrierte Traditionen schnell mehr beherrscht durch Männer werden. Die meisten von den Männern beherrschten Genres der volkstümlichen Musik schließen Darstellerinnen ebenso häufig in einer Nische ein, die in erster Linie an Frauen appelliert; diese schließen gangsta Klopfen und schweres Metall ein.

Ungleichheit

Wie man

häufig sagt, sind die Vereinigten Staaten ein kultureller Schmelztiegel, in Einflüssen von jenseits der Welt nehmend und unverwechselbar neue Methoden des kulturellen Ausdrucks schaffend. Obwohl Aspekte der amerikanischen Musik zurück zu spezifischen Ursprüngen verfolgt werden können, behauptend, dass jede besondere ursprüngliche Kultur für ein Musikelement, wegen der unveränderlichen Evolution der amerikanischen Musik durch das Verpflanzen und Kreuzen von Techniken, Instrumenten und Genres von Natur aus problematisch ist. Elemente der Auslandsmusik sind in die Vereinigten Staaten sowohl durch die formelle Bürgschaft von pädagogischen angekommen, als auch übertreffen Sie Ereignisse durch Personen und Gruppen, und durch informelle Prozesse, als in der beiläufigen Versetzung der westafrikanischen Musik durch die Sklaverei und irischen Musik durch die Einwanderung. Die am ausgesprochensten amerikanische Musik ist ein Ergebnis der interkulturellen Kreuzung durch den nahen Kontakt. Sklaverei hat zum Beispiel Personen von zahlreichen Stämmen im dichten Wohnbereich gemischt, auf eine geteilte Musiktradition hinauslaufend, die durch das weitere Kreuzen mit Elementen der einheimischen, lateinischen und europäischen Musik bereichert wurde. Amerikanische ethnische, religiöse und rassische Ungleichheit hat auch solche vermischten Genres als die französisch-afrikanische Musik der Louisiana Kreolen, des Eingeborenen, mexikanische und europäische Fusion Musik von Tejano und die gründlich gekreuzte Gitarre des lockeren Schlüssels und anderen Stile der modernen hawaiischen Musik erzeugt.

Der Prozess der sich verpflanzen lassenden Musik zwischen Kulturen ist nicht ohne Kritik. Das Volkswiederaufleben der Mitte des 20. Jahrhunderts hat zum Beispiel die Musik von verschiedenen ländlichen Völkern verwendet, um teilweise bestimmte politische Ursachen zu fördern, der einige zur Frage verursacht hat, ob der Prozess den "kommerziellen commodification der Lieder anderer Völker... und der unvermeidlichen Verdünnung von bösartigen" in der verwendeten Musik verursacht hat. Das Problem der kulturellen Aneignung ist auch ein Hauptteil von Rassenbeziehungen in den Vereinigten Staaten gewesen. Der Gebrauch von afroamerikanischen Musiktechniken, Images und Eitelkeiten in der volkstümlichen Musik größtenteils durch und für weiße Amerikaner ist seitdem mindestens die Lieder der Mitte des 19. Jahrhunderts von Stephen Foster und der Anstieg von Minnesänger-Shows weit verbreitet gewesen. Die amerikanische Musik-Industrie hat aktiv versucht, weiße Darsteller der afroamerikanischen Musik zu verbreiten, weil sie zu Hauptströmungs- und Mittelstandsamerikanern schmackhafter sind. Dieser Prozess hat solche verschiedenen Sterne als Benny Goodman, Eminem und Elvis Presley, sowie populäre Stile wie blauäugige Seele und rockabilly erzeugt.

Volksmusik

Die Volksmusik in den Vereinigten Staaten wird über die zahlreichen ethnischen Gruppen des Landes geändert. Die indianischen Stämme jedes Spiel ihre eigenen Varianten der Volksmusik, der grösste Teil davon geistig in der Natur. Afroamerikanische Musik schließt Niedergeschlagenheit und Evangelium, descendts der westafrikanischen Musik ein, die in die Amerikas durch Sklaven gebracht ist und mit der westeuropäischen Musik gemischt ist. Während des Kolonialzeitalters wurden englische, französische und spanische Stile und Instrumente in die Amerikas gebracht. Bis zum Anfang des 20. Jahrhunderts waren die Vereinigten Staaten ein Hauptzentrum für die Volksmusik von der ganzen Welt, einschließlich der Polka, des ukrainischen und polnischen Fiedelns, Ashkenazi jüdischer klezmer und mehrere Arten der lateinischen Musik geworden.

Die Indianer haben die erste Volksmusik darin gespielt, was jetzt die Vereinigten Staaten, mit einem großen Angebot an Stilen und Techniken ist. Einige Allgemeinheiten sind fast unter der indianischen traditionellen Musik, jedoch, besonders der Mangel an der Harmonie und Polyfonie und dem Gebrauch von vocables und hinuntersteigenden melodischen Zahlen universal. Traditionelle Instrumentierungen verwenden die Flöte und viele Arten von Schlagzeug-Instrumenten, wie Trommeln, Rasseln und Mixbecher. Seitdem europäisches und afrikanisches Kontakt aufgenommen wurde, ist indianische Volksmusik in neuen Richtungen, in Fusionen mit ungleichen Stilen wie europäische Volkstänze und Musik von Tejano gewachsen. Moderne indianische Musik kann für Versammlungssammlungen, Panstammessammlungen am besten bekannt sein, bei denen traditionell entworfene Tänze und Musik durchgeführt werden.

Die Dreizehn Kolonien der ursprünglichen Vereinigten Staaten waren alle ehemaligen englischen Besitzungen, und Anglo-ist Kultur ein Hauptfundament für amerikanische Leute und volkstümliche Musik geworden. Viele amerikanische Volkslieder sind zu britischen Liedern in Maßnahmen, aber mit der neuen Lyrik häufig als Parodien auf das ursprüngliche Material identisch. Amerikanische anglo-Lieder werden auch als habend weniger pentatonische Melodien, weniger prominente Begleitung (aber mit dem schwereren Gebrauch von Drohnen) und mehr Melodien im Major charakterisiert. Anglo-amerikanische traditionelle Musik schließt auch eine Vielfalt von Breitseite-Balladen, humorvollen Geschichten und hohen Märchen und Katastrophe-Liedern bezüglich des Bergwerks, der Schiffbrüche und des Mords ein. Legendäre Helden wie Joe Magarac, John Henry und Jesse James sind ein Teil von vielen Liedern. Volkstänze des britischen Ursprungs schließen den Quadrattanz ein, ist von der Quadrille hinuntergestiegen, die mit der amerikanischen Neuerung eines Anrufers verbunden ist, der die Tänzer informiert. Die religiöse als die Mixbecher bekannte Kommunalgesellschaft ist von England während des 18. Jahrhunderts emigriert und hat ihren eigenen Volkstanzstil entwickelt. Ihre frühen Lieder können zu britischen Volkslied-Modellen zurückgegangen werden. Andere religiöse Gesellschaften haben ihre eigenen einzigartigen Musikkulturen früh in der amerikanischen Geschichte, wie die Musik von Amish, der Harmonie-Gesellschaft, und des Ephrata Klosters in Pennsylvanien eingesetzt.

Die Vorfahren der heutigen afroamerikanischen Bevölkerung wurden in die Vereinigten Staaten als Sklaven gebracht, in erster Linie in den Plantagen des Südens arbeitend. Sie waren von Hunderten von Stämmen über das Westliche Afrika, und sie haben mit ihnen bestimmte Charakterzüge der westafrikanischen Musik einschließlich Anruf- und Ansprechvokale und kompliziert rhythmischen Musik gebracht, sowie haben synkopiert schlägt und veränderliche Akzente. Das afrikanische Musical konzentriert sich auf das rhythmische Singen, und das Tanzen wurde zur Neuen Welt gebracht, und wo es ein Teil einer verschiedenen Volkskultur geworden ist, die Afrikanern geholfen hat, "Kontinuität mit ihrer Vergangenheit durch die Musik zu behalten". Die ersten Sklaven in den Vereinigten Staaten haben Arbeitslieder, Feldschreie und, im Anschluss an Christianization, Kirchenlieder gesungen. Im 19. Jahrhundert hat ein Großes Erwachen der religiösen Glut Leute über das Land besonders im Süden ergriffen. Protestantische Kirchenlieder geschrieben größtenteils von Predigern von Neuengland sind eine Eigenschaft von Campingsitzungen geworden, die unter frommen Christen über den Süden gehalten sind. Als Schwarze begonnen haben, angepasste Versionen dieser Kirchenlieder zu singen, wurden sie Negerspirituals genannt. Es war von diesen Wurzeln, geistiger Lieder, Arbeitslieder und Feldschreie, dieser Niedergeschlagenheit, Jazz und entwickelten Evangeliums.

Niedergeschlagenheit und spirituals

Spirituals waren in erster Linie Ausdrücke des religiösen Glaubens, der von Sklaven auf südlichen Plantagen gesungen ist. Mitte zum Ende des 19. Jahrhunderts, spirituals Ausbreitung aus dem amerikanischen Süden. 1871 ist Fisk Universität nach Hause für die Jubiläum-Sänger, eine Pioniergruppe geworden, die spirituals über das Land verbreitet hat. In der Imitation dieser Gruppe sind Evangelium-Quartette, gefolgt durch die Erhöhung der Diversifikation mit dem Anfang des Anstiegs des 20. Jahrhunderts von jackleg und das Singen von Predigern entstanden, woher der populäre Stil der Evangelium-Musik gekommen ist.

Niedergeschlagenheit ist eine Kombination von afrikanischen Arbeitsliedern, Feldschreien und Schreien. Es hat sich im ländlichen Süden im ersten Jahrzehnt des 20. Jahrhunderts entwickelt. Die wichtigsten Eigenschaften der Niedergeschlagenheit sind sein Gebrauch der blauen Skala, mit einem flatted oder unbestimmtem Drittel, sowie der normalerweise jammernden Lyrik; obwohl beide dieser Elemente in der afroamerikanischen Volksmusik vor dem 20. Jahrhundert bestanden hatten, hat die kodifizierte Form der modernen Niedergeschlagenheit (solcher als mit der AAB Struktur) bis zum Anfang des 20. Jahrhunderts nicht bestanden.

Andere einwandernde Gemeinschaften

Die Vereinigten Staaten sind ein Schmelztiegel, der aus zahlreichen ethnischen Gruppen besteht. Viele dieser Völker haben die Volkstraditionen ihres Heimatlandes bewahrt, häufig unverwechselbar amerikanische Stile der Auslandsmusik erzeugend. Einige Staatsbürgerschaften haben lokale Szenen in Gebieten des Landes erzeugt, wo sie sich wie kapverdische Musik in Neuengland, armenische Musik in Kalifornien und italienische und ukrainische Musik in New York City gesammelt haben.

Die Kreolen sind eine Gemeinschaft mit dem verschiedenen nichtanglo-Herkunft, größtenteils Nachkomme von Leuten, die in Louisiana vor seinem Kauf durch die Vereinigten Staaten gelebt haben, sind Die Cajuns eine Gruppe von Francophones, die in Louisiana nach dem Verlassen von Acadia in Kanada angekommen ist. Die Stadt New Orleans, Louisiana, ein Haupthafen seiend, hat als ein Schmelztiegel für Leute von überall in der karibischen Waschschüssel gehandelt. Das Ergebnis ist ein verschiedener und syncretic Satz von Stilen von Cajun und kreolischer Musik.

Spanien und nachher hat Mexiko viel davon kontrolliert, wem jetzt die westlichen Vereinigten Staaten bis zum mexikanisch-amerikanischen Krieg einschließlich des kompletten Staates Texas ist. Nachdem sich Texas den Vereinigten Staaten angeschlossen hat, hat geborener Tejanos, der im Staat lebt, kulturell begonnen, sich getrennt von ihren Nachbarn nach Süden zu entwickeln, und ist kulturell verschieden von anderen Texanern geblieben. Zentral zur Evolution der frühen Musik von Tejano war die Mischung von traditionellen mexikanischen Formen wie mariachi und der corrido und die europäischen Kontinentalstile, die von deutschen und tschechischen Kolonisten gegen Ende des 19. Jahrhunderts eingeführt sind. Insbesondere das Akkordeon wurde von Volksmusikern von Tejano am Ende des 20. Jahrhunderts angenommen, und es ist ein populäres Instrument für Amateurmusiker in Texas und dem Nördlichen Mexiko geworden.

Klassische Musik

Die europäische klassische Musik-Tradition wurde in die Vereinigten Staaten mit einigen der ersten Kolonisten gebracht. Europäische klassische Musik wird in den Traditionen von europäischen Kunst-, kirchlich und Konzertmusik eingewurzelt. Die Hauptnormen dieser Tradition haben sich zwischen 1550 und 1825 entwickelt, darauf im Mittelpunkt stehend, was als die Periode der üblichen Praxis bekannt ist. Viele amerikanische klassische Komponisten haben versucht, völlig innerhalb von europäischen Modellen bis gegen Ende des 19. Jahrhunderts zu arbeiten. Als Antonín Dvořák, ein prominenter tschechischer Komponist, die Vereinigten Staaten von 1892 bis 1895 besucht hat, hat er die Idee wiederholt, dass amerikanische klassische Musik seine eigenen Modelle gebraucht hat, anstatt europäische Komponisten zu imitieren; er hat geholfen, nachfolgende Komponisten anzuregen, einen ausgesprochen amerikanischen Stil der klassischen Musik zu machen. Am Anfang des 20. Jahrhunderts vereinigten viele amerikanische Komponisten ungleiche Elemente in ihre Arbeit, im Intervall vom Jazz und der Niedergeschlagenheit zur indianischen Musik.

Früh klassische Musik

Während des Kolonialzeitalters gab es zwei verschiedene Felder dessen, was jetzt als klassische Musik betrachtet wird. Einer wurde mit Amateurkomponisten und Erziehern vereinigt, deren Stil um einfache Kirchenlieder basiert hat, die mit der zunehmenden Kultiviertheit mit der Zeit durchgeführt wurden. Die andere Kolonialtradition war die der Mitte atlantische Städte wie Philadelphia und Baltimore, das mehrere prominente Komponisten erzeugt hat, die fast völlig innerhalb des europäischen Modells gearbeitet haben; diese Komponisten waren im Ursprung größtenteils Engländer, und haben spezifisch im Stil von prominenten englischen Komponisten des Tages gearbeitet.

Europäische klassische Musik wurde in die Vereinigten Staaten während des Kolonialzeitalters gebracht. Viele amerikanische Komponisten dieser Periode haben exklusiv mit europäischen Modellen gearbeitet, während andere, wie William Billings, Versorgung Belcher und Justin Morgan, auch bekannt als die Erste Schule von Neuengland, einen von europäischen Modellen fast völlig unabhängigen Stil entwickelt haben. Dieser Komponisten ist Billings am meisten gut nicht vergessen; er war auch "als der Gründer des amerikanischen Kirchchors als der erste Musiker einflussreich, um eine Wurf-Pfeife, und als das erste zu verwenden, um ein Cello in den Kirchdienst einzuführen". Viele dieser Komponisten waren Amateursänger, die neue Formen der heiligen Musik entwickelt haben, die für die Leistung durch Dilettanten und häufig das Verwenden harmonischer Methoden passend ist, die bizarr durch zeitgenössische europäische Standards betrachtet worden sein würden. Die Stile dieser Komponisten waren durch "den Einfluss ihrer hoch entwickelten europäischen Zeitgenossen", mit modalen oder pentatonischen Skalen oder Melodien unberührt und sich der europäischen Regeln der Harmonie enthaltend.

Am Anfang des 19. Jahrhunderts hat Amerika verschiedene Komponisten wie Anthony Philip Heinrich erzeugt, der in einem idiosynkratischen, absichtlich "amerikanischen" Stil gedichtet hat und der erste amerikanische Komponist war, um für ein Sinfonieorchester zu schreiben. Viele andere Komponisten, am berühmtesten William Henry Fry und George Frederick Bristow, haben die Idee von einem amerikanischen klassischen Stil unterstützt, obwohl ihre Arbeiten in der Orientierung sehr europäisch waren. Es war John Knowles Paine jedoch, wer der erste amerikanische in Europa zu akzeptierende Komponist geworden ist. Das Beispiel von Paine hat die Komponisten der Zweiten Schule von Neuengland begeistert, die solche Zahlen wie Amy Beach, Edward MacDowell und Horatio Parker eingeschlossen hat.

Louis Moreau Gottschalk ist vielleicht der am besten nicht vergessene amerikanische Komponist des 19. Jahrhunderts, das vom Musik-Historiker Richard Crawford gesagt ist, bekannt zu sein, um "zu bringen, einheimisch oder Leute, Themen und Rhythmen in die Musik für den Konzertsaal". Die Musik von Gottschalk hat die kulturelle Mischung seiner Hausstadt, New Orleans, Louisiana widerspiegelt, das eine Vielfalt von lateinischen, karibischen, afroamerikanischen, Cajun und kreolischer Musik beherbergt hat. Er wurde als ein talentierter Pianist in seiner Lebenszeit gut anerkannt, und war auch ein bekannter Komponist, der bewundert obwohl wenig durchgeführt bleibt.

Das 20. Jahrhundert

New Yorks klassische Musik-Szene hat Charles Griffes, ursprünglich von Elmira, New York eingeschlossen, wer begonnen hat, sein am meisten innovatives Material 1914 zu veröffentlichen. Seine frühen Kollaborationen waren Versuche, Nichtwestmusikthemen zu verwenden. Der am besten bekannte New Yorker Komponist war George Gershwin. Gershwin war ein Songschreiber mit Tin Pan Alley und den Theatern von Broadway, und seine Arbeiten waren stark unter Einfluss des Jazz, oder eher der Vorgänger, um zu jazzen, die während seiner Zeit noch vorhanden waren. Die Arbeit von Gershwin hat amerikanische klassische Musik mehr eingestellt gemacht, und hat einen unerhörten vom Betrag der internationalen Aufmerksamkeit angezogen. Folgender Gershwin, der erste Hauptkomponist war Aaron Copland von Brooklyn, der Elemente der amerikanischen Volksmusik verwendet hat, obwohl es europäisch in der Technik und Form geblieben ist. Später hat er sich dem Ballett und dann der Serienmusik zugewandt. Charles Ives war einer der frühsten amerikanischen klassischen Komponisten der fortdauernden internationalen Bedeutung, Musik in einem einzigartig amerikanischen Stil erzeugend, obwohl seine Musik bis seinen Tod 1954 größtenteils unbekannt war.

Viele der späteren Komponisten des 20. Jahrhunderts, wie John Cage, John Corigliano und Steve Reich, haben Modernist- und Minimalist-Techniken verwendet. Reich hat eine Technik entdeckt, die als Synchronisierung bekannt ist, in der zwei Musiktätigkeiten gleichzeitig beginnen und wiederholt werden, allmählich asynchron treibend, einen natürlichen Sinn der Entwicklung schaffend. Reich hat sich auch sehr für die Nichtwestmusik interessiert, afrikanische rhythmische Techniken in seinen Zusammensetzungen vereinigend. Neue Komponisten und Darsteller sind stark unter Einfluss der Minimalist-Arbeiten von Philip Glass, einem Baltimorer Eingeborenen, der aus New York, Meredith Monk und anderen gestützt ist.

Volkstümliche Musik

Die Vereinigten Staaten haben viele populäre Musiker und Komponisten in der modernen Welt erzeugt. Mit der Geburt der Schallplattenmusik beginnend, haben amerikanische Darsteller fortgesetzt, das Feld der volkstümlichen Musik zu führen, die aus "allen Beiträgen, die von Amerikanern zur Weltkultur geleistet sind..., durch die ganze Welt zu Herzen genommen worden ist". Die meisten Geschichten der volkstümlichen Musik fangen mit dem amerikanischen Ragtime oder Tin Pan Alley an; andere verfolgen jedoch volkstümliche Musik zurück zur europäischen Renaissance und durch Flugblätter, Balladen und andere populäre Traditionen. Andere Autoren schauen normalerweise auf populäre Notenblätter, amerikanische volkstümliche Musik zu spirituals, Minnesänger-Shows und Varieté oder den patriotischen Liedern des Bürgerkriegs verfolgend.

Früh populäres Lied

Die patriotischen liegen Lieder der amerikanischen Revolution haben die erste Art der volkstümlichen Hauptströmungsmusik eingesetzt. Diese haben "Den Freiheitsbaum", durch Thomas Paine eingeschlossen. Preiswert gedruckt als Flugblätter, früh patriotische Liedausbreitung über die Kolonien und wurden zuhause und auf öffentlichen Sitzungen durchgeführt. Querpfeife-Lieder wurden besonders gefeiert, und wurden auf Feldern des Kampfs während der amerikanischen Revolution durchgeführt. Die längste Beständigkeit dieser Querpfeife-Lieder ist "Yankee-Kritzelei", noch weithin bekannt heute. Die Melodie geht bis 1755 zurück und wurde sowohl von amerikanischen als auch von britischen Truppen gesungen. Patriotische Lieder haben größtenteils auf englischen Melodien mit der neuen Lyrik basiert, die hinzugefügt ist, um britische Kolonialpolitik zu verurteilen; andere haben jedoch Melodien von Irland, Schottland oder anderswohin verwendet, oder haben keine vertraute Melodie verwertet. Das Lied "Hagel Columbia" war eine Hauptarbeit, die eine inoffizielle Nationalhymne bis zur Adoption "Der Sternenbesäten Schlagzeile" geblieben ist. Viel von dieser frühen amerikanischen Musik überlebt noch in der Heiligen Harfe.

Während des Bürgerkriegs, als sich Soldaten von jenseits des Landes vermischt haben, haben die vielgestaltigen Ufer der amerikanischen Musik begonnen, einander, ein Prozess quer-zufruchtbar machen, dem durch die knospende Gleise-Industrie und anderen technologischen Entwicklungen geholfen wurde, die Reisen und Kommunikation leichter gemacht haben. Armeeeinheiten haben Personen von jenseits des Landes eingeschlossen, und sie haben schnell Melodien, Instrumente und Techniken getauscht. Der Krieg war ein Impuls für die Entwicklung von ausgesprochen amerikanischen Liedern, die geworden sind und wild populär geblieben sind. Die populärsten Lieder des Bürgerkrieg-Zeitalters haben "Kochgeschirr" eingeschlossen, das von Daniel Decatur Emmett geschrieben ist. Das Lied, ursprünglich betitelt "das Land des Kochgeschirrs", wurde für das Schließen einer Minnesänger-Show gemacht; es hat sich nach New Orleans zuerst ausgebreitet, wo es veröffentlicht wurde und "einer der großen Liederfolge der Vorbürgerkrieg-Periode" geworden ist. Zusätzlich zu populären patriotischen Liedern hat das Bürgerkrieg-Zeitalter auch einen großen Körper von Blaskapelle-Stücken erzeugt.

Im Anschluss an den Bürgerkrieg sind Minnesänger-Shows die erste unverwechselbar amerikanische Form des Musik-Ausdrucks geworden. Die Minnesänger-Show war eine einheimische Form der amerikanischen Unterhaltung, die aus komischen Sticheleien, Vielfalt-Taten, dem Tanzen und der Musik gewöhnlich besteht, die von weißen Leuten in der fetten Schrift durchgeführt ist. Minnesänger zeigt verwendete afroamerikanische Elemente in Musikleistungen, aber nur auf vereinfachte Weisen; Handlungen der Geschichte in den Shows haben Schwarze als natürlich geborene Sklaven und Dummköpfe vor dem schließlichen mit dem Abolitionismus verbundenen Werden gezeichnet. Die Minnesänger-Show wurde von Dan Emmett und den Minnesängern von Virginia erfunden. Minnesänger zeigt sich hat die ersten gut nicht vergessenen populären Songschreiber in der amerikanischen Musik-Geschichte erzeugt: Thomas D. Rice, Dan Emmett, und, am berühmtesten, Stephen Foster. Nachdem Minnesänger-Show-Beliebtheit verwelkt ist, sind Waschbär-Lieder, ein ähnliches Phänomen, populär geworden.

Der Komponist John Philip Sousa wird mit der populärsten Tendenz in der amerikanischen volkstümlichen Musik kurz vor der Jahrhundertwende nah vereinigt. Früher der Kapellmeister des USA-Seebandes, Sousa hat militärische Märsche wie "Sterne und Streifen Für immer" geschrieben, die seine "Sehnsucht für [sein] Haus und Land" widerspiegelt haben, der Melodie einen "bewegten männlichen Charakter" gebend.

Am Anfang des 20. Jahrhunderts war amerikanisches Musiktheater eine Hauptquelle für populäre Lieder, viele von denen beeinflusste Niedergeschlagenheit, Jazz, Land und andere noch vorhandene Stile der volkstümlichen Musik. Das Zentrum der Entwicklung für diesen Stil war in New York City, wo die Theater von Broadway unter den berühmtesten Treffpunkten in der Stadt geworden sind. Theaterkomponisten und Lyriker wie die Brüder George und Ira Gershwin haben einen einzigartig amerikanischen Theaterstil geschaffen, der amerikanische einheimische Rede und Musik verwendet hat. Musicals haben populäre Lieder und schnell durchschrittene Anschläge gezeigt, die häufig um die Liebe und den Roman gekreist haben.

Niedergeschlagenheit und Evangelium

Die Niedergeschlagenheit ist ein Genre der afroamerikanischen Volksmusik, die die Basis für viel moderne amerikanische volkstümliche Musik ist. Niedergeschlagenheit kann als ein Teil eines Kontinuums von Musikstilen wie Land, Jazz, Ragtime und Evangelium gesehen werden; obwohl sich jedes Genre zu verschiedenen Formen entwickelt hat, waren ihre Ursprünge häufig undeutlich. Frühe Formen der Niedergeschlagenheit haben sich in und um das Delta von Mississippi in den späten 19. und frühen 20. Jahrhunderten entwickelt. Die frühste einer Niedergeschlagenheit ähnliche Musik war in erster Linie Anruf-Und-Antwort stimmliche Musik, ohne Harmonie oder Begleitung und ohne jede formelle Musikstruktur. Sklaven und ihre Nachkommen haben die Niedergeschlagenheit geschaffen, indem sie die Feldschreie und Schreie angepasst haben, sie in leidenschaftliche Sololieder verwandelnd. Wenn gemischt, mit den christlichen geistigen Liedern von afroamerikanischen Kirchen und Wiederaufleben-Sitzungen ist Niedergeschlagenheit die Basis der Evangelium-Musik geworden. Modernes Evangelium hat in afroamerikanischen Kirchen in den 1920er Jahren in der Form von Anbetern begonnen, die ihren Glauben an einen improvisierten, häufig Musikweise (Aussage) öffentlich verkündigen. Komponisten wie Thomas A. Dorsey haben Evangelium-Arbeiten zusammengesetzt, die Elemente der Niedergeschlagenheit und des Jazz in traditionellen Kirchenliedern und geistigen Liedern verwendet haben.

Ragtime war ein Stil der um das Klavier gestützten Musik, mit synkopierten Rhythmen und chromaticisms. Es ist in erster Linie eine Form der Tanzmusik, die den Wandern-Bass verwertet, und wird allgemein in der Sonate-Form zusammengesetzt. Ragtime ist eine raffinierte und entwickelte Form des afroamerikanischen Cakewalk-Tanzes, der mit Stilen im Intervall von europäischen Märschen und populären Liedern zu Bohrvorrichtungen und anderen Tänzen gemischt ist, die von großen afroamerikanischen Bändern in nördlichen Städten während des Endes des 19. Jahrhunderts gespielt sind. Der berühmteste Ragtime-Darsteller und Komponist waren Scott Joplin, der für Arbeiten wie "Ahorn-Blatt-Lumpen" bekannt ist.

Niedergeschlagenheit ist ein Teil der amerikanischen volkstümlichen Musik in den 1920er Jahren geworden, als klassische weibliche Niedergeschlagenheitssänger wie Bessie Smith populär gewachsen sind. Zur gleichen Zeit haben Rekordgesellschaften das Feld der Rasse-Musik gestartet, die größtenteils an afroamerikanischen Zuschauern ins Visier genommene Niedergeschlagenheit war. Die berühmteste von diesen Taten hat fortgesetzt, viel von der späteren populären Entwicklung der Niedergeschlagenheit und Niedergeschlagenheitsabgeleiteten Genres, einschließlich des legendären Delta-Niedergeschlagenheitskünstlers Robert Johnson und Piedmontfläche-Niedergeschlagenheitskünstlers Blind Willie McTell zu begeistern. Am Ende der 1940er Jahre, jedoch, war reine Niedergeschlagenheit nur eine Nebenrolle der volkstümlichen Musik, durch Sprösse wie Rhythmus & Niedergeschlagenheit und der werdende Stil des Rock 'n' Rolls untergeordnet worden sein. Einige Stile der elektrischen, Klavier-gesteuerten Niedergeschlagenheit, wie der Boogie-Woogie, haben ein großes Publikum behalten. Ein bluesy Stil des Evangeliums ist auch populär im Hauptströmungsamerika in den 1950er Jahren, geführt von der Sängerin Mahalia Jackson geworden. Das Niedergeschlagenheitsgenre hat Hauptwiederaufleben in den 1950er Jahren mit Chikagoer Niedergeschlagenheitskünstlern wie Muddy Waters und Kleiner Walter sowie in den 1960er Jahren im Strom der britischen Invasion und des amerikanischen Volksmusik-Wiederauflebens erfahren, als Land bluesmen wie die Mississippi John Hurt und Ehrwürdiger Gary Davis wieder entdeckt wurde. Die Samenniedergeschlagenheitskünstler dieser Perioden hatten enormen Einfluss auf Felsen-Musiker wie Chuck Berry in den 1950er Jahren, sowie auf der britischen Niedergeschlagenheit und den Niedergeschlagenheitsfelsen-Szenen der 1960er Jahre und der 70er Jahre, einschließlich unter anderen Eric Clapton in Großbritannien und Johnny Winter in Texas.

Jazz

Jazz ist eine Art Musik, die durch geschwungene und blaue Zeichen, Anruf und Ansprechvokale, Polyrhythmen und Improvisation charakterisiert ist. Obwohl ursprünglich eine Art Tanzmusik, Jazz ein Hauptteil der volkstümlichen Musik gewesen ist, und auch ein Hauptelement der klassischen Westmusik geworden ist. Jazz hat Wurzeln im westafrikanischen kulturellen und musikalischen Ausdruck, und in afroamerikanischen Musik-Traditionen einschließlich der Niedergeschlagenheit und des Ragtime, sowie der europäischen militärischen Band-Musik. Früher Jazz ist nah mit dem Ragtime verbunden gewesen, mit dem er durch den Gebrauch von mehr komplizierter rhythmischer Improvisation bemerkenswert sein konnte. Die frühsten Jazzbands haben viel vom Vokabular der Niedergeschlagenheit, einschließlich Begabung und blauer Zeichen und instrumentalen "Knurrens" und auf europäischen Instrumenten sonst nicht verwendeter Schmieren angenommen. Die Wurzeln des Jazz kommen aus der Stadt New Orleans, Louisiana, das von Cajuns und schwarzen Kreolen bevölkert ist, die die französisch-kanadische Kultur von Cajuns mit ihren eigenen Stilen der Musik im 19. Jahrhundert verbunden haben. Große kreolische Bänder, die um Begräbnisse und Paraden gespielt haben, sind eine Hauptbasis für den frühen Jazz geworden, die sich von New Orleans nach Chicago und anderen nördlichen städtischen Zentren ausbreiten.

Obwohl Jazz schon lange etwas beschränkte Beliebtheit erreicht hatte, war es Louis Armstrong, der einer der ersten populären Sterne und einer Hauptkraft in der Entwicklung des Jazz, zusammen mit seinem Freund Pianist Earl Hines geworden ist. Armstrong, Hines und ihre Kollegen waren improvisers, der dazu fähig ist, zahlreiche Schwankungen auf einer einzelnen Melodie zu schaffen. Armstrong hat auch das Argusfisch-Singen, eine improvisierte stimmliche Technik verbreitet, in der sinnlose Silben (vocables) gesungen werden. Armstrong und Hines waren im Anstieg einer Art Knall-Jazz der Big Band genannt Schwingen einflussreich. Schwingen wird durch eine starke Rhythmus-Abteilung charakterisiert, gewöhnlich aus Kontrabass und Trommeln, Medium zum schnellen Tempo und rhythmischen Geräten wie das geschwungene Zeichen bestehend, das für den grössten Teil des Jazz üblich ist. Schwingen ist in erster Linie eine Fusion des Jazz der 1930er Jahre, der mit Elementen der Niedergeschlagenheit und Tin Pan Alleys verschmolzen ist. Schwingen Sie verwendete größere Bänder als andere Arten des Jazz, bandleaders führend, dicht das Material einordnend, das Improvisation, vorher ein integraler Bestandteil des Jazz entmutigt hat. Schwingen ist ein Hauptteil des afroamerikanischen Tanzes geworden und ist gekommen, um durch einen populären Tanz genannt den Schwingen-Tanz begleitet zu werden.

Jazz hat viele Darsteller aller Hauptstile der späteren volkstümlichen Musik beeinflusst, obwohl Jazz selbst nie wieder solch ein Hauptteil der amerikanischen volkstümlichen Musik als während des Schwingen-Zeitalters geworden ist. Der spätere Amerikaner des 20. Jahrhunderts Jazzszene hat wirklich jedoch einige populäre Überkreuzungssterne wie Miles Davis erzeugt. In der Mitte des 20. Jahrhunderts hat sich Jazz zu einer Vielfalt von Subgenres entwickelt, mit bebop beginnend. Bebop ist eine Form des Jazz, der durch schnelle Tempos, Improvisation charakterisiert ist, die auf der harmonischen Struktur aber nicht der Melodie und dem Gebrauch des flatted fünften gestützt ist. Bebop wurde am Anfang der 1940er Jahre und Mitte der 1940er Jahre entwickelt, später sich zu Stilen wie harter Bebop und freier Jazz entwickelnd. Neuerer des Stils haben Charlie Parker und Dizzy Gillespie eingeschlossen, der aus kleinen Jazzklubs in New York City entstanden ist.

Countrymusic

Countrymusic ist in erster Linie eine Fusion der afroamerikanischen Niedergeschlagenheit und spirituals mit der Volksmusik von Appalachian, die an Knall-Zuschauer und verbreiteter Anfang in den 1920er Jahren angepasst ist. Die Ursprünge des Landes sind in der ländlichen Südlichen Volksmusik, die in erster Linie irisch und mit der afrikanischen und kontinentalen europäischen Musik britisch war. Anglo-keltische Melodien, Tanzmusik und Balladendichtung waren die frühsten Vorgänger des modernen Landes, das dann als Hinterwäldler-Musik bekannt ist. Früher Hinterwäldler hat auch Elemente der Niedergeschlagenheit geliehen und hat auf mehr Aspekte von Schlagern des 19. Jahrhunderts als Hinterwäldler-Musik gezogen, die in ein kommerzielles Genre schließlich entwickelt ist, das als Land bekannt ist und westlich ist und dann einfach Land. Die frühste Landinstrumentierung hat um die Europäer-abgeleitete Geige und das von den Afrikanern abgeleitete Banjo mit der später hinzugefügten Gitarre gekreist. Saiteninstrumente wie die Ukulele und Stahlgitarre sind gewöhnlich wegen der Beliebtheit von hawaiischen Musikgruppen am Anfang des 20. Jahrhunderts geworden.

Die Wurzeln der kommerziellen Countrymusic werden allgemein bis 1927 verfolgt, als Musik-Gleicher des Talentsuchers Ralph Jimmie Rodgers und Die Familie von Carter registriert hat. Populärer Erfolg wurde sehr beschränkt, obwohl eine kleine Nachfrage etwas kommerzielle Aufnahme gespornt hat. Nach dem Zweiten Weltkrieg, dort wurde Interesse an Spezialisierungsstilen wie Countrymusic vergrößert, einige Hauptpopstars erzeugend. Der einflussreichste Landmusiker des Zeitalters war Hank Williams, ein bluesy Landsänger von Alabama. Er bleibt berühmt als einer der größten Songschreiber der Countrymusic und Darsteller, die als ein "Volksdichter" mit einem "Spelunke-Stolzieren" und "Arbeiterzuneigungen" angesehen sind. Im Laufe des Jahrzehnts die Rauheit des Weißen tonk allmählich weggefressen weil ist der Ton von Nashville mehr Knall-orientiert gewachsen. Erzeuger wie Chet Atkins haben den Ton von Nashville dadurch geschaffen, die Hinterwäldler-Elemente der Instrumentierung zu berauben und glatte Instrumentierung zu verwenden, und haben Produktionstechniken vorgebracht. Schließlich waren die meisten Aufzeichnungen von Nashville in diesem Stil, der begonnen hat, Schnuren und stimmliche Chöre zu vereinigen.

Durch den frühen Teil der 1960er Jahre, jedoch, klingen Nashville war wahrgenommen, wie auch unten bewässert, durch noch viele traditionalistische Darsteller und Anhänger geworden, auf mehrere lokale Szenen wie der Ton von Lubbock und der Ton von Bakersfield hinauslaufend. Einige Darsteller haben Beliebtheit, jedoch, wie die langjährige kulturelle Ikone Johnny Cash behalten. Der Bakersfield-Ton hat Mitte zum Ende der 1950er Jahre begonnen, als Darsteller wie Wynn Stewart und Buck Owens begonnen haben, Elemente des Westschwingens und Felsens wie der breakbeat in ihrer Musik zu verwenden. In den Darstellern der 60er Jahre wie Merle Haggard hat den Ton verbreitet. Am Anfang der 1970er Jahre war Haggard auch ein Teil des Verbrecher-Landes, neben Liedermachern wie Willie Nelson und Waylon Jennings. Verbrecher-Land wurde felsorientiert und lyrisch die kriminellen Mätzchen der Darsteller im Gegensatz zu den klaren Landsängern des Tons von Nashville konzentriert. Bis zur Mitte der 1980er Jahre wurden die Countrymusic-Karten von Schlagersängern neben einem werdenden Wiederaufleben des honky-tonk-style Landes mit dem Anstieg von Darstellern wie Dwight Yoakam beherrscht. Die 1980er Jahre haben auch die Entwicklung von alternativen Landdarstellern wie Onkel Tupelo gesehen, die dem mehr Knall-orientierten Stil des Hauptströmungslandes entgegengesetzt waren. Am Anfang der 2000er Jahre sind Knall-orientierte Landtaten unter den Erfolgsdarstellern in den Vereinigten Staaten, besonders Garth Brooks geblieben.

R&B und Seele

R&B, eine Abkürzung für den Rhythmus und die Niedergeschlagenheit, ist ein Stil, der in den 1930er Jahren und 1940er Jahren entstanden ist. Früh R&B hat aus großen Rhythmus-Einheiten bestanden, "weg hinter schreienden Niedergeschlagenheitssängern zersplitternd (die) schreien mussten, um über dem Klingen und Klimpern der verschiedenen elektrisierten Instrumente und der butternden Rhythmus-Abteilungen gehört zu werden". R&B wurde nicht umfassend registriert und gefördert, weil Rekordgesellschaften gefunden haben, dass ihm für die meisten Zuschauer, besonders Mittelstandsweiße, wegen der andeutenden Lyrik und des Fahrens von Rhythmen nicht angepasst wurde. Bandleaders wie Louis Jordan hat den Ton von frühen R&B, mit einem Band mit einer kleinen Hornabteilung und prominenter Rhythmus-Instrumentierung neu eingeführt. Am Ende der 1940er Jahre hatte er mehrere Erfolge gehabt und geholfen, für Zeitgenossen wie Wynonie Harris und John Lee Hooker den Weg zu ebnen. Viele der populärsten R&B Lieder wurden im ausgelassenen Stil des Jordans und seinen Zeitgenossen nicht durchgeführt; stattdessen wurden sie von weißen Musikern wie Pat Boone in einem schmackhafteren Hauptströmungsstil durchgeführt, der sich in Knall-Erfolge verwandelt hat. Am Ende der 1950er Jahre, jedoch, gab es eine Welle des populären schwarzen Niedergeschlagenheitsfelsens und landbeeinflusst R&B Darsteller wie Chuck Berry, der beispiellose Berühmtheit unter weißen Zuhörern gewinnt.

Soulmusik ist eine Kombination des Rhythmus und der Niedergeschlagenheit und des Evangeliums, das gegen Ende der 1950er Jahre in den Vereinigten Staaten begonnen hat. Es wird durch seinen Gebrauch von Geräten der Evangelium-Musik, mit einer größeren Betonung auf Vokalisten und dem Gebrauch von weltlichen Themen charakterisiert. Die Aufnahmen der 1950er Jahre von Ray Charles, Sam Cooke und James Brown werden als die Anfänge der Seele allgemein betrachtet. Die modernen Töne von Charles (1962) haben Aufzeichnungen eine Fusion der Soulmusik und Countrymusic, Landseele gezeigt, und haben Rassenbarrieren in der Musik zurzeit durchquert. Eines der wohl bekanntesten Lieder von Cooke "Eine Änderung Ist Wird" (1964) Kommen ist akzeptiert als ein klassisches Werk und eine Hymne der Bürgerrechtsbewegung der 1960er Jahre geworden. Gemäß Allmusic war James Brown kritisch, durch "die Evangelium-leidenschaftliche Wut seiner Vokale und die komplizierten Polyrhythmen von seinem schlägt", in "zwei Revolutionen in der schwarzen amerikanischen Musik. Er war eine der Zahlen, die dafür am verantwortlichsten sind, sich R&B in die Seele zu drehen, und er war, die meisten, würden die Zahl zustimmen, die dafür am verantwortlichsten ist, Soulmusik in den Schiss des Endes der 60er Jahre und Anfang der 70er Jahre zu verwandeln." Motown Record Corporation Detroits, Michigan ist hoch erfolgreich während des Anfangs der 1960er Jahre und Mitte der 1960er Jahre durch die Ausgabe von Seelenaufnahmen mit schweren Knall-Einflüssen geworden, um sie schmackhaft zu weißen Zuschauern, das Erlauben schwarzen Künstlern leichter der Überkreuzung zu weißen Zuschauern zu machen.

Reine Seele wurde von Otis Redding und den anderen Künstlern von Stax-Aufzeichnungen in Memphis, Tennessee verbreitet. Bis zum Ende der 1960er Jahre war der Atlantik, der Künstler Aretha Franklin registriert, als der populärste weibliche Seelenstern im Land erschienen. Auch zu diesem Zeitpunkt hatte Seele in mehrere Genres, unter Einfluss des psychedelischen Felsens und der anderen Stile zersplittert. Das soziale und politische Ferment der 1960er Jahre hat Künstler wie Marvin Gaye und Curtis Mayfield angeregt, Alben mit dem schlagkräftigen sozialen Kommentar zu veröffentlichen, während eine andere Vielfalt mehr tanzorientierte Musik geworden ist, sich zum Schiss entwickelnd. Trotz seiner vorherigen Sympathie mit politisch und sozial beladene lyrische Themen hat Gaye geholfen, sexuelle und romanische unter einem bestimmten Thema stehende Musik und Schiss, während seine Aufnahmen der 1970er Jahre, einschließlich zu verbreiten, wollen Wir Es Auf (1973) Bekommen, und ich Will Sie (1976) haben geholfen, den ruhigen Sturmton und das Format zu entwickeln. Eines der einflussreichsten Alben jemals registriert, Schlau & der Familienstein Dort ist ein Aufruhr, als der Goin' Auf (1971) unter den ersten und besten Beispielen der gereiften Version der Schiss-Musik nach archetypischen Beispielen des Tons in der früheren Arbeit der Gruppe betrachtet worden ist. Gesprochene Wortseele, eine eklektische Mischung der Dichtung, des Jazzschisses und der Seele wurden von solchen Künstlern wie Gil Scott-Heron und Die Letzten Dichter geübt, und haben kritischen politischen und sozialen Kommentar mit dem afrocentric Gefühl gezeigt. Die Proto-Klopfen-Arbeit von Scott-Heron, einschließlich "Der Revolution Wird" (1971) und Winter in Amerika (1974) Nicht Im Fernsehen übertragen, hat einen beträchtlichen Einfluss auf spätere Hüfte-Sprung-Künstler gehabt, während sein einzigartiger Ton mit Brian Jackson neo Seelenkünstler beeinflusst hat.

Während der Mitte der 1970er Jahre gruppieren hoch glitschige und kommerzielle Bands wie Seele von Philly Den O'Jays und die blauäugige Seelengruppe Hall & Oates hat Hauptströmungserfolg erreicht. Am Ende der 70er Jahre waren die meisten Musik-Genres, einschließlich der Seele, Disko-beeinflusst worden. Mit der Einführung von Einflüssen aus der electro Musik und dem Schiss gegen Ende der 1970er Jahre und Anfang der 1980er Jahre ist Soulmusik weniger roh und glitschiger erzeugt geworden, auf ein Genre der Musik hinauslaufend, die wieder R&B, gewöhnlich bemerkenswert vom früheren Rhythmus und der Niedergeschlagenheit genannt wurde, indem sie es als zeitgenössisch R&B. identifiziert

worden ist

Der erste Zeitgenosse R&B Sterne ist in den 1980er Jahren, mit dem Schiss-beeinflussten Sänger-Prinzen, Tanzpopstar Michael Jackson, und einer Welle von Sängerinnen wie Tina Turner und Whitney Houston entstanden. Michael Jackson und Prinz sind als die einflussreichsten Zahlen im Zeitgenossen R&B und volkstümliche Musik wegen ihres eklektischen Gebrauches von Elementen von einer Vielfalt von Genres beschrieben worden. Prinz war dafür größtenteils verantwortlich, den Ton von Minneapolis zu schaffen: "eine Mischung von Hörnern, Gitarren und elektronischen Synthesizern durch einen unveränderlichen, strammen Rhythmus unterstützt." Die Arbeit von Jackson hat sich auf glatte Balladendichtung oder Disko-beeinflusste Tanzmusik konzentriert; als ein Künstler hat er "Tanzmusik aus dem Disko-Kalmengürtel mit seinem 1979-Solodebüt, Von der Wand, verschmolzen R&B mit dem Felsen auf dem Thriller gezogen, und hat stilisierte Schritte wie der Roboter und moonwalk über den Kurs seiner Karriere eingeführt."

Janet Jackson hat mit ehemaligen Prinz-Partnern Jimmy Jam und Terry Lewis auf ihrer dritten Studio-Album-Kontrolle (1986) zusammengearbeitet; die zweite "Scheußliche" Single des Albums ist als der Ursprung des neuen Wagenheber-Schwingen-Tons, ein von Teddy Riley neu eingeführtes Genre beschrieben worden. Die Arbeit von Riley an Keith Sweat lässt Es Für immer (1987), der Kerl des Kerls (1988) Dauern, und Bobby Brown Ist (nicht 1998) Grausam hat neuen Wagenheber eine Heftklammer des Zeitgenossen R&B in die Mitte der 1990er Jahre schwingen lassen. Neues Wagenheber-Schwingen war ein Stil und Tendenz der stimmlichen Musik, häufig geklopfte Verse und Trommel-Maschinen zeigend. Die Überkreuzungsbitte des frühen Zeitgenossen R&B sind Künstler in der volkstümlichen Hauptströmungsmusik, einschließlich Arbeiten vom Prinzen, Michael und Janet Jackson, Whitney Houston, Tina Turner, Anita Baker und Den Zeigestock-Schwestern ein Wendepunkt für schwarze Künstler in der Industrie geworden, weil ihr Erfolg "vielleicht der erste Hinweis war, dass die größere Weltoffenheit eines Weltmarkts einige Änderungen im Teint der volkstümlichen Musik erzeugen könnte."

Der Gebrauch von melisma, eine Evangelium-Tradition, die von Vokalisten Whitney Houston und Mariah Carey angepasst ist, würde ein Eckstein des Zeitgenossen R&B Sänger werden, die gegen Ende der 1980er Jahre und im Laufe der 1990er Jahre beginnen. Hüfte-Sprung ist zum Einfluss zeitgenössisch R&B später in den 80er Jahren, zuerst durch das neue Wagenheber-Schwingen und dann in einer zusammenhängenden Reihe von Subgenres genannt Hüfte-Sprung-Seele und neo Seele gekommen. Hüfte-Sprung-Seele und neo Seele haben sich später in den 1990er Jahren entwickelt. Typisch gewesen durch die Arbeit von Mary J. Blige und R. Kelly ist der erstere eine Mischung des Zeitgenossen R&B mit dem Hüfte-Sprung schlägt, während die Images und Themen des gangsta Klopfens da sein können. Der Letztere ist ein mehr experimenteller, nervöseres und allgemein weniger Hauptströmungskombination der 60er Jahre und mit den 70er Jahren artigen Seelenvokale mit etwas Hüfte-Sprung-Einfluss, und hat etwas Hauptströmungsanerkennung durch die Arbeit von D'Angelo, Erykah Badu, Alicia Keys und Lauryn Hill verdient. Kritisch mit Jubel begrüßtes Album-Voodoo von D'Angelo (2000) ist von Musik-Schriftstellern als ein Meisterwerk und der Eckstein neo Seelengenre anerkannt worden.

Felsen, Metall und Punkrock

Rock 'n' Roll hat sich aus dem Land, der Niedergeschlagenheit, und R&B entwickelt. Die genauen Ursprünge des Felsens und frühe Einflüsse sind heiß diskutiert worden, und sind die Themen von viel Gelehrsamkeit. Obwohl quadratisch in der Niedergeschlagenheitstradition Felsen Elemente von afro-karibischen und lateinischen Musiktechniken genommen hat. Felsen war ein städtischer Stil, der in den Gebieten gebildet ist, wo verschiedene Bevölkerungen auf die Mischungen von afroamerikanischen, lateinischen und europäischen Genres im Intervall von der Niedergeschlagenheit und dem Land zur Polka und zydeco hinausgelaufen sind. Rock 'n' Roll ist zuerst hereingegangen die volkstümliche Musik durch einen Stil hat rockabilly genannt, der den werdenden Ton mit Elementen der Countrymusic verschmolzen hat. Schwarz durchgeführter Rock 'n' Roll hatte vorher beschränkten Hauptströmungserfolg gehabt, aber es war der weiße Darsteller Elvis Presley, der zuerst an Hauptströmungszuschauer mit einem schwarzen Stil der Musik appelliert hat, einer der Erfolgsmusiker in der Geschichte werdend, und Rock 'n' Roll zu Zuschauern überall in der Welt gebracht hat.

Die 1960er Jahre haben mehrere wichtige Änderungen in der volkstümlichen Musik gesehen, schaukeln Sie sich besonders. Viele dieser Änderungen haben durch die britische Invasion stattgefunden, wo Bands wie Die Beatles, Wer Die Rolling Stones, und später Geführter Zeppelin unermesslich populär geworden ist und eine tiefe Wirkung auf die amerikanische Kultur und Musik hatte. Diese Änderungen haben die Bewegung von beruflich gelassenen Liedern bis den Liedermacher und das Verstehen der volkstümlichen Musik als eine Kunst, aber nicht eine Form des Handels oder der reinen Unterhaltung eingeschlossen. Diese Änderungen haben zum Anstieg von Musikbewegungen geführt, die mit politischen Absichten, wie bürgerliche Rechte und die Opposition gegen den Krieg von Vietnam verbunden sind. Felsen war an der vordersten Reihe dieser Änderung.

Am Anfang der 60er Jahre hat Felsen mehrere Subgenres erzeugt, mit der Brandung beginnend. Brandung war ein instrumentales Gitarrengenre, das durch einen verdrehten Ton charakterisiert ist, der mit dem Südlichen Kalifornien vereinigt ist, das Jugendkultur surft. Begeistert durch den lyrischen Fokus der Brandung haben Die Strandjungen begonnen, 1961 mit einem wohl durchdachten, mit dem Knall freundlichen und harmonischen Ton zu registrieren. Da ihre Berühmtheit gewachsen ist, hat Der Strandjunge-Songschreiber Brian Wilson mit neuen Studio-Techniken experimentiert und ist verbunden mit der Gegenkultur geworden. Die Gegenkultur war eine Bewegung, die politischen Aktivismus umarmt hat, und mit der Hippie-Subkultur nah verbunden wurde. Die Hippies wurden mit dem Volksfelsen, Landfelsen und psychedelischen Felsen vereinigt. Leute und Landfelsen wurden mit dem Anstieg der politisierten Volksmusik vereinigt, die von Pete Seeger und anderen besonders an der Musik-Szene des Greenwich Village in New York geführt ist. Leute schaukeln sich ist in die Hauptströmung in der Mitte der 1960er Jahre eingegangen, als der Liedermacher Bob Dylan seine Karriere begonnen hat. Redakteur von Allmusic Stephen Thomas Erlewine schreibt die Verschiebung der Beatles zu introspektivem songwriting Mitte der 1960er Jahre zum Einfluss von Bob Dylan zurzeit zu. Ihm wurde von mehreren Landrockbands gefolgt und, folky Liedermacher weich. Psychedelischer Felsen war eine hart fahrende Art des gitarrenbasierten Felsens, der nah mit der Stadt San Francisco vereinigt ist. Obwohl Flugzeug von Jefferson das einzige lokale Band war, um einen nationalen Haupterfolg zu haben, sind die Dankbaren Toten, ein Land und mit dem Wiesenrispengras schmackhaftes Marmelade-Band, ein ikonischer Teil der psychedelischen Gegenkultur geworden, die mit Hippies, LSD und anderen Symbolen dieses Zeitalters vereinigt ist.

Im Anschluss an die unruhigen politischen, sozialen und musikalischen Änderungen der 1960er Jahre und Anfang der 1970er Jahre hat sich Rock variiert. Was früher ein getrenntes Genre bekannt als Rock 'n' Roll war, der in eine allumfassende Kategorie entwickelt ist, genannt einfach Rock, der gekommen ist, um verschiedene Stile wie schweres Metall und Punkrock einzuschließen. Während der 70er Jahre entwickelten sich die meisten dieser Stile in der unterirdischen Musik-Szene, während Hauptströmungszuschauer das Jahrzehnt mit einer Welle von Liedermachern begonnen haben, die sich auf die tief emotionale und persönliche Lyrik des Volksfelsens der 1960er Jahre gestützt haben. Dieselbe Periode hat den Anstieg von bombastischen Arena-Rockbands, bluesy Südliche Rockgruppen und ausgereifte weiche Rockstars gesehen. In den späteren 1970er Jahren beginnend, sind der Felsen-Sänger und Songschreiber Bruce Springsteen ein Hauptstern, mit anthemic Liedern und dichter, unergründlicher Lyrik geworden, die die Armen und Arbeiterklasse gefeiert hat.

Punkrock war eine Form des rebellischen Felsens, der in den 1970er Jahren begonnen hat, und laut, aggressiv und häufig sehr einfach war. Punkrock hat als eine Reaktion gegen die volkstümliche Musik der Periode, besonders Disko und Arena-Felsen begonnen. Amerikanische Bänder im Feld, haben am berühmtesten, Den Ramones und die Sprechenden Köpfe, das letzte Spielen eines avantgardistischeren Stils eingeschlossen, der mit dem Punkrock vor dem Entwickeln in die Neue Hauptströmungswelle nah vereinigt wurde. Andere Haupttaten schließen Blondie, Patti Smith und Fernsehen ein. In den 1980er Jahren sind einige Punkrock-Anhänger und Bänder von der wachsenden Beliebtheit des Stils nüchtern geworden, auf einen noch aggressiveren Stil genannt harten Punkrock hinauslaufend. Harter Kern war eine Form des spärlichen Punkrocks, aus kurzen, schnell, und intensiven Liedern bestehend, die mit der entfremdeten Jugend, mit solchen einflussreichen Bändern als Schlechte Religion, Schlechter Verstand, Schwarze Fahne, Toter Kennedys und Geringe Drohung gesprochen haben. Harter Kern hat in Metropolen wie Washington, D.C begonnen. Obwohl die meisten amerikanischen Hauptstädte ihre eigenen lokalen Szenen in den 1980er Jahren hatten.

Harter Kern, Punkrock und Werkstatt-Felsen waren die Wurzeln des alternativen Felsens, eine verschiedene Gruppierung von Felsen-Subgenres, die der Hauptströmungsmusik ausführlich entgegengesetzt waren, und das ist aus den Punkrock- und Postpunkrock-Stilen entstanden. In den Vereinigten Staaten haben viele Städte lokale alternative Felsen-Szenen, einschließlich Minneapolis und Seattles entwickelt. Seattles lokale Szene hat Schmutz-Musik, ein dunkler und Brütenstil erzeugt, der durch den harten Kern, psychedelia, und alternativen Felsen begeistert ist. Mit der Hinzufügung eines melodischeren Elements zum Ton von Bändern wie Nirwana- und Perle-Marmelade ist Schmutz wild populär über die Vereinigten Staaten 1991 geworden. Drei Jahre später haben Bänder wie Grüner Tag, Die Nachkommenschaft, Ranzige, Schlechte Religion und NOFX die Hauptströmung (mit ihren jeweiligen dann neuen Alben Dookie, Zerkrachen, Gehen wir, Fremder geschlagen als Fiktion und Punkrock in Drublic) und haben die Punkrock-Szene-Aussetzung von Kalifornien weltweit gebracht.

Schweres Metall wird durch aggressive, fahrende Rhythmen charakterisiert, hat verstärkt und hat Gitarren, grandiose Lyrik und virtuosic Instrumentierung verdreht. Die Ursprünge des schweren Metalls liegen in den harten Rockbands, die Niedergeschlagenheit und Felsen genommen haben und einen schweren Ton geschaffen haben, der um die Gitarre und Trommeln in den Mittelpunkt gestellt ist. Die meisten Pioniere im Feld waren Briten; die ersten amerikanischen Hauptbänder sind am Anfang der 1970er Jahre, wie Blauer Öyster Kult, KISS und Aerosmith gekommen. Schweres Metall, ist jedoch, ein größtenteils unterirdisches Phänomen geblieben. Während der 1980er Jahre ist der erste mit dem Knall metallene Hauptstil entstanden und hat die Karten seit mehreren Jahren beherrscht, die durch die Metalltat Ruhiger Aufruhr gestartet sind, und hat durch Bands wie Mötley Crüe und Ratt vorgeherrscht; das war schickes Metall, ein Hardrock und Knall-Fusion mit einem rauen Geist und einem schick beeinflussten Sehästhetischen. Einige dieser Bänder, wie Bon Jovi, sind internationale Sterne geworden. Die Band-Pistolen N' Rosés haben sich zur Berühmtheit in der Nähe vom Ende des Jahrzehnts mit einem Image erhoben, das eine Reaktion gegen das schicke ästhetische Metall war. Durch die Mitte der 1980er Jahre hatte sich schweres Metall in so vielen verschiedenen Richtungen verzweigt, dass Anhänger, Rekordgesellschaften und Fanmagazine zahlreiche Subgenres geschaffen haben. Die Vereinigten Staaten waren besonders für eines dieser Subgenres bekannt, verdreschen Sie Metall, das von Bands wie Milzbrand, Metallica, Megadeth und Slayer mit Metallica neu eingeführt wurde, der das am meisten gewerblich erfolgreiche ist. Die Vereinigten Staaten waren als einer der Geburtsorte von Todesmetall während der Mitte zum Ende der 1980er Jahre bekannt. Die Szene von Florida war die wohl bekanntesten, zeigenden Bänder wie Tod, Krankhafter Engel, Deicide, kannibalischer Leichnam, Boshafte Entwicklung, Todesanzeige und viele andere. Es gibt jetzt unzähliges Todesmetall und deathgrind Bänder über das Land.

Hüfte-Sprung

Hüfte-Sprung ist eine kulturelle Bewegung, deren Musik ein Teil ist. Hüfte-Sprung-Musik wird selbst größtenteils aus zwei Teilen zusammengesetzt: das Pochen, die Übergabe von schnellen, hoch rhythmischen und lyrischen Vokalen; und DJing und / oder das Produzieren, die Produktion der Instrumentierung entweder durch die Stichprobenerhebung, Instrumentierung, turntablism oder durch beatboxing, die Produktion von Musiktönen durch ausgesprochene Töne. Hüfte-Sprung ist am Anfang der 1970er Jahre im Bronx, New York City entstanden. Jamaikanischer einwandernder DJ KOOL HERC wird als der Ahn des Hüfte-Sprungs weit betrachtet; er hat mit ihm von Jamaika die Praxis des Röstens über die Rhythmen von populären Liedern gebracht. Conférenciers sind ursprünglich entstanden, um die Seele, den Schiss und R&B Lieder vorzustellen, die die DJS gespielt haben, und die Menge aufgeregt und das Tanzen zu halten; mit der Zeit haben die DJS begonnen, die Schlagzeug-Brechung von Liedern (wenn die Rhythmus-Höhepunkte) zu isolieren, das Erzeugen eines wiederholten hat das die Conférenciers geklopft geschlagen.

Am Anfang der 1980er Jahre gab es populäre Hüfte-Sprung-Lieder, und die Berühmtheiten der Szene, wie LL Cool J, haben Hauptströmungsruhm gewonnen. Andere Darsteller haben mit der politisierten Lyrik und dem sozialen Bewusstsein experimentiert, oder haben Hüfte-Sprung mit Jazz, schwerem Metall, techno, Schiss und Seele verschmolzen. Neue Stile sind im letzten Teil der 1980er Jahre, wie alternativer Hüfte-Sprung und die nah zusammenhängende Jazzklopfen-Fusion erschienen, die von Rappern wie De La Soul den Weg gebahnt ist.

Klopfen von Gangsta ist eine Art Hüfte-Sprung, der am wichtigsten durch einen lyrischen Fokus auf der betont männlichen Sexualität, physicality und einem Image des Banditen charakterisiert ist. Obwohl die Ursprünge des gangsta Klopfens zurück zum Stil der Mitte der 1980er Jahre Philadelphias Schul-D und das Eis-T der Westküste verfolgt werden können, hat sich der Stil verbreitert und ist gekommen, um für viele verschiedene Gebiete im Land, Rappern von New York, wie Notorischer B.I.G und einflussreicher Hüfte-Sprung-Gruppenwu-Griffzapfen-Clan, und Rappern auf der Westküste, solcher als Zu Kurz und N.W.A zu gelten. Eine kennzeichnende Westküste-Klopfen-Szene hat den Anfang des G-Schiss-Tons der 1990er Jahre erzeugt, der gangsta Klopfen-Lyrik mit einem dicken und nebeligen Ton häufig von Schiss-Proben der 1970er Jahre paarweise angeordnet hat; die am besten bekannten Befürworter waren die Rapper 2Pac, Dr Dre, Ice Cube und Snoop Dogg. Klopfen von Gangsta hat fortgesetzt, eine Hauptanwesenheit in der amerikanischen volkstümlichen Musik im Laufe des Endes der 1990er Jahre und früh ins 21. Jahrhundert auszuüben.

Andere Nische-Stile

Die amerikanische Musik-Industrie wird von großen Gesellschaften beherrscht, die erzeugen, auf den Markt bringen und bestimmte Arten der Musik verteilen. Allgemein erzeugen diese Gesellschaften nicht, oder erzeugen in nur sehr beschränkten Mengen, Aufnahmen in Stilen, die an sehr große Zuschauer nicht appellieren. Kleinere Gesellschaften füllen häufig die Leere aus, ein großes Angebot an Aufnahmen in Stilen im Intervall von der Polka zum Salsa anbietend. Viele kleine Musik-Industrien werden um einen Kern fanbase gebaut, wer größtenteils in einem Gebiet, wie Tejano oder hawaiische Musik basieren kann, oder sie wie das Publikum für jüdischen klezmer weit verstreut werden können.

Die einzelne größte Nische-Industrie basiert auf der lateinischen Musik. Lateinische Musik hat lange amerikanische volkstümliche Musik beeinflusst, und war ein besonders entscheidender Teil der Entwicklung des Jazz. Moderne lateinische Knall-Stile schließen eine breite Reihe von Genres ein, die von jenseits Lateinamerikas, einschließlich kolumbianischen cumbia, puerto-ricanischen reggaeton und des mexikanischen corrido importiert sind. Die lateinische volkstümliche Musik in den Vereinigten Staaten hat mit einer Welle von Tanzbändern in den 1930er Jahren und 50er Jahren begonnen. Die populärsten Stile haben die Conga, die Rumba und den Mambo eingeschlossen. In den 50er Jahren hat Perez Prado das cha-cha-cha berühmte gemacht, und der Anstieg des afro-kubanischen Jazz hat viele Ohren zu den harmonischen, melodischen und rhythmischen Möglichkeiten der lateinischen Musik geöffnet. Die berühmteste amerikanische Form der lateinischen Musik ist jedoch Salsa. Salsa vereinigt viele Stile und Schwankungen; der Begriff kann gebraucht werden, um die meisten Formen von populären von den Kubanern abgeleiteten Genres zu beschreiben. Am meisten spezifisch, jedoch, bezieht sich Salsa auf einen besonderen Stil, der von Gruppen der Mitte der 1970er Jahre des Kubaners des Gebiets New York Citys und der puerto-ricanischen Einwanderer und der stilistischen Nachkommen wie Salsa der 1980er Jahre romantica entwickelt wurde. Salsa-Rhythmen, werden mit mehreren Mustern gespielt gleichzeitig kompliziert. Der clave Rhythmus bildet die Basis von Salsa-Liedern und wird von den Darstellern als ein allgemeiner rhythmischer Boden für ihre eigenen Ausdrücke verwendet.

Die Vereinigten Staaten haben eine bedeutende Rolle in der Entwicklung der elektronischen Tanzmusik, spezifisch Haus und techno gespielt, der in Chicago und Detroit beziehungsweise entstanden ist.

Regierung, Politik und Gesetz

Die Regierung der Vereinigten Staaten regelt die Musik-Industrie, macht Gesetze des geistigen Eigentums geltend und fördert und sammelt bestimmte Arten der Musik. Laut des amerikanischen Urheberrechtsgesetzes werden Musikarbeiten, einschließlich Aufnahmen und Zusammensetzungen, als geistiges Eigentum geschützt, sobald sie in einer greifbaren Form befestigt werden. Urheberrechtshalter schreiben häufig ihre Arbeit mit der Bibliothek des Kongresses ein, der eine Sammlung des Materials aufrechterhält. Außerdem hat die Bibliothek des Kongresses kulturell und musikwissenschaftlich bedeutende Materialien seit dem Anfang des 20. Jahrhunderts, solcher als durch das Senden Forschern aktiv herausgefunden, um Volksmusik zu registrieren. Diese Forscher schließen den den Weg bahnenden amerikanischen Volkslied-Sammler Alan Lomax ein, dessen Arbeit geholfen hat, das Wurzelwiederaufleben der Mitte des 20. Jahrhunderts zu begeistern. Die Bundesregierung fundiert auch die Nationalen Stiftungen für die Künste und Geisteswissenschaften, die Bewilligungen Musikern und anderen Künstlern, der Smithsonian Einrichtung zuteilen, die Forschung und Bildungsprogramme und die Vereinigung für die Öffentliche Rundfunkübertragung führt, die gemeinnützige und Fernsehfernsehsprecher fundieren.

Musik hat lange die Politik der Vereinigten Staaten betroffen. Politische Parteien und Bewegungen verwenden oft Musik und Lied, um ihre Ideale und Werte mitzuteilen, und Unterhaltung an politischen Funktionen zur Verfügung zu stellen. Die Präsidentenkampagne von William Henry Harrison war erst, um aus Musik außerordentlich einen Nutzen zu ziehen, nach der es Standardpraxis für Hauptkandidaten geworden ist, um Lieder zu verwenden, um öffentliche Begeisterung zu schaffen. In neueren Jahrzehnten haben Politiker häufig Erkennungsmelodien gewählt, von denen einige ikonisch geworden sind; das Lied "Glückliche Tage Ist Hier Wieder" zum Beispiel, ist mit der demokratischen Partei seit der 1932-Kampagne von Franklin D. Roosevelt vereinigt worden. Seit den 1950er Jahren, jedoch, hat sich Musik in der Wichtigkeit in der Politik geneigt, die durch die im Fernsehen übertragene Werbetätigkeit durch wenig oder keine Musik ersetzt ist. Bestimmte Formen der Musik sind näher vereinigt mit dem politischen Protest besonders in den 1960er Jahren geworden. Evangelium-Sterne wie Mahalia Jackson sind wichtige Zahlen in der Bürgerrechtsbewegung geworden, während das amerikanische Volkswiederaufleben geholfen hat, die Gegenkultur der 1960er Jahre und Opposition gegen den Krieg von Vietnam auszubreiten.

Industrie und Volkswirtschaft

Die amerikanische Musik-Industrie schließt mehrere Felder, im Intervall von Rekordgesellschaften zu Radiostationen und Gemeinschaftsorchestern ein. Gesamtindustrieeinnahmen sind ungefähr $ 40 Milliarden weltweit und ungefähr $ 12 Milliarden in den Vereinigten Staaten. Die meisten Hauptrekordgesellschaften in der Welt basieren in den Vereinigten Staaten; sie werden von der Aufnahme-Industrievereinigung Amerikas (RIAA) vertreten. Die Hauptrekordgesellschaften erzeugen Material durch Künstler, die zu einer ihrer Plattenfirmen, ein Markenname unterzeichnet haben, der häufig mit einem besonderen Genre vereinigt ist, oder Erzeuger registrieren. Rekordgesellschaften können auch fördern und ihre Künstler, durch Werbung, öffentliche Leistungen und Konzerte und Fernsehanschein auf den Markt bringen. Rekordgesellschaften können an andere Musik-Mediagesellschaften angeschlossen werden, die ein mit der populären Schallplattenmusik verbundenes Produkt erzeugen. Diese schließen Fernsehkanäle wie MTV, Zeitschriften wie Rollender Stein und Radiostationen ein. In den letzten Jahren ist die Musik-Industrie im Aufruhr über den Anstieg des Internetherunterladens der urheberrechtlich geschützten Musik verwickelt worden; viele Musiker und der RIAA haben sich bemüht, Anhänger zu bestrafen, die ungesetzlich urheberrechtlich geschützte Musik herunterladen.

Radiostationen in den Vereinigten Staaten übertragen häufig volkstümliche Musik. Jede Musik-Station hat ein Format oder eine Kategorie von zu spielenden Liedern; diese sind, aber nicht dasselbe als gewöhnliche allgemeine Klassifikation allgemein ähnlich. Viele Radiostationen in den Vereinigten Staaten sind lokal und bedient im Besitz, und können eine eklektische Zusammenstellung von Aufnahmen anbieten; viele andere Stationen sind von großen Gesellschaften wie Klarer Kanal im Besitz, und basieren allgemein um einen kleineren, mehr wiederholenden playlist. Kommerzielle Verkäufe von Aufnahmen werden durch die Zeitschrift Billboard verfolgt, die mehrere Musik-Karten für verschiedene Felder von Schallplattenmusik-Verkäufen kompiliert. Die Werbetafel Heiße 100 ist die Spitzenpopmusik-Karte für Singlen, eine Aufnahme, die aus einer Hand voll Lieder besteht; längere Knall-Aufnahmen sind Alben, und werden durch die Werbetafel 200 verfolgt. Obwohl Schallplattenmusik in amerikanischen Häusern gewöhnlich ist, viele der Musik-Industrieeinnahmen kommt aus einer kleinen Anzahl von Anhängern; zum Beispiel kommen 62 % von Album-Verkäufen aus weniger als 25 % des Musik kaufenden Publikums. Gesamt-CD-Verkäufe in den Vereinigten Staaten haben 705 Millionen Einheiten verkauft 2005, und Single-Verkäufe gerade unter drei Millionen überstiegen.

Obwohl die Hauptrekordgesellschaften die amerikanische Musik-Industrie beherrschen, besteht eine unabhängige Musik-Industrie (indie Musik) wirklich. Musik von Indie basiert größtenteils um lokale Plattenfirmen mit dem beschränkten, falls etwa, Einzelvertrieb außerhalb eines kleinen Gebiets. Künstler registrieren manchmal für ein Indie-Etikett und gewinnen genug zu einer führenden Firma zu unterzeichnenden Beifall; andere beschließen, an einem Indie-Etikett für ihre kompletten Karrieren zu bleiben. Musik von Indie kann in Stilen sein, die der Hauptströmungsmusik allgemein ähnlich sind, aber ist häufig unzugänglich, ungewöhnlich oder vielen Menschen sonst unsympathisch. Musiker von Indie befreien häufig einige oder alle ihre Lieder über das Internet für Anhänger und andere, um herunterzuladen und zu hören. Zusätzlich zur Aufnahme von Künstlern von vielen Arten gibt es zahlreiche Felder der beruflichen musikalischen Sachverstand in den Vereinigten Staaten, von denen viele selten, einschließlich Gemeinschaftsorchester, Hochzeitssänger und Bänder, Halle-Sänger und Nachtklub-DJS registrieren. Die amerikanische Föderation von Musikern ist die größte amerikanische Gewerkschaft für Berufsmusiker. Jedoch haben nur 15 % der Mitglieder der Föderation unveränderliche Musik-Beschäftigung.

Ausbildung

Musik ist ein wichtiger Teil der Ausbildung in den Vereinigten Staaten, und ist ein Teil von die meisten oder allen Schulsystemen im Land. Musik-Ausbildung ist in öffentlichen Grundschulen allgemein obligatorisch, und ist ein Wahl-in späteren Jahren. Höhere Schulen bieten allgemein Klassen im Singen, größtenteils Chor-, und Instrumentierung in der Form eines großen Schulbandes an. Musik kann auch ein Teil der von einer Drama-Abteilung einer Schule angezogenen Theaterproduktion sein. Viele öffentliche und Privatschulen haben Musik-Klubs und Gruppen meistens einschließlich des marschierenden Bandes gesponsert, das an Sportspielen der Höheren Schule, eine Tendenz leistet, die mit der breiten Beliebtheit der Bänder von Sousa in den 1880er Jahren und 1890er Jahren begonnen hat.

Die Hochschulbildung im Feld der Musik in den Vereinigten Staaten basiert größtenteils um große Universitäten, obwohl es wichtige kleine Musik-Akademien und Konservatorien gibt. Universitätsmusik-Abteilungen können Bänder im Intervall von marschierenden Bändern sponsern, die ein wichtiger Teil von sportlichen Collegeereignissen sind, prominent Kampf-Lieder, zu Herrenfriseursalon-Gruppen, Gesangvereinen, Jazzensembles und Symphonien zeigend, und Musical zusätzlich sponsern können, übertreffen Programme, solcher als durch das Holen ausländischen Darstellern zum Gebiet für Konzerte. Universitäten können auch eine Musikwissenschaft-Abteilung haben, und forschen wirklich auf vielen Stilen der Musik.

Gelehrsamkeit

Die wissenschaftliche Studie der Musik in den Vereinigten Staaten schließt Arbeitsverbindungsmusik zu sozialer Klasse, rassischer, ethnischer und religiöser Identität, Geschlecht und Sexualität, sowie Studien der Musik-Geschichte, Musikwissenschaft und anderen Themen ein. Die akademische Studie der amerikanischen Musik kann zurück zum Ende des 19. Jahrhunderts verfolgt werden, als Forscher wie Alice Fletcher und Francis La Flesche die Musik der Völker von Omaha studiert haben, für das Büro von der amerikanischen Völkerkunde und das Museum von Peabody der Archäologie und Völkerkunde arbeitend. In den 1890er Jahren und in den Anfang des 20. Jahrhunderts wurden musikwissenschaftliche Aufnahmen unter einheimischen, hispanischen, afroamerikanischen und anglo-amerikanischen Völkern der Vereinigten Staaten gemacht. Viele haben für die Bibliothek des Kongresses, zuerst Unter Führung Oskar Sonnecks, Chefs der Musik-Abteilungen der Bibliothek gearbeitet. Diese Forscher haben Robert W. Gordon, Gründer des Archivs des amerikanischen Volksliedes, und John und Alan Lomax eingeschlossen; Alan Lomax war von mehreren Volkslied-Sammlern am prominentesten, die geholfen haben, das Wurzelwiederaufleben des 20. Jahrhunderts der amerikanischen Volkskultur zu begeistern.

Früh hat die 20. wissenschaftliche Analyse der amerikanischen Musik dazu geneigt, Europäer-abgeleitete klassische Traditionen als die würdigste von der Studie, mit den Leuten, der religiösen und traditionellen Musik des Volkes verunglimpft als niedrige Klasse und von wenig künstlerischem oder sozialem Wert zu interpretieren. Amerikanische Musik-Geschichte war im Vergleich zur viel längeren historischen Aufzeichnung von europäischen Nationen und wurde gefunden, Hauptschriftsteller wie der Komponist Arthur Farwell wollend, um zu erwägen, welche Sorten von Musiktraditionen aus der amerikanischen Kultur in seiner 1915-Musik in Amerika entstehen könnten. 1930 ist Unsere amerikanische Musik von John Tasker Howard eine Standardanalyse geworden, sich größtenteils auf der in den Vereinigten Staaten zusammengesetzten Konzertmusik konzentrierend. Seit der Analyse des Musikwissenschaftlers Charles Seeger Mitte des 20. Jahrhunderts ist amerikanische Musik-Geschichte häufig, wie vertraut verbunden, mit Wahrnehmungen der Rasse und Herkunft beschrieben worden. Unter dieser Ansicht hat der verschiedene rassische und ethnische Hintergrund der Vereinigten Staaten beide einen Sinn der Musiktrennung zwischen den Rassen gefördert, während er noch unveränderliche Akkulturation fördert, als sich Elemente der europäischen, afrikanischen und einheimischen Musik zwischen Feldern bewegt haben. Die Musik des Amerikas von Gilbert Chase, von den Pilgern zur Gegenwart, war die erste Hauptarbeit, um die Musik der kompletten Vereinigten Staaten zu untersuchen, und Volkstraditionen als mehr kulturell bedeutend anzuerkennen, als Musik für den Konzertsaal. Die Analyse von Chase einer verschiedenen amerikanischen Musikidentität ist die dominierende Ansicht unter der akademischen Errichtung geblieben. Bis zu den 1960er Jahren und den 70er Jahren, jedoch, haben die meisten Musikgelehrten in den Vereinigten Staaten fortgesetzt, europäische Musik zu studieren, sich nur zu bestimmten Feldern der amerikanischen Musik, der besonders Europäer-abgeleiteten klassischen und Opernstile, und manchmal des afroamerikanischen Jazz beschränkend. Modernere Musikwissenschaftler und ethnomusicologists haben Themen im Intervall von der nationalen Musikidentität zu den individuellen Stilen und Techniken von spezifischen Gemeinschaften in einer bestimmten Zeit der amerikanischen Geschichte studiert. Prominente neue Studien der amerikanischen Musik schließen die Musik von Charles Hamm in die Neue Welt von 1983 und das Musikleben des Amerikas von Richard Crawford von 2001 ein.

Urlaube und Feste

Musik ist ein wichtiger Teil von mehreren amerikanischen Urlauben, besonders eine Hauptrolle im Winterzeit-Feiern von Weihnachten spielend. Die Musik des Urlaubs schließt sowohl religiöse Lieder wie "O Heilige weltliche als auch" Nachtlieder wie "Geklingel-Glocken" ein. Patriotische Lieder wie die Nationalhymne, "Die Sternenbesäte Schlagzeile", sind ein Hauptteil von Unabhängigkeittagesfeiern. Musik spielt auch eine Rolle an vielen Regionalurlauben, die landesweit, am berühmtesten Fasching, eine Musik und Tanzparade und Fest in New Orleans, Louisiana nicht gefeiert werden.

Die Vereinigten Staaten beherbergen zahlreiche Musik-Feste, die Vitrine-Stile im Intervall von der Niedergeschlagenheit und dem Jazz zu indie schaukeln und schweres Metall. Einige Musik-Feste sind im Spielraum, einschließlich weniger oder keiner Darsteller mit einem nationalen Ruf ausschließlich lokal, und werden allgemein von lokalen Befürwortern bedient. Die großen Aufnahme-Gesellschaften operieren ihre eigenen Musik-Feste, wie Lollapalooza und Ozzfest, die riesige Mengen anziehen.

Siehe auch

Protest-Lieder im USA-

Referenzen

Weiterführende Literatur

Außenverbindungen


Mindset / Die Teenager
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